Remember

Decir que Christopher Plummer, conduce el film de Atom Egoyan seria un error (Falsa verdad, Exótica, Guiones cambiados, Chloe, El viaje de Felicia, Cautivo, The adujster). Decirlo de Martin Landau que va desgranando el guión desde su silla de ruedas seria incorrecto. Y lo mismo de Dean Norris, la sorpresa final. Si que loscuatro utilizan algún subterfugio para no perder ritmo en una narración pausada como corresponde a un  baqueteado grupo de ancianos a los que el Alzheimer o lo que sea va devorando paulatinamente. Si sin embargo recuerdan a golpes de carta o memoria su pasado en un campo de exterminio y como sucumbieron sus familiares. Y aquí es cuando el director permanece fiel a su estilo sacrificando la complejidad del drama, la acción de venganza, incluso la estética nazi. Ya pesar de ello, su aproximacion al holocausto,  enfermedad senil, nunca es banal. Viajes al pasado, con una carta en el bolsillo, anotaciones  a bolígrafo y un numero fatídico, 1488... este no  a sangre y fuego. 

El amor es mas fuerte que las bombas/ Louder than bombs

Pasa mucho que cuando alguien tiene un buen material de reflexion en sus manos o su objetivo, como es el caso de Joachim Trier( Oslo, 31 de agosto), se dilapidan 109 minutos en pura forma sin fondo. Incluso se puede darse caso de que sea mejor el spoiler que la propia obra cinematográfica. Y es cierto que bajo una bomba quizá no es el mejor momento, o si , para analizar la condición humana de cada cual. Todo ello alrededor de una fotógrafa de guerra (Isabelle Huppert) de la que sabemos poco y su familia (Gabriel Byrne, Devin Druit, Jesse Eisenberg), menos. Retrato nórdico, por lo tanto frió, de como superar el dolor ante una perdida querida. Y las bombas sustuidas por coches, que se ruedan mejor. Film premiado en el festival internacional noruego.

Janis

Personal y épico este documental de Amy Berg (Every secret thing, Libranos del mal), pero también frió y ordenado, con criterio selectivo, pero montado demasiado profesionalmente. Como Janis no lo hubiera hecho. Janis Joplin es una de las cantantes de rock and roll más admiradas de todos los tiempos. Su prematura muerte aupó a esta trágica e incomprendida figura en un icono para toda una generación. Miembro del Hall of Fame del Rock, Joplin consiguió alzar su voz en medio de la revolución musical y cultural de los años 70. Este documental arroja luz sobre el otro lado del mito, que ocultaba bajo su imagen desinhibida y sexualizada traumas de adolescencia, inseguridades y la necesidad de ser aceptada. La documentalista Amy Berg, nominada a un Oscar por su documental Líbranos del mal, cambia de registro y se acerca a la otra cara de la leyenda de la música Janis Joplin. Por primera vez en la gran pantalla, Janis. La verdadera historia de la reina del blues nos ofrece la oportunidad de conocer a la mujer detrás del mito, y nos presenta un relato íntimo y revelador de la complicada y atrevida artista, a menudo marginada. Las cartas que Joplin escribía a su familia, muchas de ellas inéditas hasta ahora, se convierten en el instrumento perfecto para ello. Janis , como los grandes Dean o Winehouse murió joven sucumbiendo al éxito i a las adicciones.  Además de los manuscritos de Joplin, a los que la actriz y estrella del rock indie Cat Power (My Blueberry Nights) pone voz, también encontramos grabaciones inéditas, tanto de audio como de vídeo, que nos muestran a Joplin en conciertos y estudios, así como en momentos más personales como la vuelta de la cantante a su ciudad natal con motivo de la décima reunión de su instituto, que añaden más emotividad e intensidad a la historia. En sus siete años de trabajo en Janis. La verdadera historia de la reina del blues, Berg también ha recogido testimonios de familiares, amigos de la infancia y socios musicales de la artista texana, entre ellos Bob Weir, de Grateful Dead. Con todo ello, no aclara todavia el porque y el como de su muerte. Pero alimenta laleyenda de esta inesperada heroina del rock.

Cien años de perdon

Denuncia social fusionada con la politica y atracadores de circunstancias, pero profesionales. Explosivo film qu se desarrolla a partir de un guión muy bien medido de Jorge Guerrica que acaba convenciendo a todos, aunque le recordamos mas cómodo con Alex de la Iglesia. El núcleo del guión, esta información descubierta en una caja fuerte de una banco durante un atraco que puede hacer tambalear al gobierno mas pintado. La violencia, valenciana en este caso,parece que en los últimos tiempos remite, en pro de la personalidad, de la fuerza y de la visceralidad. Daniel Calparsoro, que nos acostumbro a sus raíces clásicas (Pasajes,  Salto al vació) continua con una magnifica elección de actores y se suma al atraco de domingo por la tarde con rehenes. Una entidad atracada que sera el escenario de casi todo el film. Cine con rabia como Celda 211, de unos hombres que buscan sus destino. En Asfalto , el film se repartía la negación de un futuro con luz para en A ciegas, demostraba su visceralidad y por tanto su preferencia por expresarse en un violencia sin perdón. Luis Tosar, Rodrigo de la Serna Raul Arevalo y José Coronado, vuelven a demostrar que también estan dotados para este género.

Tots els camins de deu

El filme de Gemma Ferraté se presenta como una película intima dónde, a través de la cámara en mano y un formato tan cerrado como la angustia que vive el protagonista, se nos narra el calvario de un hombre, el cual evidencia una fuerte culpabilidad sobre si mismo, y el dolor le corroe hasta limites de lo más extremos. El guión que Ferraté co-escribe con Eduard Sola es sin duda un arma que explota estupendamente un cúmulo de ideas que, aunque la mayoría de ellas pueden quedar sin respuesta al final del metraje, presentan una complejidad que sorprende ver en una película de tan escasa duración y tan pocos diálogos.

Entre varias de esas ideas cabe destacar la relación que se establece entre los dos personajes protagonistas del filme, interpretados por Marc Garca Coté y Oriol Pla, en la que de un modo natural, se crea a través de la introspección de los chicos, forjándose sin un claro acercamiento verbal, más bien de una mimesis que en ningún momento se presenta como baladí, si no a través de un entendimiento que va más allá de lo físico. Así no es de extrañar que la película se haya convertido en la carta de presentación de un ciclo de cine LGBT, ya que aunque en ningún momento la película tenga una clara referencia homosexual en la relación, si que es fácil que venga en mente gracias a las miradas, gestos y situaciones de los tres actores (hay que sumar a Jan Cornet), y todos sabemos que algunas de las historias bíblicas presentan un oculto contenido homo-erótico que otros realizadores han sabido plasmar en sus filmes. Aunque Tots els camins de Déu pueda ser un filme al que es difícil entrar, y en ocasiones la sombra de Gus Van Sant (figura muy común en los filmes de varios realizadores que vienen del ESCAC), Kelly Reichardt o Albert Serra planee con demasiada insistencia sobre la película, al final se respira una fuerte carga personal en la película y una sinceridad absoluta en el trabajo, que como espectador no puedo dejar de agradecer, ya que hoy en día es difícil encontrar trabajos tan sinceros, valientes e intimos como el de Gemma Ferraté, y aunque el propio filme presente grandes motivos para ser visionado, este último es sin duda el que más fuerza tiene.

Cuenta la historia de los últimos tres días en la vida de un Judas contemporáneo, un hombre que huye de su propia culpa después de traicionar a su mejor amigo. Ahogado por su culpabilidad, entra en el bosque donde se reunirá con un joven misterioso que lo acompañará en su arrepentimiento, lo cual le ayudará a lidiar con sus sentimientos, con la comprensión de su culpa y cómo finalmente confrontarlo.

 "Una manera de reflexionar sobre el mundo en el que vivimos, lleno de miedos y paranoias. La película recoge estos elementos y muchos más para crear imágenes hipnóticas, brutales, que transmiten el poder físico del cine en contacto con la naturaleza amenazante.[...] La fuerza se esconde en su constante inventiva, en los múltiples matices de esta historia que parece tan sencilla i elemental.

Poveda

Pedro Poveda es un joven sacerdote de Linares que en la España de principios del siglo XX abre, a través de su espíritu innovador, caminos en el campo de la educación y la defensa de los derechos de las mujeres. Su trabajo en la enseñanza de los más pobres despertó recelos entre la sociedad culta y clerical de Granada, que provocó su marcha a Asturias. Allí inició junto a mujeres jóvenes (entre ellas su pilar Pepita Segovia) un movimiento por la formación de un profesorado cristiano cualificado. El joven director salmantino Pablo Moreno (Un dios prohibido) viaja hasta las primeras décadas de la España del siglo XX en Poveda. Lo hace para contarnos la historia del sacerdote, reconocido por la UNESCO como Pedagogo y Humanista y canonizado por la Iglesia en 2003. Su vida y obra, dedicada a la defensa de los derechos de las mujeres y el de las clases más humildes del país de acceder a una educación digna y su enfrentamiento con las clases altas y el poder clerical, son el punto de partida para esta cinta que ensalza la figura del eclesiástico. Rodada en algunos de los lugares reales que marcaron la vida de Poveda y la Institución Teresiana, como Guadix, Covadonga, Madrid, Jaén o Ciudad Rodrigo, ésta película cuenta con el actor Raúl Escudero (que repite con Moreno tras Un dios prohibido) como Pedro Poveda. En la piel de su inseparable compañera y primera mujer licenciada en Educación en Jaén, Pepita Segovia, encontramos a Elena Furiase (Don Mendo Rock ¿La venganza?), que se pone de nuevo a las órdenes del director después de su última película. Le secundan Miguel Berlanga (Agnosia) y Fran Calvo.

El testament de la Rosa

 El testament de la Rosa, es la película que muestra a la actriz Rosa Novell ciega y poco antes de morir de cáncer ensayando ante la cámara el que debía ser su último trabajo escénico y que nunca llegó a realizarse. Es un filme bellísimo, emocionante y que por encima de todo muestra a una gran actriz en la cima de su talento, haciendo de la mejor manera aquello para lo que nació, actuar. La cinta de Agustí Villaronga, estrenada en la Filmoteca de Cataluña en una sesión con familiares y amigos revestida de muchísima emoción, tiene momentos absolutamente extraordinarios, sublimes, en los que la vida —y la muerte— de Rosa Novell se incardina con inmensa sabiduría (la del cineasta y la de la actriz) en la obra que se ensaya, El testament de Maria, de Colm Tóibín, un monólogo de la Virgen en primera persona que finalmente llevaron a escena Villaronga y Blanca Portillo.

Uno de esos momentos de la película es cuando Rosa Novell relata la crucifixión de Cristo ofreciendo una inmensa lección interpretativa plena de detalles que la cámara de Villaronga capta con respeto y cariño pero también con la glotonería de un artista que reconoce el genio de otro. El blanco y negro de la película, de calidad expresionista en muchos momentos, muestra a la Novell, paradójicamente muy vital, en la que su rostro y su cuerpo débiles y asolados se revisten de una majestuosidad que hace pensar en Dreyer. Otro momento estremecedor de la película, que se proyecta en los cines Texas es, dadas sus connotaciones, el relato que la Novell como María, hace del episodio de la muerte y resurrección de Lázaro. Las frases e imágenes fluyen en un juego de significados y alusiones de los que, evidentemente, son muy conscientes tanto la actriz como el cineasta, que aparece en la película dándole la réplica a la Novell y dirigiéndola.

No pueden olvdarse otras escenas que dejan una honda impresión en la retina y la memoria, como las de la actriz caminando desenfocada, tendida en el lecho o sentada junto a su marido, el escritor Eduardo Mendoza, mientras este le lee. Esas y otras imágenes íntimas, así como retratos de juventud, se mezclan con las de los ensayos, cruzando lo personal y lo profesional. El filme incluye algunos momentos distendidos que hasta hicieron reír al público. “Ella quiso aprovechar hasta el último momento para hacer teatro”, señaló Passola, que recalcó que ese fue el motivo de que la Novell aceptara que la rodaran ensayando El testament de María. “No veía y sin embargo tenía una luz tremenda que es la que transmite la película”. Villaronga destacó “la entrega de Rosa” y dijo que lo que empezó como un favor a ella, para hacerle algo más llevadera la enfermedad, “se convirtió en un favor a todos nosotros”.

Mendoza explicó que “Cuando uno está al lado de un enfermo está más pendiente del convaleciente que de la persona. Ella quería hacer esta película. Quería morir haciendo de actriz”. El escritor dijo que ha visto la película pero que anoche no iba a volver a verla. “Aún no. Me golpeó mucho. Vi que no era un documental sino una verdadera película. No es un documento sobre una persona a las puertas de la muerte e invidente, sino el trabajo de una actriz actuando, y muy bien dirigida”. A recordar el texto que Rosa Novell recita sobre un montaje de fotos suyas: “El encanto y la belleza que irradiaba necesitaban de otro reino en el que prosperar”

Marcos Ordoñez  va escriure En junio de 2013, a punto de comenzar los ensayos de El testamento de María, de Colm Tóibín, a Rosa Novell le detectaron un cáncer en fase avanzada que le obligó a abandonar el proyecto. Perdió la vista pero no el coraje, y con el director Agustí Villaronga decidieron rodar fragmentos de la obra para dejar un recuerdo, un testimonio. El testament de la Rosa, presentado en la Filmoteca de Barcelona al cumplirse un año de su muerte, es mucho más que un documental o un homenaje: es una pequeña joya de 47 minutos. Es difícil verla sin golpes de llanto, pero acaba ganando la fuerza de su empeño y el tono, casi dreyeriano, de la mirada. El blanco y negro, la austeridad. El rostro de la actriz, con el cabello muy corto y los ojos ciegos pero encendidos, hace pensar: “En escena tenía que construir mi primer plano para que el público mirase mi cara”, cuenta Rosa. “Aquí, ahora, puedo ser yo, más próxima”. Ver a Rosa y Francesca caminar juntas,  a la orilla de un río tranquilo. Y entre dos luces a Eduardo Mendoza, su compañero, esa sombra benévola que lee para ella, al anochecer, y vigila su sueño en la casa de verano.

Las palabras de Tóibín y las de Rosa se mezclan como afluentes. Villaronga pregunta: “¿Qué hay de ti en el personaje?”. Rosa sonríe: “Dolor. Miedo. Serenidad”. Dice luego: “Cuando dejas de ver es como si nacieras de nuevo. Has de aprenderlo todo. Empiezas a ver por dentro. Mis manos y mis pies son ahora mis ojos”. Desfilan retazos de su juventud, funciones ya lejanas pero todavía vivas, resplandecientes. Rosa vuela en el tercio final de la película, ya dueña del texto, y te hace volar con su música. Canta, en un susurro, la nana más hermosa que se haya escrito, que jamás puede escucharse sin lágrimas: “La mare de Déu / quan era xiqueta / anava a costura / a aprendre de lletra”. Una nana para irse yendo. Y las últimas palabras de María, para siempre suyas: “Quiero volver al tiempo en el que el mundo era un lugar tranquilo. Quiero un tiempo en el que nada de todo esto que ha pasado tenga que pasar”.

La Habitacion/room

Pude verla solo horas antes de la entrega de los oscars. Pero era evidente que Brie Larson iba ganar con rotundidad la estatuilla por su interpretacion magnífica de una de las víctimas (Elisabetz Fritzl, austriaca) del monstruo de Amastetten, aquel descerebrado que sometio a su hija durante 24 años a secuestro, con quien tuvo 7 hijos, los mismos que tuvo en el piso de arriba con su mujer. Lenny Abrahamson (Frank) nos mantiene con dureza insoportable en la habitacion de 3,5x3,5, donde uno se hace cabalas de como pudo suceder todo aquello. Pero en el film todavia hay una segunda parte, para mi mas impresionante y es partir de la fuga de Jack, el chico de 5 años que simboliza todos los menores afectados en el caso. En ambas partes impera una contencion,dificil de lograr debido a la fuerza y crueldad del tema. En su descubrimeinto del "mundo", porque habia mundo y universo detras de la claraboya esta es la magnificiencia del director, apuntandonos los claves de aquel horror. Aqui habria que citar el papel el hijo, 50% del amor materno filial que anima la película y que deberia haber ganando un oscars, o compartirlo al menos. En este aspecto, el filme seria un contrapunto a La vida es bella, donde protege al menor montandole alrededor una vida paralela. Destilado el guion de la novela de Emma Donoghue, la prision es sol para la madre. El niño, nacido alli es su espacio natural. O sea se puede ver el film sin la sensacion terrible de la degradacion humana y dejar tiempo sobretodo para para no caer en la desesperacion. Son protagonista ademas  de Jacco Tremblay, el cerdo de Sean Brdigres, Joan Allen o William H. Macy, los abuelos, el armario, donde duerme el chico los dias que hay "visita", la cama, banyera, cocina. en un espacio donde no caben las velas de pastel de los cinco años. El guion mezcla situaciones tambien captadas del secuestro de 10 años de Cleveland de tres jovenes de las que una salio con una hija de 6 años. Un desproposito monumental que tenia que estar en la historia del cine.

13 hores. los soldados secretos de Bengazhi

Si no hay historia, Michel Bay lo disimula con banderas, trucos de camara y camara lenta, para mostrarnos a dos tipos de americanos. Los teoricamente aguerridos que matan en las guerras promovidas por los EEUU. y los mas discretos, burocratas de despacho cuyos errores causan bajas en los frentes abiertos  sangre y fuego. Como el tema es delicado, Bay lo resuelve con fuerza fisica, tension constante, en la excesiva duracion de 144 minutos para lo que cuenta. Ambos grupos de seres humanos , no se distinguen por su lenguaje, ideas, sino que todos son amantes de la familia, de su patria, lo cual sabemos que no es cierto en la gran proporcion, sobre todo ahora con los mercenarios de uno y otro lado. Por ello tiene razon Bay cuando anuncia que el ataque al consulado de Bengazhi, Libia, 2012, cuando la caida de Gaddaffi. no es  cine politico.Y por lo tanto busca un angulo no comprometido en la novela de Michell Zuckoff, empleada por cierto por Trump contra la adminstracion Obama en la recinte campaña, por el que ven el mundo Pablo Schreiber,  Jon Krasinski, James Badge Dale, David Denman, Dominic Fumusa y Mas Martini, nuestros 6 heroes. En las guerras y en esta mas, no hay moral, todo esta justificado segun pero donde se mire y sobretodo pasa por casualidad. Solo que en medio estan seres humanos.

Tenemos que hablar

Parodiando que difícil es hacer el amor en un Simca, diremos  aquí que difícil es hace cine de enredo y mas siguiendo la tradición de Hollywood. David Serrano confunde el esperpento con la interpretación,  la locura con el despiporre y además lo ensucio con claras referencias a los grandes. Sin guión, como el agujero de la aguja, se quiere hacer pasar la narración por esta España invertebrada con camello y todo. Tirando de  hemeroteca vergonzosa, ruinas , rescates, estafas,desahucios, todo, todo deriva hacia el chiste molesto e  irrespetuoso con situaciones que no tienen nada de gracia para el que las sufre. Porque Borja Cobeaga que si esta en el filme, ofrece unos dialogos rápidos y fluidos, y otras replicas que con una historia mas consistente  detrás podría logras una buena comedia. Contribuirían a ello Oscar Ladorie y Veronica Forque, secundarios veteranos magnificos que se echan el film a la espalda en todos los momentos, muchos, en que aparecen. Hugo Silva y Michelle Jenner, Belen Cuesta, Ernesto Sevilla e Ilay Kurelovic no se desprenden  de los tics (los malos) de la antigua comedia española, tanto que hacen dudar de si la película es actual. Cine burbuja como lo que nos pretende contar. Un paseo inútil por la crisis. Sera que a la economia le va peor con el cine que las bodas.