El intercambio

Una comedia diferente (pero igualmente deleznable)que si realmente quieres disfrutar, se tiene que ver con la mente muy abierta, desquiciada en su totalidad. Depende mucho que del gusto y intimidades de la persona y del límite del humor. La cinta narra el encuentro entre dos parejas dispuestas a hacer un cambio de parejas, y lo que se prevería como un placentero encuentro entre ellos, la moralidad hace que no lo sea. Todos los personajes de la película están totalmente desmedidos, son extremados y recurren a la hipérbole sin cesar. Cosa esta,  que consigue que el espectador sepa diferenciar con claridad la ficción de la realidad, porque personajes tan surrealistas es muy difícil encontrarlos en la actualidad.

El espacio y el tiempo de la película son muy limitados. El formato se asemeja al mundo teatral ya que prácticamente toda la película se resume en la importancia del guión, también escrito por Ignacio Nacho, y la capacidad de los actores y actrices de interpretarlo.

Apenas cambios de escenario y tres personajes más son las que se unen al reducido elenco de actores bastante reducido, pero esforzado. Pepón Nieto, Natalia Roig, Hugo Silva y Rossy de Palma son sin duda lo mejor de la película. Y es que interpretan sus papeles a la perfección, sin juzgarlos y exprimiendo al máximo todos sus defectos y cualidades. Pepón Nieto y Hugo Silva han trabajado juntos muchos años y existe una gran complicidad entre ellos. Natalia Roig favorecida y arropada por el director, y Rossy de Palma, acabaron formando como una familia.

Camaron

Afectado documental, demasiados drons que el director considera un juguete nuevo, para un film que nos descubre a los desconocedores  del personaje del flamenco gitano, sus conciertos, valiosa obra y intimidades archivadas que ha facilitado la misma familia. Entrevistas del gran artista, que a los 25 años de su muerte, revelan que hasta el momento ningun biopic tiene la fuerza del maestro del flamenco. Apoyan con sus apariciones a Camaron de la Isla, grandes de la farandula como Mairena, Caracol, Valderrama , la Lola y especialmente Paco de Lucia, con quien habia compartido escenario y grabaciones. Basada en la polemica novela de su esposa, "La Chispa", "La verdadera historia del mito contada por su viuda", (2012) y donde sale casi todo, (Droga, tabaco, cancer) hasta su final hospitalario en 1992 en Badalona. Una voz en off informa de forma completa de lo que queremos saber. Destacan en este "informe" su infancia complicada, hijos, Tomatito, sus composiciones (como rock, jazz y,guitarra española en la Leyenda del tiempo 1979) y sus grandes conciertos como fue el de Paris. Gaditano de 1952, Jose Monje Cruz era hijo de un herrero muerto prematuramente. Pequeño y rubio como un camaron, el apelativo le acompaño siempre y Alexis Morante lo ha recogido para filmar al idolo de su familia, un sueño que tenia desde los 13 años para complacerles. Hay que sumar a su filmografia los films de Chavarri y Lacuesta, quienes con gran respeto se acercan a su figura para, a traves de cantaores y bailaoras, mostrarnos las entrañas del cante jondo. Como dicen en el film una solea no se puede interpretar sin nocturnidad y una nube de moriles y tabaco.  En diciembre de 1952 nacía, uno de esos pocos creadores que consiguen marcar un antes y un después e inspirar a una generación de tal manera que su legado sigue vigente hasta después de su muerte.  Con una amplia trayectoria íntimamente ligada a la música, donde ha dirigido trabajos cinematográficos para artistas ( Sanz: Lo que fui es lo que soy), Alexis Morante se adentra en las luces y sombras de uno de los músicos más relevantes para el flamenco universal. El punto de partida de este documental es el mismo día en que nace, a partir del que se desarrollan cronológicamente, y como si sucedieran en tiempo real, todos los acontecimientos importantes que marcaron su vida hasta su muerte. Paralelamente a la evolución de Camarón, la película sirve también para contar el devenir de una comunidad, la gitana, perseguida en una época convulsa y de constantes cambios.

Knock/ El doctor de la felicidad

Puede la consulta de un doctor llegar a ser una pasteleria? Segun Lorraine Levy si. Basandose en el libro original de Jules Romain, Knock o el triunfo de la medicina, es el espectacular cuerpo de Omar Sy quien se encargara de rebajar las tensiones dramaticas de la novela y y convertirla en una jocosa comedia de tinte inmigratorio. Es precisamente este oscuro personaje, llegado recien a una poblacion procedente de otro affaire, que lograra activar las fuerzas vivas de este pueblo. Es el camino de la felicidad. Knock, un estafador arrepentido y reconvertido a médico, llega al pequeño pueblo de Saint-Maurice para aplicar un nuevo método que le hará rico: convencer a un paciente sano de que en realidad está enfermo. Para ello, deberá encontrar a cada uno la enfermedad real (o imaginaria) que sufre. Maestro en el arte de la seducción y la manipulación a punto de alcanzar su objetivo, el plan de Knock cambiará totalmente cuando una persona de su turbulento pasado llegue para desenmascararlo. Libre adaptación cinematográfica dirigida por la directora francesa Lorraine Levy (El hijo del otro) que actualiza y cambia ligeramente la ambientación original, de los años del régimen nazi del libro por la década de los 50. La historia gira en torno a un excarterista que juega con la credulidad de la gente para estafarlos, haciéndoles creer que padecen ciertas enfermedades que, en realidad, no tienen. Con el objetivo de crear una pequeña fortuna, manipula a los habitantes de una pequeña localidad, que lo idolatran por sus poderes curativos, diciéndoles lo que quieren escuchar y creando una necesidad para poder alzarse posteriormente como el remedio a todos sus males. Pero cuando conoce a una mujer, este personaje se cuestionará sus prácticas y aprenderá que el dinero y el poder no lo son todo. Omar Sy (Mañana empieza todo) protagoniza esta versión más dulcificada del texto de Romains donde, al trasfondo social sobre los totalitarismos y la manipulación de las masas añade un relato de redención y reconciliación con uno mismo y los demás. Le acompañan en el reparto Alex Lutz (París a toda costa), Ana Girardot (El hombre perfecto) o Sabine Azéma.

Han Solo, una historia de Star Wars

Accion agotadora. Golpes a pares. Solo le falta profundidad de campo y profusion de ideas. Ron Howard aqui, solo tiene oficio. Pero ha perdido el punto que solo el le daba a sus  capitulos de la saga. Las escenas en general de Star Wars, las ha de acompañar la fuerza como se sabe. Durante las dos horas y cuarto se salta sin demasido  guion entrelazado bien tecnicamente peor sin el alma, el calor que esta curiosa y famosa serie requiere en todo momento. Las primeras imagenes son de adolescencia. Solo muestra su marxa y su "rebeldia" con su novia, una joven Kira, parecida a todas las jovenes de esta edad. Atrevida y morena, engarza con todas las heroinas que en el western han sido. Ella y la accion, robos, atracos y engaños. Vos y Luca los pistoleros cunparsas. Detalles para que no se salga de la fila de sus films anteriores no le faltan. A Solo, solo le falta un toque mas de humor, que es de lo que va el film en el fondo. La novedad es un androide de exquisita feminidad L3 que logicamente responde a todo. El respondera las preguntas que solo importan a los fans maximos de la serie como poruqe S olo se llama asi?, como conocio a Chewie, o como robo el halcon poderoso y temible.
La juventud de Han Solo transcurre bajo las estrictas normas del Imperio. Después de formar parte de las tropas imperiales en Mimban, Han descubre que es mucho más reconfortante seguir su propio camino y se convierte en un temerario ladrón dentro de una banda criminal. Junto a ellos, este granuja que sueña con ser el mejor piloto de galaxia vivirá una aventura donde conocerá a Chewbacca y al jugador Lando Calrissian, un encuentro que marcará el inicio de su camino de sinvergüenza a futuro héroe. Star Wars, la franquicia cinematográfica más rentable de todos los tiempos, sigue ampliando su universo con Han Solo: Una historia de Star Wars, segundo spin off que, al igual que el primero (Rogue One: Una historia de Star Wars), sitúa al espectador en una época inmediatamente anterior al episodio IV: Una nueva esperanza. Después de la polémica salida de sus directores, Phil Lord y Chris Miller, Ron Howard (Inferno) se hace cargo de la producción e imprime su sello académico a una aventura de corte clásico que cuenta el origen de la amistad entre el contrabandista del corazón de oro y Chewbacca, así como su primer encuentro con Lando Calrissian y cómo consiguió hacerse con El Halcón Milenario. Alden Ehrenreich (¡Ave, César!) intenta sobreponerse a la alargada sombra de Harrison Ford como Solo en un largometraje lleno de acción made in Star Wars que intenta contagiarse del sentido del humor y el aire canalla de este icónico antihéroe. Completan el reparto el nominado al Oscar Woody Harrelson (Tres anuncios en las afueras), Donald Glover (Spider-Man: Homecoming), Paul Bettany (Vengadores: Infinity War), como el villano de la función, y Emilia Clarke (Terminator: Génesis) en el papel del primer gran amor del carismático sinvergüenza antes de la Princesa Leia. Lawrence Kasdan, guionista de El imperio contraataca o El retorno del jedi, también escribe esta cinta que hará las delicias tanto de los fans acérrimos como de los no iniciados en la saga galáctica. 

Sweet country

La civilizacion blanca era violencia en 1929 en las tierras de Alice Springs, en el Territorio Norte de Australia. Un western en el que una vez mas se debate sobre la defensa propia y la ley del Talion. Ritmo lento, sobriedad en los planos y una desesperada rabia dificil de contener. Grandes espacios que acogen unas pequeñas formas e ser, algunas costumbres todo mezclado en una cultura atavica,  y una religion racista. Lento y sin musica, la trama avanza a sorbetones. En este entorno se produce un asesinato que queda sometido por sus caracteristicas a la observacion del estado ingles y su Reina. Se nota en todo momento, el origen documentalista del director. Un veterano de la Primera Guerra Mundial, explota y encadena a sus trabajadores hasta que uno de ellos escapa al rancho vecino. Allí vive un capataz aborigen que, en un enfrentamiento, mata a su amo en defensa propia. Esto obliga a Sam y su familia a huir desesperadamente. Perseguido por las autoridades y temeroso de su esposa embarazada, Sam se entregará y en su juicio luchará para que se haga justicia. Criados tanto él como su guionista, David Tranter, en el majestuoso, pero duro, desierto de la Australia Central, el director premiado en Cannes Warwick Thornton (Samsom and Delilah) rueda este western ambientado en las antípodas durante los años 20. En él se cuenta una historia real, la de los aborígenes que trabajaban en las fincas de los grandes terratenientes casi en régimen de esclavitud, y más concretamente la de un hombre acusado de matar a un hombre blanco que, tras ser declarado inocente por actuar en legítima defensa, fue víctima de un asesinato por venganza. Este caso sirve como punto de partida para que el director hable sobre la división racial de aquellos años en un drama emocionante y conmovedor que encuentra uno de sus puntos fuertes en un cuidado apartado visual y el impactante tratamiento de unos paisajes épicos, salvajes y hermosos, cuyos sonidos son la única banda sonora. A través de ellos se desarrolla una tensa y trepidante persecución, que terminará en una encarnizada lucha por hacer justicia. Al frente del reparto se encuentra el debutante Hamilton Morris, al que secundan Bryan Brown (La luz entre los océanos), Matt Day (Scoop) o Sam Neill.

Disobedience

Inmediatamente despues de Una mujer fantástica, nos llega el nuevo trabajo de Sebastián Lelio (Mendoza, argentina, 1974) en el que hay varios elementos muy significativos de su cine: retratos femeninos que, ya sea por la conservadora sociedad o los conflictos internos, se ven envueltas, muy a su pesar, en muros infranqueables y oposiciones del entorno que los rodea, aunque, sus ansias de vivir y sobre todo, de hacerlo libremente, les conducirá a enfrentarse a todos y también, a ellas mismas. Tanto aquella mujer de mediana edad que quería vivir su vida alejada de todos los convencionalismos sociales, o la transexual que protagonizaba la mencionada Una mujer fantástica, que se reivindicaba en su identidad y en un amor puro y honesto. Ahora, ese rol lo interpreta el personaje que hace Rachel McAdams, un personaje encerrado en una comunidad judía ortodoxa con sus leyes machistas y demás imposiciones contra las mujeres, como llevar peluca y vestir de negro fuera de casa, por ejemplo, y rendir pleitesía a su marido, un rabino que interpreta Alessandro Nivola.

La llegada del personaje de Rachel Weisz (hija del sabio rabino anciano, estudiante eterno del Torà que acaba de fallecer) cambiará ese estado de conformismo y apariencias, despertando el pasado, un pasado en el que los tres implicados eran amigos, y sobre todo, entre las dos mujeres, que mantuvieron una relación oculta en el pasado y que gustan de escuchar The Cure. Lelio rueda por primera vez en otro idioma, deja el castellano para hacerlo en inglés, y en otro ambiente, en Hendon, uno de esos barrios londinenses donde la burguesía mantiene sus costumbres y raíces ancestrales. Se inspira en la novela homónima de Naomi Alderman, en un guión firmado junto a Rebecca Lenkiewicz (autora del guión de Ida) para construir una película en las entrañas de una comunidad judía ortodoxa, regida por creencias antiguas y con formas, tanto íntimas como sociales, muy estrictas, en un mundo dominado por unos hombres que hacen y deshacen, sin contar con las mujeres, en el que ellas deben obedecer, convertirse en agradables esposas y estupendas madres. Ronit, que huyó despavorida en el pasado, vuelve con otro rostro, es fotógrafa de profesión, y vive de forma liberal en Nueva York, todo lo contrario que Esti, y su llegada despertará de forma inevitable el amor que tuvieron en el pasado, sin que nada ni nadie les impida llevarlo a cabo, pero, en una comunidad tan cerrada y pequeña, al final todo lo que ocurre se sabe, el marido de Esti, tomará cartas en el asunto. Lelio compone una película íntima y sencilla, con esos colores fríos, apagados y oscuros que reinan por la película, sobre todo, en los ambientes cerrados, en un gran trabajo del cinematógrafo Danny Cohen aumentando esa sensación de prisión, de ahogo, de atmósfera irrespirable que tiene Esti y también, en menor medida, Ronit, para contribuir a un estado de ánimo donde los espacios cerrados, en casas vacías, o la noche, como aliados para consumar su amor sin el miedo de ser vistos y denunciados, un amor prohibido que contribuye a esa idea de anulación e invisibilidad que tienen las mujeres en la comunidad. 

Lelio ha contado con un estupendo trío protagonista que maneja el relato dejándose llevar por sus emociones ocultas, en una trama donde se profundiza en las relaciones complejas entre aquello que dicta la fe y las convenciones sociales, donde la religión juega un papel inmenso en el devenir de la historia, aunque la película utiliza ese contexto para hilar una historia de amor intensa y apasionada, donde dos mujeres se aman sin remedio, donde se ocultan por miedo, aunque eso no les impide que las emociones sigan su curso y nada ni nadie pueda detenerlas.

Corporate

La ola se suicidios que se produjo en Francia, en la empresa France Telecom,esta en el origen de este film diriamos que del genero de recursos humanos. Critica acerrima al sistema capitalista actual relaja a intervalos para que pueda ser pelicula y no solamente alegato. Como una persona se ha   de encargar de los despidos de personal, convenciendoles de que se vayan de motu propio, para no tener que decir les que ya no son necesarios. Una mujer ferrea y madura, la  excelente Celine Sallette, es contratada por su falta de escrupulos, por una multinacional para despedir a personal, para despedir a cientos de trabajadores. La estrategia se basa en crear una serie de circunstancias adversas para que, con el tiempo, renuncien. Sigue el programa de direccion con total obediencia, hasta que un día uno de sus empleados se suicida saltando desde la ventana de su oficina. Conmocionado por la ola de suicidios en France Télécom, el cortometrajista francés Nicolas Silhol (L'amour propre) escribió el guion de su primer largometraje, en el que habla de las complejidades éticas y morales a las que se enfrenta la directora de recursos humanos de una empresa. La protagonista se pone al frente del departamento de una multinacional, haciendo el trabajo sucio y consiguiendo la renuncia voluntaria de los trabajadores que ya no quiere la empresa. Sin embargo, cuando uno de los éstos se suicida, deberá enfrentarse a la provocativa inspectora de trabajo que llegará para investigar el caso. Esto hará que cambie su perspectiva respecto a su trabajo y sus jefes y, para hacer justicia, deberá volverse contra sí misma y afrontar las consecuencias de sus actos. ¿Deberían culparle a ella por la muerte de un empleado al que estaba tratando de desmoronar? Esta es una de las preguntas que quiere responder el film, que se adentra en las cloacas del mundo corporativo para diseccionar las relaciones que allí se desarrollan, además del rol que juegan las mujeres en la oficina moderna. El reparto de la cinta, que mira desde el suspense, la tensión y el thriller puro y duro al lado oscuro del capitalismo, se encuentran Céline Sallette (Casa de tolerancia), Lambert Wilson (Las confesiones) o Stéphane De Groodt .

Playground

Como pueden caer las mentes de unos preadolescentes en el abismo de la tortura, al asesinato, y la bestialidad. La pregunta pero es mas el porque que el como. Este queda expuesto con frialdad, al limite de que el espectador pueda soportar lo, seguramente en la escena mas larga, silenciosa y cruel que se haya rodado con un menor. El porque inutil, el porque si, e idiota, nunca se sabra porque esta en lo mas recondito de la mente trastocada de  aquellos dos casi niños todavia. Como tantos  hechos parecidos, ninguna de las tambien duras situaciones familiares de cada uno justifican la masacre de un menor que pasa de subir aun coche de feria en el interior de una galerias comerciales a la muerte. Violencia al estilo Haneke, sadismo desmesurado y un de los finales, habria otros, mas tenebrosos que pudieramos recordar. Basada en hechos reales, es necesario este tipo de film para poder lo trabajar en las escuelas y buscar en el cerebro donde esta el mal mas puro. Es el último día de colegio en una pequeña localidad polaca. Este esperado momento lo es especialmente para Gabrysia, una chica de 12 años, que también ve en él la oportunidad perfecta para decirle a su compañero de clase que le gusta. Todo está preparado, y Gabrysia consigue convencer al chico de que se presente a su cita secreta. Sin embargo, lo que en un principio iba a ser un encuentro secreto y una charla íntima e inocente, se descontrolará y conducira al trio con mobiles a un maltrato de importancia. Encendida ya la rueda de mal demoniaco, la tranquila tarde terminará en un impactante y terrorífico suceso. El cortometrajista y documentalista Bartosz M. Kowalski (Moja wola) debuta como director de un largometraje, de tremenda dureza que desató la polémica durante su proyección en el Festival de San Sebastián 2016. En la cinta, Kowalski se inspira en un macabro caso real que sucedió en los 90, el de dos niños que mataron a otro de 3 años por razones que nunca se llegaron a descubrir. Con esta historia terrible como germen, el realizador compone un drama, filmado a modo de capitulos de los 4 niños encausados, en el que a base de sugerencias e insinuaciones reflexiona sobre las causas que motivan la violencia en los jóvenes o la psicopatía infantil. Cargado de crítica social sobre los peligros de las nuevas tecnologías, el film obliga al espectador a sentirse incómodo y horrorizado ante un acontecimiento que es plasmado en la pantalla con una autenticidad que impacta. A ello contribuye la elección de un elenco de actores primerizos en su totalidad, entre los que destacan sus protagonistas Michalina Swistun, Nicolas Przygoda y Przemyslaw Balinski.

Caras y lugares/Visages villages

Un alegre film documental frances tanto como su directora Agnes Varda, la directora intelectual nada pretenciosa que segun debe su carrera cinematografica al amor de su vida. El documental de 89 minutos tiene un brillante final en base a unos retazos de pelicula que rodo a Godard en 1961. El documental, como toda la filmografia de Varda es un canto a la libertad, a la vida y a la democracia, fijandose especialmente en los caracteres de los personajes y los mas minimos detalles del entorno. Como una road movie, expone el proceso creativo de la Vardade gran belleza, com un baguette gigante. los mineros o la chica del parasol. Preguntas filosoficas sobre todos los temas y unas tristes referencias a la muerte unico momento melancolico del film. Con 90 años a cuestas, se le ocurrio unnirse artisticamente al fotografo JR, para con una furgoneta recorrer la Francia rural y observar su vida. Absorbiendo este linaje, lo diluyen y proyectan en los murales y fotografias del artista en paredes y vagones de tren. La directora, que inicio su recorrido en 1955 es considerada nade las fundadoras de la nouvelle vague. La leyenda del cine francés Agnès Varda conoce a uno de sus fieles seguidores: el fotógrafo y artista urbano JR, y descubre que tienen más en común de lo que habían imaginado en un principio. A través de un increíble viaje, compartirán experiencias y desarrollarán juntos sus pasiones: ella por el cine y el documental y él por los murales y obras visuales al aire libre. Una forma de homenajear a la autora combinando veteranía y juventud en un mismo trabajo, un premiado trabajo dirigido y protagonizado por la cineasta Agnès Varda (Sin techo ni ley) y el artista JR, que estuvo nominado a Mejor documental en la pasada edición de los Premios Óscar. Profundo admirador de la veterana cineasta francesa, el fotógrafo colabora con Varda en este proyecto después de visitarla en su casa de la Rue Daguerre, donde reside y descansa tras una larga carrera cinematográfica marcada por su influencia en la Nouvelle Vague y el pionero carácter feminista de sus producciones. A bordo de una furgoneta y cámara en mano, ambos se alejan de las grandes urbes galas y recorren el país de pueblo en pueblo, ilustrando y fotografiando a sus habitantes y su hábitat mientras comparten e intercambian recuerdos o experiencias, propias y colectivas, siempre con simpatía y un agudo sentido del humor. Tras descubrir las historias personales (con un especial protagonismo para los testimonios femeninos) de trabajadores del mundo rural y fábricas en decadencia de lugares como Alpes-de-Haute-Provence, Pas-de-Calais, Vaucluse o Val-d'Oise, los artistas utilizan los retratos de estas personas para empapelar sus pueblos con collages y murales de colosal formato que sirven como representación del poder de la imagen, el arte y el cine en nuestros tiempos.

Blanco perfecto/Downrange

Suscinta pelicula de terror y tension. Se deja ver muy bien por sus planos limpios, y en cuanto al encuadre y escenario, puro gore en el apartado de heridas y cabezas seccionadas de su cuerpo. Curiosa situacion de camara que en muchas ocasiones  se volvera tambien francotirodora. Accion limite, la policia ni se acerca a una carretera australiana  poco transitada, en la que un francotirador apostado hace practicas con los viajeros.Ryuhel Kitamura continua  su carrera amicana con mas violencia solvente. Seis universitarios recorren una carretera aislada cuando, de repente, sufren el reventón de una rueda. Al bajarse a cambiarla, descubren que no ha sido algo fortuito, y que se han convertido en el objetivo de un sanguinario francotirador asesino. Aterrorizados, y algunos de ellos heridos de muerte, estos estudiantes se encontrarán en medio de una batalla por su supervivencia en un mortal juego. Aqui cabe la posibilidad, para hacer todavia mas digerible el film, de jugar a ordenar en que orden y frecuencia ira liquidando a la poblacion averiada y que acude al ingenio para sobrevivir. El anochecer hara que la situación mejore. Downrange se desmarca de todos los otros francotiradores de las cintas bélicas y abraza el terror slasher para poner, a un grupo de jóvenes universitarios ante un sádico psicópata. En este caso, los asesinatos uno a uno serán a través de una mira telescópica, desde la que un paciente homicida escondido en el paisaje aguarda con todo el tiempo del mundo para culminar su macabra cacería. Veterano en el horror de bajo presupuesto, Ryûhey Kitamura (Nadie vive) dirige este claustrofóbico festival de violencia y tensión bajo un sol de justicia donde ni la caída de la noche, ni la irrupción de nuevas víctimas en la línea de fuego darán respiro al espectador. Kelly Connaire (The End of the Tour), Stephanie Pearson (Insidious: Capítulo 2), Alexa Yeames (The Originals), Jason Tobias (Notorious) y los debutantes Rod Hernandez y Anthony Kirlew protagonizan esta desesperada batalla.