la vida y nada mas

No es facil encontrar en el cine actual un camara que transmita verdad  y transparencia sociedades parecidas a la  nuestra. Aqui una madre soltera con dos hijos en en un suburbio en el norte de Florida, donde lucha contra la rutina y las dificultades del día a día para que ella y dos sus hijos puedan llegar a fin de mes. Parece que la intolerancia, el dolor, la exclusion y el racismo solamente se pueden rodar con bajo presupuesto en America. Con rasgos de documental ,Mendez nos hace sentir cercana la vida de una mujer negra. No es sencillo, sobre todo porque el hijo mayor, siente un profundo desprecio hacia ella y rechaza las responsabilidades familiares. Deseoso de encontrar su lugar en el mundo, este adolescente intentará comunicarse con su padre ausente, iniciando un peligroso camino que, sin embargo, le volverá a unir con su madre. Español afincado en EE.UU. Antonio Méndez Esparza (Aquí y allá) dirige este drama ambientado en los suburbios de Florida donde la desigualdad y los conflictos conviven diariamente con sus habitantes, personas con sueños de futuro que son aplastados por la cruda realidad. En este entorno da voz a aquellos en circunstancias desesperadas, que durante la producción de la película contaron sus propias calamidades personales, y que son plasmadas en una historia sobre los obstinados temas familiares, la raza y el entramado legal como principales problemas de una madre soltera que se enfrenta a un sistema rígido e inflexible. Ganadora del premio FIPRESCI en el Festival de San Sebastián, esta conmovedora cinta tiene como telón de fondo las elecciones ganadas por Donald Trump y cuenta con un reparto formado por actores no profesionales, que aportan un plus de veracidad al relato. Al frente se encuentra Regina Williams, cuya interpretación le ha conseguido una nominación a los Independent Spirit Awards (los Oscars del cine independiente en EE.UU.) como Mejor actriz.

ho amici in paradiso

Felice Castriota es un hombre de negro arrestado por reciclar dinero de la mafia. Para obtener la clemencia de la justicia, Felice denuncia al jefe con el que estaba involucrado y el tribunal lo condena por un año de servicios sociales bajo un régimen vigilado, que a su vez se traduce en la obligación de residir en el centro Don Giannella en Roma. ayudando al director, Don Pino, a tratar con un grupo de invitados discapacitados mentales o físicos. Es importante que la sede de la institución sea la capital porque Felice teme la venganza del jefe, y está bien. De hecho, el terrible U Pacciu solo quiere saber dónde se esconde para traerlo de vuelta a Puglia y hacerle pagar.

La principal peculiaridad es que Cortese rechazó la posibilidad de usar actores en el papel de discapacidades y optó por rodarla en el romano Centro don Guanella, con los propios discapacitados internos como actores. Una tarea que Fabrizio Maria Cortese ha definido como "difícil" pero también de "fascinante". Al fin, todo el equipo de rodaje tuvo que trabajar con los discapacitados: haciendo talleres, aprendiendo su forma de expresarse... Al fin, según Cortese, se estableció una magnífica relación entre los 8 actores con discapacidad y los actores profesionales, hasta el punto que hoy en día todavía mantienen una muy buena relación.

El director ha tratado de sacar trascendencia a la discapacidad en una película donde no obvia nada: ni los cambios de pañales, ni las crisis graves, ni los problemas entre los cuidadores y los internos, ni las relaciones entre discapacitados. Cortese critica el hecho de que el cine ignore determinados temas incómodos, y cree que esta película puede ser una nueva vía para abordar estos temas tabú.

Cortese trata un tema en el qué es muy difícil no caer en la sensiblería; para evitarla no duda en usar el humor y la ironía. Una obra con una trama previsible, pero que Cortese consigue salvar con este recurso a la ironía, y con un tono de gran optimismo, que permite tratar un tema a menudo incómodo y convertido en tabú. La película cuenta con un excelente trabajo de los internos del centro don Guanella (el "Paradiso"), pero también de Fabrizio Ferracane, en el papel de empresario crápula, que comparte reparto con Valentina Cervi, que hace de psicóloga del centro. Al fin, Tengo amigos en el Paraíso es una película consigue motivar, y conmover, pero al mismo tiempo hace reír y pensar.

Grandeza y decadencia de un comercio de cine

De nuevo cine dentro del cine. Magnetismo de lo clasico, castings impagables, discusiones con la producccion y una vison economica del producto inversa a Welles. Piensa Godard en el film que debe devolverse al cine lo que se le ha robado, en esta copia realizada para la television ahora restaurada. Es una presunta adaptacion de una novela  de James Hadley.   A sus 86 años, Godard(God-Art) sigue siendo el amo de la Cinefilia, ya saben ese colectivo que no entiende el cine como un mero entretenimiento, es un círculo con tendencia al encogimiento, que necesita adeptos. Se espera una nueva y misteriosa película de Godard, que estaría en proceso, ‘Le livre d’image’, para el próximo Festival de Cannes. Pero, de momento, ir a ver este Godard de 1986  es todo un acontecimiento. Película perdida en los anales de la Historia se presento restaurada, en el Festival de Locarno, y se ha ido proyectando en diversos festivales, como el reciente Festival de Gijón. Que aterrice en nuestra cartelera un título perdido de Godard es algo más de lo que llamamos 'evento'. La película tiene un origen negro. Nació de la propuesta de un productor, Pierre Grimblat, que, a mediados de los 80, convocó a unos 30 realizadores galos para que homenajearan la célebre Série Noire, creada por Marcel Duhamel en 1945 para Gallimard, con una adaptación de la novela de la colección que le viniera en gana. Godard siempre ha sido fan de la Série noire. ‘Al final de la escapada’ (1960) ya era un homenaje al cine negro americano; ‘Bande à part’ (1964) estaba inspirada en una novela de Dolores Hitchens; ‘Pierrot el loco’ (1965) en una de Lionel White, mientras que en ‘Made in USA’ (1966), supuesta adaptación de una de Donald E. Westlake, Ana Karina retoza con un ejemplar de la colección firmado por Horace McCoy, y en 'Alphaville' (1965) Eddie Constantine lee 'El sueño eterno'. Godard aceptó la propuesta de llevar a la (pequeña) pantalla "una vieja novela" del británico James Hadley Chase (‘The Soft Centre’, 1964). Pero no se conformó con una adaptación al uso, y optó por recrear, a su manera, el proceso de casting de la supuesta adaptación. El cine de Godard siempre ha sido metacinematográfico. Belmondo ya rompió la cuarta pared, interpelando al espectador, en ‘Al final de la escapada’, y no faltan ejemplos de cine dentro del cine en su filmografía, desde ‘El desprecio’ (1963), también conocida como La Mejor Película de la Historia, que narraba la fallida puesta en marcha de una adaptación de ‘La Odisea’, por Fritz Lang, a la más cercana en el tiempo ‘Pasión’ (1982), que nació del deseo de rodar con la fassbinderiana Hannah Schygulla. El icono de la Nouvelle Vague, Jean-Pierre Léaud, que acababa de perder a su padre espiritual (François Truffaut, fallecido en 1984), y había rodado con aquel otro glorioso clásico de cine dentro del cine (‘La noche americana’, 1973), pasa aquí a ser el director de la adaptación de la novela de McCoy, con el nombre de Gaspard Bazin, en honor a André Bazin, el crítico que apadrinó la Nouvelle Vague. Y lleva bigote. Y es capaz de cambiarse de jersey en dos segundos. Obviamente, Leáud ya había trabajado con Godard en numerosas ocasiones. Como asistente (‘Una mujer es una mujer’, ‘Alphaville’) y como protagonista (‘Masculino femenino’), y acababa de participar en la más cercana ‘Detective’ (1985), que se presentó como ‘un polar de Jean-Luc Godard’). Más extraordinaria es la presencia, como coprotagonista del no menos mítico Jean-Pierre Mocky, actor (en ‘La cabeza contra los muros’, de Franju, 1959, citado en el film pero sobre todo francotirador al margen del sistema que se hizo un lugar escribiendo, dirigiendo, protagonizando y produciendo películas tan negras y subversivas como ‘Solo’ (1970) o ‘El albatros’ (1971), que da nombre a la productora de ‘Grandeza y decadencia de un pequeño comercio de cine’. En 2011, Mocky compró una sala de cine en París cuyo nombre ya lo dice todo: Le Desperado. Es lógico que Godard sintiera a Mocky como un alma gemela. “Lo escogí porque nuestra historia se parece un poco: hemos vivido y seguimos viviendo la grandeza y decadencia del cine en la época de la televisión”, declaró en una entrevista sobre aquel al que le presta en el film el nombre de su admirado Jean Vigo. Uno de los mejores momentos es un diálogo, dentro de un coche en el que Mocky mantiene con el propio Godard, interpretándose a sí mismo. El primero comenta, no sin amargura, que, con el presupuesto de una película de Polanski, él puede hacer 10 de las suyas. Y Godard, que estaba a punto de rodar una película para la Cannon ('King Lear', 1987), se ríe. No es la primera ni la última de las apariciones de JLG en sus películas. Precisamente la de 'King Lear' fue una de ellas. El vil metal, aunque escaso, está muy presente. La figura trágica del productor contra las cuerdas encarnado por Mocky es como un anticipo de aquel, al que dio vida, y muerte, Louis-Do de Lencquesaing en ‘Le père de mes enfants’ (Mia Hansen-Love, 2009), que se inspiraba en la tragedia de Daniel Toscan du Plantier. Para ‘Grandeza y decadencia…’, Godard debió inspirarse en los tres productores clave de la Nouvelle Vague, que también fue un fenómeno económico: el triunfo del cine de bajo presupuesto. Como es sabido, Godard es una máquina de citar. Ni siquiera Enrique Vila-Matas es capaz de citar tanto como él. Y, de hecho, el escritor barcelonés se inspiró en Godard: “Bien pensado, creo que mi inclusión de citas (falsas o no) insertadas en medio de mis textos debe mucho a la fascinación que provocaron en mi juventud las películas de JLG con toda esa parafernalia de citas insertadas en medio de sus historias, esas citas que detenían la acción como si fueran aquellos carteles que insertaban los diálogos en las películas de cine mudo. No era la primera vez, ni la última que Godard trabajaba para la TV, pero el medio ya se insinúa como culpable de la tan cacareada muerte del cine, o al menos su zozobra. 30 años después estamos igual, o más bien mucho peor, a raíz de la deserción de espectadores provocada por el triunfo de la ficción televisiva, que secuestra a los espectadores menos inquietos, que no van a festivales. Dedicada a Jack Lang, el mítico Ministro de Cultura de Mitterand,‘Grandeza y decadencia’ se inscribe en un momento histórico, el umbral de la dominación televisiva. TF1, la televisión pública, está a punto de ser privatizada, y llega a Francia la 5. Ya lo decía Michael Franti en 1992, “Television is the Drug of the Nation”. Una película que arranca con un Leonard Cohen ya lo tiene todo ganado. Se trata en concreto de ‘The Guests’, y Dj Godard volvería a pinchar al pobre Leonard en el corto ‘Puissance de la parole’ (1988), en el monumental ‘Histoire(s) du cinéma’ (1989) y en la críptica carta filmada que mandó a Cannes para (no) explicar por qué no se presentaba para apoyar la proyección de ‘Adiós al lenguaje’ (2014). En esa ocasión fue ‘Take this Waltz’. Lo raro del asunto es que Léaud quita en un momento el disco de Cohen, para poner uno de Bob Dylan!. La BSO, también incluye a Béla Bartók, Arvo Pärt o Joni Mitchell.  Fiel al espíritu low-cost que le garantiza cierta independencia, Godard llevaba experimentando con el video desde principios de los 70, que prefigura además, en muchos sentidos, sus ‘Histoire(s) du cinéma’, en las que no tardará a trabajar al poco tiempo, y en donde citará, entre otros films este , que no se merece menos, y puede incluso considerarse como una avanzadilla, no sólo en lo estético -en los collages y en las citas fílmicas (concretamente ‘La gran ilusión’, del llamado “patrón” Jean Renoir)- también en los omnipresentes chistes de nazismo pop, como esas SS que aísla de la palabra Kiss, o una boutade irónica de Mocky. Godard es medio suizo, y Suiza no es un país que se conozca por su sentido del humor, más bien al contrario. Quizás por eso JLG fue desarrollando un sentido del humor tan particular, entre el sarcasmo, la ironía, la acidez, la negrura, el slapstick, la histeria, la idiotez, la intelectualidad, una cierta poesía surrealista y el tributo a los maestros (Chaplin, Keaton, Tati), que aquí vuelven a ser explícitamente citados, porque, a pesar de su aire crepuscular y melancólico, no deja de ser una comedia muy godardiana. Frase famosa, según Godard, no hay película sin mujer + pistola, y aquí tampoco falta ni lo uno ni lo otro. Pero aunque hay un guiño para Ana Karina, aquella primera novia (Godard lleva desde mediados de los 70 con Anne-Marie Miéville); no falta alguna escena sexy (Godard acababa de rodar ‘Nombre: Carmen’ y ‘Yo te saludo, María’, sus películas más subidas de tono) y los protagonistas forman una suerte de triángulo amoroso con la desconocida Marie Valera.

EL SACRIFICIO DE UN CIERVO SAGRADO

Desprevenido seria la opinion recogida en la calle a las puertas de la sala. Asi nos coge Yorgos Lanthinos con su obsesivo y cuadriculado estilo de mostrarnos las relaciones humanas. Se entromete en la historia un ciervo con sus importantes astas, y que muerto siendo propiedad de la diosa de la fertilidad, obliga a un padre a la tragedia de ofrecer a su hija en sacrificio para calmar a los dioses heridos. El drama vestido de sangre pidiendo culpas se aparece  a una familia de medico, mujer perfecta e hijos de manual. Con menos produccion que en Canino, sigue trabajando con actores anglosajones. Teatro del bueno plano como un amanecer soleado y con la satira rebajada sobre todo si nos referenciamos en su film Langosta. Grecia es mucha Grecia y estan buscando en sus raices a Theo Angelopoulos. Un eminente cirujano que está casado con una eminente oftalmóloga. Su matrimonio va viento en popa, lo que les ayuda a crear un feliz y saludable ambiente para sus dos hijos. Cuando el marido entabla amistad con un adolescente de 16 años que no tiene padre, y le presente a su familia, su vida dará un siniestro giro hacia el caos, obligándole a tomar una difícil decisión entre hacer un sacrificio impensable o arriesgarse a perder todo lo que tiene. Después de ser reconocida en el Festival de Cannes con el premio a Mejor guion, llega a la cartelera la última propuesta del inclasificable director griego Yorgos Lanthimos (Langosta) que, en su segundo largometraje de ficción en inglés, propone un thriller psicológico que, por momentos, roza con lo sobrenatural. Con estructura de tragedia griega, crea una atmósfera cruel y perversa, casi de película de terror, donde plantea dilemas de difícil solución y reduce el tecnológico mundo moderno a su expresión más primaria, donde cada error tiene una terrible consecuencia y el sacrificio se erige como la única vía para expiar los pecados. Colin Farrell (La seducción) vulve a liderar un reparto que también cuenta con la ganadora del Oscar Nicole Kidman (Lion), Alicia Silverstone (Diario de Greg: Carretera y manta) y Barry Keoghan.

Destinos/Posoki

Despistado es como te puede dejar el film de Komandarev. Un mundo de seres que luchan por sobrevivir a los vaivenes obligados de la economia, no tienen en  el film espacio, el interior de un taxi, o tiempo para resolver sus asuntos. El guion que funcionaria mucho mas como serie, recurre y utiliza todas las tristezas imaginables para resolver traumas terribles. Desde un taxi podemos asistir al deterioro y corrupcion de la Bulgaria actual. Guion que nos recordaria a Panahi y su Iran. En una reunión con un banquero, un pequeño empresario que conduce un taxi para ganarse la vida descubre que el soborno que tiene que pagarle para conseguir un crédito acaba de doblarse. Desesperado, el hombre asesina al financiero y después se suicida. El caso desata un acalorado debate en las emisoras de radio de todo el país sobre el pesimismo que embarga a la sociedad búlgara, del que participan cinco taxistas y sus pasajeros, cada uno con su increíble historia, pero con un destino en común. Director de, posiblemente, la película búlgara más internacional de todos los tiempos, El mundo es grande y la felicidad se esconde en cualquier esquina, el director Stephan Komandarev viene de cosechar buenas críticas a su paso por los festivales de Cannes y Gijón. En el film, parte de una conversación que tuvo con un taxista de Sofía, en la que le decía que los taxis se han convertido en la última esperanza para profesionales de todo tipo que, en el paro, no encuentran otra vía de subsistencia. Esta revelación queda plasmada a través de varias y particulares historias entrelazadas, cada una dentro de uno de estos vehículos, que sirven para componer un retrato de la sociedad del país balcánico, sumida en el pesimismo, la pobreza y la desigualdad. De este modo, cada uno de los episodios, rodados en una única toma, sirve como inventario de aquellos aspectos disfuncionales de la vida en Bulgaria que necesitan solución. Ivan Barnev (La lección), Vasil Banov (Benzin) o Assen Blatechki, son algunos de los interpretes.

Coco

Al salir del cine, el comentarista solo tiene que prestar atencion y en la calle encontrara el adjetivo adecuado para la cronica. Aqui oimos "me he distraido". Y ademas hablando de la muerte. Los mayores reflexionan y los peques se preguntan que demonios sera. Un niño de piel oscura y origen indigena, quiere ser guitarrista como su ídolo. Sin embargo, tiene que enfrentarse a una prohibición familiar de hace generaciones que veta todas las expresiones musicales mexicanas. Cuando descubra un secreto del pasado de su linaje, actuará impulsivamente y el Dia de los muertos, cuando Mexico se encuentra con el mas alla, terminará en la Tierra de los Muertos, donde con sus antepasados fallecidos desgranara el mensaje: familia, familia y familia. Coco no es Snoopy, ni Gru, ni Shreck, ni Paddingon. Pero busca en sus mensajes la originalidad para serlo. Respetuoso y entrañable con casi todo el film se acerca a la cultura con fantasia. Color y honradez, con tiempo para secarse las lagrimas durante los titulos de credito. Para volver a casa, tendrá que encontrar al mítico músico, que podría tener respuestas sobre el misterio de su familia. Coco, la nueva película del estudio Pixar, convierte el Día de los Muertos en una fantástica historia sobre el amor familiar, el legado y los recuerdos. Además, la cinta dirigida por Lee Unkrich (Toy Story 3) y el debutante Adrian Molina representa un maravilloso viaje entre dos mundos contrapuestos, la Tierra de los Vivos y la Tierra de los Muertos, que se fusionan con motivo de esta festividad, y por los que camina un joven aspirante a músico. Aunque el relato se centra en la prohibición de cualquier expresión melódica que, durante generaciones, pesa sobre este clan; la película, para la que sus responsables han hecho un importante trabajo de investigación, homenajea a la cultura y el folclore mexicano a través de la música, plasmando con sentido del humor y un espectacular tratamiento de luces y colores el espíritu alegre y festivo con el que las gentes del país centroamericano honran a los antepasados y seres queridos que ya no están. Entre el reparto de voces en su versión original encontramos a intérpretes latinos como Gael García Bernal (Neruda), Benjamin Bratt (Doctor Strange (Doctor Extraño)), Edward James Olmos (Blade Runner 2049) y el debutante Anthony Gonzalez, que pone voz al protagonista.

dos padres por desigual/daddy's home 2

Brad y Dusty han conseguido algo imposible: ser amigos y compartir paternidad (uno como el padre adoptivo, el otro como el biológico) de los hijos de Sara. Sin embargo, su equilibrado estilo de vida se va al traste cuando aparecen Kurt, el autoritario y machista padre de Dusty, y Don, el sensiblero progenitor de Brad. Horrorizado por el estilo progresista con el que educan a sus nietos, Kurt se propondrá acabar con su amistad. ¿Podrán sobreponerse a ello y pasar la mejor Navidad de la historia? Convertida en un inesperado éxito a nivel mundial, el film reflexionaba, entre la comedia irreverente y el slapstick, sobre el concepto moderno de familia y la idea contemporánea de masculinidad. Sus grandes cifras de taquilla han provocado que, de nuevo, el director y guionista Sean Anders (Cómo acabar sin tu jefe 2) vuelva a contar una historia de esta familia con tres progenitores a la que se unirán dos abuelos con personalidades radicalmente opuestas. Los temas y el tono de la primera película se repiten en esta secuela que, de nuevo, apuesta todo a la química y sentido del humor de sus dos protagonistas, Will Ferrell (Zoolander No.2) y el nominado al Oscar Mark Wahlberg (Transformers: El último caballero), que tras rivalizar por el cariño de sus hijos en el film original, se enfrentan a una gran amenaza para su reciente amistad: un autoparódico Mel Gibson (Blood Father ) que intentará desestabilizar el equilibrio paternal que han conseguido formar. El nominado al Oscar John Lithgow (El caso Sloane) y Linda Cardellini (El fundador), que repite como Sara, completan el reparto principal de esta cinta para empezar a engrasar el espíritu navideño.

En realidad nunca estuviste aqui/youwere never really here

Existen unas películas que la prensa especializada no pueden "tocar" bajo riesgo de graves quemaduras. Y entonces se  repasa segun conocimientos la banda sonora, la culta denominacion del grupo que mas la interpreta, el volumen del sonido, la trayectoria del protagonista y la relacion de premios conquistados. El filme de Lynne Ramsay, con martillo entra (pequeño spòiler), y se nos aparece otra vez el fantasma del veterano de guerra, ahora ya es igual  cual, con su drama a cuestas oscuro, pastoso y agrio. Convertido en justiciero del mundo del sexo escabroso nocturno, sus misiones y contactos suben de escalafon hasta donde no tenian que llegar. Adicto a las bolsas de plastico y a las pastillas, la composicion de Phoenix parece real en cuanto la adoracion a su madre y la psicosis que tiene por si mismo, roto, desvencijado, hundido. Un film transgresor en su tierra natal, pero desfondado y sin raices en nuestro entorno mas cercano, al menos d e momento. Quiza por ello queremos ver en él lo que no hay. Pero por estrellas no quedemos. Y todavia tenemos que  hablar de Kevin. Un ex marine y veterano de guerra, se dedica a salvar a mujeres víctimas de la explotación sexual. De métodos brutales y carácter atormentado, tiene una vida solitaria y no se permite tener amigos ni amantes. Su único objetivo es combatir a su enemigo: los tratantes de blancas. El siguiente trabajo será rescatar a la hija de un político que ha sido secuestrada, pero las cosas se torcerán y la corrupción y la violencia liberarán al animal que lleva dentro, una bestia sedienta de venganza. Triunfadora del Festival de Cannes, crudo thriller de Lynne Ramsay que sigue a su protagonista, interpretado por el nominado al Oscar Joaquin Phoenix (Irrational Man), en un viaje de venganza y redención a través de los infiernos del tráfico de mujeres. Ramsay adapta la novela corta de Jonathan Ames y dirige una historia enmarcada en la tradición del noir con un justiciero implacable, atormentado y de pulsiones suicidas, que ya ha sido prematuramente comparada con los clasicos. De este modo, las imágenes violentas y explícitas conviven con las emociones y un tono melancólico que esquiva con habilidad e inteligencia los clichés del género. Además de Phoenix, que consiguió el premio a Mejor actor en el certamen francés, el film también cuenta con Ekaterina Samsonov (Wonderstruck), Alessandro Nivola (Selma), Alex Manette (La venganza de Jane) y Judith Roberts.

Tierra firme

Tierra firme no es una barcaza con su balanceo. En esta mobil superficie, situa Carlos Marques-Marcet a su nueva pareja, no para hablar por ordenador, sino para justificar su union y encontrarle un para qué. Que un visitante ocasional te deje su esperma en deposito, es una comedia o un drama?. Cuesta escribir para un triangulo, ansiedad, maternidad y madurez. No se puede sin artificio ni emocion. Autentico el director al introducirse en la intimidad de los personajes. Cosa que ya habia demostrado en 10000 km. Lo que empieza como un Allen, lo acaba poniendo tiempo de por medio, que es una forma de alejar las generaciones a partir de los 30. La vida de Eva y Kat transcurre tranquilamente y sin preocupaciones en su pequeño hogar flotante en un canal londinense. Cuando su gato se ahoga, Eva comunica a Kat que, a sus 35 años, desea tener un hijo y que, si ella no está de acuerdo, su relación se acabó. En plena escalada de tensión aparece el mejor amigo de Kat. Tras una noche de alcohol, acordarán que él aporte el esperma al método tradicional y ellas sean las madres, pero el deseo, el amor y la amistad lo complicarán todo. Después de ganar el Goya a Mejor dirección novel por su ópera prima, 10.000 Km, Carlos Marques-Marcet en clave de comedia, reflexiona sobre las diferentes formas de ver y entender la familia. Con una mirada observadora cuestiona la estructura tradicional en una historia que demuestra que, con amor y voluntad, cada uno puede moldear su propio concepto de familia. Lo hace a través del inesperado vínculo que surge entre una pareja lesbiana y el mejor amigo de una de ellas, que les convierte en un trío que tendrá que solventar desacuerdos, malentendidos y confusiones provocados por un torbellino de emociones para llevar a buen puerto su proyecto de tener un hijo en común. Natalia Tena (Amar) conforma, junto a Oona Chaplin (Proyecto Lázaro) y David Verdaguer (No culpes al karma de lo que te pasa por gilipollas) la terna protagonista. Geraldine Chaplin completa el reparto de este film.

Tierra de Dios/ God's own country

Un tratado sobre la dureza de la vida rural, especialmente la impuesta por los ganaderos. Una metafora para comprender el amor y el desamor fuera de los cuadrilateros habituales. Francis Lee se soporta en la dureza y hostilidad de un paisaje tenebroso, que engulle todo atisbo de progreso, sea personal o tecnico. Contemplando al mismo tiempo el desarrollo de un historia gay, simple, nada grandiosa, sino como si fueramos a pasar un domingo en el campo. Con una solitaria vida en su remota granja familiar, un hombre se dedica a la cría de ovejas. El alcohol y el sexo ocasional son las únicas distracciones que Johnny encuentra para llenar su vacío personal, pero todo cambiará para siempre cuando llegue a su puerta un atractivo inmigrante rumano en busca de trabajo. A medida que ambos compartan las tareas diarias surgirá entre ellos una estrecha relación que despertará sensaciones que nunca había experimentado antes. Actor en su mayoría televisivo, Francis Lee (No soy nadie sin ti) debuta como director de un largometraje. Originario de la región de los montes Peninos, en la Yorkshire rural, Lee habla sobre el estrecho vínculo que hay entre las gentes que viven en la zona y la tierra en la que trabajan. Asimismo, imagina, a través de un intenso y visceral romance entre sus dos protagonistas, que muestra tanto las sensaciones placenteras como las luchas internas que aparecen cuando una relación empieza, cómo habría sido su vida si hubiera permanecido allí. Con un bello apartado visual, en el que se presta un especial cuidado a los hermosos paisajes, la cinta también muestra la realidad de su protagonista, aislado social y físicamente, que se ve obligado a reprimir su lado emocional para formar parte de una comunidad tradicional donde la familia y el trabajo son lo primero. Josh O'Connor (Florence Foster Jenkins) y Alec Secareanu (Elegidos para ser héroes) lideran el reparto de esta cinta premiada en los festivales de Berlín y Sundance donde también participan Ian Hart (La mejor receta) y Gemma Jones.