Multiple/Split

Suspenses diferentes, claustrofobias parecidas a as de siempre,  cámara de movimientos pesados pero nada de esto es agresivo para el espectador que si gusta puede disfrutar tranquilo el espectáculo de  de nuevo M Nitgth Syhamalan.  El virtuoso director de Señales o El incidente. Juego de palabras con resultado final impredecible y secundada la play acción por actores excelentes de contrastada trayectoria. El film se podria haber llamado esquizofrenia o bipolar también.  No puedo asegurar que volverá al sexto sentido pero si que no lo hará a El ultimo guerrero ni a After Heart.  Ha tardado 10 años en regirar este guiones que ha dejado en 117 minutos. Kevin le ha demostrado a su psiquiatra de confianza, la Dra. Fletcher, que posee 23 personalidades diferentes. Por si esto fuera poco, una más está emergiendo para controlar a todas las demás. Ésta obliga a Kevin a raptar a tres chicas inocentes, entre las que se encuentra la decidida y observadora Casey. Las jóvenes, al igual que Kevin, intentarán sobrevivir en una constante lucha contra el resto de personajes que pueblan la psique de su raptor, cuyos compartimentos mentales se derrumban. Después de reverdecer viejos laureles con La visita, el nominado al Oscar M. Night Shyamalan vuelve a la senda del suspense puro y duro en Múltiple. Considerada por buena parte de la crítica como la más aterradora del director de origen indio, la película sigue tratando una de sus grandes inquietudes (la naturaleza humana) y adentra al espectador en la compleja y misteriosa mente fracturada de un hombre, interpretado por James McAvoy (X-Men: Apocalipsis), en una cinta de secuestros con una atmósfera claustrofóbica e insana. En semejante entorno, entre el cine de Hitchcock y el terror más visceral, Anya Taylor-Joy (La bruja), Jessica Sula (Godless) y Haley Lu Richardson (The Last Survivors) serán las tres chicas que intentarán escapar a los terroríficos cambios de personalidad de su raptor. Completa el reparto la legendaria Betty Buckley (que repite con Shyamalan tras El incidente) como la atareada psiquiatra del ptrotagonista. 

las plantes

Una joven que tiene 17 años, y desarrolla su vida casi por completo en torno a su hermano, en estado vegetativo. Con la única ayuda del poco dinero que su madre, internada en un hospital, les envía, Florencia se evade a través de su afición por los cómics y el anime. Un día, encuentra una vieja historieta sobre una invasión de espíritus vegetales con poderes para poseer cuerpos. Sola, salvo por la "compañía" de su hermano, la joven calma su desamparo explorando su sexualidad con desconocidos en Internet. El chileno Roberto Doveris debuta como director con Las plantas, cinta galardonada en el Festival de Berlín. En su ópera prima, el realizador hace una interesante mezcla de géneros, como el drama, el suspense o la ciencia ficción, para contarnos una historia sobre la soledad y el despertar sexual de una joven que vive en un microcosmos poblado por un hermano en estado vegetativo, su afición por los cómics y un grupo de desconocidos con los que contacta a través de Internet. En este film, que muestra la búsqueda y el descubrimiento del erotismo desde el punto de vista femenino, Doveris experimenta con la superposición de la animación gráfica sobre la imagen real, así como el uso de la música compuesta por la cantante Violeta Castillo, que a su vez inicia su andadura en el cine como protagonista de la película. Completan el reparto los también actores novel Mauricio Vaca, Ernesto Meléndez y Juan Cano.

Yogas Catacric 2017

El colectivo Catacric (Catalans Critics), reunido en la noche del 30 de enero del 2017, en un céntrico lugar de Barcelona, ha decidido otorgar los 28º anti-premios YoGa a lo peorcito de la producción cinematográfica del año 2016.
En sus deliberaciones, el jurado, anónimo y mutante, como cada año, desde hace 28 inviernos, ha tenido en cuenta las apreciaciones, comentarios y sugerencias de los lectores de esta web y de las diferentes redes sociales, como Facebook y Twitter.

CINE ESPAÑOL

Peor película: YoGa ‘Morrallas de Targarona’, a ‘Secuestro‘ [de Mar Targarona]

Peores directores: YoGa ‘No culpes a Carmen [Machi] de lo que os pasa por…’, a Miguel del Arco (por ‘Las furias’), Félix Sabroso (por ‘El tiempo de los monstruos’) y Nacho G. Velilla (por ‘Villaviciosa de al lado’).

Peor actor: YoGa ‘Que dios te perdone’, Eduard Fernández, por ‘Lejos del mar’ y ‘La noche que tu madre mató a mi padre’.

Peor actriz: YoGa ‘Canta y no llores’, a Sílvia Pérez Cruz, por ‘Cerca de tu casa’.

CINE EXTRANJERO

Peor película: YoGa ‘Se os acabó el pastel’, a ‘Frente al mar‘, de Angelina Jolie.

Peor director: YoGa ‘Fargo para recordar’, a los hermanos Joel y Ethan Coen por ‘¡Ave, César!’.

Peor actor: YoGa ‘El hombre de una sola cara’, a Ben Affleck por ‘Batman vs Superman’ y ‘El contable’.

Peor actriz: YoGa ‘Resacón en las vías’, a Emily Blunt, por ‘La chica del tren’.

ESPECIALES

Uno de los nuestros: Yoga ‘Adieu au langage’, a Àngel Sala, director del Festival de Sitges.

Remakes: YoGa ‘No profanar el sueño de los muertos’, a las nuevas versiones de ‘Ben-Hur‘, ‘Los siete magníficos‘ y ‘La leyenda de Tarzán‘.

Veterano: Yoga ‘Múltiple’ a Jeremy Irons por las seis películas en las que ha actuado este año: ‘Assassin’s Creed’, ‘Batman vs Superman’, ‘El héroe de Berlín’, ‘El hombre que conocía el infinito’, ‘High-rise’ y ‘La correspondencia

el ultimo rey/Birkeberniene

El nombre noruego del film, comosiempre lo define a la perfeccion, recoge el nombre de unas pistas que se lo dan almismo tiempo a una tradicional y p, que potente carrera uqe hara  las deelicias de lso aficionadoscon sus carreras persecuciones y distintos avatares al ritmo dde la musica de Bourne. Un increscendo como los de antes mantiene  al espectador cociente de que esta esquiando y no en una sala de cine. El recien nacido rey de Noruega con el siglo XIII no debe morir. Su unica prueba, su nedallon  real.Es el año 1206, y Noruega se desangra tras una cruenta guerra civil. Además, el rey agoniza en su lecho de muerte, mientras una nueva vida llega en el secreto más absoluto. Es su hijo, su legítimo heredero, que desde el primer suspiro es amenazado de muerte por los enemigos de su padre. Han puesto precio a la cabeza del recién nacido y un ejército parte para darle caza. Sin embargo, dos heroicos soldados, Skjervald y Torstein, sacrificarán todo para proteger al niño y hacerle rey de Noruega. Éxito absoluto en su país de origen, Noruega, donde se situó en el top ten de recaudaciones de 2016, incluso por delante de películas como Jason Bourne o Mascotas, llega a nuestras pantallas El último rey, épica medieval a cargo de Nils Gaup (En busca de la estrella de Navidad) que narra uno de los relatos más icónicos para los noruegos, el de la huida del bebé Hakon, heredero al trono, y que a la postre se convertiría en uno de los monarcas más importantes de la historia del país. Protagonizada por Kristofer Hivju (La cosa), conocido por su papel en Juego de tronos, Jakob Oftebro (Redención: Los casos del Departamento Q) y Nikolaj Lie Kaas (El niño 44), la cinta nos muestra espectaculares batallas y trepidantes persecuciones en la nieve que, como parte del mito, inspiraron la tradicional carrera anual de esquí de Birkebeiner.

dire tu nombre/The als t face

  Quiza Sea Penn sea una buena persona. Pero no es suficiente para hacer una buena película.  Dos grandes de la cinematografia como Javier Bardem y la Theron, no logran convencer a pesar de las terribles imagenes que nos destrozan la retina. Jean Reno tambien asiste impavido a esta historia de amor cooperante, entre dos medicos, galenos, o doctores abnegados a su tarea humanitaria. En una misión humanitaria en África, el doctor Miguel León y la directora de una organización de cooperación internacional Wren Petersen se conocen y se enamoran. Entre la barbarie bélica que sacude Liberia, los dos luchan por fortalecer su romance, envuelto en la violencia y la incertidumbre que les rodea. La pasión que comparten por salvar vidas contrasta con sus posiciones totalmente enfrentadas sobre la resolución del conflicto, lo que terminará por poner en riesgo esta prometedora historia. Casi 10 años después de su última película como realizador, el oscarizado actor Sean Penn (La vida secreta de Walter Mitty) dirige un intenso drama romántico, protagonizado por los dos ganadores de un premio de la Academia Javier Bardem (El consejero) y Charlize Theron (Mad Max: Furia en la carretera), ambientado en medio de una misión humanitaria en un país africano asolado por la guerra. De este modo, la crisis de Liberia, relatada con crudo realismo, sirve como telón de fondo para esta dramática historia de amor entre dos personas con visiones completamente opuestas sobre la contienda. Junto a ellos, Penn completa el elenco principal con actores de la talla de Jared Harris (Aliados), Jean Reno (Los visitantes la lían (en la Revolución Francesa)) y Adèle Exarchopoulos

Billy Lynn

Billy Lynn es un joven soldado de 19 años que, junto con el resto de sus compañeros del pelotón Bravo, se convierte en parte activa de una angustiosa batalla en Irak que goza de una amplia cobertura televisiva. Convertidos en héroes mediáticos, los militares vuelven a casa para realizar una gira promocional por EE.UU. Mientras son aclamados por el público, los protagonistas rememorarán los momentos más críticos del enfrentamiento que les dio la fama, incluidos los detalles menos glamurosos. El ganador de dos premios Oscar Ang Lee (La vida de Pi) dirige Billy Lynn, película que adapta la aclamada novela de Ben Fountain en la que se recoge un alegato antibelicista que, sin embargo, ensalza a los soldados. A su vez, la cinta refleja el contraste entre la cruda realidad de la guerra y la visión deformada que los ciudadanos tienen de los conflictos armados. En el aspecto visual, Lee vuelve a revolucionar el cine y hace de este film el primero de la historia en haber sido rodado a 120 fotogramas por segundo, lo que unido a las últimas tecnologías de 3D y alta definición ofrecen al espectador una experiencia única a la hora de sumergirse en la dramática historia de este grupo de jóvenes militares. Joe Alwyn debuta a lo grande protagonizando esta cinta en la que le secundan veteranos como Vin Diesel (xXx: Reactivated), Steve Martin (El gran año), Kristen Stewart (Café Society) y Garrett Hedlund.

Ballerina

El baile clásico como guia turístico de algunas de las maravillas o curiosidades de este mundo. Y entre viaje y viaje tiempo para que los dibujos animados se pelean, discuten como tiene que ser la danza y luche por superar sus mediocridades. Nuestra protagonista vive en el 1878 y baila piezas  deTxaikowski y Sytrawinki soñando en  convertirse en una estrella del ballet de Paris.  cual Cenicienta al uso. Felicia es una chica huérfana con gran determinación y un único sueño: ser bailarina. Con la ayuda de su mejor amigo Victor, un joven que aspira a convertirse en inventor, los dos idearán un plan maestro para escapar del orfanato y viajar hasta París. Con la Torre Eiffel aún en construcción, Felicia y Victor lucharán para conseguir sus grandes metas. Una vez allí, la muchacha se hará pasar por otra persona para conseguir entrar, formarse en la prestigiosa Grand Opera House y hacerse bailarina. Desarrollada durante 6 años, esta cinta de animación dirigida por el televisivo Eric Summer y el debutante Éric Warin nos lleva hasta una época, poco abordada por el cine, que muestra un París en remodelación con la Estatua de la Libertad o la Torre Eiffel en pleno proceso de construcción. Con un gran cuidado en el apartado visual, Ballerina ofrece una historia para toda la familia, que fascinará a los pequeños por el espíritu de superación y de lucha por los sueños, sin descuidar el interés de los adultos. En esta historia en torno al maravilloso mundo de la danza clásica, sus protagonistas cuentan con las voces, en versión original, de actores como Elle Fanning (Vivir de noche), Dane DeHaan (The Amazin Spider-Man 2: El poder de Electro) y la conocida cantante Carly Rae Jepsen.

Toni edermann

Como la película, como su protagonista no hay ni altos ni bajos. La incomunicación filial salta con solo la pregunta de si uno es feliz.  Un escalofrío de inquietud recorre el film y también sorpresa por los intentos de acercarse a la hija. , epicentro, no ella pero esta, del entorno industrial alemán.Y a la que el machismo seguirá a donde vaya o la lleve su lucha. En su continuidad plana el film podría haber seguido plano tres horas mas  y ser cortado en cualquier momento. Para recuperar a su Inés recurrirá a todo tipo de bromas y de disfraces. Es una ejecutiva que trabaja en una empresa alemana con sede en Bucarest. Su vida transcurre tal y como ella tiene previsto hasta que un día aparece su padre de manera inesperada. A este hombre le preocupa que su hija haya perdido el humor y que no sea feliz, y para evitarlo creará un personaje ficticio: el divertido Toni Erdmann. Desde este momento, la existencia de Inés se verá condicionada por esta persona de la que se avergüenza, pero que le ayudará a dar de nuevo sentido a su vida. Convertida en una de las películas más aclamadas del año en el viejo continente y ganadora de 5 premios del Cine Europeo, Toni Erdmann llega a nuestras pantallas convertida en un fenómeno de crítica y público. En la cinta, la directora Maren Ade (Entre nosotros) compone una comedia inteligente y extravagante por momentos que, se equilibra gracias a situaciones de mayor calado dramático capaces de conmover al espectador. En este conflicto familiar, que se extrapola al de dos generaciones distintas, la de la lucha por la libertad de un padre, interpretado por Peter Simonischek (Ruby, la última viajera del tiempo), y la del corporativismo y el capitalismo desmesurado de su hija, interpretada por Sandra Hüller (Réquiem), la directora hace una oda al sentido del humor en un mundo cada vez más políticamente correcto. Completan el reparto de esta cinta Michael Wittenborn (Wir sind die Neuen), Thomas Loibl (Ende der Schonzeit) e Ingrid Bisu. De todas formas es educativo contemplar como el espirtu aleman contempla si inexistencia de humor, su amarga fora de dife¡geirr las drrotas y como se rien por sorprsa de su depresones pequenas de dcada dia. 

como perros salvajes

Hay films que en a la primera imagen ya se establece un pacto con el espectador. El director Paul Schrader le dice al espectador si tu no dices que es incoherente e ilógica mi obrra, yo no diré que tu te has dormido o marchado de la sala. Esto es lo que ocurre en esta blandengue  historia de tres gangsters metidos a secuestradores en un rapto que els supera. Ni con el aceite interpretativo que le ponen Nicolas Cage, Willem Dafoe y Christopher Cook va fina la maquinaria. En Sitges Schrader explico que no había tenido presupuesto  y que probaban cosas que no se podían hacer materialmente. Y también lo contó en Cannes por donde paso este thriller enloquecido Un filme merece en mas de un secuencia no el corten, sino el aborten!, no la secuencia sino todo el film pero  Schrader, aquel guionista de Taxi Driver, Afliccion y Toro salvaje tiene carácter y eso le salva otra vez.  Se diferencia de Tarantino en que su violencia  es endogamica, sus dialogos mas inutiles si cabe y sus referencias a la cultura pop  tambien distintas. . Como crios. En este no nos importa nada se demuesra que tambien la profesion de gansgsters tiene una edad para jubilarse.  Tras años en prisión, tres hombres salen a la calle. Sin embargo, su ansiada libertad no es tan dulce como se esperaban, y no encuentran su lugar. Desesperados, aceptan el encargo de un jefe de la mafia: secuestrar al bebé de uno de sus enemigos. Aún a riesgo de que les caiga una pena aún mayor que la anterior, el dinero que está ante ellos les permitiría empezar de cero, por lo que idean un plan. Sin embargo, no todo les saldrá bien, y la policía se interpondrá de nuevo entre ellos y su futuro. Ganador de dos Oscars, ambos como guionista, Paul Schrader (Caza al terrorista) dirige el film. De este modo, Schrader intenta volver a sus orígenes en una cinta de carácter pulp y atmósfera sórdida protagonizada por personajes inadaptados, interpretados por el oscarizado Nicolas Cage (Snowden), el nominado a dos premios de la Academia Willem Dafoe (Pasolini) y Christopher Matthew Cook (2 Guns). Asimismo, el veterano cineasta debuta en esta cinta como actor con un papel, el de un gangster transgénero de Cleveland, para el que sonaron nombres como los de Michael Douglas o Quentin Tarantino.

el imperio de las sombras

Son los años 20, y Corea se encuentra bajo la férrea ocupación de Japón. En el país se desarrolla un juego de espías entre un grupo de la resistencia, que intenta traer explosivos desde Shanghái para destruir la base nipona de Seúl, y el gobierno japonés, que consciente de la amenaza, intentará detener el atentado a toda costa. En medio está un talentoso policía, nacido en Corea pero que trabaja para el país del sol naciente, que tendrá que elegir entre su deber y el apoyo a una causa aún mayor. Tras una breve aventura en Hollywood, Kim Jee-woon (El último desafío) vuelve a su tierra para dirigir El imperio de las sombras, thriller de espías situado en la Corea de los años 20 bajo la ocupación japonesa que ha sido seleccionada por su país como candidata a los Oscars como Mejor película de habla no inglesa. Adornada con espectaculares secuencias de acción, la cinta ofrece un despliegue de tensión extrema en una historia de espías y agentes dobles en el contexto histórico de los bombardeos de 1923, cruciales para la posterior independencia de Corea. Su protagonista, interpretado por Song Kang-ho (Rompenieves), refleja las dos posturas opuestas ante la ocupación japonesa y las consecuencias de las decisiones de cada bando. Completan el reparto Yoo Gong (Train to Busan), Han Ji-min (Peulraenmaen) y Byung-hun Lee-

Loving

Lo hemos encontrado. Un director coherente con su obra y su edad. Un drama genuino rural (aroma de western) y una madre escéptica ante la educación convencional del estado de Virginia y que se jugara su libertad para poder sacar a sus hijos de las calles. Y se cumple la relación nemotécnica, a mayor familia menos derechos civiles. El primer drama tópico sin tópicos en mucho tiempo. Dos interpretaciones de calado de una pareja que se resiste a perder su amor y que absorben como esponjas la delicadeza y fragilidad contenida del guión. Un amor que nosolo les sirvió a ellos personas sino que también logro derogar una ley injusta. Con un tema candente quema toda la actualidad y ciencia ficción En aquel estado en  1958, veremos ahora con el nuevo presidente, estaba prohibido casarse con otra etnia de diferente color de piel imperante. Podías ir por la calle pero i estabas casado te detenían.lComo en Midnight special este film también lo es. No ya por ser real sino por haber conseguido con su lucha que el prohibido casarse se convierta en prohibido prohibir podeis casaros.  Cinco películas ha necesitado el autor de Take shelter para llegar al Odio racial. Tambie se dice que con 5 llamadas hablas con Obama. Los vencieron en el supremo.   Richard y Mildred Loving son uno de los muchos matrimonios que se enamoraron y casaron en 1958. Sin embargo, su naturaleza interracial (él blanco, ella afroamericana) les llevó a ser encarcelados y posteriormente desterrados por las autoridades del estado de Virginia. En Washington, a pesar de contar con la hospitalidad local, iniciaron una cruzada judicial contra los que les expulsaron de su hogar para que sus derechos (entre ellos, el de casarse) les fueran reconocidos y poder volver a casa. el director de (Mud) adapta a la gran pantalla la historia real de Richard y Mildred Loving, un matrimonio interracial que se convirtió en abanderado de la lucha por los derechos civiles de la comunidad negra en los años 60 al protagonizar una ardua batalla judicial contra el estado de Virginia. Sin embargo, Nichols se aleja de la grandiosidad del relato y compone un film sutil e íntimo que dedica especial atención a la cautivadora historia de amor de sus dos protagonistas, a los que dan vida Joel Edgerton (El regalo) y Ruth Negga (Warcraft. El origen) con dos interpretaciones que les han granjeado sendas candidaturas a los Globos de Oro. Completan el reparto Marton Csokas (The Equalizer. El protector), Nick Kroll (Te quiero, tío) y Terri Abney-

los del tunel

El tema no es  para reir. Si acaso lacónicamente.El filme de Pepon Montero tiene que ser triste por la  fuerza. Su humor, para hacerlo mas digerible come la mantequilla es absurdo y proclive al dejar helada la sonrisa  en una cajón del congelador. Para interpretar algunos de los gags mas trabajados tipo la croqueta, reune un verdadero helenco, muestrario de todos los tipos de la filmografia española con los que se podría hacer un diccionario a saber Teresa Gimpera,Manolo Solo, Nuria Mencia,Marta Fernandez Muro, Pol Lopez o Manel Barcelo por citar algunos. Era un buen guion en manos de los berlangas y azconas de turno, aquí Juan Maidagan (Camera cafe, 12 hombres sin destino) .El tunel sirve para proteger a una parte pequeña de la sociedad del pensamiento único de esta. Viaje al infierno, comedia de sabor amargo. En el túnel te suministran una targeta par tomar la temperatura de la psique después del trauma, asi como el nivel de estres despues del  accdente.15 dias en el pozo para un rescate también innusual y evidentemente nada ensayado. Los supervivientes se reunen periodicamente para recordar y exigir. Un túnel por que pasan Natalia de Molina, Neus Asensi, ambas te hacen tararear "Yo soy Minero", con Raul Cimas y Arturo Valls. 

La luz entre los oceanos

El melodrama es quizá, de todos los géneros clásicos del cine, el más difícil de resucitar en el contexto urbano contemporáneo. Por eso solo florece de manera convincente en países de los llamados tercermundistas por sus duras condiciones sociales o bien retrocediendo a una época lejana y retirándose a un lugar muy apartado de ese entorno urbano y conceptual que define la modernidad.  Es lo que hace la novela de la que parte el director Derek Cianfrance («Blue Valentine»), publicada hace un lustro aunque parece de hace un siglo: un veterano de la guerra del 14, traumatizado por motivos a la vez concretos y existenciales, acepta un puesto de farero en un remoto lugar de la costa australiana. De tanto buscar su luz, Cianfrance se ciega de tanta tragedia, angustia y pesada gravedad. Amor y muerte en una pareja equivocada que no encuentra el equilbri nii con la todavia beleza Rachel Weisz. No cabe imaginar mayor aislamiento vital en este poema de contención de ese hombre parco en palabras y decidido a serlo también en sentimientos. Claro que no cuenta con el exuberante y bullicioso amor que le va a traer la joven Alicia Vikander, tan insultantemente viva que es pura carne de melo. Para distorsionar tanta paz e ntrospeccion intia, el guion echa a la pista, abortos,  traumas belicistas, amores rotos y pegados y ninos robados sin sobercomo ni donde. El destino la golpeará, tanto que hasta que el farero tendrá que reaccionar, ennobleciéndose hasta adquirir un carácter épico ante nuestros ojos. Pero quien cierra el triangulo es MIchael Fassbender cuya soledad alientamas mirar folms porno que cambar las luces que indican el puerto. Un puerto donde siempre esperan atentos Jack Thompson, Bryan Brown  y anthony Hayes. Produce un cierto recelo, sin embargo, que el conflicto repose sobre una definición más bien histérica de la protagonista. Y tampoco convence la mecánica alternancia de la puesta en escena entre los primeros planos y los marcos incomparables del paisaje: la clave del melodrama clásico estaba en los planos medios que espacializaban el conflicto entre el deseo y la realidad de los personajes

Figuras ocultas

Lucha contra el sexismo y el racismo que mantuvieron algunas mujeres valientes, preparadas y decididas. Theodore Melfi incurre en un film exclusivamente literario, narrando sin dar oportunidad a la imagen todo tipo de explicacion pertinente pero excesiva. A pesar de elle solo los cameos y los renombrados actores los que consiguen un hálito de emoción en la cinta.  Desanima la función cuando la dirección se empeña en demostrara que estas mujeres fueron mas importantes por lo que eran que por lo que hicieron., cosa que desligitima el filme.Es un film sobe matemáticas, pero también en el cine se ha tratado muy bien este tema, poco cinematógrafico digamos. En cualquier historia holywoodiense, esta lo es de mujeres en a NASA, deriva hacía el romanticismo.Que entre los primeros envios de personas al espació sideral del  enfrentado se a los rusos y siendo mujeres de color, dice mucho en nombre del a igualdad que proponía la carrera del espacio y su conquista.. Ellas on las que se enfrentan mejor a las adversidades del film. Katherine Johnson, Dorothy Vaughn y Mary Jackson son tres mujeres afroamericanas que, a principios de los años 60, trabajan como matemáticas en la NASA. Allí forman parte del equipo que busca dar el golpe definitivo a la aguerrida competencia entre EE.UU. y la Unión Soviética por ganar la carrera espacial, y convertir al astronauta John Glenn en el primer humano en orbitar alrededor del planeta Tierra. Sin embargo, para conseguirlo, tendrán que romper todos los prejuicios sobre género y raza. Theodore Melfi (St. Vincent) cuenta en Figuras ocultas la prácticamente desconocida historia real de Katherine Johnson, Dorothy Vaughn y Mary Jackson, tres mujeres afroamericanas que, desde su trabajo como matemáticas en la NASA, se convirtieron en pioneras de la lucha por la igualdad de derechos y oportunidades de las mujeres y la comunidad negra en tiempos de la segregación racial, y que fueron pieza clave durante los años más cruciales de la carrera espacial que culminó con el viaje orbital del astronauta John Glenn. Con grandes dosis de sentido del humor y escenas conmovedoras, Melfi compone un académico biopic protagonizado por la oscarizada Octavia Spencer (Criadas y señoras), la nominada a un premio de la Academia Taraji P. Henson (The Karate Kid) y la cantante Janelle Monáe (Moonlight), a las que acompañan el ganador del Oscar Kevin Costner (Criminal), Kirsten Dunst (Midnight Special) y Jim Parsons.

Shin Godzilla

H. Anno i S. Higuchi pone a un  paso este divertemento feo y malo porque si de las fantasias de Disney. Un relato no siempre de humor en el que poco sutilmente ¡se compara la democracia con la burocracia, el poder con el gobierno y demás elementos del sistema M... que decía Perich. Este Godzilla para niños,, vuelve a su Japón, tocado por la bomba atómica y de alguna forma tranquilizado y con algo mas de mentalidad social. No es que Shin no de miedo,es que no da para mas secuelas. ano ser que se transforme, en algún justiciero velador. del 54.La última entrega cinematográfica del famoso monstruo radiactivo Godzilla aterrizó este viernes en las salas japonesas en un relato más oscuro de lo habitual codirigido por el reputado creador de la saga Evangelion, Hideaki Anno. Shin Gojira (Nuevo Godzilla en japonés) es la primera película en 12 años que Toho, la productora nipona que trajo al monstruo al mundo en 1952, hace del saurio. Junto a Anno, se ha situado en la dirección Shinji Higuchi, realizador a cargo de la vibrante película de acción real del manga Ataque de los titanes, con la aparente intención de insuflar nueva vida a la franquicia. Mientras que Anno, famoso por el tono sombrío de sus argumentos, se ha encargado del guión, Higuchi hace lo propio con los efectos especiales de la película, que combina tecnología digital y los trucajes tradicionales que hicieron famosa a la serie desde su nacimiento. La cinta muestra a un Godzilla más irracional y menos "humanizado" que en las últimas versiones que vuelve a simbolizar el lado más destructivo de la naturaleza y de la mano del hombre. Los medios han calculado que el "rastro de destrucción" de Godzilla en esta nueva aventura rondará al menos unos 30 kilómetros desde la turística Kamakura, al sur de la capital nipona, hasta Tokio pasando por la industriosa Kawasaki. También se estima que el monstruo tiene una altura de unos 118 metros, un nuevo récord dentro de la franquicia, que arrancó con un Godzilla que en 1952 medía menos de la mitad. El filme será distribuido con el nombre Godzilla resurgence fuera de Japón.

Colonia

Poco centrada en lo importante este film alemán de Florian Gallenberger en este intento de convertir en thriller psicológico una exposición del fanatismo religosos, en el que queda claro su apoyo a la dictadura militar que se impuso, las ganas de sobv¡renvir al mismo tiempo que luchar contra la atmósfera pinochetista en Chile pre dictatorial. Un director alemán, con capitales europeos, se interese en llevar a la pantalla grande la espeluznante descripción de torturas y abusos cometidos dentro de Colonia Dignidad durante la dictadura del general Pinochet. Esas buenas intenciones van aparejadas de un respetable presupuesto de catorce millones de dólares y un elenco de actores de renombre internacional. Hay una adecuada continuidad de imágenes para introducir el contexto histórico, pero lamentablemente los diálogos no están a la altura de lo que requería una historia de este calibre. Los parlamentos resultan demasiado explicativos y el director renuncia a las elipsis y a una progresión más ágil de la narración. Emma Watson no da la talla para el papel principal, como tampoco están a la altura Daniel Brühl (Niki Lauda en “Rush” de Ron Howard) y Michael Nygvist (protagonista de la saga Millenium). Hay planos desafortunados del actor sueco en el rol de Paul Schäfer y su personaje resulta estereotipado. El jerarca de Colonia Dignidad no infunde miedo ni respeto, responsabilidad directa de una deficiente dirección de actores. El director renuncia al lenguaje gestual y las tres interpretaciones no adquieren el espesor necesario. Quizás lo que más defrauda es que lo acontecido en ese centro de tortura se perciba menos importante que la huida de la pareja protagónica, convirtiendo a la cinta en una típica cinta de escape, retratada con un nivel de emoción muy superficial donde se echan de menos flashbacks o alternancias de planos. En resumen, la cinta subvalora la real dimensión de ese lugar dentro de la dictadura chilena. Será mejor recibida por el espectador extranjero. Quieren escaparse y no pueden Ema Watson, Daniel Bruhl. Michael Nyqvist, Marttin Wuttke. y Vicky Kriep.

Callback

No creo yo que haya para tanto, como para hacer en el film de Carles Torras, lo que hace su protagonista obseso en el parket de su ex. Un director que atrevido y provocador si que es, saca un film no ya de la manga, sino de la nada que tiene su merito. Son ganas de meterse con un evangelico cristiano de nueva York, hombre violento y que se dedica ha hacer mudanzas y presentarse a castings para actor. Este paseo de un enfadado con el mundo con su  soledad a rastras, "merecio" ser la mejor película del festival de Malaga, quiza consecuencia de sus trabajos anteriores. Trash y Open 24h. Dejemos para el final, tienen mas salida, Martin Bacigalupo, Larry Fessehden, Lilli Stein, Rogobeto Garcia y Thimoty Gibbs.

xxx Reactived

Algunas películas tendrán aspiraciones elevadas, mientras que unas cuantas simplemente buscan que pasemos un rato entretenido y nada más. Por lo tanto, las exigencias han de adaptarse a cada título concreto, aunque eso tampoco debe ser una carta blanca para aceptar cualquier cosa. Tampoco hay que olvidar que la subjetividad siempre entra en escena a la hora de valorar una cinta, pero con el entretenimiento es bien sencillo: Si consigue que te lo pases bien, habrá merecido la pena, pero la cosa cambia si lo que te provoca es pasar un rato aburrido en tu butaca. Este film es exactamente lo que me dio , un pulule de fantasmas sosos.

Mucha acción, la historia justa y Vin Diesel intentando hacernos creer que lo  más que la vida es estar rodeado de bellas mujeres. Ahí no engaña a nadie, en esta tercera entrega utiliza de forma muy deficiente sus argumentos, algo que empieza a quedar claro en su prólogo, donde cuenta con cierto cameo que el espectador español reconocerá al instante. El primer objetivo de la película es volver a introducir a Xander Cage para aquellos espectadores que no recuerden o incluso no hayan visto la cinta de 2002. Ahí se opta por una combinación de espectáculo mal coreografiado -aunque magnifico en comparación con lo que vendrá después-, mostrándolo además como alguien bondadoso e intentando tanto justificar tanto la fascinación que ejerce en el resto de personajes -acaba cansando tanta alusión a lo mítico que es que se preocupe por sus aventuras. Ofreciéndonos un pequeño momento de lucidez en el que realmente se muestran las habilidades del protagonista y la película realmente llega a ser lo que aspira a conseguir, ya que incluso la puesta en escena de D.J. Caruso, discreta en líneas generales, acompaña. Son  apenas unos segundos, no tardando en volver a apostar por un caótico frenesí que cuando mejor funciona es justo cuando pisa un poco el freno.

Sus responsables no dudaron en alterar todo lo que creyeron conveniente el libreto de F. Scott Frazier hasta acabar condenando la nueva misión de Xander Cage, que bebe de forma descarada de la saga Bond pero con un enfoque, condenado a la irrelevancia. Los principales motivos son que la amenaza a la que han de hacer frente nunca transmite una verdadera sensación de peligro y va cambiando de manos con tanta facilidad que uno simplemente acaba mareado por muy simple que sea todo en realidad .Alrededor de esto tenemos dos opciones: Cage dejando embobadas a mujeres a las que Diesel fácilmente duplica la edad o él liando a su equipo. En lo primero al menos consiguen algún apunte simpático cuando está en pantalla Nina Dobrev, pero en lo segundo el montaje de carga cualquier posibilidad de vibrar con lo que sucede en pantalla catalogo que representa lo peor de los cambios de plano rápidos que acaban confundiendo más que cualquier otra cosa.

De esta forma se anula todo el lucimiento de Diesel, pero también se consigue que dos expertos como Donnie Yen o Tony Jaa rayen muy por debajo de su nivel Al menos hay que concederle que deja espacio para que Ruby Rose y Deepika Padukonedemuestren sus posibilidades como heroínas de acción. A la primera ya estoy deseando volver a verla tiroteando a diestro y siniestro en ‘John Wick. Pacto de sangre’ (‘John Wick: Chapter 2’). Lo que queda es el aburrimiento de ver algo en lo que la historia te da igual, y donde cometen todos los errores posibles para no crear emoción a través de la acción -y pero piensan que su publico solo quiere ruido, mucho ruido sin parar como Sabina y para ello nos colocan un epílogo para amenazarnos con más entregas.

El regal de la Molly Monster

Dirigida por Matthias Bruhn, Michael Ekbladh, Ted Sieger con guion de este y de john Chambers y musca de Annette Focks, Molly Monster es la única y querida hija de Popo y Etna Monster. Su vida transcurre en el entorno familiar, jugando con su mejor amigo Edison, un juguete de cuerda que tiene vida propia. Pero cuando su madre pone un huevo, que empollará el padre, Molly emprende un viaje que cambiará su lugar en la familia. El viaje la llevará lejos de casa, cruzando las Montañas Muy Muy Salvajes, hasta la isla del Huevo, donde se reunirá con papá y mamá y su nuevo hermanito minimonstruo

Blinky Bill, el koala

Blinky Bill es un koala de portentosa imaginación y espíritu aventurero que sueña con salir del pequeño pueblo en el que vive y seguir los pasos de su padre, un famoso explorador que desapareció hace ya un tiempo y al que todos dan por perdido excepto Bill. Cuando el koala descubra una pista sobre el paradero de su progenitor, se embarcará en un peligroso viaje en el que hará nuevos amigos, que le ayudarán en su búsqueda y a sobrevivir a los terribles obstáculos que les amenazarán en su camino. Desde su aparición en 1933, las aventuras de este travieso koala han encandilado a niños de todo el mundo, especialmente en su país de origen, Australia. Ahora, el personaje creado por Dorothy Wall cobra vida en la gran pantalla de la mano de Deane Taylor (Duck Ugly), que junto a los co-realizadores Alexs Stadermann (La abeja Maya. La película), Alex Weight y Noel Cleary (estos últimos, curtidos como animadores en Disney) nos traen una cinta de aventuras para los más pequeños. La historia de Blinky Bill, el koala ha sido creada expresamente para esta producción, que muestra a los niños conceptos como el valor de la familia o del trabajo en equipo. Entre el elenco de voces en su versión original encontramos a Ryan Kwanten (El caso Heineken) como el intrépido y optimista Blinky Bill, al que secundan rostros conocidos como los de Rufus Sewell (Dioses de Egipto), la nominada al Oscar Toni Collette (Krampus. Maldita Navidad) o David Wenham.

Laciudad de las estrelas/La la land

Otra operación nostalgia con precedentes. Nuestros jóvenes actores, quieren triunfar en el mundo del cine con los formatos y contenidos de antes,en cine o en musica, baile,etc,.  Y aquí esta el único merito del film. La reconstrucción del oscar, de alguna interpretación de hace mas de 50 años que sale incluso mejorada. Sobresale el conocimiento y añoranza que tiene Damien Chazelle al jazz. Un cine de mago,en el que convierte al clasico en un objeto de su particular vision del mundo hollywwod. Hay, seguro mas de 20 y 30 flilms en este sentido, pero Chazelle ha conseguido hacer una obra muy particular, Tanto que  a muchos no ha gustado nada.. EL GENERO MUSICAL NECESITABA ESTA PROXIMACION Y RECUERDO, y ESTE ES EL UNICO LUgAr que CoNSEGUIRA A cHAZeLLE EN La HISTOriA DEL CINEMATOGRAFO. hE eViTADO CITAR TODAS lAs PeLiCULAS MUSICALES QUe CoMPoNDRAN ESTE PUZZLE NOSTALGICO Y ALUCIANNTE.  Chazelle marca sus deseos con la primera escena del baile en a la autopista. Toda un declaracion de intenciones que ya habiamos visto en el el cine italiano por ejemplo.                                     El altivo sonido de un claxon preludia el encuentro entre Mía, una aspirante a actriz que tiene que conformarse con servir cafés a las estrellas de Hollywood, y Sebastian, un músico empeñado en resucitar el jazz tradicional en actuaciones en sucios bares. Ambos viven en Los Ángeles, la ciudad de los sueños y también la de las esperanzas incumplidas, en la que protagonizarán un tempestuoso romance que amenazará con romperse cuando las ambiciones artísticas de ambos se interpongan en su camino. A modo de homenaje al cine clásico, y de carta de amor al lado más brillante de Los Ángeles, Damien Chazelle (Whiplash) dirige La ciudad de las estrellas (La La Land), cinta musical en la que vuelve a reunir a los nominados al Oscar Ryan Gosling (Dos buenos tipos) y Emma Stone (Birdman (o la inesperada virtud de la ignorancia)) en un romance que cambiará la vida de un pianista de jazz y una aspirante a actriz. A través de la iluminación, el color y, sobre todo, la música, Chazelle transmite al espectador emociones como la felicidad y el dolor de las pasiones que nunca se olvidan mientras rinde tributo a las estrellas del género y crea un universo, entre lo mágico y lo real, en el que habla del amor, los sueños y las decisiones. Completan el reparto el oscarizado J.K. Simmons (que repite con Chazelle tras Whiplash), Rosemarie DeWitt (Poltergeist) y el músico John Legend, ganador de un Oscar por la canción original de Selma. 

Underwoorld, guerras de sangre

Solo para aquellos amantes de dorar a Kate Beckibsale embutida en cuero, o sea anulando los últimos vestigios de belleza que había en el film. Si ha aguantado  5 temporadas en television es que alguien se la mira. Si todavía no ha llegado u obtenido la inhabilitación mental, puede seguir en ello con esta ulitima entrega de Ana Foesrter. Esta se consigue con la reiteración y esta cualidad también la posee el film, junto la inconsistencia de la rama..  La eterna guerra entre licántropos,hombres lobo y vampiros está a punto de sufrir un vuelco con la llegada del nuevo líder de los hombres lobo que ha inculcado un sentido fanático y disciplinado. Su intención es encontrar a Eve, la hija de Selene, y con su sangre, que aúna ambas especies, conseguir el poder definitivo para ganar la contienda. Selene intentará evitarlo y poner fin a la milenaria batalla, pero para ello contará con la única ayuda de David, ya que su propio clan la ha traicionado. Quinta entrega de la exitosa saga que aúna acción y terror, que supone un regreso a los inicios de la franquicia, tanto en su estética como en su ambientación en lúgubres calles del Viejo Continente. A su vez, la cinta amplía la mitología del universo Underworld y, a través de su directora debutante (la serie Outlander), compone una nueva y trepidante aventura para la guerrera vampira interpretada, una vez más, por Kate Beckinsale (Amor y amistad), que en esta ocasión se refugiará en una pacífica colonia de chupasangres nórdicos, hasta la que llegará la sempiterna guerra entre vampiros y licántropos. En esta nueva secuela, el reparto se renueva con los rostros de Lara Pulver (Al filo del mañana) y Tobías Menzies como los nuevos villanos, que se unen a los ya veteranos en la saga Charles Dance (Cazafantasmas) y Theo James.

Tenia que ser el?/Why him?

Jame Franco, ultrapasado puede ser el actor que encabece  esta especie de nuevo genero que es el de padre de unos y de los otros, yernos de este o de aquel, aquí con buenos y sencillos gags y  rebajando un muy mucho el nivel escatológico de  los últimos productos.  Todo ello en un guión de Jonah Hill, aquí la vergüenza de actor ha servido de freno y coagulante, ademas de las aportaciones de  ya solidos actores en este campo como Bryan Craston y Zoey Deutch. cariñoso pero sobreprotector padre, aprovecha las vacaciones para visitar a su hija en la Universidad de Standford. Allí conoce a Laird Mayhew, el novio de ésta y un multimillonario de Silicon Valley de buenas intenciones, pero con un comportamiento más que extraño en sociedad. Para Ned, un hombre puritano del Medio Oeste, Laird no es, ni de cerca, la pareja más apropiada para su pequeña, y su pánico aumentará cuando se entere de que éste está a punto de hacerle la gran pregunta. Guionista de la saga iniciada con Los padres de ella, el director John Hamburg (Te quiero, tío) se pone detrás de las cámaras de una nueva comedia sobre la competencia entre suegro y yerno, enfrenta a dos nominados al Oscar, Bryan Cranston (Infiltrado) y James Franco (Juerga hasta el fin), por el amor de Zoey Deutch (Todos queremos algo). La pugna será el eje central de toda una serie de momentos que se alimentan de situaciones de la vida real, que cualquiera que haya presentado a su pareja a sus padres puede sentir, de un modo u otro, como suyas. Completan el reparto de esta cinta que muestra el contraste entre dos mundos tan distantes como el de un conservador hombre del Medio Oeste americano y el ultratecnológico de Sillicon Valley Kaley Cuoco (El gurú de las bodas), Cedric the Entertainer (La barbería 3) y Megan Mullally. Film de actores para los actores.

proyecto Lazaro/Realive

El ultimo film de Mateo Gil lo tiene todo el pobre. Es ciencia ficción fria . distante, embarullada, exagerada en sus planteamientos y vació filosóficamente hablado. Seis capítulos mareantes en el tiempo y por tanto desconcertantes, padece ser el experimento de una historia de amor. El suicidio de una enfermo terminal de cancer permite aun famoso y renombrado doctor, sin  llegara ser dios, resucitar a su paciente el 2084, donde al parecer todo segura igual.. Esta primera resurrección humana de la historia no lo es de Mateo Gil en su tercer film y que resucita a Lázaro en su sesenteavo lustro. Sin ser Amenabar, era su guionista(nadie conoce a nadie y Blackthorn), no consiguiendo tampoco la misión imposible de colarnos l semana santa de Sevilla en medio de todo el berengenal. O se a el canario pretende una catarsis colectiva y que todos abramos los ojos. Pues de momento no.
A sus 32 años, Mark recibe la peor noticia de su vida: padece una enfermedad terminal que, en el mejor de los casos, le da un año de vida. Incapaz de afrontar su muerte, decide congelar su cuerpo antes de que su mal se propague. En el proceso le acompañará su gran amor, Naomi, que sin embargo no comparte su decisión. 60 años más tarde, Mark se convierte en el primer hombre resucitado. Sin embargo, su victoria sobre la muerte traerá consigo el regreso de su pasado y una sorprendente revelación. Un thriller que se inspira tanto en clásicos, como en los avances médicos que en la actualidad prometen alargar la esperanza de vida de la especie humana. El resultado es un film interpretado por Tom Hughes (Una cuestión de tiempo) y Oona Chaplin (Amigos de más), que, a través de los recuerdos, transcurre entre el pasado y el presente de este hombre criogenizado que vuelve a la vida en un futuro que está muy lejos de cumplir sus expectativas. Completan el reparto Charlotte Le Bon (El desafío (The Walk)) y Barry Ward.

nacido en Siria

Es difícil viendo las caras de estos niños sirios huyendo de la muerte de la guerra en cualquier medio y en cualquier situación atmosférica, no recordar los anuncios de las organizaciones de ayuda, Es difícil no caer en la demagogia, Si el objetivo de Hernan Zin era demostrar que niños y ancianos eran los mas vulnerables en la guerras, no hacia falta. . También deben ser el objetivo político de los que las provocan para no tener que buscarles un trabajo de menor rendimiento y por tanto no sirven, Bien, mejor muertos. No causan gastos a los estados. Documentalsta de Nacido en Gaza, nos muestra el hara kiri particular de esta Siria que fue y no se sabe si volverá a ser en el mundo islámico. Desde que empezó la guerra civil en Siria, más de 4 millones de sus habitantes han tenido que huir de la violencia. Casi la mitad de ellos son niños. Este documental refleja el drama de los refugiados desde la perspectiva de los más pequeños e indefensos, que se enfrentan a las mafias, las inclemencias del mar y un futuro incierto en el que se tienen que integrar en una nueva tierra a menudo hostil. 7 historias sobre el mayor éxodo desde la Segunda Guerra Mundial visto a metro y medio de altura. Con una vasta experiencia como reportero y documentalista en zonas de conflicto armado, Zin ofrece siete historias que sirven para humanizar las cifras sobre refugiados que aparecen en televisión. De este modo, este documental da historias y contexto al gran éxodo del siglo XXI y se centra en las víctimas más indefensas: los niños, testigos silenciosos de las atrocidades de las guerras cuyas secuelas no sólo son físicas, sino también en forma de traumas que les acompañarán el resto de su vida. Sin embargo, además de hablar del sufrimiento y desesperación que padecen estos jóvenes, la cinta también muestra su inocencia, valor, esperanza y espíritu de superación de todas las adversidades. Asimismo, el film también reflexiona sobre la forma en la que el resto del mundo está reaccionando ante esta crisis sin precedentes.

La autopsia de Jane Doe

Sustos finales de la manera menos inquietante y sutil, por poco hacen perder al filme sus haberes de buena construccion de personajes y ritmo cinematográfico mas que interesante. La creación del ambiento insoportable y opresivo esta a punto de cargarse también el esfuerzo titánico de  Andre Ovredal. El noruego ha decidido en su film que el cadáver tratado por dos forenses, rompa con las leyes de la biología. La necropsia deja paso a la verdadera historia. El coronel Tommy Tilden lleva con su hijo una morgue en un pequeño pueblo de Virginia. Hasta allí llega el sheriff con un caso urgente, el cadáver de una desconocida hallado en el sótano de una casa donde se ha cometido un asesinato múltiple. Sin embargo, lo que parece un proceso rutinario se convertirá en un misterio aterrador cuando se descubra que, aparentemente intacto, el cuerpo alberga en su interior marcas de una tortura ritual. Mientras, en la morgue empezarán a ocurrir sucesos extraños. en el filme el misterio y lo sobrenatural se dan la mano de una forma contenida y sin apenas uso de efectos especiales. Completan el reparto Ophelia Lovibond (Guardianes de la galaxia), Michael McElhatton (Juego de tronos) y Parker Sawyer. Protagonista de un guión superado por la atmosfera desagradable de la morgue por mantener el film dentro del genero. . Ganadora del Premio Especial del Jurado en el Festival de Sitges, dirigida por André Ovredal (Trollhunter) en la que una pequeña morgue de una localidad norteamericana se convierte en el claustrofóbico escenario de una noche horripilante para dos forenses, interpretados por Brian Cox (Morgan) y Emile Hirsch (El único superviviente), hasta los que llega un cuerpo, aparentemente intacto, pero lleno de macabros secretos. Lejos de sus producciones anteriores, en las que combinaba el terror con el humor negro, el realizador opta en esta ocasión por el miedo en su más pura expresión, en el que el misterio y lo sobrenatural se dan la mano de una forma contenida y sin apenas uso de efectos especiales.

le fils de joseph

Una reflexion asceticai mistica de los hechos legenaiosela navidad, convertida en una delicioa comedia.  Tdo ello a trsaves dela abrita magica de  Eugene Green, entre la algegria navideña y a la nostalgia que copnvlevnaestosdias. Una triangulo de  familia desestructurada, es el artifice y salida, en el que el vertie hjo busca al vertice padre, autor de una madre soltera. La sinceridad que recorre todo el film hace que la musica eegida, rock,Bach ojazz,no sea completmnate igual y  interfiera en la narracio. Es una fabula satirica pero ilustrada.  La XIII edición del Festival de Cine Europeo de Sevilla la considero una auténtica obra simbólica, que retrata un joven que se siente abandonado por el padre al que nunca conoció y la búsqueda de una figura que supla ese vacío. Original, con toques cómicos y con una gran historia metafórica, la película ha resultado ser una auténtica genialidad. 

Dividida en cinco actos, el film sigue los pasos de un adolescente, Vincent, quien busca desesperadamente respuestas a sus orígenes. Perfectamente narrada, acompañamos al joven durante su andadura, descifrando cada parte y encontrando el hilo conductor que lleva a la resolución. Evocando al pasaje bíblico del sacrificio de Isaac y a la propia familia de Jesús, Vincent se pregunta por las razones que hacen a un padre rechazar a su hijo y si éste puede hallarse más allá de la raíz biológica. 

Rodeado de un hilarante entorno literario, la película también hace una crítica de las falsas élites culturales, de la pomposidad de los círculos influyentes y del alardeo frente al desconocimiento. 

Desencantado con la verdad y la falsa promesa de un emotivo encuentro padre e hijo, el joven deberá acabar con su idea preconcebida, reconstruyendo su hogar y las bases de su pensamiento. Decidido a dejar su obsesión atrás, Vincent podrá conocer el verdadero significado de ser un hijo y dónde se puede hallar una figura paternal.. 

Green se remite a expresiones estáticas, diálogos directos, acciones específicas: lo importante es el desarrollo de la trama, hacia dónde nos conducen los pasos del protagonista. Con esta sutil comedia, el director nos propone una reflexión metafórica sobre el sentido de la paternidad, reescribiendo pasajes bíblicos que se acomodan al texto. La música, la literatura y las artes se convierten en elementos imprescindibles en la narración, mediante las cuales se completa el escenario mordaz y metafórico de los actos. Fluctuanen este magma de arte actores como Victor Ezenfis, Matheu Amalrich, Maria de Medeiros, Natacha Regnier y Favrizio Rongine.

la tortuga roja

Especial y sensible film de animación que podría ser sin palabras. Suave de tono en su colorido y en la foma de narrar destila para todo el mundo unos reflejos poéticos que son de agradecer hoy en día. Michael Dudok de Witt ejerce una fascinacion sobre el espectador tanta en la primera parte con la relación entre el naufrago y la tortuga roja como en el apartado de lucha por la supervivencia contra la devastadora fuerza de la naturaleza. Un cuento existencial creado por Ghibli, el prestigioso estudio japones al que dejan acceder por primera vez a un europeo. Con títulos esenciales del cine de animación contemporáneo como Mi vecino Totoro o La princesa Mononoke los estudios Ghibli han salido por primera vez de su Japón natal para producir La tortuga roja, pura poesía en dibujos que ha asombrado en el Festival de San Sebastián. Imágenes 2 Fotos "Quería explorar el lado más poético posible de la gran naturaleza, de la vida", explica el holandés Michael Dudok de Wit, el elegido por los Ghibli para realizar esta producción europea en la que le dieron libertad artística absoluta. Fue en 2006, recuerda el realizador, cuando recibió una carta del productor Toshio Suzuki, en la que le decían que les habían gustado mucho sus cortos, especialmente Father & Daughter (2000) y que querían colaborar con él. El entusiasmo y el shock fue total, aunque no terminaba de fiarse de que la oferta fuera real. Creía que se lo habrían ofrecido a otros cien directores y cuando descubrió que no era así y que solo se lo habían pedido a él, salió a la calle, hablando solo y con ganas de contar a todo el que pasaba que los Ghibli le reclamaban. Unos estudios míticos para el cine de animación, fundados en 1985 por Isao Takahata y el gran Hayao Miyazaki, responsable de joyas como El viaje de Chihiro (Óscar en 2002 a la mejor película animada) o El castillo ambulante (2004). El legado de Miyazaki Miyazaki, que se retiró en 2013, era y es el espejo en el que se miran la mayor parte de los directores que se dedican a la animación. Tras su estela surgieron nombres como los de Kunio Kato -Óscar al mejor cortometraje de animación en 2009 por La casa de los cubos pequeños, Tomomi Mochizuki (Puedo escuchar el mar, 1993), Hiromasi Yonebayashi (Karigurashi no Arrietty, 2010) o Goro Miyazaki, hijo del maestro. Pero el estilo poético de Miyazaki, que ha impregnado todos los proyectos de los estudios Ghibli, nunca había salido de Japón, hasta que sus ejecutivos descubrieron el trabajo de Dudok de Wit, que hasta ese momento solo había realizado cortometrajes. La tortuga roja se ha colocado como una de las favoritas del Festival de cine de San Sebastián Y para él era un gran desafío, por saltar al largometraje pero sobre todo por presentar un proyecto que estuviera a la altura de la calidad que sabía que los Ghibli demandaban. "Me dieron carta blanca artísticamente, así que empecé a preparar una historia que tenía que hacer en Europa, con equipo cien por cien europeo y sin poder usar animadores japoneses", explica el holandés. Inspirado en cuentos y leyendas antiguos y en la animación clásica de los Ghibli, La tortuga roja es un ejemplo más de cómo las fronteras entre ficción real y animada están cada vez más desdibujadas hasta fundirse simplemente en puro cine. Tras ganar el premio especial de la sección Una cierta mirada del último Festival de Cannes, ahora se ha presentado en el de San Sebastián, donde se ha situado desde el primero minuto como uno de los favoritos del público junto a otra película animada, Ma vie de Courgette,

Train to Busan

Corea se encuentra en estado de emergencia desde que un virus misterioso brotara sin control entre la población. Sok-woo, experto ejecutivo en fondos de inversion y su hija Soo-ahn se suben en el KTX, el tren rápido que une los 442 km que separan Seúl y Busan. Para reunirse consu madre, divorciada porla desatencion de las dos del homre y sus negocios. Sin embargo, lejos de estar a salvo, la estación queda invadida por zombis, con tan mala suerte que uno de ellos logra subirse al tren. A bordo de un transporte que alcanza una gran velocidad, los pasajeros deberán luchar por sobrevivir en el viaje más angustioso de sus vidas. Inaugurando el Sitges Tour debut en imagen real del director de animación Sang-ho Yeon (The Fake) que consiguió el premio a Mejor director y Mejores efectos especiales en la cita catalana y que aquí ha bebido en todas las películas de zombies hasta ahora realizadasTal es e l dominio del tema zombie, que el director se permite ir introduciendo cuñas de otros géneros tipo, social, catástrofes, alienigenas, drogas,.... La película nos promete un viaje lleno de emociones fuertes a bordo de un tren de alta velocidad plagado de infectados por un virus mortal que les convierte en zombies sedientos de sangre en el que una familia intentará sobrevivir a la extinción. Todo producido no por una pasajera que subió sin billete, sino por un virus terriblemente destructor que también sube al tren.. Entre el reparto, integrado en su totalidad por intérpretes coreanos, encontramos a Yoo Gong (The Age of Shadows), Soo-an Kim (Gyeongju), Yu-mi Jung (En otro país) y Dong-seok Ma. Yen general, un homenaje mas a George A Romero, practicante del genero desde 1968
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orm

Tras la derrota de la Reina de las Nieves, los trols viven tiempos de paz. Uno de ellos, Orm, ve cómo no disfruta del reconocimiento que cree merecer por ser pieza clave de la victoria. Por ello, exagera en sus historias sobre su participación en la batalla, hasta el punto de considerarse digno de casarse con la princesa y heredar el trono. Sus mentiras le llevarán a emprender un complicado viaje junto a sus amigos en el que se superará a sí mismo y aprenderá el verdadero valor de la honestidad. Después del éxito de la primera parte en su país, Rusia, llega a nuestras pantallas Orm en el reino de las nieves, secuela basada en el cuento de Hans Christian Andersen que tiene como protagonista a un joven trol que, en busca de reconocimiento, amor y riquezas, exagera en su crucial participación para vencer a la temible Reina. En esta aventura que sirve como debut en la dirección a Alexey Tsitsilin, las mentiras de esta criatura le llevarán a un viaje lleno de peligros en el que aprenderá que el amor, la amistad y la felicidad no se pueden conseguir a través de engaños. Esta es una  divertida cinta de animación.

solo el fin del mundo

Amaneramiento,  histrionismo, parodias insulsas todo cabe ebn este primer plano general del Xavir Dolan.Como ejercicio de fin de curso, nada que decir incluso nota. Pero como opera narcicista puede llegar a ser insoportable.La interpetacio cuál pela de gallos puede ser peligrosa si no es por la contención adquirida por los expertos protagonistas, curtidos en mil batallas.Un intercambio infinito de onomatopeyas gritonas y lloriqueantes. Personajes modernos que saben que molestan pero continuan su carrera maleducacionista. Como todo hijo prodigo, despues de 12 años y haber adquirido un cancer, regresa con un secreto del pasado en l a molicha, lo suficiente grave como para armarla.Tras doce años de ausencia, Louis, un joven escritor que padece una enfermedad terminal, regresa al pueblo en el que nació para comunicar a su familia que se está muriendo. La llegada de Louis y la devastadora noticia desata una espiral de resentimiento que se apodera de todos y que desemboca en una serie de conflictos provocados por la duda y la sensación de soledad. Todo ello impide a los afectados empatizar con la dolorosa situación de unos y otros, personas incapaces de escuchar y amar. El actor y director Xavier Dolan (Mommy) regresa a nuestras pantallas con Sólo el fin del mundo, desgarrador drama familiar que viene de triunfar en el Festival de Cannes, en el que consiguió el Gran Premio del Jurado. La historia, de cuyo guion también es responsable Dolan y que adapta la obra de teatro de Jean-Luc Lagarce, habla de una familia de personas imperfectas, llenas de fallos, dudas, miedos e inseguridad que intentan sobreponerse de diversas formas a una terrible noticia. Gaspard Ulliel (Saint Laurent) se convierte en el protagonista de la cinta, cuyo regreso al seno familiar despertará todo tipo de sentimientos encontrados. Junto a Ulliel, encontramos un reparto de primeros espadas del cine francés como la ganadora del Oscar Marion Cotillard (Assassins Creed), Vincent Cassel (Jason Bourne), Léa Seydoux (La vida de Adele) y Nathalie Baye .

Silencio

El ultimo film de Martin Scorsese viene cargado de cine clásico de homenajes les llamamos por el momento, pero también con muchas ganas de revitalitizar el cine de parejas de hombres en este caso.  introduciéndose en terrenos resabiados pero que es el peligro que lleva consigo el  atrevimiento. Y Scorsese de atrevido lo es. Quien sufre los daños colaterales, ee el anima mater de la historia que debía ser de aventuras y que sufre el desgaste  constante de la magnifica puesta en escena de este director, uno de los grandes cada vez mas. Sebastián Rodriges y Francisco Garupe, dos misioneros jesuitas del siglo XVII, se embarcan en un peligroso viaje por Japón para encontrar a su mentor y predicar clandestinamente el evangelio en Oriente. Su misión chocará frontalmente con el gobierno de los señores feudales nipones y los samuráis, dispuestos a erradicar de raíz cualquier atisbo de cristianismo. Esto llevará a Rodriges y Garupe a tomar la misma decisión que el hombre al que buscan: elegir entre la fe o una muerte lenta y dolorosa. Tres años después de El lobo de Wall Street, el oscarizado Martin Scorsese cambia completamente de registro y vuelve a la cartelera con Silencio, drama histórico que transporta al espectador al Japón del siglo XVII. Hasta allí se desplazan dos sacerdotes jesuitas, interpretados por Andrew Garfield (Hasta el último hombre) y Adam Driver (Paterson) para encontrar a su mentor, al que da vida Liam Neeson (Una noche para sobrevivir), y evangelizar en las pequeñas aldeas niponas. Giro todo entorno al padre/coronel Kuertz en medio de un choque de culturas que no puede dominar que trata de forma critica y sin piedad y al que nos ntrduce con fabulas como la de las mujeres guapas o feas, las concubinas o la busqueda de los referentes queridos. Con este punto de partida, que tiene como origen la novela de Shusaku Endo, Scorsese conforma uno de sus films más espirituales, situando a sus protagonistas en un calvario de persecución y torturas que pondrá a prueba su fe ante el silencio de Dios en lo que respecta al sufrimiento humano. Una novela Shusaku Endoya adaptada por Japón en 1971, situa Scorseses la accion en  el siglo XVII. donde la inquisicion lo malo se pega, busca hacer justicia dvina con los dos misioneros discolos.  En esta reflexión sobre la religión y lo que se hace en su nombre, el cineasta completa el reparto con Ciarán Hinds (Hitman: Agente 47) y primeros espadas del cine japonés como Tadanobu Asano (La leyenda del samurái. 47 Ronin) y Shin'ya Tsukamoto (Nobi), entre otros. Últimas películas del director Martin Scorsese El lobo de Wall Street (2013) La invención de Hugo (2011) George Harrison (2011) Shutter Island (2009)

mimosas

Divide el autor Oliver Laxe el film en tres partes segun la oracion sufi. La caminata por el desierto se hace absurda, parece mas una carrera de resistencia de burros, incluso a  los seguidores de esta extendida religion.Visualmente un poema, sensual e hipnotico. Mimosas domina con su belleza la cordillera de tierras marroquinas, mientras transporta el  cadaver de un jeque  en pago  de la propia esposa de uno de los dos protagonistas. En la mortuoria caravana dos viajeros oportunistas ávidos de dinero que junto con otros componentes de la comitiva que huyen de hablar de la religión especifica que nos ocupa como yo ahora mismo. Dice Laxe que hacerlo es casi un suicido. Los desdibujados personajes se funden en el paisaje tan vasto que va evolucionando, contrastadas sus personalidades, hacia un sueño que permite dar respuestas mas sencillas en nuestro complejo mundo. Fipresci en Cannes en parte por la dedicada elaboración de proyecto que duro 6 años. Segundo film del director coruñés nacido en Francia, (Todos vosotros sois capitanes) 2010, que a la primera hora ya ha abandonado al espectador perdido entre la dificultad geográfica y el drama místico. Una caravana atraviesa el vasto Atlas marroquí con la misión de conducir al patriarca de una tribu, ya moribundo, hasta el pueblo donde nació, donde espera encontrar descanso eterno. Sin embargo, éste fallece antes de llegar, y la expedición se divide entre los que no quieren continuar y dos buscavidas que aseguran conocer el camino hasta la aldea. Con dudas, la viuda accederá a seguir adelante, y encomendará al inexperto Shakib la responsabilidad de vigilar que la caravana llegue a su destino. Se basa en el western y las historias de caballería, de raíces orientales, para componer una fascinante aventura a través de las escarpadas cumbres del Atlas marroquí. A lo largo de este viaje, al que Laxe dota con espectaculares imágenes del paisaje que rodea a los personajes, el realizador habla sobre la fe y la espiritualidad, representada en un quijotesco personaje protagonista, cuya inocencia compite con su sabiduría, y que convierte la expedición en un viaje lleno de elementos esotéricos. Al frente de los interpretes encontramos a Ahmed Hammoud (13 horas: Los soldados secretos de Bengasi), Shakib Ben Omar (que repite con Laxe tras su ópera prima) y los debutantes Said Aagli e Ikram Anzouli.

Desierto

Nueva y no ultima revisitacion el problema enquistado de la frontera  mexicana con EEUU. Esta vez en manos del hijo de Alfonso Cuaron, Jonas (año uña). Una expedición de espaldas mojadas es conducida por un tal Moises y controlada por un loco racista. El propio desierto es otro protagonista en un film hecho a la medida de Gael Gracia Bernal y no tanto de Jeffrey Dean Morgan  o A. Hidalgo. Se agradece la brevedad del sediento y árido film con un problema de compleja solución, Arropado en la producción por su padre, plantea una historia de supervivencia con un doble enfrentamiento, el del hombre contra el paisaje desértico y el del hombre contra el hombre que gira alrededor de una caza humana sin sentido alguno, y si lo tiene, es patriotismo entendido como fanatismo. La película tuvo un parón en junio porque el otro personaje principal, el catódico, D. Morgan, podría entrar en el gabinete del inminente nuevo presidente de la nación.

Todavía hay tipos solitarios, violentos y sádicos, racistas a los que enervan los mexicanos. que en vez de contentarse con levantar muros en la frontera entre los dos países, prefiere salir de caza con su perro y disparar contra los inmigrantes. El espectador ilustrado puede reconocer, huellas de  Ernest B. Schoedsack , de Joseph Losey, o incluso de Antonio Isasi Isasmendi. Sea por el paron o la reiteracion del guión, el relato va reduciéndose poco a poco al enfrentamiento entre los personajes de Morgan y Bernal, dejando de lado los contextos e ideologias de cada uno y sus tipologías. Queda pero la caza del hombre por el hombre y la relación entre los humanos y el paisaje. El desierto,  opresivo, permanece como tercer ángulo de un triángulo mortal.

De mentes criminales

El primer titulo definitoria del film del año. La película de Jared Hess, indica que 12 años son pocos para cambia la mente que puede enfermar el cine de un cineasta. Jared no ha aprendido que los actores no son polichinelas, monigotes movidos con hilos, que aunque lleven pelucas con de carne y hueso y que aunque los disfrace de seda, persona se queda. Y que sus ojos tienen infinitas expresiones transmisoras de sentimientos que las 12 de q ue doto John Guillermin a su King Kong. Un atraco no tiene que salir bien porque si no ser el inicio de una gran comedia porque no. Bigotes que nunca serán como el de Charlot, un heroe que no lo sera nunca ni de pitorreo y cantidades ingentes e crema lubricante vaginal colocada fuera de sitio. Una revisitacion del famoso(?) atraco de 1997 en el banco Loomis Frago, donde seguramente banda de lo que nos cuentan pasó. A saber, que un atracador hiciera sus necesidades mayores en una piscina, que otro se disparara en sus  partes traseras, ni que por supuesto llevaran pelucas pegajosas. Un atípico antihéroe, va a intentar cometer uno de los mayores robos de la historia de Estados Unidos. Este conductor de un furgón brindado se enamora de su compañera, que, tras dejar su trabajo, es incitada por un granuja local y convence para vaciar la cámara acorazada de la ciudad de Charlotte. Tras llevarse 17 millones de dólares y dárselos al granuja local  huye a México, pero tendrá que regresar a Carolina para rescatar a su verdadero amor. Director de la comedia de culto Napoleon Dynamite, Jared Hess vuelve a nuestras pantallas con una cinta de humor nada convencional, pero en el que se mantiene el gusto del realizador por el slapstick y lo surrealista.. Para dar vida  a estos muñecos y destrozarles la carrera, Hess recurre a algunos de los mejores cómicos de Hollywood, como Zach Galifianakis (R3sacón), Kristen Wiig (Cazafantasmas), Owen Wilson (Zoolander 2), Jason Sudeikis (La última canción) o Kate McKinnon.

Contratiempo

Los reyes magos nos han dejado este comentario bonachon del filme de Oriol Paulo. Melchor ha dicho que este director a base de superponer cosas o espacios siderales, puede hablar de cualquier cosa, del misterio a la venganza de la culpa al poder. O sea miente benignamente pero de forma descarada y reiterativa, consiguendo que el espectador se  coloque un interrogante en la frente para salir y entrar del film,. El mayor contratiempo del film es el espoiler absurdo en el minuto 52'. Al rey Gaspar le ha parecido  un juego narrativo si no fuera por los retortijones de guion que casi se trasladaba al estomago.Ha dicho que son películas como naves,que pueden llevarte a cualquier parte y no se ha definido en la comparacion con El cuerpo, donde el artificio tambien era maquiavelico y minucioso. Factura, atmosfera, claridad, pero poca intriga para tanto flashback. Finalmente Baltasar con su carbon, ha destacado la ambiguedad de Mario Casas, el mirar por encimadel hombro de Ana Wagener y el hiperrealismo de Barbara Lennie, el status de Francesc Orella para terminar diciendo de Paco Tous que es un suntuoso actor que como el guion ,ahora parece ahora desaparece. El consejo es que para el año que viene pidan mas atmosfera, menos guion giratorio y un final imprevisto.