martes, 18 de junio de 2019

enemigo intimo / freres ennemies

La conocida lucha por la posesion de la droga en les banlieus franceses, enfrenta a un policia y un delincuente. Un polar frances con sus caracteristicas principalmente la tension, la violencia matizada, (ahora que hay tantos tipos) y una puesta en escena mas que sobria. David Oelhofen, en su segunda pelicula rinde homenaje al gran Paris y es a donde transporta la narracion de como se detuvo al primer asesino en serie de Francia. Cuando eran niños, Driss y Manuel se criaron casi como hermanos en un conflictivo barrio marginal, pero con el paso del tiempo terminaron por coger caminos completamente opuestos. Ahora, Driss es policía y Manuel se ha convertido en un habitual del mundo del narcotráfico. Cuando uno de los negocios de Manuel salga rematadamente mal, el destino volverá a unir a estos viejos amigos. Enfrentados por traiciones y resentimientos, tendrán que trabajar juntos para sobrevivir en sus respectivos mundos. Presentada con una buena acogida en el Festival de Venecia, la nueva película de David Oelhoffen (Lejos de los hombres) propone un thriller que reúne los mejores fundamentos del género, a la vez que intenta desafiarlos para encontrar su identidad propia. A pesar de hacer una realista y descarnada radiografía de dos mundos tan opuestos como el del narcotráfico en un barrio marginal de la periferia y el de una comisaría de policía, lo que realmente impulsa la trama de Freres enemies, es el drama personal de sus protagonistas; dos viejos amigos que, tiempo después, se reencuentran en lados opuestos de la ley. Sus conflictos internos, familiares o políticos componen un relato sobre la libertad individual dentro de las presiones de los grupos, personales y sociales, a los que han terminado perteneciendo. El suburbio en el que transcurre la historia, convertido tanto en cárcel como refugio, es un personaje más de esta cinta de estilo crudo y naturalista que ofrece un intenso cara a cara entre Reda Kateb (Inmersión) y Matthias Schoenaerts (Gorrión rojo). Completan el reparto Adel Bencherif (Objetivo: Londres) y Gwendolyn Gourven.

La bilbioteca de los libros rechazados

Las películas de libros tienen un especial trato, respetuoso, que va desde La lectora hasta el descalabro de la biblioteca de Freud, todos los libreros, escritores y promotores implicados en lo que ya podemos denominar un genero literario. Ahora un thriller sobre los rechazados, donde el encargo de las fuerzas del orden, es buscar un libro y no un maleante tipico. En una curiosa biblioteca donde se almacenan libros rechazados por las editoriales una joven editora descubre una obra maestra. Su autor  desconocido es un pizzero muerto dos años atrás que, según su mujer, nunca había leído un libro y lo único que sabía escribir era la lista de la compra. Cuando la novela se convierta en un éxito de ventas, un escéptico crítico literario se propondrá descubrir el misterio que rodea a este hombre. Para ello contará con la ayuda de la hija de Pick. Con la novela homónima de David Foenkinos como punto de partida, el director y guionista Rémi Bezançon (Un feliz acontecimiento) cuenta una historia de suspense, con grandes dosis de humor, donde la disparatada investigación literaria de un fantasioso y escéptico crítico se convierte en pretexto para el desarrollo de las diferentes relaciones entre sus personajes. La delgada línea que separa la realidad de la ficción es el tema principal de una trama en cuyo centro se sitúa un imprevisto best seller y su desconocido autor, una persona cuya identidad está rodeada por un halo de misterio. Además de hablar sobre la influencia de la lectura en la vida de las personas, también presenta una ácida crítica al negocio literario contemporáneo, donde la promoción, el marketing y las tendencias son más importantes que el contenido o la calidad de la propia obra. Fabrice Luchini (Háblame de ti) y Camille Cottin (Aliados) forman una peculiar pareja cómica que, a pesar de contradecirse continuamente mientras avanzan sus pesquisas, terminarán forjando un estrecho vínculo amistoso e intelectual donde se analiza porque algunos libros triunfan cuando su autor muere. Desde el espacio britanico y su posicion particular, se investiga, no un asesinato sino un ator desaporecido. Cuando ya va a descarrilar el film, Remi Bezançon introduce Fabrice Luchini que capta totalmente al espectador quien "le pide" que retome la investigacion. El bibliotecario que recogia los libros desechados por los editores,  los pone en la disyuntiva otra vez de ser ex ito o fracaso en un  acto existencialista.

lunes, 17 de junio de 2019

Largo viaje hacia la noche

Ese director que se situa personalmente entre Wang Kar Wai y Jean Pierre Melville,  es un maestro trucando secuencias en 3D. Declarado neoromantico, narra su historia como un sentimiento inspirado en la experiencia vital. Un hombre solitario, atormentado por la culpa y el arrepentimiento, ha decidido volver a Kaili, su ciudad natal en el suroeste de China, muchos años después de haber huido de allí. El motivo de su regreso es intentar encontrar a Wan Qiwen -así se hacía llamar-, la enigmática mujer que una vez amó y no ha podido borrar de su mente. En su búsqueda iniciará un viaje a través de sus recuerdos donde pasado y presente se encuentran confunden entre la realidad y los sueños. Aplaudido con en los festivales de Cannes y San Sebastián, el segundo largometraje de Gan Bi (Kaili Blues) deconstruye los fundamentos del cine negro para dar forma a una historia repleta de poesía, encanto, romanticismo y audacia amarilla. Decidido a mejorar sus prestaciones como cineasta, Bi firma una película de gran belleza e impecable factura técnica, donde destaca un plano secuencia en 3D de más de 50 minutos de duración que desafía el espacio, el tiempo y la gravedad. Las emociones que suscitan las pinturas de Marc Chagall y las novelas de Patrick Modiano inspiran al realizador y constituyen el núcleo de esta experiencia cinematográfica donde lo sensitivo importa más que el argumento. De este modo, el interior de la mente humana y el mundo de los sueños adquieren entidad corpórea a través de las imágenes, cautivadoras y oníricas, que ilustran el viaje de un hombre en busca de la mujer que una vez amó. Dividida en dos partes (la primera sobre el tiempo, la segunda sobre el espacio), pero ambas con el poder de los recuerdos como tema principal, cuenta como protagonistas con los reconocidos actores chinos Wei Tang (Blackhat: Amenaza en la red) y Jue Huang. Tardan en entrar en accion lo que tardan siempre las peliculas asiaticas(esta de 133 min.), solo que a veces no hace falta esperar y en esta si.Precisamente por  us lentitud el film se entiende a la primera, no tanto el juego que propone el espectador. Y no todos tienen ganas de "jugar"

El estado contra Mandela y los otros

A principios de los años sesenta del siglo pasado, Sudáfrica seguía viviendo en un férreo régimen de segregación racial y supremacia blanca. Tras décadas de existencia, el partido Congreso Nacional Africano (CNA) contempló la necesidad de acometer acciones violentas para provocar fisuras en el régimen y conseguir reivindicaciones como el sufragio universal.
La matanza de 69 personas en unas protestas antigubernamentales celebradas en 1960 había contribuido, quizá , a este giro. Un brazo armado del CNA, La Lanza de la Nación, debía practicar actos de sabotaje mientras estudiaba y preparaba escenarios de guerrilla que podían derivar en un conflicto bélico abierto. Poco después, en 1963, algunos de los principales líderes de La Lanza de la Nación fueron detenidos. Se trataba de un grupo variopinto donde coincidían diversos opositores al supremacismo racial de la élite afrikáner: los activistas de piel negra cooperaban con aquellos que tenían ascendencia hebrea o india, y la lucha antirracista se entremezclaba con los idearios socialistas o comunistas. El documental trata principalmente del juicio consiguiente, del que no se permitieron captar imágenes. Hace uso, en cambio, de 256 horas de registros sonoros del proceso. En la exposición del pasado histórico y su recuerdo desde el presente, los autores priorizan el retrato de los encausados supervivientes durante el rodaje (Dennis Goldberg, Ahmed Kathrada, Andrew Mlangeni) y dos de sus abogados.
¿Cómo afrontar un relato audiovisual de un litigio del que no hay imágenes? Nicolas Porte y Gilles Champeaux usan elementos convencionales como el material de archivo que proporciona contexto histórico o las entrevistas retrospectivas a los afectados y sus allegados. Más inhabitual resulta el empleo de dibujos animados para acompañar visualmente las declaraciones de acusados y testigos, a menudo comentadas posteriormente por los mismos protagonistas
El trabajo de diseño gráfico es sugerente, aunque incluye decisiones cuestionables. Sus responsables apuestan por un cierto expresionismo que subraya su manera de mirar los acontecimientos. El fiscal Percy Yutar es representado como una cínica ave de presa que busca el momento para atacar. Quizá este énfasis estético resulta innecesario: su mismo hijo se muestra crítico con el papel de su padre, un jurista de credo judío que intentó destacar profesionalmente en un Estado supremacista mientras el gobierno le utilizaba para escenificar una falsa igualdad de oportunidades.
Porte y Champeaux relatan el núcleo del proceso legal de manera clara, no rehuyen la espinosa apuesta por el uso de explosivos, y se muestran sensibles al captar algunos momentos emotivos sobre el paso del tiempo y los sacrificios llevados a cabo. Su crónica concluye con un encuentro final entre tres acusados y dos abogados, que tuvo lugar en plena investidura de Trump.
Los responsables del documental hacen un esfuerzo para proporcionar una mirada panorámica de la realidad sudafricana del momento, conciliándo el habitual europeismo en el conocimiento de la historia por parte de la audiencia. Inevitablemente, el resultado solo es un resumen de un conflicto de larguísimo recorrido, con muchas ramificaciones éticas y políticas sobre la historia de las colonizaciones,  reales y aparentes o las apuestas por la violencia armada como estrategia desestabilizadora de opresiones consolidadas.
Si los autores apenas pueden cubrir todos los aspectos del juicio, menos aún pueden abarcar las condenas y causas paralelas que afrontaban acusados como el mismo Mandela. Los 104 minutos son suficientes para expandir esa historia oficial que tiende a limar progresivamente las aristas de sus iconos. El Mandela demonizado por el apartheid fue modelado progresivamente como un estadista dialogante, pero el filme nos recuerda su implicación en la deriva armada del CNA.
Los autores del filme despiden al espectador con un final relativamente tranquilizador, regresiones al margen: los acusados evitaron la pena capital y eso posibilitó que, tras más de 20 años en prisión, Mandela recobrase la libertad para convertirse en presidente del Sudáfrica.
Otro documental reciente de producción francesa, Winnie, puede servir de complemento de este desenlace. En el filme, Winnie Mandela reivindica el papel político que asumió durante el largo encarcelamiento de su futuro ex-marido y denuncia las concesiones que este hizo al establishment afrikáner y al capitalismo transnacional. El sabor agridulce que deja El Estado contra Mandelay los otros, con sus superaciones relativas de vergüenzas históricas, resultaría todavía más ácido con ese recordatorio. Y esa es otra constatación de que una historia suele tener un final feliz solamente cuando no te la han contado toda.
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el sol tambien es una estrella

Daniel Bae, un romántico universitario, y la pragmática Natasha Kingsley son dos jóvenes que se conocen en la ciudad de Nueva York. Aunque el flechazo es instantáneo, sus caminos se han cruzado en el peor momento posible. Natasha, de origen jamaicano, se encuentra luchando para evitar que ella y su familia sean deportados de EE.UU. en las próximas 12 horas. Por este motivo, se niega a aceptar lo que siente por Daniel. A pesar de todo, él intentará convencerla de que su destino es estar juntos. El Sol también es una estrella es el segundo best seller de la escritora Nicola Yoon que da el salto a la gran pantalla. Producida por los mismos responsables del primero (El amor lo es todo, todo), este film dirigido por Ry Russo-Young (Si no despierto) propone un optimista y emocionante romance juvenil entre un idealista estudiante universitario y una escéptica joven jamaicana que está a 12 horas de ser deportada junto a su familia. Como en tantas películas, la ciudad de Nueva York se convierte en marco incomparable, y casi protagonista, de una moderna historia de amor interracial que habla sobre enamorarse en el momento más inesperado y se pregunta si las cosas que suceden en la vida son acontecimientos aleatorios o forman parte de un plan del universo. Los prometedores intérpretes Yara Shahidi (Black-ish) y Charles Melton (Riverdale) dan vida a esta pareja que se debate entre aceptar que su relación es imposible o luchar para demostrar que su destino es estar juntos. Completan el reparto John Leguizamo (John Wick: Pacto de sangre), Gbenga Akinnagbe (Detroit) y Keong Sim. Daniel Bae,y Natasha Kingsley son dos jóvenes que se conocen en la ciudad de Nueva York. Aunque el flechazo es instantáneo, sus caminos se han cruzado en el peor momento posible. Natasha, de origen jamaicano, se encuentra luchando para evitar que ella y su familia sean deportados de EE.UU. en las próximas 12 horas. Por este motivo, se niega a aceptar lo que siente por Daniel. A pesar de todo, él intentará convencerla de que su destino es estar juntos. El Sol también es una estrella es el segundo best seller de la escritora Nicola Yoon que da el salto a la gran pantalla. Producida por los mismos responsables del primero (El amor lo es todo, todo), este film dirigido por Ry Russo-Young (Si no despierto) propone un optimista y emocionante romance juvenil entre un idealista estudiante universitario y una escéptica joven jamaicana que está a 12 horas de ser deportada junto a su familia. Como en tantas películas, la ciudad de Nueva York se convierte en marco incomparable, y casi protagonista, de una moderna historia de amor interracial que habla sobre enamorarse en el momento más inesperado y se pregunta si las cosas que suceden en la vida son acontecimientos aleatorios o forman parte de un plan del universo. Los prometedores intérpretes Yara Shahidi (Black-ish) y Charles Melton (Riverdale) dan vida a esta pareja que se debate entre aceptar que su relación es imposible o luchar para demostrar que su destino es estar juntos. Completan el reparto John Leguizamo (John Wick: Pacto de sangre), Gbenga Akinnagbe (Detroit) y Keong

jueves, 13 de junio de 2019

the song Sway Lake


Tras protagonizar su debut como director en 'Adventures of Power', Ari Gold dirige una década después su segundo largometraje. Una irregular y desenfocada exploración de personajes sobre el ancla en el idealizado pasado familiar que construimos y en busca de una reliquia familiar del padre que parece poder ser el respiro, en muchos aspectos, que los familiares inmersos necesitan. El joven Ollie y su abuela Charlie Sway. Presentada en el Festival de Los Angeles, 'The Song of Sway Lake' posee muchos de los elementos típicos y superficiales del cine independiente; aunque sabe encontrar un cierto tono de misterio y mano para los detalles que hacen que sigamos interesados en su historia y en que se desvelen los evidentes secretos que sus personajes esconden; ofreciendo una curiosa mirada entre el sombrío presente y el siempre idealizado y críptico pasado de la familia y del evocador lago que pone título al filme. Ese juego de pasado y presente se evidencian en su yuxtapuesto montaje que juega con ese discurso del pasado idealizado de la familia y la desesperada búsqueda de ese prestigio y fortuna por parte de los familiares en su presente. En especial Ollie y su colega ruso, encarnados por Kieran Culkin y Robert Sheehanrespectivamente.Un juego en apariencia fascinante que se viene abajo a causa de su torpeza narrativa; en especial al presentar ideas y relación entre personajes que no aprovechan ni las desarrollan para llegar a encontrar un factor relevante en su contenido principal. En especial, la falta de peso en lo expuesto de personajes en principio con gran presencia en el relato; como el adinerado compañero ruso (un sobreactuado y perdido Robert Sheehan) y lo desaprovechado de personajes como la criada cubana (Elizabeth Peña) y las fantasmagóricas presencias del padre de Ollie (Brian Dennehy). A ello se añade un inevitable aire hipster y pretencioso en la relevancia que le otorga la añeja música jazz de los vinilos que tanto apasionaban al padre de Ollie y su valoración. Es cierto que tienen su relevancia en la trama (el objetivo es encontrar un preciado vinilo sin abrir en el que se encuentra la versión original de la canción sobre Sway Lake) pero no por ello evitan ese tufillo a gente culta y listilla que no hace más que distanciar al espectador de los personajes sin definir de la película; que ya de por sí deja elementos dramáticos sin desarrollar alrededor de sus personajes y ofrece otros que diluyen su principal virtud. Un digno aunque indefinido juego entre el misterio y el drama entre dos tiempos y la evocadora mirada que damos al pasado y el choque y conflicto de ello con la realidad de la existencia actual. 

miércoles, 12 de junio de 2019

el vendedor de tabaco/Der trafikant

Contad, contad, otra peli  con nazismo al fondo. Estamos un curso no acelerado pero goteante qual bota malaya. Composicion fria de una epoca, realizada por un conservador historico, lleva 7 films sobre la memoria, aqui siguiendo la aportacion de vida de Freud (fue el ultimo papel del grande Bruno Ganz (2019+) con 77años) con un largo recorrido de compromiso politico democratico), con un joven  aprendiz de estanquero judio, que le proporcionaba diariamente los puros cubanos  Hoyo de Monterrey. Con un trato de figura de porcelana, Nikolaus Leytner, atribuye al librepensador ya entrado en años frases como "los caballeros, ricos o  pobres siempre seran caballeros". Una amistad intergeneracional en tiempos complicados, siempre a pesar del miedo terrible, una brizna de futuro y esperanza todo y que estaban en la Viena preguerra de 1930. Los  consejos al joven de Sigmund Freud,sobre todo en el capo amoroso caen en el saco de la proxima invasion, mientras las calle se empiezan a llenar de cruces negras, insultos, amenazas y sintomas de odio gratuito.A sus 17 años, Franz llega a Viena para trabajar como aprendiz en un estanco. Allí conoce a uno de sus compradores más ilustres: Sigmund Freud. No tarda en forjar una particular amistad con el conocido psicoterapeuta, que comparte con él consejos y sabiduría a pesar de que en cuestiones amorosas los dos están igual de verdes. En una ciudad a punto de ser ocupada por las tropas nazis, este establecimiento de venta de tabaco empezará a sufrir las consecuencias de tener judios entre sus clientes. A pesar de que su carrera se ha desarrollado sobre todo en televisión, el austríaco Nikolaus Leytner (Voces de muerte), adapta el bestseller internacional de Robert Seethaler sobre la amistad que se forja entre un joven de 17 años, que acaba de abandonar el campo por la gran ciudad, y el veterano psicoterapeuta Sigmund Freud. Este vínculo (magnifica la escena de desnudez sobre la nieve) se convierte en el núcleo de una iniciática historia sobre el primer amor, la madurez y las relaciones maternofiliales donde un chico sobreprotegido e inexperto en casi todas las facetas de la vida tendrá que crecer demasiado rápido y en circunstancias trágicas por culpa del contexto histórico que le toca vivir: el auge del nazismo y la anexión de Viena al Tercer Reich. El equilibrio entre visión analítica y poética del ser humano, o ligereza y dramatismo, que había en la novela original se mantiene en un film que alberga una de las últimas interpretaciones del fallecido Bruno Ganz (La casa de Jack). Junto a él completan el reparto Simon Morzé (El enigma de la máscara celta), Emma Drogunova (El lugar del crimen) o Johannes Krisch.

martes, 11 de junio de 2019

El sotano de Ma /Ma

Serie B sin suspense ni narracion. En el proceso de la protagonista, se pierden 100 minutos parra sustentar las contradicciones y lo supera el film pasando del tema o tomando se lo a risa, en lo que llamariamos miedo de adolescentes. Sue Ann es una mujer solitaria de una pequeña ciudad de Ohio que, un día, encuentra la oportunidad de tener compañía, aunque no sea de su misma edad. Cuando Maggie, una adolescente recién llegada, le pide que le compre alcohol a ella y a sus amigos menores, Sue les ofrece beber tranquilamente en su sótano si acatan unas sencillas reglas y le llaman Ma. Cuando la hospitalidad se vuelva obsesión, estos jóvenes descubrirán que salir de casa de Ma sano y salvo es bastante más complicado que entrar. Amigos inseparables desde hace más de veinte años, el director Tate Taylor (La chica del tren) y la actriz Octavia Spencer (La forma del agua) vuelven a unir fuerzas tras Criadas y señoras o I Feel Good en este inquietante thriller. Con el objetivo de ampliar sus horizontes y salir del encasillamiento al que les había sometido Hollywood, Taylor y Spencer (también productores) formulan una historia espeluznante donde un grupo de adolescentes que creen haber encontrado el lugar perfecto para sus juergas, terminarán viviendo la peor experiencia de sus vidas. La culpable de esta pesadilla será una mujer que, más allá del arquetipo de villano despiadado, se convierte en un personaje con traumas del pasado todavía por resolver y un retorcido sentido del humor. Las relaciones materno filiales y los ritos de iniciación adolescentes típicos de las películas de instituto se encuentran en El sótano de Ma con un terror psicológico heredero de la Misery de Stephen King. Junto a Spencer, que hace  ver la maldad de otro modo, completan el reparto jóvenes talentos como Diana Silvers (Glass (Cristal)) y el debutante Corey Fogelmanis, así como actores contrastados como Juliette Lewis (Nerve) y Luke Evans.

lunes, 10 de junio de 2019

x men fenix oscura

Al encontrar los comentarios que encontrareis mas abajo pense, "esta te gustara". Argumentada como un comic, uno de los superheroes se vuelve malo, ya no quiere salvar a la humanidad. sino cargarsela, (vamos bien), lo que causa la natural preocupacion entre los vengadores buenos. Sophie Turner es la astronauta Jean Grey, que inicia su torcido camino, gracias a una explosion solar que la efecta e inclina, hacia el mal mas infinito. Simon Kinberg pone los mismos personajes que en el original (xMen 2000), solo que hablando mas deprisa para que no se entienda nada. Sin sentimientos, con una sola amenaza planetaria que no se ve, y unos actores que querrian ser la amenaza invisible planetaria. De todas maneras, no la pondria yo como la peor pelicula de este genero. Cuarta (y ùltima)? entrega de la serie, en manos de un director primerizo, productor y guionista (Sr. y Sra. Smith), se liado ha hacer este comic cinematografico, sin sentido del humor y lo peor (mejor) de todo, que hace que el publico se interese por la banda sonora, magnifica de Hans Zimmer. Algo es algo. Los que sobreviven a todo, son el clan de amigos, James McAvoy, Jennifer Lawrence y Michael Fassbinder que se lo pasan de ordago y a ellos plim. “Así es como termina el mundo: no con una explosión, sino con un lamento”.Nada más apropiado que T. S. Eliot para cantar la debacle que ha sufrido X-Men: Fénix Oscura en la taquilla de su fin de semana de estreno. Ultima entrega de la franquicia mutante en Fox antes de que los derechos de los personajes vuelvan a Marvel por la compra de Disney, se ha estrellado con sus naves, con los peores resultados económicos de la saga. Una debacle que acompaña a su, también, peor recepción crítica en 19 años de películas. El film ha recaudado "solo" 33 millones de dólares en EE UU; cifra que solo aumenta hasta los 140 millones de dólares sumando la taquilla global. Para una película con un presupuesto estimado de 200 millones de dólares (más gastos de promoción y marketing, habitualmente el doble de la primera cifra) es un fracaso más abrasador que un cabreo de la Kathlen Turner en Fuego en el cuerpo en pleno apogeo. Incluso la secuela de animación Mascotas 2 ha superado a Fénix Oscura en la taquilla estadounidense con resultados también decepcionantes (47,1 millones de dólares). En el caso español, donde los filmes mutantes suelen gozar de buena salud entre el público, ni siquiera ha alcanzado los datos del tercer fin de semana del remake de Aladdin, que sigue liderando el ranking. A la vista de los resultados, la sensación que reina ahora mismo en el universo mutante anima a dejar que el último apague las luces. La veterana productora de la saga Lauren Shuler Donner publicó el sábado pasado un tuit donde se desvinculaba tanto de los otros siniestros totales –X-Men: Apocalipsis (2016) y Nuevos Mutantes (aún pendiente de estreno)–.: “Ahorraos las condolencias”.

domingo, 9 de junio de 2019

Touch me not/ No me toques

En la difusa frontera entre la realidad y la ficción, Laura, Tomas y Christian se aventuran en un viaje emocional que les llevará a experimentar con su intimidad y sexualidad. Para ello, se verán obligados a desafiar los límites de sus propios miedos, mecanismos de defensa y arcaicos patrones de conducta, así como los tabúes y convenciones sociales. De este modo, conseguirán deshacerse de sus ataduras, ser finalmente libres y aprender a amar a los demás sin perderse a ellos mismos por el camino. Polémica triunfadora del Festival de Berlín 2018, donde consiguió el Oso de Oro a Mejor película y el premio a Mejor ópera prima, Touch Me Not (No me toques) propone al espectador desafiar sus propias convicciones sobre la sexualidad humana en una película que, entre la ficción y el documental, permite a un diverso grupo humano, de todo tipo de condiciones, explorar los límites del placer. Su propia directora, Adina Pintilie (Nu te supara, dar) participa también delante de las cámaras en esta experiencia inmersiva, no apta para mentes obtusas, que deconstruye los cánones de belleza y los expande a colectivos olvidados o denigrados, como los transexuales o las personas con discapacidad, para demostrar que nadie, sea cual sea su condición, debería ser esclavo de su cuerpo. Laura Benson (El doctor de la felicidad), Tómas Lemarquis (X-Men: Apocalípsis) y los activistas Grit Uhlemann y Christian Bayerlein protagonizan este film que, desde el cine experimental, se convierte en un espacio de reflexión y transformación de estereotipos sobre la naturaleza humana, el sexo y la capacidad de cada uno para ponerse en el lugar del otro