The first purge/la primera purga

Para mantener durante todo el año la tasa de criminalidad por debajo del 1%, los Nuevos Padres Fundadores de América se han propuesto poner a prueba una teoría sociológica que dice que, si se da a la gente una noche al año para liberar toda su rabia y agresividad contenida, el resto del tiempo se comportarán civilizadamente. La primera edición de esta purga, donde incluso el homicidio está permitido, no tardará en extenderse del entorno cerrado de estudio hasta todos los rincones del país. Convertida en una de las sagas de terror más exitosas de los últimos años, la Purga celebra su macabra cuarta edición en. En esta ocasión, el creador de la franquicia, James DeMonaco, se dedica a tareas de guionista y productor y cede la silla de director a Gerard McMurray (Burning Sands), que en su segundo largometraje se monta una precuela que lleva al espectador al origen de esta violenta tradición en la que, durante 12 horas, cualquier crimen, incluso el asesinato, está permitido. La acción, y la tensión conviven con inquietantes psicópatas enmascarados marca de la casa en una cinta que, una vez más, no está exenta de crítica social sobre la profunda brecha económica entre la clase alta y la población más desfavorecida de la América actual. La ganadora del Oscar Marisa Tomei (Spider-Man: Homecoming), la ideóloga de este experimento sociológico que no tardará en escapar a su control, esta última secuela cinematográfica antes de su transformación en serie de televisión. Completan el reparto Y'lan Noel (House of Another), Steve Harris (12 trampas) y Lex Scott Davis.

Sicario el diadel soldado

Film de Stefano Sollima igual que el anterior .La misma musica, una excelente fotografia, repiten actores, pero el nucleo de la trama ya no es la camorra sino el asunto islamico en connivencia con los carteles mexicanos. Asunto que trata con el mismo desprecio y temor que el anterior, pero que a los occidentales, de momento coge mas lejos. Accion, ritmo, tension desde el atentado al supermercado hasta el momento en que Benicio del Toro "anuncia" la tercera parte. O algo tenia la anterior que ha perdido en esta. Dura cruel, impavida ante el dolor, sigue a pies juntillas la forzada musica de Guonadottir. El gobierno de EE.UU. continúa librando la batalla contra los cárteles de la droga, una guerra en la que no hay reglas y que se ha recrudecido tras las últimas investigaciones que indican que, además del narcotráfico, las organizaciones criminales que operan en la frontera están empezando a introducir terroristas de manera clandestina en suelo norteamericano. Para pagar a los narcos con su propia moneda, un agente federal volverá a formar equipo con el misterioso y volátil Alejandro. Con una filmografía construida alrededor del thriller criminal hiperrealista, el italiano Stefano Sollima (Suburra) firma esta secuela del film de Denis Villeneuve donde la amoral guerra que se libra entre las autoridades y las grandes mafias del narcotráfico pasa a un nuevo e impredecible nivel. La delgada línea que separa los cuestionables actos de agentes de la ley y capos de la mafia, un tema siempre presente en el cine de Sollima, recordemos hijo de Sergio fallecido el 2015,es el leitmotiv de una cinta que transporta al espectador al despiadado mundo fronterizo del tráfico de drogas y la política exterior estadounidense. En este escenario se mueven como pez en el agua los dos antihéroes de la primera entrega, de nuevo Josh Brolin (Deadpool 2 ) y el ganador de un premio de la Academia Benicio del Toro (Star Wars: Los últimos jedi), que en esta ocasión lideran una misión, sin limitaciones legales o éticas, que busca recrudecer la guerra entre los cárteles y durante la que redescubrirán su humanidad y se plantearán conflictos morales. Completan el reparto de esta película de acción violenta la joven Isabela Moner (Transformers: El último caballero), Manuel García-Rulfo (Asesinato en el Orient Express) y Catherine Keener.

El infinito/The enddless

Cuando una película, especula con su mensaje, tensiona la estetica, para reforzar argumentos y nos rodea con su atmosfera mas bien niebla que no permite ver mucho, la llamamos película de culto. El guion es terrorifico, no que aterroriza, contraviniendo la  mas basicas leyes del medio. Contrapone lo divino a lo  humano, lo religiosos a lo laico y la paciencia a la obediencia del visionado. O sea la dicotomia secular de si hay que reir o llorar. Recomiendan las cronicas, recuperar de 2012 y los mismos autores para no sorprendernos y evitar los primeros alucines, luminicos y psicologicos su pelicula "Resolution".  Bajo la sombre de Lovecraft se desnudan sectas, relaciones familiares, males de poco tiempo y otros de duraderos o infinitos.  Aaron Moorhead y Justin Benson son los encargados de nuestro dolor de cabeza. No solo la dirigen y escriben sino que también la protagonizan. Años atrás, Justin y Aaron lograron escapar de una secta con la que se habían criado pero malviven atormentados por los recuerdos. Un día reciben una cinta de vídeo de la misma secta y regresan al campamento donde vivieron tantos años.

Esta premisa es interesante, pero con todas las situaciones extrañas, la buena fotografía, las buenas actuaciones se convierte en un film de ciencia ficción prescindible.

Hay quien sin conocer nada entera perfectamente de toda la trama todo y no haber visto antes ‘Resolution’

Ir ya con el miedo puesto a ver el film que ya en Sitges hablaban de ella como que era muy liosa y que costaba mucho coger el hilo. Las actuaciones son de lo mejor, los personajes son a cada cual más extraño, estamos adentrándonos en el mundo de una secta y no todo es lo que parece. El reparto es desconocido.El guión lo realizó Justin Benson, el encargado de la fotografía es el otro director, Aaron Moorhead y sin duda ha hecho un trabajo tecnicamnete correcto.

Formentera Lady.

La competencia entre un abuelo y su nieto quiza no tenga mucho interes, pero si este abuelo es Jose Sacristan, de hippie a canguro y el chaval es el descubrimiento Sandro Ballesteros, eso es otra cosa. Un abuelo sometido a canguro por que su hija ha encontrado trabajo en Francia, se enfrentara a un nieto inteligente y rebelde de aqui te espero. Podria haber sido otra comedia de tintes familiares, pero entre Sacristan y Pau Dura  hacen que encuentren, los tres, director y actores, el punto aquel en que cualquier cosa casi parezca cine puro. Donde los dialogos concisos se encuentran y entonces es cuando el espectador percibe lo grande que es esta mezcla en la sala oscura de emocion y sonrisa permanente. Y lo consigue,el director en su pequeño papel, y un Sacristan inconmensurable que podria haber titulado el film, el ultimo hippie, Un hombre exiliado de la vida que toca el banjo en un bar de una perdida isla. En lugar donde paga por su libertad a cambio de un desden asi mismo, a los demas, una queja constante y su insociabilidad. Samuel llegó en los 70 a la Formentera hippie y nunca más se fue. Su apacible vida da un vuelco cuando recibe la visita de su hija, que le comunica que, después de mucho tiempo en el paro, ha conseguido trabajo en Francia, lo que la obliga a dejar a su hijo bajo el cuidado de su abuelo. Al principio reticente, acepta hacerse cargo, y junto a su nieto iniciará un viaje que le llevará a descubrir las sombras de su paraíso. Formentera como lugar de peregrinación para el movimiento hippie de los años 70, y los ecos de entonces que aún perduran hoy en día es el telón de fondo de la película del actor Pau Durá (1972) que reflexiona sobre la responsabilidad familiar en este contexto de total libertad. De este modo, Durá compone una película que encuentra el paraíso a través del viaje, crepuscular y a la vez iniciático, de su protagonista, interpretado por el Goya José Sacristán (Las furias), que descubrirá que vivir en el inmovilismo, sin cuestionar sus certezas, es otra forma de coartar el espíritu libre. Cuando reciba la visita de su hija, a la que hace tiempo que no ve, y se quede, muy a su pesar, a cargo de su nieto de 10 años, este personaje redescubrirá cosas de él mismo que no esperaba, como la nostalgia por un tiempo que ya pasó y que nunca volverá. Completan el reparto de este honesto y sutil drama con dosis de comedia agridulce, Nora Navas (El ciudadano ilustre), y Jordi Sánchez.

En la playa de Chesil

Ian McEwan, escritor y guionista del esta daptacion suya, tambien es productor, ha realizado un film, (Dominic Cooke en realidad) muy distinto de su propio original, lo cual es bueno. La melancolia se mece en el film como una hamaca entre dos palmeras, la del dolor y la de ternura. Saorsie Ronan, es quien se mece de manera perturbadora en ese yacimiento aereo.  En On Chesil  beach todo es muy irlandes. En la Inglaterra de 1962, un joven de pocos recursos que conoce a una muchacha de clase media alta, durante una manifestación contra las armas nucleares. Después de un tiempo, estos enamorados veinteañeros deciden casarse en una época donde todavía no se ha publicado el primer LP de los Beatles y la sexualidad continúa siendo un tema tabú. Entre palabras y silencios, lo que suceda durante su noche de bodas en un hotel de la playa de Chesil cambiará sus vidas para siempre. Después de sufrir todo tipo de vicisitudes, el proyecto para trasladar a la gran pantalla la aclamada novela de Ian McEwan consigue ver la luz de la mano del respetado director teatral Dominic Cooke, que en su debut con un largometraje que  compone un desgarrador y conmovedor drama romántico ambientado en una época en la que el sexo y todo lo que le rodea eran temas poco menos que prohibidos. La cinta sigue el desarrollo de la relación de sus dos jóvenes e inocentes protagonistas, interpretados por  Saoirsie Ronan (Lady Bird) y Billy Howle (Dunkerque), que sufren la presión de una sociedad que les dice lo que deben ser y cómo comportarse. En este film sobre la iniciación en la sexualidad, donde los personajes afrontan una amarga noche de bodas convierte la intimidad de los enamorados en momentos de incomodidad y frustración, fruto del desconocimiento que la juventud inglesa tenía sobre las relaciones amorosas en los años previos a la revolución sexual. Completan el reparto Emily Watson (Everest), Adrian Scarborough (Los miserables) y Anne-Marie Duff.

Au revoir la haut/Nos vemos alla arriba

Para compensar el buen cine frances, de vez en cuando Albert Dupontel y otros nos ofrecen un mareo como este. Un absurdo de film que pretende darnos  a reflexionar sobre la muerte, la corrupcion o la venganza con "sentido" del humor. Sin ideas y muy discutible en su faceta visual, las dos patas del ser de la mascara para cubrir y ocultar su rostro desfigurado son la crueldad poetica y la belleza de la morbidez. Novela de Pierre Lemaitre que narra la historia de dos soldados procedentes de la Gran Guerra y las atrocidades que siguen cometiendo: suciedad , deshonor, trafico de morfina, violacion de los cadaveres, y asi obtener el liderazgo de los sin escrupulos. Por suerte sus personajes no toman cuerpo y nos  importa algo menos tanto exceso. Lujosa produccion con un vestuario exquisito. Corre noviembre de 1919. Dos supervivientes de las trincheras, un ilustrador brillante y un modesto contable, deciden montar una estafa alrededor de los monumentos funerarios a los caídos en la I Guerra Mundial para ganar dinero después del conflicto. Combinarán su ingenio para ganarse la vida con artimañas, disfrazados con máscaras, en una Francia de los años veinte que solo presta atención a los fallecidos, aunque su operación se convierta en algo tan peligroso como espectacular. Es una tragicomedia dirigida y protagonizada por Albert Dupontel (9 meses… de condena!). Ganadora de cinco premios César, la película es una crítica a la guerra y al olvido de los supervivientes de un conflicto bélico. Con un tono burlesco, el propio Dupontel encarna a uno de los protagonistas, un contable pobre que vive en la calle y no tiene recursos ni influencias. Su compañero, desfigurado tras la guerra y casi mudo, es un artista que no puede expresarse. Juntos deciden mercadear con las tumbas y conmemoraciones a los caídos, expresando el sentimiento de humillación y desamparo de los que combatieron con miedo en las trincheras. Para conseguirlo, deberán burlar a las autoridades y al oficial que está dispuesto a pasar por encima de todos. El reparto del filme lo completan el argentino Nahuel Pérez Biscay (120 pulsaciones por minuto), Laurent Lafitte (No se lo digas a nadie), Niels Arestrup (Un profeta) o Émilie Dequenne.

78/52

Veo veo! que ves? una escena. que escena es? Hasta aqui la broma de este documental basandose en la escena del ducha del repudiado por Hollwood, Alfred Hitchcock. La escena era mas una venganza que una propuesta, pero todo y asi cambio el genero del cine de terror. Guillermo del Toro o Mike Harris son algunos de los entrevistados por el documental cinefilo. Un paso mas en su conocimiento y/o descubrimiento pues hay algunas imagenes obra del maestro del miedo. Y curiosidades "rosas" como las apariciones de los hijos de Perkins y Leigh, Oz Perkins y Jamie Lee Curtis. Para filmar el asesinato de Marion Crane a manos de Norman Bates se necesitaron 78 planos, 52 cortes y 7 dias de rodaje.A principios de los 60, un lluvioso invierno Marion entraba en la ducha, una sombra la acechaba al otro lado de la cortina y, luego, un grito. Este documental disecciona aquella escena y muestra todo lo que hubo detrás de las que compusieron uno de los momentos más inquietantes y terroríficos de todo el séptimo arte, al que el original Hitchcock dedicó toda una semana de las cuatro que duró el rodaje de ese clásico llamado Psicosis. Han pasado 58 años desde que una de las obras maestras de Alfred sobrecogió a toda una generación, en gran parte por una de las escenas más icónicas de la historia del cine, la del asesinato en la ducha del Bates Motel. Convertido en uno de los films más analizados y discutidos de todos los tiempos, este momento cumbre del cine de suspense, objeto de estudio para cualquier aspirante a cineasta, es repasado plano a plano por el director Alexandre O. Philippe (People vs. George Lucas). Esta película se acerca, en un meticuloso banco y negro   de una manera sin precedentes a la combinación única de genio, arte, técnica e influencia posterior de esta extraordinaria secuencia que ha sido objeto de todo tipo de homenajes cinematográficos, literatura o ensayos que la han hecho formar parte del imaginario colectivo. La cinta cuenta además con testimonios de pesos pesados de la industria como Peter Bogdanovich (Lío en Broadway), o Karyn Kusama.

Casi 40

Comedia romantica?. Musical historico contemporaneo? Es lo que ha rodado David Trueba, artista en varias facetas y que en el cine siempre me hace pensar en lo facil que debe ser sustraerse o agraceder los consejos del hermano mayor, el del Oscar Billy Wilder. Emociones, posiblemente vividas, vulnerabilidad consentida,  intimidad cultural, desarrollando en Lucia Jimenez, el alter ego de aquella mujer perfecta que todos hemos soñado. Arriesgada road movie por la que transitan dos seres, narrando sus circunstancias una vez perdida la inocencia en el retrovisor. Un puñado de canciones, actuaciones musicales, sensiblemente elegidas, marcaran los casi 40 años de los protagonistas que pelean con exito con los dialogos perfectos del film, para darles credibilidad. Estropeada la moto de la nostalgia, la pareja se plantea en que vehiculo del futuro sobreviviran. La furgoneta "groopie" desde luego no. La gran ventaja de David Trueba es que tambien es escritor y de momento ha sabido mantener cada especialidad en su campo. Y aquellos niños que vivian una buena vida, hoy se ven cegados por la explosion de una crisis que nadie les enseño a imaginar. Sus sueños intelectuales se han convertido en la boda de un futbolista con dos hijos y un vendedor de cosmeticos que intenta colocar hasta en las librerias Una modesta gira de conciertos vuelve a reunir a dos amigos de juventud. Ella, cantante de éxito ya retirada de la escena, ha abandonado su carrera musical y tiene ahora una vida estable como madre de dos hijos. Él, que se ha quedado estancado y sobrevive como vendedor, pretende relanzar la carrera musical de quien fue su amor de adolescencia tocando en pequeñas librerías y establecimientos del interior del pais. En este viaje, volverán a reencontrarse consigo mismos. El madrileño David Trueba (Vivir es fácil con los ojos cerrados) dirige esta comedia, una road movie narrada a través de canciones y un humor particular. Casi 40 es un viaje en furgoneta por la España profunda donde dos viejos amigos se debaten entre sus deseos, ambiciones y expectativas frustradas. Cuando se reencuentran tantos años después, los protagonistas evalúan cómo les ha tratado el paso del tiempo y los caminos que han elegido en la vida. Ella ha triunfado en la música tal y como soñaba, pero sin la ilusion juvenil, mientras que él trata de retornar a su primer amor. El director de La Buena Vida vuelve a trabajar 20 años después con los actores protagonistas de aquella cinta, Lucía Jiménez (El signo de Caronte) y Fernando Ramallo (Carreteras secundarias), pareciendo así una continuación de su ópera prima. Completan el reparto Vito Sanz (Los exiliados románticos) y la debutante Carolina África.

A la deriva

La tormenta imperfecta. Entre ola y ola modelo tsunami, el guion inserta unas flashbacks romanticos para que nos demos cuenta del pastel amoroso que se pierde el mundo si la pareja no sobrevive. Tan edulcorado es el producto y tanto interfiere el recuerdo en la tension por la supervivencia, que hasta el mar parece azucarado, dando los citados respiros antes de volver a la carga. Nada que ver con la ultima peripecia marina de Robert Redford en solitario o el viaje de la KonTiki. Una joven en busca de aventuras, conoce fortuitamente a un experto marinero. No tardan en enamorarse y, juntos, se embarcan en un viaje de 4.000 kilómetros en velero desde Tahití hasta San Diego. Sin embargo, en medio de la travesía se verán sorprendidos por un huracán de categoría 5, una de las mayores tormentas jamás registradas sobre el Pacífico, que destruirá el barco y dejará malherido al hombre. Más unidos que nunca, lucharán por sobrevivir sorteando, el hambre y la sed. Tres años después de rodar Everest, el director islandés Baltasar Kormákur vuelve a contar una historia de supervivencia basada en hechos reales en la queTami Oldham y Richard Sharp que en 1983 sufrieron en el un devastador huracan cuando iban a dar una vuelta. Cambia la montaña más alta del mundo por la mayor tormenta jamás registrada sobre el océano Pacífico, en medio de la que se encontró un velero tripulado por una pareja de enamorados. La cinta cuenta la historia de superación de Tami Oldham que, tras despertar en un barco destrozado y ver cómo su pareja se encontraba gravemente herida, tomó las riendas de la situación y, con coraje y perseverancia, consiguió sobrevivir a 41 días en el mar sin apenas comida ni agua. Este relato sobre la resistencia humana y el inmenso poder del amor, que la propia Oldham inmortalizó en un libro, da el salto a la gran pantalla en un film que combina espectaculares escenas de un mar embravecido con momentos más íntimos de romance, soledad o dudas. Al frente de este enfrentamiento entre las personas y la naturaleza se encuentran Shailene Woodley (La serie Divergente: Leal) y Sam Claflin (Antes de ti), a los acompañan la debutante Grace Palmer y Jeffrey Thomas.

Oh! mamy blue

Con 70 años, una "joven" mujer, mantiene la vitalidad de su juventud, que le ha llevado a revolucionar a los ancianos de la residencia en la que vive a base de marihuana terapéutica, yoga y pasión por la música. Lo que pocos saben es que en los 60 era la gran estrella del rock español, que incluso hizo soñar a Jimmy Hendrix. Su nieto, convencido de que su abuelo era el mítico guitarrista, quiere que Laura vuelva a los escenarios como vocalista de su banda, que se ha presentado a un concurso. Desde el drama que actualmente viven los ancianos, a los que la sociedad, desde una actitud paternalista, considera incapaces de afrontar las tareas y labores que implica la vida moderna, y que termina en la mayoría de los casos con el traslado a una residencia en la que pasan sus últimos días casi olvidados, el director Antonio Hens (La partida) compone una agria comedia que invita al espectador a no reírse de la desgracia y a ver cómo los mayores, a pesar de sus achaques, pueden tener tantos sueños, vitalidad y rebeldía como los más jóvenes. A su vez, Oh! Mammy Blue recuerda ese pequeño reducto de libertad que supuso el rock en la España de los años 60, que surgió a partir de la permisividad hacia el turista extranjero y la visita de grandes estrellas de la época como The Beatles. Al frente de esta película familiar, que busca llegar al público de cualquier edad, se encuentra la ganadora del Goya Carmen Maura (El futuro ya no es lo que era), a la que acompañan Ramón Barea (La higuera de los bastardos), Milton García (La partida), María Pujalte (Es por tu bien) o María José Alfonso.