O los tres o ninguno/Nou trois o rien

Deja muy claro el film francés de Kheiron, en realidad Nouchi Tabib (Teheran 1982), los beneficios que pueden aportar la immigracion a sus países de acogida. Y para ello utiliza el humor negro para tratar la política en la primera parte ante los peligros, y emociones y rabia contenida que estas situaciones comportan. Este humor. digamos francés, es frívolo a veces, ligero en otras, incluso sentimental hacia el final. Actores de  calidad como el propio Kheiron, además de guionista - da vida a su padre jurista y sociólogo, Hibat Tabib, enfrentado al Sha con prisión en los 70 en plena revolución islámica, y que provoco su huida de Irán ante la llegada del Ayatolla tirano e innombrable- , Leila Bekhte, Gerard Darmon, Sabou Breitman y Alexander Astier que interpreta el sha, son un equipo implicado en el éxito de este intento normalizador en un momento difícil para Europa, donde se juega la integracion sobretodo cultural y por tanto religiosa. Todo pasado por la stand up comedy y un poco de rap radiofónico en Oaris.

Resucitado/Risen

La Semana Santa ha cambiado . El tiempo y las ideas. Y sus películas también. Pero a peor. Prefiero un Ben Hur de toda la vida, bien, de Wyler, que este ridículo peplum con visos de historia sagrada que pretende dejarnos mas embobados que los doce discípulos o apostoles mirando a su líder. Todo ello con un romano muy malo infiltrado y que se convertirá en pan y pescado. Un cuento de Kevin Reynolds, (si si el de Robin Hood) perdido aquí en el desierto de Palestina.Y la película es como la fe. Si no la hay, no la hay. El paisaje del evangelio lo pone un centurión romano que mata por menos de 30 dinares y que después de vigilar la tumba sellada con una gran piedra tipo indiana jones, le sigue convertido en un discípulo mas. El era el encargado de que  se cumpliera la ejecución y de que no "robaran" el cadáver en una resurrección anunciada. Puestos a  resucitar casi prefiero la de Maciste el coloso y todas las centurias romanas en sus formaciones de escudos dándose porrazos de los años 50. Y ahí están para testificarlo, Peter Firth, un Pilatos a mano lavada, Joseph Fiennes como el tribuno Flavio y un Tom Felton, que empeñado en eliminar a todos los judios rebeldes y contrarios al poder de Roma, no se entera muy bien de lo que significa el regreso de la muerte, ni tampoco del magnifico, ese si, papel de Maria Magdalena, (Maria Botto).

Nuestra hermana pequeña / Umiomachi diary

Tres hermanas conocen a una cuarta al morir su padre. Con precisión de cirujano cineasta, Hirokazu kore-eda cuenta desde el Japón, una historia llena de delicadeza, no exenta de tensión. Escenas domesticas y rituales acogem a estoa cuatro seres en fase de reconstrucción, si como nuestras debilidades culinarias que también encuentran su hueco en este degustable film. Una vida moderna pero que acoge reune y guarda todo lo del pasado, años 50. Un film bueno de santos, con una abuela que no nos la mereceremos. Kore-Eda, Wandafuru rafu, Nadie sabe, o Milagro y del Tal padre tal hijo, sigue frente al mar y los cerezo en flor, como escenario de sus visitaciones al pasado.Un padre incinerado, que hacia 15 años que no veían, y una madre irresponsable es el legado que les queda a las cuatro hermanas, tres de un padre y la cuarta de una madre diferente. Una narración aparecida en un manga de Akimi Yoshidas, situada en la ciudad de Kamakura. En esta conmovedora historia sobre lo que significa la verdadera familia encontramos un reparto encabezado por Haruka Ayase (Ichi), Masami Nagasawa (Milagro) y Kaho (Pazuru), como las tres hermanas que acogerán a una cuarta, interpretada por Suzu Hirose (El niño y la bestia). Esta historia que profundiza en las emociones y los vínculos familiares consiguió el favor del público de Cannes (con una nominación a la Palma de Oro) y de San Sebastián, donde se alzó con el premio del público a Mejor película.

Batman y Superman el amanecer de la justicia

Nadie en el siglo pasado hubiera ducho que los dos grandes superheroes se enfrentarían entre si. Pues Zach Snyder, (300, El hombre de acero o Watchman) lo  ha hecho. Un batman mas humano , pero con el uniforme reforzado y un superman al que el film le ve el plumero y nos lo quiere hacer pasar por extraterrestre a tenor ded los comentarios del guión  de David Goyer y Therrio. Gotham y Metropolis se abren a esta lucha fratricida de comics, llena de contradicciones, de los dos héroes eternamente peleados con el mundo.Cuando dos se pelean un tercero vence.Y este es  Lex Luthor que parece erigirse en el rey del universo hasta que aparece la Wonder woman, cuya intervención dará lugar a una saga de esta películas. Con el tono oscuro habitual de DC o Marvelm el film se divide en dos partes con distinta luminosidad para complacer a todos. Una de las cosas que se comenta del film es el acierto del casting desde Ben Affleck hasta Michael Shannon apsando por Henry Cavil, Amy Adams. Gal Gadot, Jesse Eisenberg (Lex), incluso Jeremy Irons. El caballero oscuro cederá ante la luz a fogonazos pero mística y redentora. Esquizoide esta historia de hombre procedente de Kriptonita en duelo desigual con el hombre murciélago. Ezra Miler y Ray Fisher formaran nuevo grupo de para formar parte dela l iga dela justicia. El ganador de dos Oscars Ben Affleck (Argo), como Batman, y Henry Cavill (Operación U.N.C.L.E.), en el papel de Superman, son los encargados de escenificar la pugna de estos dos enemigos irreconciliables desde las páginas del cómic.

Mi gran boda griega 2

15 años desde que Toula e Ian contrajeron matrimonio y siempre han sido felices, aunque su inquietud más acuciante se debe a que su hija Paris quiere seguir su propia vida y sus sueños e ir a la universidad, mientras que sus progenitores prefieren tenerla cerca y cuidarla. Cuando descubran que los padres de Toula no están casados, pues el cura que ofició la ceremonia no firmó los papeles, la familia Portokalos tendrá un nuevo motivo para reunirse: una boda aún más griega. Es la secuela de la, comedia romántica que consiguió una nominación al Oscar a Mejor guión original. Ahora se vuelve a reunir a la familia Portokalos, pero cambiando la perspectiva. Si en la primera parte los protagonistas se enfrentaban como jóvenes solteros, ahora se han convertido en padres y se ven acuciados por unas inquietudes diferentes: sus hijos. Las preocupaciones por su estado físico y anímico, los sueños, las esperanzas, las decepciones o el querer que no pase el tiempo y seguir siendo jóvenes son algunos de los temas que aderezan las situaciones de enredo en esta nueva entrega en la que Kirk Jones (Qué esperar cuando estás esperando, despertando a Ned o Todos están bien) se pone de nuevo detrás de las cámaras. La directora, guionista, productora, actriz y alma de esta saga, Nia Vardalos, también retoma el papel protagonista de Toula. Junto a ella encontramos de nuevo a miembros destacados de la entrega anterior, como John Corbet (Obsesión), Lainie Kazan (Pixels) o Gia Carides (Año Uno). Para completar el elenco y traer aire fresco con nuevos personajes, el realizador cuenta con la joven Elena Kampouris (Hombres, mujeres y niños) para dar vida a Paris y convertirse en el personaje que establece el punto de inflexión de la historia.

La modista/ The dressmaker

Quizá el único problema que tiene el film de Jocelyn Moorhouse (cuarto en su carrera después de casi 20 años, Donde reside el amor?, La prueba y Heredaras la tierra) es el excesivo soporte que pide a Kate Winsler, actriz que hasta ahora siempre ha podido con todo. Lo mas curioso del film es ver la devolución de una Australia miserable en los 50 hasta nuestros días. Se ha basado en una novela de Rosalie Ham, que como el film contiene de todo, comedia, gotas de western, humor negro, drama familiar rural para acabar consumando la venganza objeto del regreso de la modista a sus orígenes, después de haber triunfado en el mundo de la moda en París. Con un buen puñado de actores, algo sobrepasados todos ellos, Judy Davis, Liarm Hamsworth o Hugo Weaving el film navega hacia sus equilibrio, la verdad es que sin encontrarlo. Un pueblo en pleno desierto australiano, es el otro protagonista.

La ritournelle/ Luces de Paris

Marc Fitoussi (Copacabana), tambien guionista, reflexiona a través de una cabras, mas bien carneros sobre la duración del amor, las largas relaciones, el matrimonio, si el sexo crece o disminuye, etc.  y añade la culpa, la traición, el pequeño desliz, el engaño o es adulterio?, el castigo, la retirada de la ternura, sin dramatismos ni haciendo ascos a las emociones, siempre en un tono de leve comedia, o feel good movie. Y todo esto con un carnero, que poco sabe de la rutina, la monotonía y el tedio amoroso?.  No, cuenta con la extraordinaria Isabelle Huppert y Jean Pierre Daroussin, Michael Nyqvist, Marina Fois y Pio Marmai, que son los únicos que pueden haber visto las luces de París y las flores del campo de la Borgoña francesa. El titulo original, menos de farolero de fiesta mayor, seria "La cantaleta", que significa Cantinela, Ruido, confusión de voces e instrumentos o canción burlesca con que se hacía mofa de alguien.Y para ello mezclan un concurso de belleza vacuno y el turismo metropolitano, tan peligroso ultimamente. 

Primavera en Normandia/Gemma Bovery

Repite adaptacion Anne Fontaine (Natalie X , Coco, Dos madres perfectas). Fabrice Luchini, abandona París y se recluye en un pueblo campestre, donde monta una panadería y se puede dedicar a su gran pasión, Madame Bovary de la novela de Posy Simmonds (Tamara Drove) y que la interpreta también, Gemma Arterton. Flaubert eterno también se repite en la historia de adoración de un actor maduro, panadero y jubilado, en una tragicomedia rural que siente hacia una joven inglesa. Intervienen también en el film Jason Fleming y Isabelle Candelier.

El regalo/ The Gift

Un regalo es una sorpresa. Esta también, aunque al final sucumbe a las características del genero, cuando había llevado con mano férrea su propio guión, Joel Edgerton. Caja envuelta en nobles papeles con lazo. Esto es mas un engaño que un regalo. Y se entrega en medio de oscuridad, sospechas, silencios, hologramas y entiendo que haya quien le guste, este empezar de una manera inquietante donde la mente del espectador trabaja , imagina , piensa y al final se siente burlado. No por no tener una solución acertada, sino una vulgar idea. El film recuerda  a aquel Keaton que se inmiscuía en la vida de la pareja inquilina de su piso. Aquí, antiguo amigo del marido que envidia al pareja perfecta y feliz. Los traumas de infancia igualan las posibilidades de ser verdugo o víctima, todo metido en la cabeza del director, guionista i coprotagonista en su primer film. Le acompañan en esta propuesta amoral Jason Baterman, Rebecca Hall, Alison Tolman, Beau Knapp y David Denman.

El recuerdo de Marnie

Miyazaki y Isao Takahata fundadores de los estudios de animación Studio Ghilbli es van jubilar  no fa massa y el resultado es que el film  de Marnie "Omoide no Mani", se ha convertido en su testamento en el estudio. Magnifico film que encandilara a peques y mayores y que lucirá en la historia de la animación como una de las mas relevantes e imaginativas. Marnie tiene asma y la trasladan a un lugar del Japón rural y paradisiaco, donde mirara de recuperarse con un guión que tardaremos mucho en olvidar. Hay una poesía visual en el dibujo, que alimentados y coloreados con arte y una belleza suprema, puede estar situada entre las diez grandes. Ni un centímetro de dibujo cedido al grito, a la impertinencia, al llanto sensiblero sino que trata con gran capacidad intelectual y narrativa, el dolor, las perdidas de seres y la muerte. Con textura de magia y fantasía, el autor sublima la depresión infantil, la coloca junto al mar y nos pasea por la amistad y la aceptacion de uno mismo con una imaginacion sin limites. Gracias por el film Hiromasa Yonebashi.

el pregon

Continua este film de Dani de la Orden con la tradición recientemente inaugurada de ahondar en la antropología de las comunidades autónomas, convirtiendo los pueblos del rodaje en objetivo de peregrinación cinéfila. Después de su fracaso como documentalista, Andrés Buenafuente presta su prestigio incuestionable de Show alter, al lucimiento por contraste evidente de actores tipo club de comedia como Berto Ronero o Belen Cuesta, metiéndose en el juego un secundario de lujo Jorge Sanz. Protagonismo que les arrebata el bellisimo y rural pueblo de Santa Pau, si el de las finisimas mongetes del ganxet, que están tambien en la cocción de un guion rapido, probado, popular y quimico que aprovecha la espontaneidad televisiva adquirida por nuestros protagonistas y que firman Diego SanJose y David Serrano. Un alcalde que aprovecha todos los tiempos muertos que no hay en una comedia de enredos, dinamicos, catalanes y de luz de día. El reunirá a un dúo de hermanos, estrellas pop de los venidos a menos para leer el pregón del pueblo de nacimiento. Entre veganos, bolsas de cocaina y matar gatos, discurre la narracion sin fundidos a negro ni humillaciones irreparables. Nos reimos con la sana jocosidad hacia los idolos del verano o las peores tradiciones de nuestros vecinos, hasta llegar al momento culminante de la funcion en que, después de la procesiones se practica al lanzamiento de cabras desde un campanario. Que suenen las trompetas del pregon de prohibicion.

Calle cloverfied 10 / 10 Cloverfield Lane

Los giros del guión mantienen el suspense. si alguien recuerda mas adelante este film no sera por sus propuestas ni sus abruptos tonos. Sera en todo caso por habernos dejado sin solución. Sostiene el film el interés con acción, en la que no tarda en penetrar y así poco podemos fijarnos en la situación personal, del mismo modo que,  el asustador John Goodman, no sabe si es el o no. Una extensa primera parte teatral en un encierro de tres personas con preguntas suficientes para desarrollar el miedo, la claustrofobia y la paranoia. Mary Elizabeth Winsted es secuestrada por nuestro horribilis monstruo del que nunca sabremos,el tampoco si esta enfermo de verdad o no. Y que no hay que confundir con la Cloverfield de 2008. Una invasión que podría encabezar Alien, y que aquí con un escaso reparto lo hacen John Gallagher jr. y Susanne Cryer. De tanto, agobio, resistencia, apocalipsis y destrucción , lo mejor es la huida, pero no de la calle Cloverfield, sino de la sala de proyección. Si quedamos, nunca en el numero 10 de esta calle.

The brothers Grimsby/Agente contrainteligente

Humor, grueso (gag del elefante). Mal gusto, todo (gag del semen) .Inteligencia, poca. Imagineria, mínima. Respeto, nulo. Una lluvia de espermatozoides quizá pueda dar placer a alguien. Homenaje -burla a los films de espías,(Bond no se mancha) pero de los que  al verse moldeados por Louis Leterrier se tiran del puente. Sacha Baron Cohen, desparrama su escatología y su grosería modélica, superándose así mismo en sus anteriores y recordados personajes por su horrendidez, palabra inventada para la ocasión, Borat, Ali G., Bruno. A Sacha le otorgan nueve hijos, una novia, un paro  crónico y un hermano asesino en el MI6. Con este bagaje deberá "transportarse" a un agente fino y con estilo. Delirio y demencia de guión en el caben o se busca para que hagan algo Mark Strong, Rabek Wilson, Penelope Cruz y Isla Fisher

we come as friends

El largometraje documental We Come as Friends (2014) de Hubert Sauper, es el invitado Especial del 12º FICM..El realizador de origen austriaco se dio a conocer por su célebre película documental La pesadilla de Darwin(2004), que retrata los efectos sociales y ecológicos ocasionados por la industria pesquera en el lago de Victoria, Tanzania. Esta obra fue galardonada con el Label Europa Cinemas en el 61º Festival Internacional de Cine de Venecia.

We Come as Friends, el trabajo más reciente de Sauper, retrata la África conflictiva en el momento en que Sudán se está dividiendo en dos naciones. El documental retrata los pensamientos y los sueños de las personas involucradas en el conflicto: trabajadores chinos de petróleo, fuerzas de paz de la ONU, jefes militares sudaneses, evangelistas estadounidenses y los habitantes del lugar. Esta película participó en el 64º Festival Internacional de Cine de Berlín y en el 30º Festival de Cine de Sundance, entre otros. Sobre la aportación de la película a la transformación social, dice el autor: “Si propongo una película como ésta, no significa que tenga soluciones. Las soluciones que se propongan para esta situación terrible que estamos viviendo sólo funcionarán si nos planteamos las preguntas correctas. Si pensamos muchas veces en el qué y en el porqué de nuestra civilización, podríamos llegar a un origen muy simple. Sin embargo, hay una frase que alguien imaginó haberla oído de un dios: ‘sométete a la tierra y multiplícate’. Sobre esta frase se ha fundamentado nuestra civilización, con la que hemos tratado de dominar la naturaleza y destruirla.”

“Realizar una película es lo mismo en cualquier lugar, sea o no África. Lo principal es la forma en que abordas y te acercas a la gente. Lo que uno recibe es el reflejo de la aproximacion que uno tuvo con la gente. “En este caso hay dos tipos de personas, las que tienen el poder y las que son oprimidas por el poder. A los dos tipos de personas hay que dirigirse de maneras distintas: A las personas de las aldeas y a los desposeídos, cuyos niños se están muriendo por el agua envenenada, hay que honrarlos y darles voz. Pero, al mismo tiempo, también hay que dar voz a los dictadores y a los señores de la guerra.”

“Lo más difícil fue pasar mucho tiempo con gente con uniformes en el clima militarizado de África del Norte. Fuimos arrestados y acosados varias veces. Para salir de esta difícil situación, me surgió, como solución, la mejor idea de mi vida: disfrazarme de capitán de aerolínea. A partir de ese momento tuve mucho respeto por los capitanes. Fue una tontería, me sentí como un payaso. Después, ese truco se fue volviendo más constante y a lo largo de la película nos fuimos transformando en gente colonial. Además, uno de los temas constantes de la película, son los uniformes.”

“Los momentos más agradecidos son ésos, donde uno puede hacer una película y compartirla. Después de seis años de angustia, de miedo, de esperanza y de confusión, es muy lindo venir, compartirlo y mostrarlo, todo en dos horas.”

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El cuento de la princesa Kaguya

Mientras el cortador de bambú realiza su función de todos los días, descubre dentro de un tallo de esta planta a una niña diminuta. Tal es la belleza que emana de ella que el hombre decide llevarla a su casa para, con su esposa, criarla. La niña crecerá hasta convertirse en una adolescente de 13 años, por lo que su padre adoptivo decidirá ir a la ciudad para darle una vida mejor a la que considera una princesa. En su viaje, Kaguya cautivará a 5 pretendientes, entre ellos el Emperador. El realizador Isao Takahata, (Recuerdos del ayer) es el responsable de algunas series con las que hemos crecido y que ya forman parte de la cultura popular como Heidi y Marco. Ahora nos trae, junto a los estudios Ghibli,que él fundó junto a Hayao Miyazaki, el cuento de la princesa Kaguya. Basada en la clásica historia japonesa de El cortador de bambú, que Takahata siempre quiso contar en un film de animación y con la que consiguió una nominación al Oscar en 2015, esta conmovedora y artesanal película es el fruto de ocho años de trabajo. Para el elenco vocal en su versión americana, es la joven actriz Chloë Grace Moretz (La quinta ola) la que pone voz a Kaguya, mientras que el nominado a un Oscar James Caan (El luchador) y la ganadora de una estatuilla dorada Mary Steenburgen (Un paseo por el bosque) complementan el doblaje de los otros dos personajes protagonistas. En el reparto de la producción también participan otras grandes personalidades del cine hollywoodiense, como James Marsden (Negocios con resaca), Lucy Liu (Kung Fu Panda 3) o Beau Bridges.

Mustang

Deniz Gamze Erguven, turca de formacion francesa, afronta un tema difícil que siempre es complicado llevarlo a buen termino. Sitúa de nuevo la compleja situación religiosa y política turca en el marco europeo. Unas adolescentes, huerfanas entre 12 y 16 años, se bañan en una playa del norte del Mar Negro, vestidas pero que porpicia algún ligero roce con el sexo masculino y su familia, su abyuela y su tio, las tachan de todo. Alguien ve a la hija de Coppola en esta versión otomana. Pasan el verano con su abuela quien no puede cortar las posibilidades de ser felices y descubrir el mundo que se eles ofrece. El destino es pues recluirlas a cal y canto hasta tener una boda forzada. Evita las comparaciones con eficaces escenas como la presencia clandestina en un partido de futbol y las no tanto  afortunadas como los escarceos amorosos o la intensidad de la amistad  entre estas 5 jóvenes. Tampoco encuentra su tono realista en la proposición del taxista de enseñar a una a conducir y liberarla del yugo familiar y en cambio si que las bodas forzadas de todas ellas rayan el reality autentico. Se mueve mas en campo de reivindicar, agitar solicitudes justas, criticar situaciones y denunciarlas, que en de la solución y las propuestas que pudieran molestar de verdad. En el mismo estadio están las jóvenes. Frescas y amateurs, trasladan su inocencia a la sociedad sin demasiada intención, como un juego. Quizá la mas "interpretativa", Elit Iscan, a la que siguen en el juego Erol Atsin, Llayda Akdogan, Doga Zeynep Doguslu, Gunhes Nezhie, y Tugba Sunguroglu. Se engañan intentado llegar al sueño turco que parece ser es Estambul, sueño truncado por los informes de virginidad que se exigen en los hospitales. Es la gran duda europea y hoy diría que mundial. Si esta enorme nación fuera socio de la unión, saldríamos igual que ahora de los hospitales o con el carné de la virginidad social autentificado en la boca.?

el nombre del bambino

Muy divertida para mi, obra francesa de Alexandre de la Patelliere y Mathieu de la Porte, que ya la llevaron a la pantalla en 2012 arrasando en taquilla, como  Le Prenom. Aquí, Joel Joan la monto en el teatro con no menos risas, enredos y jolgorio en una familia que se reune para elegir el nombre del futuro miembro, cosa que no sera fácil. Pues esto es lo que han repetido en Italia de la mano de Francesca Archibugui (La gran calabaza, Con los ojos cerrados, Verso sera) con el gracejo correspondiente. En la bota recibe la patina de discutir entre amigos si es preciso poner el nombre al niño de un dictador. Ligera, teatral, dialogada, con la casta Alesandro Gassman, Luigi Lo Cascio y una Valeria Golino que se hace mayor, como todos y Micaela Ramazzotti y Rocco Papaleo.

frente al mar

Da la impresion el filme, hecho a medida y mayor gloria de la pareja, pareja en la vida real y en la ficcion, de que piensan en contentar sus egos. Brad Pitt, resignado a soportar los silencios, las miradas languidas, la gravedad falsa de los dialogos y cuando no da la replica, lo mandan a emborracharse a un bar bajo la inteligente mirada del ojo dek tavernero, Melvin Poupaut, que todo lo ve, asi como Niels Arestrup. Tanta desidia, aburrimiento en busca de la inspiracion que nunca llego, ni para la novela a ni para el film que nos ocupa, termina, con la llegada de una pareja a la habitacion de al lado, no sin antes haber descubierto un agujero voiyeur en al pared. Y por si tanta accion fuera poca, tenemos los insistentes planos picados enfocando una barca de remos cuyo remero ya se sabe donde acabara. Como en una anuncio de Nespresso. Tambien se añade la curiosidad de que cuando hay fustre en una relacion personal o professional, la terapia es irse a Italia (Antonioni,... De Sica). O lo que es lo mismo una sesion de terapia para los protagonistas. Si el objetivo era la soseria de explicar lo aburrido que es ser rico y famoso, tampoco lo han conseguido. Bañeras medio llenas, balanceo de muslos al sol, laguidez en las prendas veranigas. Distancia sin complejos que ni el alcohol consigue acortar. Solo Melanie Laurent decide aprovechar la oportunidad, la película se vera, y se carga todas las relaciones a la espalda y demas partes del cuerpo humano. Y la costa francesa, que en otro tiempo fue azul, en plena decadencia, en la que solo se oyen los ecos y gritos de antiguos veranos tambien azules y felices. El Sr. y la Sra Smith, casados en el 2104 se ha regalado este album de bodas, que firma ella con sus dos apellidos. Como si esto certificara alguna identidad de calidad.

Bone tomahawk

A ninguno de los clásicos se le hubiera ocurrido nunca hacer un western gore de terror. S.Craig Zahler mantiene los arquetipos en un lejano Oeste donde parece que nunca haya salido el sol. Kurt Russell,experimentado sheriff, un cowboy lesionado y tullido, para Patrick Wilson y un pistolero frió como Matthew Fox. Les enfrenta a unos seres atavicos, hambrientos, prehistóricos, tipo avatar, pero sin colores que deambulan por el film dejando se matar de tres en tres. El escalpelo sioux, comanche o apache, se ha vuelto aquí descuartizamiento dejando a Tarantino o Rodriguez como niños en paños menores. Si, buena conversaciones en las eternas hogueras nocturnas en una persecución zombie inédita. Quien no conversa y solo bebe es el Rabietas de turno, un magnifico y veterano Richard Jenkins que también suspira por Lili Simmons. Y podemos decir o hablar de western porque todavía recuerda los grandes horizontes con hombres a caballo, cuando no a pie a la pata coja. Un golpe de aire fresco al western para revitalizarlo cuando no esta de moda, como se hizo con el humor tipos como Farlane?. No, una vuelta mas de tuerca al tema de los zombies que no acaba de adquirir consistencia porque nunca la tendra, a pesar   de los múltiples esfuerzos de producción.

Tribunal/Court

En un mas que bien tratado y profesional scope, el film de Chaitanya Tamhane, es una dura y eficaz denuncia al sistema judicial en la India. Con unos procesos interminables como el largo camino que inicia, entre los burócratas y las legalidades, un cantautor callejero y profesor de primaria de 65 años, acusado  de  pronto de haber instigado a suicidarse aun trabajador de las cloacas. Aguda en su precisión de como un país democrático se puede sostener todavía sobre el sistema de  castas, tranquilos como son y captando todos sus sabores, configuran un filme muy distinto a los productos Bollywood. Una opera prima de gran calado, premiada en Venecia, Dublin, Buenos Aires y Bafici y que defiende que tener un juicio, como aquí, no es justicia sino una malediccion. La interpretan también con acierto, Vira Sahthidar.también debutante,  Viver Gomber, Geetanhal Kulkami y Usha Bane.

kung fu panda 3

Impecable  trabajo de dibujos animados. Pero en una tercera parte eso no es suficiente. Da la sensacion de que han terminado la serie y poco o nada tienen que decir. Y empiezan las incursiones al terror y lo desagradable o asustadizo. Ni la pelea de padres, ni el tono infantil aumentan el interes. Shifu intenta que Po evolucione y dé un paso más, que se convierta en maestro. La aparición de Ling, el auténtico padre del panda, le brindará la oportunidad de ver las cosas desde otra perspectiva y enseñar a sus congéneres. Sin embargo, cuando el temible Kai regrese del mundo de los espíritus para convertir a los luchadores de China en zombis de Jade, Po tendrá que poner todo su empeño en adiestrar a los otros pandas y plantar cara a tan formidable enemigo, aunque para ello arriesgue su vida. Los pandas no son agresivos. Les interesa mas el bambu que que lsartes marciales. Y los chicos lo saben.y les siguen en sus infensivos gags y sus cuitasfamilaires para ser ellso mimsos. Y tampoco es el moneto visual de estosantigua dibujo chnos. Los realizadores Alessandro Carloni y Jennifer Yuh, que ya demostraron su pericia en la anterior entrega de la saga, (2008- 2011), vuelven a ponerse detrás de las cámaras para continúar las andanzas de este panda blandito que demuestra tener unas aptitudes impresionantes para el arte marcial milenario chino. Utilizan lo último en tecnologías de animación, así como la exploración de nuevas localizaciones, para desarrollar este film que, por primera vez, ha dado lugar a dos películas diferentes, una en inglés y otra en chino mandarín, con la misma historia y los mismos personajes. En ambas se remarcan la importancia de la familia, no sólo como apoyo, sino también como elemento para reivindicar lo que nos hace únicos y mejores. El carismático actor Jack Black (Pesadillas) retoma el espíritu Kung Fu Panda, Angelina Jolie (Maléfica), Jackie Chan (Chiness Zodiac: La Armadura de Dios), Seth Rogen (Los tres reyes malos), Lucy Liu (El hombre de los puños de hierro), Dustin Hoffman (Con la magia en los zapatos) y David Cross (Dando la nota - Aún más alto). Para completar el elenco vocal, Carloni y Yuh también cuentan con nuevas voces de actores internacionalmente reconocidos como Bryan Cranston (Trumbo), J.K. Simmons (Whiplash) o Kate Hudson.

Divergente: Leal 1a parte

Inconformista?Heroína? puro decorado?Predecible? Convencional?Ella era Shailene Woodley. Después de las grandes revelaciones, Tris huye con Cuatro y supervivientes del grupo para salvar sus vidas. Juntos deberán enfrentarse a un nuevo reto: descubrir que hay más allá de las murallas de una Chicago al borde de la guerra civil. Cuando salgan al exterior tendrán que aceptar nuevas realidades que cambiarán sus criterios e ideas de antes. Tris tendrá que aprender en quién puede confiar, mientras tratan de evitar que comience una guerra entre las facciones que amenaza con destruirlo todo. El realizador Robert Schwentke (Red) vuelve a ponerse detrás de las cámaras, después del éxito alcanzado por La serie Divergente: Insurgente, para traer la primera parte de la conclusión de la saga juvenil distópica en La serie Divergente: Leal - 1ª parte. Esta nueva entrega de la franquicia de ciencia ficción , ridícula, llena de agujeros su guión, sin suspense ni emoción, adapta la tercera novela de la aclamada saga literaria Divergente, creada por Verónica Roth, que tan buena acogida ha encontrado entre el público joven. En ella se crea un mundo donde gente con poderes llamados divergentes, han de unir sus fuerzas para sobrevivir y combatir la tiranía del orden establecido. Quizá es una confusa critica a las dictaduras. Y un ataque a la repetición narrativa. La joven estrella en alza Shailene Woodley (Bajo la misma estrella) repite por tercera vez como la gran protagonista de la saga y vuelve a dar vida a Tris en su lucha contra las facciones mientras cuenta de nuevo con Cuatro, interpretado por Theo James (Underworld: El despertar), como inseparable aliado. En esta nueva entrega, La serie Divergente: Leal - 1ª parte reúne de nuevo a viejos amigos (y enemigos) como la nominada a dos Oscars Naomi Watts (3 generaciones), Zoë Kravitz (Mad Max: Furia en la carretera) o Maggie Q.(El sicario de Dios). A ellos se une Jeff Daniels 

Al sostre del mon

Es una película para niños a partir de 6 años 

1882, San Peterburgo. Sasha es una joven aristócrata Rusa que ha crecido escuchando las maravillosas aventuras de su abuelo, Olukin. Este explorador de renombre es conocido por inventar el "Davai", un gran barco creado con el fin de emprender un viaje para conquistar el Polo Norte, pero que por desgracia, ha supuesto su desaparición.

Este hecho ha provocado que la reputación de la familia de Sasha y el nombre de su abuelo se vean desacreditados por la población rusa. Para recuperar el honor de su familia, la protagonista decide seguir los pasos de su abuelo y reúne toda la valentía necesaria para ir en su búsqueda.

Al sostre del món es una película de animación dirigida por Rémi Chayé, quien ha participado en otras cintas como El lienzo o Kerity, la casa de los cuentos. Christa Théret (Renoir), Féodor Atkine (Conexión Marsella) y Thomas Sagols (El lienzo), entre otros, son los encargados de poner voz a los personajes de esta historia.

Actores Al sostre del món

• Christa ThéretSasha [Voice]
• Féodor AtkineOloukine [Voice]
• Antony HicklingLarson [Voice]
• Loïc HoudréLund [Voice]
• Thomas SagolsKatch [Voice]
• Rémi CaillebotLarson
• Audrey SabléNadya [Voice]

Dirección

• Rémi Chayé

Guión

• Claire Paoletti
• Patricia Valeix

Música

• Jonathan Morali

Director artístico

• Patrice Suau

No crezcas o moriras

Unos adolescentes viven en un aislado orfanato situado en una isla en el océano Atlántico. Un día, los jóvenes descubren que el vigilante de la institución ha desaparecido. Con una noche de libertad por delante, estos seis amigos abandonarán el centro y llegarán hasta la ciudad. Allí verán el caos y el horror que ha provocado una misteriosa enfermedad, por la que los adultos se convierten en zombis asesinos que devoran hasta a sus propios hijos. El francés Thierry Poiraud (Goal of the Dead) vuelve al terror de muertos vivientes en Don't Grow Up. Con este título tan descriptivo, el director nos propone una historia sobre la adolescencia y el vértigo que provoca el salto de la infancia a la madurez, todo ello aderezado con hordas de zombis que hace unos años que superaron la pubertad. En esta reformulación en clave terrorífica del síndrome de Peter Pan, sus protagonistas se enfrentan a la demencia de esta misteriosa enfermedad a medida que sus decisiones les vuelven más adultos. En el desesperado viaje de supervivencia, los adolescentes son los protagonistas. Fergus Riordan (Ghost Rider: Espíritu de venganza), McKell David (Montana), Darren Evans (El quinto poder) y los debutantes Diego Méndez, Natifa Mai y Madeleine Kelly serán el grupo que deberá sobrevivir a la madurez y a una horda de zombis adultos. La cinta, coproducción hispanofrancesa, traduce en clave de survival horror hiperrealista los códigos de los miedos infantiles,Que horror

Vulcania

Definición de distopia, una sociedad ficticia, antiutopica, indeseable en si misma y que se introduce mediante la escritura. Un ritual? una secta? Una nueva marca de moda?un decorado de videojuego? Todo cabe en la mirada de un grupo de seres que miran al exterior a través de una empalizada. Y que ven? como sus ordenadores no funcionan, series caducadas o fenómenos ocultos. Solo reconocemos en la película de José Skaf, (Albert White) a este monstruo de la frialdad interpretativa que ha vuelto la juventud, Jose Sacristan. Una explosion en una mina mata a la mujer y al hijo de Jonas, aquí Miquel Fernandez, por acercarse a la "frontera". También el marido de Aura Garrido, muere. El, eligira un trabajo mas duro en una forja, que le suministrara ciertos poderes. Y entonces la conocera a ella. Ambos son de cada bando de la población dividida desde tiempos ancestrales. Les ocultan la verdad y no tardan en rebelarse contra un tipo de fascismo realmente muy vulgar y sabido, que les prohibe pensar por si solos. Nadie ha dicho que hacer películas futuro de ciencia ficción sea barato. Pero si que lo es la imaginacion y el buen gusto, elementos de guión sustituidos en este film por el asco y el engaño. Cuando lo sugerido no tiene continuidad posterior, una fantasía nunca puede ser un drama rural y así llegamos al final, sin ningún tipo de control, porque hemos descarrilado mucho antes. De todas las ocasiones en que la produccion se ha comido el sentido de un film, este es otro ejemplo mas. Llegamos a dudar si es que hay algo mas en el exterior. El libro religiosamente guardado, es el único que sabe como era la ciudad o lo que es que sea ahora sin sueños, sin monotonía, sin las consignas fascistas que rigen el destino actual del recinto. "Trabajo y disciplina". Y que obedecen a pies juntillas tambien, Ana Wagener, Gines Garcia Millan y Silvia Abril.

13 minutos para matar a Hitler

Oliver Hirschbiegel, clarividente en el hundimiento, no se manifiesta con tanta soltura, en este menos conocido intento de eliminar al dictador. La detención e interrogatorios del protagonista por parte de la Gestapo, se alternan con la historia de juventud de  Christian Friedel y retazos de la historia de amor que sostiene con Kataharina  Schuttler, que  su vez es castigada pro el establishment alemana sufriendo las consecuencias de las tensiones históricas del momento. Es el terrorista pacifista, un carpintero de los Alpes suevos, que se autoconvence de que el atentado es la mejor manera de solucionar el asunto. Y que tiene el valor de decir a los torturadores que quiere matar al lider para evitar una guerra mundial. En medio de relatar la ascensión del fascismo germano, el film se olvida de describir el atentado y porque faltaron estos 13 minutos que hubieran sido fatídicos, para centrarse en la biografía de Eiser. Transcurría 1939, en una cervecería alemana de Munich, don Hitler iba a pronuciar un discurso. La bomba casera mato a su hora a  personas. demostrando una eficacia notable. Pero no al dictador que había salido del local 13 minutos antes, de la hora marcada en el detonador. También interpreta Felix Eitner.

Rock de Casbah

Lo mismo que le pasaria a un promotor de musica pop en Afganistan, le pasa a Barry Levinson , magnifico director de gran trayectoria, que aqui, se le escapan los personajes. Principalmente Bill Murray, perdido en el desierto comercial afganes, hasta que encuentra a una bella cantante de divina voz y que canta a Cat Stevens, aquel cantante que en su dia apoyo al Islam. Una especie de operacion triunfo en musulman en la que es dificl contar si hay mas balas o compases. Los expertos dicen que titulo remite al punk de Los Clash. El mejor comentario seria relacionar aqui el buen hacer de este maestro de cine desde Rain man y olvidar que esta vez se ha perdido en Kabul, cosa que no le hubiera pasado en Avalon por ejemplo. Comparten melancolia y tristeza del rock y la alegria, poca, que puede haber en una guerra fraticida, ademas de Murray, ja instalado oara sempre en lost traslation, Bruce Willis que resulta donde le pongan, Kate Hudson y Zooey Deschanel. Ya ven ni el nº5 lo es.

III Blogos de Oro 2016

“Blogos de Oro”eligen lo mejor del 2016

Más de 200 medios digitales entre blogueros, podcasters y youtubers elegirán libremente lo mejor.

La ceremonia online tendrá lugar el próximo domingo 20 de

marzo a partir de las 17:00. Las nominaciones se darán a conocer el 9 de marzo a las 11:00.

A diferencia de otros premios cinematográficos los #BlogosDeOro tienen una entrega de premios que se desarrolla en #Twitter sin presencia física de sus participantes. La tercera edición de los “Blogos De Oro”, organizados por la "Asocación Premios de Cine Blogos de Oro", celebrara la gala que es totalmente online y se celebra cada año en el hashtag de Twitter #BlogosDeOro, y donde cualquier usuario de Twitter puede participar comentando la gala o interactuando con los presentadores y medios participantes. Durante la gala se entregan virtualmente los diferentes premios. En la primera edición los premios contaron con Daniel Sánchez Arévalo como maestro de ceremonias, y ela pasada edición con el director Álex de la Iglesia. Este año varios cineastas españoles tambiénparticiparán en una gala virtual a la que todo el mundo está invitado. En la ceremonia pasada los premios congregaron la participación de más de 120 webs y blogs de cine, que eligieron lo mejor del 2014, y el HT#BlogosDeOro fue trending topic número uno durante la tarde en la que se celebraron los premios.Este año con la incorporación de youtubers y podcasters el jurado se ha incrementado
notoriamente dando paso a la legalización de la asociación que pasa a denominarse: "Asociación
Premios de Cine Blogos de Oro".
En esta edición los “Blogos De Oro” darán un paso más, premiando a las películas “verdaderamente
independientes”, con apoyo en su difusión y con su estreno o reestreno en salas de cine. Se trata de dos premios muy especiales, fruto de la colaboración conla iniciativa Baratometrajes 2.0 y la
distribuidora #ConUnPack, a los que optarán los largometrajes españoles independientes del año
presentados en la categoría. En esta primera edición han sido 15 los largometrajes entre documentales y ficción presentados por sus productores.
Los “Blogos De Oro” cuentan como patrocinador oficial con Estrella Damm, y la colaboración
de Cinesa, Filmin, LEGO Tinkle y la distribuidora #ConUnPack.
En la dirección blogosdeoro.com tenéis toda la información relativa a los premios con las bases, el
palmarés, resúmenes de galas, lista de blogs jurado, actividades y fotos de nuestra mascota/premio Blogui, cuya imagen os adjuntamos.

Danny Collins /Nunca es tarde

Hombre si, desconocido y desafortunado titulador. Es tarde que un avispado coleccionista te entregue una carta personal de John Lennon, 34 años mas tarde. En este hecho real y en una familia con enfermedades discutibles y niños pesados inmersos en un mar de sensiblería ñoña, se basa este film de Dan Fogelman, guionista de Cars. El cantante de la historia y que aquí interpreta Al Pacino fue Steve Tilson y al cual la carta cambio la vida y nos ofrece, una gran interpretación de entre sus últimos trabajos. El típico cliche de estrella del rock, droga, mujeres, lujos y el alcohol que no falte, seguiría ad infinitum sino fuera por esta carta que provoca efectos redentores y terapéuticos, en su familia y vida personal arrepentida, tipo paternidad abandonada y otras responsabilidades dejadas por el exito. Annette Bening, Boby Cannavale y Jenifer Garner dan la replica de calidad al mito de Ricardo III, sin vender su alma a nadie. Ah, y otro Christopher Plummer, para la historia de las filmografias. Como el  titulo que se puede cambiar y dejar el original.

Remember

Decir que Christopher Plummer, conduce el film de Atom Egoyan seria un error (Falsa verdad, Exótica, Guiones cambiados, Chloe, El viaje de Felicia, Cautivo, The adujster). Decirlo de Martin Landau que va desgranando el guión desde su silla de ruedas seria incorrecto. Y lo mismo de Dean Norris, la sorpresa final. Si que loscuatro utilizan algún subterfugio para no perder ritmo en una narración pausada como corresponde a un  baqueteado grupo de ancianos a los que el Alzheimer o lo que sea va devorando paulatinamente. Si sin embargo recuerdan a golpes de carta o memoria su pasado en un campo de exterminio y como sucumbieron sus familiares. Y aquí es cuando el director permanece fiel a su estilo sacrificando la complejidad del drama, la acción de venganza, incluso la estética nazi. Ya pesar de ello, su aproximacion al holocausto,  enfermedad senil, nunca es banal. Viajes al pasado, con una carta en el bolsillo, anotaciones  a bolígrafo y un numero fatídico, 1488... este no  a sangre y fuego. 

El amor es mas fuerte que las bombas/ Louder than bombs

Pasa mucho que cuando alguien tiene un buen material de reflexion en sus manos o su objetivo, como es el caso de Joachim Trier( Oslo, 31 de agosto), se dilapidan 109 minutos en pura forma sin fondo. Incluso se puede darse caso de que sea mejor el spoiler que la propia obra cinematográfica. Y es cierto que bajo una bomba quizá no es el mejor momento, o si , para analizar la condición humana de cada cual. Todo ello alrededor de una fotógrafa de guerra (Isabelle Huppert) de la que sabemos poco y su familia (Gabriel Byrne, Devin Druit, Jesse Eisenberg), menos. Retrato nórdico, por lo tanto frió, de como superar el dolor ante una perdida querida. Y las bombas sustuidas por coches, que se ruedan mejor. Film premiado en el festival internacional noruego.

Janis

Personal y épico este documental de Amy Berg (Every secret thing, Libranos del mal), pero también frió y ordenado, con criterio selectivo, pero montado demasiado profesionalmente. Como Janis no lo hubiera hecho. Janis Joplin es una de las cantantes de rock and roll más admiradas de todos los tiempos. Su prematura muerte aupó a esta trágica e incomprendida figura en un icono para toda una generación. Miembro del Hall of Fame del Rock, Joplin consiguió alzar su voz en medio de la revolución musical y cultural de los años 70. Este documental arroja luz sobre el otro lado del mito, que ocultaba bajo su imagen desinhibida y sexualizada traumas de adolescencia, inseguridades y la necesidad de ser aceptada. La documentalista Amy Berg, nominada a un Oscar por su documental Líbranos del mal, cambia de registro y se acerca a la otra cara de la leyenda de la música Janis Joplin. Por primera vez en la gran pantalla, Janis. La verdadera historia de la reina del blues nos ofrece la oportunidad de conocer a la mujer detrás del mito, y nos presenta un relato íntimo y revelador de la complicada y atrevida artista, a menudo marginada. Las cartas que Joplin escribía a su familia, muchas de ellas inéditas hasta ahora, se convierten en el instrumento perfecto para ello. Janis , como los grandes Dean o Winehouse murió joven sucumbiendo al éxito i a las adicciones.  Además de los manuscritos de Joplin, a los que la actriz y estrella del rock indie Cat Power (My Blueberry Nights) pone voz, también encontramos grabaciones inéditas, tanto de audio como de vídeo, que nos muestran a Joplin en conciertos y estudios, así como en momentos más personales como la vuelta de la cantante a su ciudad natal con motivo de la décima reunión de su instituto, que añaden más emotividad e intensidad a la historia. En sus siete años de trabajo en Janis. La verdadera historia de la reina del blues, Berg también ha recogido testimonios de familiares, amigos de la infancia y socios musicales de la artista texana, entre ellos Bob Weir, de Grateful Dead. Con todo ello, no aclara todavia el porque y el como de su muerte. Pero alimenta laleyenda de esta inesperada heroina del rock.

Cien años de perdon

Denuncia social fusionada con la politica y atracadores de circunstancias, pero profesionales. Explosivo film qu se desarrolla a partir de un guión muy bien medido de Jorge Guerrica que acaba convenciendo a todos, aunque le recordamos mas cómodo con Alex de la Iglesia. El núcleo del guión, esta información descubierta en una caja fuerte de una banco durante un atraco que puede hacer tambalear al gobierno mas pintado. La violencia, valenciana en este caso,parece que en los últimos tiempos remite, en pro de la personalidad, de la fuerza y de la visceralidad. Daniel Calparsoro, que nos acostumbro a sus raíces clásicas (Pasajes,  Salto al vació) continua con una magnifica elección de actores y se suma al atraco de domingo por la tarde con rehenes. Una entidad atracada que sera el escenario de casi todo el film. Cine con rabia como Celda 211, de unos hombres que buscan sus destino. En Asfalto , el film se repartía la negación de un futuro con luz para en A ciegas, demostraba su visceralidad y por tanto su preferencia por expresarse en un violencia sin perdón. Luis Tosar, Rodrigo de la Serna Raul Arevalo y José Coronado, vuelven a demostrar que también estan dotados para este género.

Tots els camins de deu

El filme de Gemma Ferraté se presenta como una película intima dónde, a través de la cámara en mano y un formato tan cerrado como la angustia que vive el protagonista, se nos narra el calvario de un hombre, el cual evidencia una fuerte culpabilidad sobre si mismo, y el dolor le corroe hasta limites de lo más extremos. El guión que Ferraté co-escribe con Eduard Sola es sin duda un arma que explota estupendamente un cúmulo de ideas que, aunque la mayoría de ellas pueden quedar sin respuesta al final del metraje, presentan una complejidad que sorprende ver en una película de tan escasa duración y tan pocos diálogos.

Entre varias de esas ideas cabe destacar la relación que se establece entre los dos personajes protagonistas del filme, interpretados por Marc Garca Coté y Oriol Pla, en la que de un modo natural, se crea a través de la introspección de los chicos, forjándose sin un claro acercamiento verbal, más bien de una mimesis que en ningún momento se presenta como baladí, si no a través de un entendimiento que va más allá de lo físico. Así no es de extrañar que la película se haya convertido en la carta de presentación de un ciclo de cine LGBT, ya que aunque en ningún momento la película tenga una clara referencia homosexual en la relación, si que es fácil que venga en mente gracias a las miradas, gestos y situaciones de los tres actores (hay que sumar a Jan Cornet), y todos sabemos que algunas de las historias bíblicas presentan un oculto contenido homo-erótico que otros realizadores han sabido plasmar en sus filmes. Aunque Tots els camins de Déu pueda ser un filme al que es difícil entrar, y en ocasiones la sombra de Gus Van Sant (figura muy común en los filmes de varios realizadores que vienen del ESCAC), Kelly Reichardt o Albert Serra planee con demasiada insistencia sobre la película, al final se respira una fuerte carga personal en la película y una sinceridad absoluta en el trabajo, que como espectador no puedo dejar de agradecer, ya que hoy en día es difícil encontrar trabajos tan sinceros, valientes e intimos como el de Gemma Ferraté, y aunque el propio filme presente grandes motivos para ser visionado, este último es sin duda el que más fuerza tiene.

Cuenta la historia de los últimos tres días en la vida de un Judas contemporáneo, un hombre que huye de su propia culpa después de traicionar a su mejor amigo. Ahogado por su culpabilidad, entra en el bosque donde se reunirá con un joven misterioso que lo acompañará en su arrepentimiento, lo cual le ayudará a lidiar con sus sentimientos, con la comprensión de su culpa y cómo finalmente confrontarlo.

 "Una manera de reflexionar sobre el mundo en el que vivimos, lleno de miedos y paranoias. La película recoge estos elementos y muchos más para crear imágenes hipnóticas, brutales, que transmiten el poder físico del cine en contacto con la naturaleza amenazante.[...] La fuerza se esconde en su constante inventiva, en los múltiples matices de esta historia que parece tan sencilla i elemental.

Poveda

Pedro Poveda es un joven sacerdote de Linares que en la España de principios del siglo XX abre, a través de su espíritu innovador, caminos en el campo de la educación y la defensa de los derechos de las mujeres. Su trabajo en la enseñanza de los más pobres despertó recelos entre la sociedad culta y clerical de Granada, que provocó su marcha a Asturias. Allí inició junto a mujeres jóvenes (entre ellas su pilar Pepita Segovia) un movimiento por la formación de un profesorado cristiano cualificado. El joven director salmantino Pablo Moreno (Un dios prohibido) viaja hasta las primeras décadas de la España del siglo XX en Poveda. Lo hace para contarnos la historia del sacerdote, reconocido por la UNESCO como Pedagogo y Humanista y canonizado por la Iglesia en 2003. Su vida y obra, dedicada a la defensa de los derechos de las mujeres y el de las clases más humildes del país de acceder a una educación digna y su enfrentamiento con las clases altas y el poder clerical, son el punto de partida para esta cinta que ensalza la figura del eclesiástico. Rodada en algunos de los lugares reales que marcaron la vida de Poveda y la Institución Teresiana, como Guadix, Covadonga, Madrid, Jaén o Ciudad Rodrigo, ésta película cuenta con el actor Raúl Escudero (que repite con Moreno tras Un dios prohibido) como Pedro Poveda. En la piel de su inseparable compañera y primera mujer licenciada en Educación en Jaén, Pepita Segovia, encontramos a Elena Furiase (Don Mendo Rock ¿La venganza?), que se pone de nuevo a las órdenes del director después de su última película. Le secundan Miguel Berlanga (Agnosia) y Fran Calvo.

El testament de la Rosa

 El testament de la Rosa, es la película que muestra a la actriz Rosa Novell ciega y poco antes de morir de cáncer ensayando ante la cámara el que debía ser su último trabajo escénico y que nunca llegó a realizarse. Es un filme bellísimo, emocionante y que por encima de todo muestra a una gran actriz en la cima de su talento, haciendo de la mejor manera aquello para lo que nació, actuar. La cinta de Agustí Villaronga, estrenada en la Filmoteca de Cataluña en una sesión con familiares y amigos revestida de muchísima emoción, tiene momentos absolutamente extraordinarios, sublimes, en los que la vida —y la muerte— de Rosa Novell se incardina con inmensa sabiduría (la del cineasta y la de la actriz) en la obra que se ensaya, El testament de Maria, de Colm Tóibín, un monólogo de la Virgen en primera persona que finalmente llevaron a escena Villaronga y Blanca Portillo.

Uno de esos momentos de la película es cuando Rosa Novell relata la crucifixión de Cristo ofreciendo una inmensa lección interpretativa plena de detalles que la cámara de Villaronga capta con respeto y cariño pero también con la glotonería de un artista que reconoce el genio de otro. El blanco y negro de la película, de calidad expresionista en muchos momentos, muestra a la Novell, paradójicamente muy vital, en la que su rostro y su cuerpo débiles y asolados se revisten de una majestuosidad que hace pensar en Dreyer. Otro momento estremecedor de la película, que se proyecta en los cines Texas es, dadas sus connotaciones, el relato que la Novell como María, hace del episodio de la muerte y resurrección de Lázaro. Las frases e imágenes fluyen en un juego de significados y alusiones de los que, evidentemente, son muy conscientes tanto la actriz como el cineasta, que aparece en la película dándole la réplica a la Novell y dirigiéndola.

No pueden olvdarse otras escenas que dejan una honda impresión en la retina y la memoria, como las de la actriz caminando desenfocada, tendida en el lecho o sentada junto a su marido, el escritor Eduardo Mendoza, mientras este le lee. Esas y otras imágenes íntimas, así como retratos de juventud, se mezclan con las de los ensayos, cruzando lo personal y lo profesional. El filme incluye algunos momentos distendidos que hasta hicieron reír al público. “Ella quiso aprovechar hasta el último momento para hacer teatro”, señaló Passola, que recalcó que ese fue el motivo de que la Novell aceptara que la rodaran ensayando El testament de María. “No veía y sin embargo tenía una luz tremenda que es la que transmite la película”. Villaronga destacó “la entrega de Rosa” y dijo que lo que empezó como un favor a ella, para hacerle algo más llevadera la enfermedad, “se convirtió en un favor a todos nosotros”.

Mendoza explicó que “Cuando uno está al lado de un enfermo está más pendiente del convaleciente que de la persona. Ella quería hacer esta película. Quería morir haciendo de actriz”. El escritor dijo que ha visto la película pero que anoche no iba a volver a verla. “Aún no. Me golpeó mucho. Vi que no era un documental sino una verdadera película. No es un documento sobre una persona a las puertas de la muerte e invidente, sino el trabajo de una actriz actuando, y muy bien dirigida”. A recordar el texto que Rosa Novell recita sobre un montaje de fotos suyas: “El encanto y la belleza que irradiaba necesitaban de otro reino en el que prosperar”

Marcos Ordoñez  va escriure En junio de 2013, a punto de comenzar los ensayos de El testamento de María, de Colm Tóibín, a Rosa Novell le detectaron un cáncer en fase avanzada que le obligó a abandonar el proyecto. Perdió la vista pero no el coraje, y con el director Agustí Villaronga decidieron rodar fragmentos de la obra para dejar un recuerdo, un testimonio. El testament de la Rosa, presentado en la Filmoteca de Barcelona al cumplirse un año de su muerte, es mucho más que un documental o un homenaje: es una pequeña joya de 47 minutos. Es difícil verla sin golpes de llanto, pero acaba ganando la fuerza de su empeño y el tono, casi dreyeriano, de la mirada. El blanco y negro, la austeridad. El rostro de la actriz, con el cabello muy corto y los ojos ciegos pero encendidos, hace pensar: “En escena tenía que construir mi primer plano para que el público mirase mi cara”, cuenta Rosa. “Aquí, ahora, puedo ser yo, más próxima”. Ver a Rosa y Francesca caminar juntas,  a la orilla de un río tranquilo. Y entre dos luces a Eduardo Mendoza, su compañero, esa sombra benévola que lee para ella, al anochecer, y vigila su sueño en la casa de verano.

Las palabras de Tóibín y las de Rosa se mezclan como afluentes. Villaronga pregunta: “¿Qué hay de ti en el personaje?”. Rosa sonríe: “Dolor. Miedo. Serenidad”. Dice luego: “Cuando dejas de ver es como si nacieras de nuevo. Has de aprenderlo todo. Empiezas a ver por dentro. Mis manos y mis pies son ahora mis ojos”. Desfilan retazos de su juventud, funciones ya lejanas pero todavía vivas, resplandecientes. Rosa vuela en el tercio final de la película, ya dueña del texto, y te hace volar con su música. Canta, en un susurro, la nana más hermosa que se haya escrito, que jamás puede escucharse sin lágrimas: “La mare de Déu / quan era xiqueta / anava a costura / a aprendre de lletra”. Una nana para irse yendo. Y las últimas palabras de María, para siempre suyas: “Quiero volver al tiempo en el que el mundo era un lugar tranquilo. Quiero un tiempo en el que nada de todo esto que ha pasado tenga que pasar”.

La Habitacion/room

Pude verla solo horas antes de la entrega de los oscars. Pero era evidente que Brie Larson iba ganar con rotundidad la estatuilla por su interpretacion magnífica de una de las víctimas (Elisabetz Fritzl, austriaca) del monstruo de Amastetten, aquel descerebrado que sometio a su hija durante 24 años a secuestro, con quien tuvo 7 hijos, los mismos que tuvo en el piso de arriba con su mujer. Lenny Abrahamson (Frank) nos mantiene con dureza insoportable en la habitacion de 3,5x3,5, donde uno se hace cabalas de como pudo suceder todo aquello. Pero en el film todavia hay una segunda parte, para mi mas impresionante y es partir de la fuga de Jack, el chico de 5 años que simboliza todos los menores afectados en el caso. En ambas partes impera una contencion,dificil de lograr debido a la fuerza y crueldad del tema. En su descubrimeinto del "mundo", porque habia mundo y universo detras de la claraboya esta es la magnificiencia del director, apuntandonos los claves de aquel horror. Aqui habria que citar el papel el hijo, 50% del amor materno filial que anima la película y que deberia haber ganando un oscars, o compartirlo al menos. En este aspecto, el filme seria un contrapunto a La vida es bella, donde protege al menor montandole alrededor una vida paralela. Destilado el guion de la novela de Emma Donoghue, la prision es sol para la madre. El niño, nacido alli es su espacio natural. O sea se puede ver el film sin la sensacion terrible de la degradacion humana y dejar tiempo sobretodo para para no caer en la desesperacion. Son protagonista ademas  de Jacco Tremblay, el cerdo de Sean Brdigres, Joan Allen o William H. Macy, los abuelos, el armario, donde duerme el chico los dias que hay "visita", la cama, banyera, cocina. en un espacio donde no caben las velas de pastel de los cinco años. El guion mezcla situaciones tambien captadas del secuestro de 10 años de Cleveland de tres jovenes de las que una salio con una hija de 6 años. Un desproposito monumental que tenia que estar en la historia del cine.

13 hores. los soldados secretos de Bengazhi

Si no hay historia, Michel Bay lo disimula con banderas, trucos de camara y camara lenta, para mostrarnos a dos tipos de americanos. Los teoricamente aguerridos que matan en las guerras promovidas por los EEUU. y los mas discretos, burocratas de despacho cuyos errores causan bajas en los frentes abiertos  sangre y fuego. Como el tema es delicado, Bay lo resuelve con fuerza fisica, tension constante, en la excesiva duracion de 144 minutos para lo que cuenta. Ambos grupos de seres humanos , no se distinguen por su lenguaje, ideas, sino que todos son amantes de la familia, de su patria, lo cual sabemos que no es cierto en la gran proporcion, sobre todo ahora con los mercenarios de uno y otro lado. Por ello tiene razon Bay cuando anuncia que el ataque al consulado de Bengazhi, Libia, 2012, cuando la caida de Gaddaffi. no es  cine politico.Y por lo tanto busca un angulo no comprometido en la novela de Michell Zuckoff, empleada por cierto por Trump contra la adminstracion Obama en la recinte campaña, por el que ven el mundo Pablo Schreiber,  Jon Krasinski, James Badge Dale, David Denman, Dominic Fumusa y Mas Martini, nuestros 6 heroes. En las guerras y en esta mas, no hay moral, todo esta justificado segun pero donde se mire y sobretodo pasa por casualidad. Solo que en medio estan seres humanos.

Tenemos que hablar

Parodiando que difícil es hacer el amor en un Simca, diremos  aquí que difícil es hace cine de enredo y mas siguiendo la tradición de Hollywood. David Serrano confunde el esperpento con la interpretación,  la locura con el despiporre y además lo ensucio con claras referencias a los grandes. Sin guión, como el agujero de la aguja, se quiere hacer pasar la narración por esta España invertebrada con camello y todo. Tirando de  hemeroteca vergonzosa, ruinas , rescates, estafas,desahucios, todo, todo deriva hacia el chiste molesto e  irrespetuoso con situaciones que no tienen nada de gracia para el que las sufre. Porque Borja Cobeaga que si esta en el filme, ofrece unos dialogos rápidos y fluidos, y otras replicas que con una historia mas consistente  detrás podría logras una buena comedia. Contribuirían a ello Oscar Ladorie y Veronica Forque, secundarios veteranos magnificos que se echan el film a la espalda en todos los momentos, muchos, en que aparecen. Hugo Silva y Michelle Jenner, Belen Cuesta, Ernesto Sevilla e Ilay Kurelovic no se desprenden  de los tics (los malos) de la antigua comedia española, tanto que hacen dudar de si la película es actual. Cine burbuja como lo que nos pretende contar. Un paseo inútil por la crisis. Sera que a la economia le va peor con el cine que las bodas.