star wars IX

Pelicula hecha a medida de la taquilla galactica con la que se pretende seguir captando clientes austronauticos. Para la lucas mania,   vuelve a su director estrella JJ Abrams, tambien guionista igual que la musica repeticion de John Williams es complicada como un pasillo de espejos y reflejos. Una emocion que rezuma tristeza por creer que es la ultima oportunidad para cerrar las tres trilogias. Tambien se nota el  menor frescor del director, sometido a la ferrea linea del guion. L a fuerza despertada por el Jedi, que ha guerreado constantemente con los Sith, era apra que al final los Skywalker se hicieran con el dominio del paquete del universo. Un año después de la batalla de Crait, la Primera Orden ha conseguido diezmar considerablemente las fuerzas de la Resistencia. Mientras la general Leia Organa envía a Finn y su mejor piloto, Poe Dameron, en una misión por los confines de la galaxia en busca de aliados, Rey continúa en solitario con su entrenamiento en las artes jedi. En el definitivo enfrentamiento por la libertad contra Kylo Ren y un resucitado Emperador Palpatine, pasado y presente se encontrarán y se forjarán nuevas leyendas.Han ofrecido su careto, a veces invisible, Daysi Ridley, Adam Driver, Oscar Isaac, Kelly Marie TRan y Joonas Suotamo con Carrier Fisher.

una gran mujer (Beanpole)/ Dylda

Leningrado, 1945. Una de las metrópolis históricas del imperio ruso y, ahora, de la Unión Soviética es un gigantesco cementerio de escombros a causa de la Segunda Guerra Mundial. Aunque el asedio del ejército nazi, que ha durado casi 900 días de hambre, frío y muerte, ha terminado, la batalla por la supervivencia todavía se libra entre las ruinas. Iya y Masha, dos jóvenes mujeres devastadas física y mentalmente, buscan el sentido y la esperanza que les ayude a reconstruir la ciudad y sus vidas.Premiada en Leningrado por cine europe, festival de Cannes, Satelitte Awards y candidata rusa al Oscar a Mejor película internacional, el segundo largometraje de Kantemir Balagoiado cerca de 30 años(Tesnota)) se traslada hasta las postrimerías del asedio nazi a Leningrado, uno de los peores de todos los tiempos, donde durante 900 días más de 3 millones de personas se enfrentaron al hambre y el frío y 1,2 millones murieron en el intento. Con un acabado visual, donde los colores vivos de la ciudad antes de ser devastada contrasta con el gris de los escombros y el propio estado emocional de las protagonistas, Una gran mujer (Beanpole) se inspira en la novela de la Premio Nobel Svetlana Alexievich La guerra no tiene rostro de mujer. La historia de un grupo de personajes femeninos, con toda la vida por delante, que deben volver a aprender a vivir y reconstruir tanto la ciudad como sus ruinas físicas y emocionales, sirve al director para contar con otra perspectiva el rol de las mujeres en la guerra, así como la forma en que las consecuencias de los conflictos permanecen mucho más allá de los acuerdos de paz. Las debutantes Viktoria Miroshnichenko y Vasilisa Perelygina lideran el reparto de esta cinta que, a partir de un intenso drama histórico, habla del mundo de hoy en día .Y junto a ellas Konstantin Nalakirev, Andrey Wikov, Olga Dragunova y Toimotey Glazkov, pueden alcanzar cualquier premio europeo de interpretacion. La gran mujer no lo es solo poruqe que saca dos cabezas a todo el mundo, sino por  lo alto de su corazon. Cuida su bebe y trabaja en un hospital militar donde aun manda la muerte. A veces lleva al pequeño a l'hospital donde le chico es mas doctor que los propios y se trasladan de madrugada para llegar al turno. Puntos algidos del film personal del cine ruso actual, en que no hay que rechazar la relacion que mantienen a toda vela la pareja de mujeres. Puede hacerse pesada por aquello del cine del Este, pero a medida que sube la temperatura te abraza con su blanca calidez. Y la ciudad devastada se iba reconstruyendo de nuevo...

sin techo/ sense sostre

Cercas de 2000 homless discurren por las calles de barcelona, se supon que buscando un lugar"confortable". Dentro de este grupo, un porcentaje ya tiene el rincon o la "instalacion adecuada"  si el dia pasado se lo permite regresan a su a su "hogar". Dos elementos basicos. del equipo del sin hogar/sin techo es el perro y el carrito del supermercado, "adquirido" en su dia. Xesc Cabot y  Pep Garrido
han filmado con la "noche americana" sin luz pero tambien  con artificio par conseguir, confirmando que bebe vino barato, como en los containers como los junglares, el cafe recalentado mientras discute con su `padre el momento idocsdo para volver a su casa , conde queda indicado que no todo hombre de la calle lo es por el destino. Es el caso parecido a muchos oKupas, que lo son pero sin el respaldo de la familia que la tienen. La conclusion es que han rodado una ficcion dura y cruel sobre una parte de la sociedad uqe ha veces accepta un modo de vivir que a veces es aceptada-. Juan es uno de los que malvive en la calle dibujando paisajes y caras para los turistas cuando decide cambiar su destino de alcohol y violencia. Cine social, un catalogo de instrucciones para sin techos recalcitrantes de la sclales don de queman vivos sus fantasmas interiores.Enric Molina, Laia Manzanares y Teresa Villaviciosa, interpretan toda la pobreza de ese film.

dios mio, pero que he hecho.... ahora

Con esfuerzo, el matrimonio conservador y católico formado por Claude y Marie Verneuil ha aceptado que sus hijas se hayan casado con hombres de diferentes etnias y religiones. Sin embargo, ahora se enfrentan a una nueva crisis porque sus cuatro yernos, cada uno con sus motivos, han convencido a sus esposas de marcharse de Francia y buscar fortuna en sus países de origen. Incapaces de imaginarse separados de su familia, y con un nieto en camino, Claude y Marie intentarán retenerlos a toda costa.  Con esfuerzo, el matrimonio conservador y católico formado por Claude y Marie Verneuil ha aceptado que sus hijas se hayan casado con hombres de diferentes etnias y religiones. Sin embargo, ahora se enfrentan a una nueva crisis porque sus cuatro yernos, cada uno con sus motivos, han convencido a sus esposas de marcharse de Francia y buscar fortuna en sus países de origen. Incapaces de imaginarse separados de su familia, y con un nieto en camino, Claude y Marie intentarán retenerlos a toda costa. Hace 5 años, Dios mío, ¿pero qué te hemos hecho?? se convirtió en todo un fenómeno no sólo en su país de origen, sino en todo el mundo, donde llegó a recaudar un total de casi 150 millones de dólares. Convertida en una de las comedias francesas más taquilleras de todos los tiempos, la historia sobre un matrimonio católico y conservador, que ve cómo sus hijas se casan con un musulmán, un judío, un chino y un africano escribe un nuevo capítulo en Dios mío, ¿pero qué te hemos hecho?...ahora?. Philippe de Chauveron (Con los brazos abiertos) repite como director en un film de estructura similar a la de su predecesora, que ya ha atraído a 7 millones de espectadores en Francia, y que recupera a estos simpáticos personajes para enfrentarlos a un nuevo problema. De este modo, la película vuelve a reírse de estereotipos tanto raciales, como del sector ultra conservador de la sociedad gala, a la vez que hace un indisimulado elogio a las virtudes del país. Christian Clavier (Un verano en Ibiza) y Chantal Lauby (La wedding planner) regresan junto al resto del reparto original, con Frédérique Bel (El Sr. Henri comparte piso) o Pascal N´Zonzi (Los visitantes la lían en la Revolución Francesa) a la cabeza.

jumanji siguiente nivel

En esta tercera entrega, los jugadores son 3, han incorporado uno con el que han intercambiado sus personajes con lo que al seguidor le parece son mas de tres que sobrevivir a nuevos peligros junto a otros dos jugadores. Hicieron falta 22 años para que llegara la secuela de Jumanji. Sin embargo, sólo un puñado de meses después del taquillazo de Jumanji: Bienvenidos a la jungla vuelve a la gran pantalla el juego de mesa más peligroso de la historia del cine. En esta ocasión no hay reglas, Jumanji está roto, es impredecible y ha expandido su universo. Ya no sólo hay una jungla letal a la espera de jugadores intrépidos, sino toda una variedad de escenarios que van desde las áridas dunas del desierto a nevadas cumbres montañosas. Si su predecesora trataba sobre descubrirse a uno mismo, Jumanji: Siguiente nivel habla de los cambios en la vida que experimentamos a medida que maduramos. Así también los sufren los avatares, de nuevo con el rostro de Dwayne Johnson (Fast and Furious: Hobbs y Shaw), Karen Gillan (Vengadores: Endgame), Jack Black, Kevin Hart,Awkwafina, DAnny Devito, Colin Hanks,Danny Glover yNick JOnas.Sin añadir nada al primer jumanji, este con secuencias muy bien localizadas,no es mas que una copiuela", una trama poco intercambiable. Pero hay quien se divierte, santa inocencia, paisajes y bestias tambien quedan perpeplejos ante tanta resolucion

el escritor de un pais sin librerias

A los colonizadores de la actual Guinea Ecuatorial no les gustaban los nombres indígenas, y por eso, como a los demás niños de su generación, a Juan Tomás Ávila Laurel (Annobón, 1966) le afiliaron con el topónimo de una de las provincias españolas: ‘Ávila’. Lo cuenta el propio afectado en este documental que arroja algo de luz sobre la figura de este escritor, prácticamente desconocido en España, y sobre un país que no lo es menos. Dirigida por Marc Serena, cineasta y escritor catalán con la mirada puesta en el continente africano, concede la palabra a Juan Tomás, una de las voces más críticas y menos invisibles con la dictadura de Teodoro Obiang, militar de carrera -cursada en Zaragoza, en tiempos de Franco– que lleva más de 40 años sometiendo a sus súbditos con mano de hierro, fuera del foco de la mayor parte de las democracias occidentales. Aunque está más cerca, la antigua Guinea Española no llena tantos telediarios como otras repúblicas bananeras, y así se eterniza la mayor parte de su población: paupérrima, incomunicada, oscura, sin agua potable y sin cultura, como bien relata el escritor, punto de ancla de la narración. Aunque lo verdaderamente escalofriante, para el observador distante, es lo mucho que se van aproximando los hábitos de aquellos sátrapas con los de nuestros supuestos rectores, como bien delatan las imágenes de archivo de Teddy, el hijo de Obiang, plenamente integrado en la vacua ostentación de la civilización global.

Las imágenes menos vergonzantes proceden de la narración oral de este escritor que ha tenido que relegar de su castellano adoptivo a la hora de publicar y que explica como en su país (pese a poseer fecundas reservas naturales de petróleo, gas y metales preciosos), se sobrevive gracias a la pesca y al cultivo, y por eso es que sus paisanos utilizan los mismos maderos para construir los cayucos que para dar forma a sus ataúdes. Otras secuencias también, como la del retrato familiar, despiertan la comicidad, y la ternura del espectador, lo que mezcla bien con la indignación que provoca ese discurso acentuado con rap y música étnica.

El escritor de un país sin librerías es una película de por sí valiosa, si bien la articulación y el esmero de determinados pasajes (esa animación colorida y naif funciona muy bien con la literatura de Juan Tomás) no se corresponde con lo apresurado de otros planteamientos de la escena.

curiosa

Premiado guionista y director televisivo, Lou Jeunet afronta su primera experiencia en la gran pantalla con Curiosa, drama biográfico que aborda la juventud de Marie de Régnier, conocida novelista y poetisa de finales del siglo XIX y principios del XX. Las instantáneas de alto contenido erótico tomadas por su amante Pierre Louÿs a esta escritora adelantada a su tiempo, de espíritu libre e independiente que, atrapada en un matrimonio infeliz, encontró la forma de experimentar con su sexualidad, sirven como punto de partida a este realizador apasionado de la fotografía para dar forma a una historia que habla de amor entre lo romántico y lo transgresor. Con altas dosis de sensibilidad, sensualidad e incorrección política, esta elegante ópera prima hace de su reducido presupuesto una virtud y experimenta con imágenes, texturas o sonidos para transportar al espectador hasta la Belle Époque, donde transcurre una historia de celos, pasiones y deseos incontrolables. Noémie Merlant (Retrato de una mujer en llamas) encabeza el reparto junto a Niels Schneider (Un pueblo y su rey), Camélia Jordana (Una razón brillante) y Benjamin Lavernhe (C´est la vie),

sesion salvaje

Entre los 60 y 80, el cine de género vivió una época dorada en España. Se rodaron westerns en Almería, películas de terror y surgieron fenómenos tan patrios como el destape o el cine quinqui. Este documental recordara algunas de las joyas de la serie B que sustentaron una modesta industria que, consiguió atraer a estrellas internacionales y llegar al mundo entero y que haran sonreir  mas de un nostalgico. Con sus testimonios, la nueva generación de realizadores rinde homenaje a aquellos cineastas pioneros. Sin maestros del género como Narciso Ibáñez Serrador, Jordi Grau o Javier Aguirre, entre muchos otros, posiblemente hoy no existirían realizadores españoles de renombre internacional como Álex de la Iglesia, Paco Cabezas, Simln Andrreu, Carmen Carrion, Alvaro de Luna Lone Fleming y Carles de Marchis, Nacho Vigalondo o Miguel Ángel Vivas. Esta brillante generación de directores rinde homenaje a los pioneros que abrieron camino entre los 60 y 80, época de luces y sombras, y dieron lugar a una humilde, pero floreciente, industria cinematográfica cuyo único objetivo era atraer y divertir al público. Como documental quiza esta montado con un cierto frenesi que le aprt de su funcion didactica. Con el mismo espíritu lúdico de aquellos clásicos de serie B, Sesión Salvaje, documental dirigido por Paco Limón (Los resucitados) y Julio César Sánchez, hace un repaso por aquellos años donde el desierto de Almería era el epicentro del western, surgía el terror patrio y otros fenómenos tan característicos de nuestro país como las películas del destape o el cine quinqui. Celebridades de entonces como Fernando Esteso, Mariano Ozores o el tristemente desaparecido Álvaro de Luna también comparten "batallitas" en este documental que intenta redescubrir al espectador actual algunas de estos fotogramas perdidas en el tiempo. Para segun quien puede parecer un film blanco para los comprometidos encontraran un cine miltante de los 60, que sin verguenza desatasco, momentaneamemte, las cloacas del pais. Una españolada politicamente correcta que ruborizara a muchos y dara la razon, Daniel Luis Lopez, a otros

spy cat/ marnies welt

Marnie es una divertida gata doméstica que nunca ha salido de casa. Todo lo que sabe del exterior lo ha visto en la televisión y las películas de espías. Decidida a vivir su propia aventura, la agente 00-Cat aceptará la misión asignada por el hermanastro de su dueña, que quiere deshacerse de ella. Abandonada en una carretera desierta, Marnie intentará cumplir su cometido y, de paso, descubrir el mundo real. Para ello contará con la ayuda de un perro, un burro-cebra y un gallo sabiondo. Coproducción entre Alemania y Bélgica, Spy Cat adapta libremente el cuento de los hermanos Grimm Los músicos de Bremen. Esta historia, que ya dio lugar a la mítica serie de Televisión Española Los Trotamúsicos, es el germen de una divertida cinta de animación donde la gran protagonista es una gata que nunca ha salido de casa y cuya rutina se basa en comer, dormir y ver las películas de espías que ponen en televisión. Convencida de que todo lo que ahí se muestra es verdad, será engañada, abandonada e iniciará un fantástico viaje de descubrimiento junto a tres amigos (un burro disfrazado de cebra, un perro maltratado y un gallo sabelotodo) para intentar descubrir al culpable de unos misteriosos robos. Los gemelos Christoph y Wolfgang Lauenstein (Luis y los alienígenas) dirigen esta producción repleta de acción y situaciones hilarantes que hará las delicias de los más pequeños. Alexandra Neldel (Prometida a la fuga), Axel Prahl (La pequeña bruja), Sylvain Urban (Inspectora Marleau) y el doblador de videojuegos Erik Borner ponen voz a estos simpáticos protagonistas.

el traidor

Tommaso Buscetta entra en la mafia siciliana muy joven, pero no tarda en convertirse en uno de los grandes capos del crimen organizado. En los 80, el enfrentamiento entre dos familias rivales por el control del tráfico de heroína le obligó Tommaso Buscetta fue un conocido mafioso que llegó a ser apodado "el jefe de dos mundos" por sus negocios turbios entre Italia y Brasil. Sin embargo, si por algo pasó a la historia del crimen organizado fue por colaborar con las autoridades y provocar con su información que hasta 475 personas fueran juzgadas, y 360 condenadas, en uno de los juicios más grandes jamás celebrados contra la Cosa Nostra. Más que una radiografía de la mafia siciliana durante la convulsa década de los 80, el director Marco Bellocchio (Felices sueños) hace en El traidor un retrato de este hombre inteligente y con un innato don para el liderazgo que tuvo una meteórica carrera criminal, y una turbulenta vida personal, donde siempre fue estrictamente fiel a sus propios principios. A través de los acontecimientos que rodearon a este personaje, la película introduce al espectador en un mundo de perversos códigos morales, asesinatos, estafas y tiroteos para reflexionar sobre la traición o la justicia y preguntarse hasta qué punto es posible el cambio o la redención. Premiado en el Festival de Sevilla por este papel,y en Cannes, Pierfrancesco Favino (Suburra) lidera un reparto donde también participan Fausto Russo Alesi (Sangre de mi sangre), Maria Fernanda Cândido (Querer sin límites) y Fabrcio Reracane, Giovanni Calcagno, Bruno Cariello, Nicola Calì (Amiche da morire). Con claras intenciones de implicar a la politica en lamafia italo brasileña, el film tiene la peculiaridad de poner un marcador como el timep añadido en los partidos de futbol que digitalmente va contando los asesinados legando casi a 500.
Recomendable ponerlo en films de Tarantino o Rambos para valorar con que alegria se mata en las peliculas  y fuera de ellas.

la gran mentira/ the good liar

A cargo de Bill Condon (La bella y la bestia) sirve como excusa para presenciar algo que sólo habían podido disfrutar unos pocos privilegiados en Broadway: un duelo interpretativo entre la ganadora del Oscar Helen Mirren (Fast and Furious: Hobbs y Shaw) y el nominado a dos premios de la Academia Ian McKellen (Mr. Holmes), auténticos mitos vivientes del séptimo arte. La gran mentira propone un juego de intrigas al más puro estilo Hitchcock, donde el suspense y el peligro se combinan con el drama de esta pareja de protagonistas donde ninguno es quien aparenta. Engaños, crímenes y una inesperada historia de amor que complica el plan de un estafador para hacerse con la fortuna de una adinerada viuda conforman el núcleo de una película repleta de sorprendentes giros de guion que reflexiona sobre las relaciones humanas. A la sombra de estos dos titanes, completan el reparto Russell Tovey (Pride), Jim Carter (Downton Abbey) y Mark Lewis Jones (Star Wars: Los últimos jedi),El estafador profesional Roy Courtnay no puede creer la suerte que tiene cuando, a través de una web de citas, establece contacto con Betty McLeish, una multimillonaria que acaba de enviudar. Decidido a quedarse con su fortuna, Roy inicia una estrategia de tretas y manipulaciones para seducir a Betty, que no tarda en abrirle su hogar y su vida. Lo que aparentaba ser un timo de lo más sencillo, se convertirá en un juego del gato y el ratón lleno de peligros, traiciones y sentimientos inesperados.

legado en los huesos

Legado en los huesos es la segunda entrega de la trilogía de películas que adaptan las novelas de Dolores Redondo ambientadas en el Valle del Baztán. Primera de las dos secuelas, rodadas a la vez al estilo de las grandes superproducciones de Hollywood, este thriller de Fernando González Molina (Palmeras en la nieve) continúa tras los acontecimientos ocurridos en El guardián invisible y enfrenta a la inspectora Amaia Salazar, de nuevo interpretada por Marta Etura (El hombre de las mil caras), a otra complicada investigación vinculada con sus raíces. Resueltos los crimenes que asolaron el valle. Embarazada y decida a olvidar los tragicos sucesos de Elizondo es reclamada otra vez para averiguar el porque dels suicidio de presos que escriben en la pared "Tarttalo" antes de morir.En esta ocasión, el film ofrece una nueva perspectiva de su protagonista, ahora convertida en una madre que lucha contra la terrible influencia ejercida por su progenitora. Asimismo, la investigación de unos misteriosos suicidios sirve como detonante de una trama donde lo racional y las creencias sobrenaturales se confunden de un guion de Luiso Berdejo.. La vertiginosa investigacion se ve alterada por la intromision de su madre. Elvira Mínguez (Todos lo saben) y Miquel Fernández (Litus ) repiten en este film sobre la maternidad, la mitología, el legado familiar y el mal inmanente al ser humano. Se les unen como nuevos fichajes Imanol Arias (Sordo) y los también ganadores de un premio de la Academia española Leonardo Sbaraglia (Dolor y gloria) y Ana Wagener (Durante la tormenta), Anna Wagener, Marta Etura, Pedro Casablanca, Carlos Librado Itziar Aizpuru, Colin McFArlane, Susi Sanchez y Francesc Orella.

el joven ahmed

Tras cosechar premios en la Seminci de Valladolid y ser galardonados, de nuevo, como mejores directores en el Festival de Cannes, los hermanos Jean-Pierre y Luc Dardenne (La chica desconocida), tambien guion ,- añaden un éxito más a su reputada filmografía quiza con su film mas distante  y frio, todo y asi conmueven. Fieles a su estilo, que aborda problemas contemporáneos de la sociedad belga (y europea) desde un punto de vista realista, sin artificios, pero con dosis de tensión y un tono esperanzador, los realizadores cuentan en El joven Ahmed la historia de un adolescente de 13 años que termina atrapado entre los ideales de pureza inculcados poros su imam y las pulsiones típicas de esta etapa de la vida. Vives el film como si estuviera en tu cerebro las aventuras de Ahmed.A través de su viaje de autodescubrimiento, donde un intento de asesinato termina con un tortuoso camino a través de un correccional, la película reflexiona sobre el surgimiento del radicalismo islámico como fracaso de los países a la hora de abrazar su diversidad étnica, cultural y religiosa. Con la estetica pureza de sus imagenes, hurgan en el corazon abierto de una sociedad que hace aflorar todo su cine de lucha sin fuego de artifidicios. Idir Ben Addi firma su primer papel como el protagonista de esta cinta que también cuenta con Othmane Moumem (Bad Buzz), Claire Bodson (Perder la razón), Myriem Akheddiou (Aves de paso) y la debutante Victoria Bluck. Ahmed es un joven belga, de padre árabe y madre blanca, cuyas creencias cambian debido a su cercanía con Youssouf, un imam militante. De la noche a la mañana, su obsesión por los videojuegos se convierte en una devoción absoluta por el Islam. Esto levanta la suspicacias de su familia y su profesora Inés, también musulmana. Cuando intente asesinarla, Ahmed será enviado a un centro de reinserción. Allí conocerá a Louise, una chica que le hará debatirse entre la religión y las pasiones de la vida.

Bayala

A la vez que se lanza la nueva línea de los conocidos juguetes de la marca alemana Schleich, llega a la gran pantalla Bayala, película de animación ambientada en este maravilloso y colorido universo de vegetación, animales y criaturas fantásticas. Los debutantes Aina Järvine y Federico Milella dirigen este entretenimiento familiar, dirigido a los más pequeños de la casa, que ofrece una divertida combinación de aventuras, épica y amor por la naturaleza. El respeto por el medio ambiente es uno de los temas principales de una película que también habla sobre la amistad o la búsqueda de la propia identidad, además de transmitir un poderoso mensaje a favor de la convivencia pacífica. Personajes femeninos protagonizan este viaje repleto de acción, humor y peligros, con un guion dePamela HIckey donde un grupo de hadas intentarán traer de vuelta a los desaparecidos dragones para, de este modo, garantizar la supervivencia de su mundo, amenazada por una malvada y oscura reina. Franciska Friede (Luis y los alienígenas) y las debutantes Liza Ortiz, Rebecca Becker y Olivia Manning lideran el reparto de voces.
Bayala es un país de increíble vegetación habitado por diferentes tribus de hadas en armonía con la naturaleza. El frágil equilibrio de este mundo se ve roto por la malvada Ophira, reina de las Sombras, que ha llevado a los dragones hasta su casi extinción y ha puesto en riesgo la magia de Bayala. Cuando Marween encuentre un huevo de estas legendarias criaturas, un grupo de intrépidas hadas del Sol reconciliadas se unirán a a la princesa Surah  en una aventura llena de peligros para devolver la vida mas alla de las Montañas de Dragon, a esta fantástica tierra.

longa noite

Franco ocupa casi 50 años despues de su muerte las portadas de sus primeros periodicos. El éxito de las película de guerra civil, el mundo dice Otra?, el traslado del Valle de los Caídos, la reaparición de Tejero comparandolo con los indpendentistas, el auge de la extrema derecha ya sin embagues… Pasada en los  festivales de Locarno y Sevilla, Eloy Enciso (Meira, Lugo, 1975) –de nuevo secundado, como en Arraianos (2012), por el director de fotografía Mauro Herce– explora la larga noche de la posguerra franquista, a partir de un mosaico de textos declamados por actores no profesionales, que nos hablan de aquella oscura realidad, conectada con nuestro presente. Los textos, seleccionados en su pluralidad. por no encontrar uno solo que vertebrara toda la película.  Hay pasajes de Max Aub, que pudo escapar a México; Luis Seone, que huyó en el 36, para volver a Galicia en 1960; Alfonso Sastre, que luchó contra la Censura con sus obras de teatro; Ramón de Valenzuela, que acabó marchando a Buenos Aires en el 49, y Rodolfo Fogwill, escritorargentino que no tiene mucho que ver.

“En Los pichiciegos (1983), su primera novela, que trata de la Guerra de las Malvinas, esta ese monólogo sobre el miedo, que se adaptaba, porque el miedo es uno de los ingredientes del franquismo. En la primera parte, son sobre todo escritores del exilio,  en la segunda de memorias publicadas. a posteriori de los que se quedaron aquí. Todo muy disperso. No podía ser de otra forma, porque no se podia publicar nada sobre la realidad.” Para Enciso, al que le falta ver mas cine de guerra civil aunque le despierta curiosidad, el cine que ha explorado poco y mal ,se ha utilizado como trasfondo para contar las historias de siempre, ya sean de amor o de intriga. Pero rara vez se ha intentado entender los mecanismos. Entendiendo cómo funcionaba, se es capaz de identificarlo. El franquismo no es sólo un general ocupando la primera pagina de los periodicos afines, no es un cuadro en un despacho o la foto de un tipo colgado en la pared, sino algo que se filtra a todos los niveles de la sociedad, como la gota malaya. En la Longa Noite hablan el alcalde populista a los pobres que piden limosna en la puerta de la Iglesia; el obrero que construye el cuartel, y que se justifica  Una historia de buenos y malos, que te lleva a pensar que el problema está en otro lado, y que tú no tienes nada que ver. Pero el franquismo está en todos nosotros, porque venimos de el a todos los niveles”. El franquismo quiere todavia formar parte de nuestra cultura, somos transmisores de esa herencia como el machismo. La autocrítica es lo contrario del maniqueísmo, que siempre tie algo de autoexculpatorio. Para desdramatizar, Enciso ha deslizado algunas notas de humor en su película, (partida de cartas,) en la que se barajan los diferentes nombres para el dictador.  Ha querido tratar a todos los personajes por igual, hasta el punto en que los son malos, son los más divertidos. El mejor  cine es que no acaba cuando pasan los títulos de crédito”. Hay que rebelarse cuando nos enfrentamos con algo que no respeta al ser humano. Como trascender el mito de la Transición, que se basa en que hay que avanzar cuando, al empezar a leer para este proyecto, en 2013, encuentras ecos del presente, la corrupción, como forma de integración social. Superar la ideología franquista, sólo es política en el sentido de que quiere transmitir un sentimiento humanista. “No hay que hacer películas políticas, hay que filmar políticamente”,decía Jean-Luc Godard. Una película onírica que culmina con escenas, rodadas en el bosque, que reconoce que Tropical Malady (2004) estaba en sus memorias mientras rodaban.

Loa angeles de Charlie

Estas no son los angeles de Charlie. Lo mas parecido a las originales son los peinados de Bill Pope.Estas son las angeles de Elizabeth Banks que seguramente habra visto las dos series y dos films anteriores  y habran tambien podiddo comparar la quimica de las angeles  entre los films que van  de 1976 a 2011. Ellas eran Rachael Taylor, Annie Ilonzen, Minka Kelly, Farrah Fawcett, Jaclyn Smith, Cheryl Ladd, Kate Jackson, Cameron Diaz, Drew Barrymore, Lucy Liu, Demi Moore que ademas han cambiado la direccion de McG y Ivan Golf por la actual. Las sustitutas,como se vera, (Kristen Steward, Naimi Scott y Ella Balinska) tienen menos quimica, menos humor,menos accion, menos direccion y por lo mismo menos guion. Los que quedan se cubren como pueden a costa del misterioso y manipulador Charlie (Patrick Stewart) y el clavo ardiente es a cancion central de la banda Stellitte Awards.Transversal,  sin pretensiones, cumple el requisito de mostrar las artes digamos marciales de todos los continentes. El feminismo asoma en la cinta por mor de la laca para el cabello  de las bellas actrices angeles, nada parecidas a las que adornaran los belenes estos dias navideños. Seguridad, investigacion, agentes privados la agencia Townsend se ha internacionalizado mas y mejor. Todas la mujeres angeles son mas inteligentes, valientes, entrenadas, obedientes y com algun grupo teatral de exito han formado varios equipos guiados por otras tantos Charlie's, que matan sin dudarlo por todo el mundo. En su universo aparecera un joven ingeniero de sistemas informaticos que alertara a los espiritus puros de peligros tecnologicos parala humanidad. Para protegernos  todos, los angelicales seres mataran a corazon que quieres. Catalanada permitida por el poco riguroso thriller o loque sea este remake.

los dos papas

Como si de un  croma se tratara, Fernando Meirelles muestra detras de los actores toda la pompa nada franciscana y los  miembros del funcionariado y administracion compleja que asisten a este duelo sin armas pero con bala entre Benedicto y Francisco. El gran poder de la iglesia, con sus lideres democraticos, elegidos detras del humo blanco y que deben a toda velocidad, cosa imposible por su propio peso especifico mundial, impulsar el cambio de la institucion, preparandola para el futuro convulso que viene.  Brillante guion de Anthony McCarten, que se adapta como un guante a la personalidad perfectamente interpretada de los dos papas. Tanto Anthony Hopkins como Jonathan Pryce se muestran originales y atractivos para el espectador que piensa ver cerrada su sonrisa debido a la pesadez del tema religioso. Con todo una oportunidad perdida para haber profundizado mas en el aspecto economico del pais mas pequeño del mundo,el Vaticano, que igual que hace el film, hace un rodeo cuando se habla de los temas sexuales. Era una ocasion  perfecta para dejar claro muchas cosas que cuelgan en la iglesia catolica de sus tapaderas. A pesar de ello  es globo de oro, Critics Choice Awards y Satellite Awards. Basado en hechos reales se adhieren a ellos personajes del curia romana como Juan Minujin, Cristina Banegas o Sidney Cole.

midway

Entre el 4 y el 7 de junio de 1942 se libró la batalla de Midway, uno de los acontecimientos más importantes de la Segunda Guerra Mundial, que cambió el curso de la contienda en el Pacífico y anuló los planes del ejército japonés para su expansión por el resto del océano. Además, supuso una inyección de moral para los estadounidenses en forma de revancha tras el bombardeo de Pearl Harbor solo seis meses antes, el 7 de diciembre de 1941. En la victoria tuvo mucho que ver el trabajo de espionaje de la inteligencia aliada, que descifró con acierto los mensajes en clave japoneses en los que se indicaban sus intenciones respecto a la guerra del Pacífico. "Midway" llega con ser una de las películas más espectaculares del año. Sera por el numero de aviones caido, tantos que no caben en los portaviones. Nada que ver con "La batalla de Midway", el filme firmado por Jack Smight en 1976 que hoy ha quedado como una película com problemas pues la empezaron a rodar Kurosawa y Pressburguer,-mas tarde rodaria la Batalla del rio de la Plata .-a pesar de su espectacular reparto, su aire de película combinada con elementos de docudrama y el uso del por entonces revolucionario sistema del Sensurround. Hay que recelar de un director como Ronald Emmerich, experto en destruir el planeta como hizo en "Independence Day", "El día de mañana" o "2012". Su presencia en una película bélica no invita a pensar en otra cosa que un director entregado a fuegos de artificio.
Flaquea cuando Emmerich intenta ahondar en la psicología de los personajes, como si descubriera que no está dotado para ello, simplifica su puesta en escena en los momentos "íntimos". Lo cierto es que "Midway", con la ayuda de un poderoso equipo de CGI, recrea las batallas aéreas y navales con un nervio de lo más encomiable. Y se nota a las claras la mano firme del director, su esfuerzo por planificar con minuciosidad los combates de manera que el espectador sepa en todo momento quién es quién, lo cual no resulta sencillo en las secuencias en las que los personajes están encerrados en las diminutas cápsulas de sus aviones. Película volcada en el heroísmo de sus personajes, y entregada a mostrar a bombarderos que se lanzan en picado, cazas que maniobran entre una lluvia de fuego antiaéreo, portaaviones, acorazados y submarinos que llenan la pantalla.
La obra pretende recuperar los viejos clásicos y se detiene en el papel jugado por quienes no entraron en combate, como Edwin Layton, el personaje que encarna con sobriedad y convicción Patrick Wilson, cabeza visible de las fuerzas de inteligencia que resultaron el motor principal de la victoria estadounidense.  Emmerich no retrata a los miembros del ejército japonés como fanatizados sin cerebro, a pesar de que el patrioterismo esté presente en todo el devenir de la película. Los personajes de "Midway", tanto estadounidenses como japoneses, pese a responder a estereotipos, están tratados con respeto. Y se benefician del trabajo de unos actores entregados, sobrios, precisos. No está de más destacar a Ed Skrein, lanzado a componer el típico personaje de piloto alocado y suicida, pero comprometido, y a Luke Evans, a quien le bastan un par de primeros planos para aportar hondura a su galés Wade McClusky, imbuido de un aura de grandeza que nace de la mirada, el porte y los movimientos del actor. Una película de gran presupuesto, pero de resultados más austeros.

puñales por la espalda/Knives out

Su quinto largo como director, a la masacre virtual que Rian Johnson (Silver Spring, Maryland, 1973) sufrió en las redes sociales tras el estreno de ‘Star Wars: Los últimos Jedi’ (2017) , el realizador de ‘Brick’ (2005) apunta otra pista. Relata el cineasta en un encuentro en Londres,que “se inspira en un recuerdo agradable: ver las novelas de Agatha Christie en las estanterías de mis padres, responde a algo, a ese tono, al sentimiento que esas historias despertaron. Johnson confiesa así el motivo que lo empujó a sacar adelante este homenaje, en corazón y forma, un asesinato; una mansión; un puñado de sospechosos con sus razones, coartadas y secretos, y un detective peculiar pero implacable. Añadan un reparto estelar, con actores decididos a linchar la imagen que el gran público tiene de ellos, y el caso está completo. “Estas historias, los whodunits, se basan evidentemente en descubrir quién es el asesino. Es un juego, con unas reglas claras, que aceptas sabiendo que muy probablemente te van a enredar. Y ese es uno de los atractivos. Otro de los elementos que siempre gustan eran esos repartos eternos, llenos de personajes al borde de la caricatura, tanto los sospechosos como el detective de turno. Una combinación de ambas cosas, pero con una tercera, mezclar el concepto del whodunit con la diferencia que establecía entre suspense y misterio, e ir de uno al otro. Algo más que una colección de pistas y callejones que te permitiera disfrutarlo como una historia de asesinato clásica. Es repetir algo que ya hemos visto. Se necesitaba una columna narrativa. Los personajes vinieron después, según las necesidades de la narración. Y la guinda fue dar con la víctima: Harlan Thrombey, un famoso autor de novelas de misterio cuyo asesinato tras celebrar su 85 cumpleaños,  diera pie a una verdadera guerra de su familia por su fortuna”. Tras acumular centenares de anotaciones y apuntes, Johnson empezó a escribir el guion al finalizar el tour promocional de ‘Los últimos Jedi’. En junio  de 2018.  tenía un guion listo y para Navidades ya habíamos rodado”. Todo ello retraso la producción de ‘Sin tiempo para morir’, el 25.º Bond. desde muy pronto tenía en mente a Daniel Craig para encarnar a Benoit Blanc. Pero era imposible, hasta que dejó de serlo. ‘Daniel estuvo libre, habia surgido una ventana y podia hacerlo.

Marta, la cuidadora ecuatoriana que se ve en el centro de la intriga, está interpretada por Ana de Armas. La actriz cubana ya se había dejado ver en pequeños papeles en grandes producciones made in Hollywood (‘Juego de armas’, ‘Blade Runner 2049’), pero con ‘Puñales por la espalda’ da un giro profesional incuestionable. “Marie Vernieu, la directora de casting, habló de ella y al ver su book se penso que no encajaba en absoluto. En la vida real es tan bella, tan glamurosa… era todo lo contrario que había imaginado para Marta. Pero es una gran actriz. Y con el reparto de esta película, se necesita un enorme talento para estar en el centro de la trama y llevar el peso de la narración. Ella lo tiene, es muy especial”. Está claro que conoció a Daniel en el rodaje, aunque quizás se había reunido ya con Barbara Broccoli y Cary Fukunaga”. Con Marta, y el resto de la familia Thrombey, Johnson añade un extra a las tradicionales novelas de asesinatos. El casting tambien dio como resultado Chris Evans, Christopher Plummer,Toni Collette, Don Johnson,Nichael Shannson y Keith Stanfield.  La lectura social que puedes sacar de su obra se limita a la descripción, en un momento muy concreto, de la clase social británica. Eso y lo que se deriva del rígido código moral de estas narraciones. Un asesinato rompe el orden establecido, lo que da pie al caos moral que solo se resuelve cuando un detective, mediante el uso de la razón, resuelve el enigma y todo regresa al orden inicial. Por eso era muy importante que Marta fuera una emigrante. No solo en la narracion, porque así el personaje es una forastera en todos los sentidos y funciona como un mecanismo más en la trama, sino porque permitía trazar un retrato de la América de hoy.

Perros de presa /Wilkolak

De todas las miradas que se reflejan en el cine sobre la II Guerra Mundial, una que se usa pero de la que no se abusa es la infantil, si es que se pudiera llamar así, por la pérdida instantánea de inocencia ante la desgracia. Adrian Panek revisita la Polonia del año 45, en los turbios momentos en que todo ha acabado y todos han perdido, cuando las prisas fueron partícipes del vacío más absoluto para las víctimas. Son los niños los que protagonizan esta historia sin necesidad de perturbar la esencia de la guerra con iconos reconocibles, simplemente alejándose del caos de lo anteriormente conocido como urbe para adentrarse en el salvajismo del bosque más virgen. A partir de pequeños supervivientes marcados por una numeración en sus también pequeños brazos, los jóvenes protagonistas saltan de un encierro a otro, el previo al fin, uno que pese a su ilimitado espacio es igualmente asfixiante y terrorífico. Kamil polnisiak, Nicolas przygoda, sonia mietielica y danuta Senka.Panek no solo quiere hablarnos de hambruna, identidades erráticas y desconocimiento de límites desde el momento en que se apoya en los cuentos clásicos infantiles para narrar algunos de los pasajes de su película. Ya no es simplemente que la historia se base en una suerte de El señor de las moscas limitada por los restos de una cruenta guerra llena de peligros, donde la emancipación de los pequeños se ve sesgada por lo anteriormente vivido; el director (también guionista de la historia) nos refiere continuamente a pequeños enlaces con las fábulas invitándonos a imaginar una casa idílica para niños perdidos que acecha peligros como en Hansel & Gretel, una bella durmiente que un extraño príncipe observa desde muy cerca en silencio, caperucitas rojas capaces de dominar al lobo bajo su vestimenta roja. Un modo como otro cualquiera de acercarnos al lenguaje infantil y modificarlo hasta convertirlo en un cuento de terror en sí mismo. El acecho es la gran baza de Perros de presa, donde los animales citados en el título limitan los movimientos de los más jóvenes y destruyen el ideal de adulto corrupto por los derroteros tomados en la guerra. Es firme en visibilizar a los infantes, rompiendo con las reglas del diálogo y permitiendo cierta libertad ante la ausencia de reglas explícitas. La gran casa donde se encuentran hacinados es la otra protagonista, recuerdos de una sociedad impoluta que dejó de existir. En cuanto a los niños, el director permite crear estratos ante la diferencia de edades, donde los más pequeños no conocen un orden o contención, donde los más mayores comienzan a mostrar mezquindades de adultos, mentes atribuladas por lo vivido y recordado. Un mundo propio el presentado en la película, que reproduce miserias universales sin pautas exactas, donde el espíritu de supervivencia es el concepto más persistente. Hay momentos en que se echa de menos una continuidad, la tijera es bastante explícita y sesga escenas que realmente no desmerecen gracias al ambiente silencioso y observador que mantiene el film en todo momento, pero que permiten intuir un mayor desarrollo de la historia que ha quedado escondido. Aún así, Perros de presa se presenta como una ruptura con las normas del cine bélico y de terror, donde lo humano se perfila como animal y lo mundano desaparece para reconocer que la experimentación con niños puede tener un efecto mucho más brutal que cualquier reproducción exacta de una guerra 

Letters to paul Morrissey

Letters to Paul Morrissey es una película que se despliega a contracorriente de su propio momento histórico y reivindica valores y actitudes estéticas que en la actualidad se encuentran desterradas por las corrientes dominantes con sus puntos de fuga. Está rodada con una cámara de 16 mm., como la que utilizaron los pioneros del cine, los autores experimentales e incluso podría ser con la que trabajó John Cassavettes en alguno de sus primeros trabajos. Reivindica el género espistolar, en formato de cartas audiovisuales, en un tiempo en el que se impone la reducción de los mensajes a un número de caracteres. Y finalmente está Paul Morrissey, receptor de esos mensajes que envía Armand Rovira en su filme, apóstol del cine underground gracias a películas como Trash o Flesh, miembro de la crew de Andy Warhol y figura esencial en la carrera de The Veltet Underground.

El guion que firman el propio cineasta y Saida Benzal está articulado en torno a cinco cartas rodadas en distintos lugares que tienen un destinatario oficial, pero que en realidad acaban estructurando un discurso a propósito del amor por el cine y sobre el impulso irrefrenable de transmitirlo a través del formato cuadrado y en blanco y negro que propone este apasionante filme. Una obra asentada sobre claros referentes visuales (de Chris Marker al surrealismo o las vanguardias), pero que a la vez se presenta libre y repleta de constantes puntos de fuga.El director Armand Rovira rueda en 16 mm una serie de cartas enviadas a Paul Morrisey, director de 'Trash', 'Flesh' y 'Heat', colaborador de Warhol y representante de The Veltet Underground. Una serie de misivas desde distintas partes del mundo y de personas muy diferentes.Tambien hay referencias visuales a Chris Marker, tan surrealistas com superando la nostalgia, y abrir una ventan en el mercado de la memoria. Tambien reza de la pelicula Chelsea girls con lo actores Joe Dallesandro, Xavi Saez, Maria Fajula y Aimar G sato. 

last christmas

Con estetica navideña años 80, Paul Feig homenagea la musica de George Michael con el leiv motive de la cancion central del titulo de la pelicula. Una joven malhumorada conoce a un joven que la ayuda a recuperar la felicidad que puede. Vestida de elfo de Papa Noel en unos grandes almacenes, afronta su destino que por su bondad , cambiara  totalmente su vida. Mientras sube de tono la relacion se desparrama la felicidad que sobra sobre las capas sociales que intenta pasar las fiestas como pueden. Con la notable ayuda de Emilia Clarke, Henry Golding, Michelle Yeoh, Lydia Leonard, Patti Lupone, Sue Perkins,Ingrid OLiver, Rebbeca Root  y Emma Thompson el guion de Bryony Kimmings, introducen por los pelos los grandes temas del Brexit y la ya miseria del alrededor londinense. Y en esto se diferencia de otros biopics de la musica o del artista.
Pero se le prodria insuflar un poco mas de inteligencia que hubiera evitado la necesidad de mentir para no caer en el sentimentalisismo. Comedia  romantica segu los mas arcaicos canones quedara en el recuerdo sin datos una vulgar historia de amor , eso si en Navidad. 

la odisea de los giles

Divertidos antihéroes y justicieros en esta película dirigida por Sebastián Borensztein. El realizador cambia completamente de registro respecto a su anterior largometraje (Capitán Kóblic) y, en esta ocasión, propone una comedia negra, con dosis de drama y atracos, protagonizada por un grupo de fascinantes personajes, de diferente clase social, que tendrán el valor de enfrentarse a los grandes poderes para recuperar el sueño que se les robó. Humor, suspense y crítica social se encuentran alrededor de un descabellado plan que, bajo su tono gamberro y cínico, aborda la tragedia que vivieron millones de argentinos. El ganador del Goya Ricardo Darín (El amor menos pensado) y su hijo Chino Darín (Durante la tormenta) comparten planos por primera vez en La odisea de los giles, éxito de taquilla en su país de origen que adapta la premiada novela de Eduardo Sacheri. Argentina, finales de 2001. Los vecinos de un pueblo cercano a Buenos Aires deciden invertir sus ahorros para reflotar una cooperativa agrícola que, según creen, les cambiará la vida. Sin embargo, son estafados por un abogado sin escrúpulos y un banquero corrupto que, conscientes de la crisis y el corralito que se avecina, se quedan con su dinero. Liderados por Perlassi, una leyenda del fútbol local, urdirán un minucioso plan para tomarse la justicia por su mano y recuperar lo que les pertenece. En Argentina, se conoce como "gil" a alguien cuyas buenas intenciones le hacen pecar, en ocasiones, de ingenuo o confiado. Un grupo de este tipo de personas, estafadas por los bancos en los albores del corralito de 2001, se convierten en divertidos antihéroes y justicieros en esta película dirigida por Sebastián Borensztein. El realizador cambia completamente de registro respecto a su anterior largometraje (Capitán Kóblic) y, en esta ocasión, propone una comedia negra, con dosis de drama y atracos, protagonizada por un grupo de fascinantes personajes, de diferente clase social, que tendrán el valor de enfrentarse a los grandes poderes para recuperar el sueño que se les robó. Humor, suspense y crítica social se encuentran alrededor de un descabellado plan que, bajo su tono gamberro y cínico, aborda la tragedia que vivieron millones de argentinos. El Goya Ricardo Darín (El amor menos pensado) y su hijo Chino Darín (Durante la tormenta) comparten planos por primera vez en La odisea de los giles, éxito de taquilla en su país de origen que adapta la premiada novela de Eduardo Sacheri. Completan el reparto Luis Brandoni (El cuento de las comadrejas) y Rita Cortese (Relatos salvajes)y confirman el exito de su pase por San Sebastian y la Habana. . 

la hija de un ladron

•  Desde pequeña, Sara ha tenido que aprender a valerse por sí sola. Con 22 años y un bebé, sueña con tener una vida normal y formar una familia junto al padre del pequeño y su hermano. Todo se complica cuando aparece Manuel, su progenitor, que tras años de ausencia y una larga estancia en la cárcel, ha decidido enmendar sus errores del pasado y retomar el contacto. Sara sabe que Manuel es el gran obstáculo para alcanzar su objetivo, de manera que tomará la difícil decisión de alejarlo de ellos. En 2013, la directora Belén Funes participó en un proyecto rodado en la cárcel de Barcelona donde los reclusos eran los actores. Allí descubrió la historia de un preso y su hija, obligada a vivir en un centro de menores y luego buscarse la vida por sí sola al cumplir la mayoría de edad, porque su padre cumplía condena y, en el exterior, no había nadie para ocuparse de ella. Este desgarrador relato le sirvió como argumento de su primer cortometraje (Sara a la fuga) y, ahora, de su ópera prima para la gran pantalla. A modo de continuación, La hija de un ladrón ahonda en las frágiles relaciones paterno filiales, así como en el daño, a veces irreparable, que los progenitores pueden infligir a su descendencia. A su vez, esta película se convierte en un reflejo de la sociedad española actual, golpeada por una crisis económica que afecta a las clases más humildes de los barrios obreros, para las que alcanzar el ideal de bienestar es poco menos que una utopía. El Goya Eduard Fernández (Mientras dure la guerra) que no aparece hasta bien entrada la mitad del film y su hija Greta Fernández (La enfermedad del domingo) comparten planos por primera vez en este film, premiado en el Festival de San Sebastián, que también cuenta con Àlex Monner (El silencio de la ciudad blanca)

Jacob mimi y losperros del barrio

Jacob vive en la ciudad y sueña convertirse en arquitecto como su padre. Un día, su atareado padre tiene que ausentarse durante una semana por un viaje de trabajo y el chico se queda con su prima Mimi y su tío Ánge en el barrio antiguo de Riga, Maskachka. y proyecta el guion de Liga Gaisan este animation familiar y lobezno. En cuanto llega, un rico hombre de negocios empieza a excavar el parque central para construir un rascacielos. Jacob y Mimi deciden pararlo pero solo lo podrán hacer con la ayuda de una jauría de perros que… ¡pueden hablar. Jacob es un niño con mucha imaginación que tiene un don para el dibujo y sueña con ser arquitecto, como su padre. Cuando éste debe hacer un viaje de trabajo el pequeño Jacob ha de abandonar el centro de Riga apara pasar una semana en el suburbio de Maskachka con su prima Mimi. Allí, los dos jovenzuelos harán planes para evitar que destruyan un parque y construyan en su lugar un gran rascacielos. Les ayudará una banda de perros parlanchines. Dibujos animados producidos por Letonia y Polonia, dirigidos por el letón Edmunds Jansons, en el que supone su debut en el largometraje. La historia, una aventura ecológica para niños, es sencilla narrada a través de una trama infantil, en donde sorprende la ausencia de figuras maternas. De cualquier forma, todos los personajes –los primos protagonistas, sus padres y los perros– resultan entrañables y el fondo ecológico de la película, que habla de conservar espacios naturales está contado con naturalidad y sin mensajes forzados. Jacob, Mimi y los perros del barrio está compuesta por medio de viñetas de colores suaves, que forman bellísimas composiciones que casi parecen tener textura de lienzos, como si estuvieran dibujadas a pincel o brocha. El diseño de casas, calles, objetos, paisajes y perspectivas, donde abundan las tonalidades rojizas, es siempre muy agradable a la vista, mientras que los rostros y las figuras humanas son originales, pintados con trazos simples y sin detalles de volumen. Y funciona también la rítmica y trabajada música jazzística.

Glori mundi

Robert Guediguian debe llevar casi medio siglo haciendo cine sindical frances, analizando su salarios, prebendas, vacaciones convenios y cambios sociales practicamente siempre a entorno de Marsella. Miseria, pobreza ,violencia callejera son las consecuencias directas del maltrato al entorno obrero. Sus pèrsonajes nunca puede huir de su destino laboral i sin ser visto mete su camara por la s raidas cortinas del escenario moral dejando convencido y informado del tema. Su esposa Ariane Ascaride, mejor actriz en Venecia, y Sevilla, es la trabajadora del hogar y foranea y que lucha con el dia a dia con resultados demoledores. Gloria es la pequeña que  su familia celebran  su aniversario, reuniendose todos los invitados en Marsella. De la reunion de afectado por el paro, surge un negocio que  podria solucionarles sino endulzar el momento crudo que pasan. Tambien lo pasan Gerard Meylan, Robinson Stevenin, Anais Demoustier, Jean Pierrre Darroussin, Pauline Cahupenne, ANgellica Sarre, Gregorie Leprince Ringuel, bajo le guion de serge Valletti.

el tiempo contigo/Weathering with you

 Makoto Shinkai (Your name), podía haberse desequilibrado por mil sitios diferentes, pero al final es uno de esos casos en los que se consigue esa magia cinematográfica.

Shinkai ya tenía un buen puñado de largometrajes en su haber, pero fue ‘Your Name’ la que realmente le dio a conocer a un público masivo que ahora esperaba que su nuevo trabajo igualase o incluso superase al anterior. ‘El tiempo contigo’ utiliza ingredientes similares, pero la mezcla dista mucho de estar al mismo nivel que su predecesora. Se vuelve a jugar con la idea de un romance entre dos jóvenes desconocidos hasta entonces, pero aquí el elemento de ciencia-ficción adquiere un cariz mitológico que diluye parcialmente lo que debería ser una historia de amor arrebatadora. Durante la primera mitad de la película vemos cómo los caminos de  Hotaka Morishima e Akina amano.Hina se cruzan hasta que llegamos a la gran revelación de que ella tiene la capacidad de alterar el tiempo, hacer salir el sol,.... Apuesta por una simpática subtrama en la que ella decide alquilar sus servicios para hacer felices a aquellos que quieren que aparezca el sol Unos momentos divertidos que funcionan muy bien acaban jugando en contra de los verdaderos intereses de la película. Es un anime de corte juvenil más ligero, pero estaban en su práctica totalidad durante la primera media hora de película para conseguir la empatía del espectador con los dos protagonistas antes de empezar a desvelar sus cartas e ir seduciéndonos hasta llevarnos al borde de las lágrimas. Shinkai conseguía el equilibrio entre forma y fondo, ya que visualmente ocupaba un lugar privilegiado en la historia del cine. Japon la ha elegido como mejor pelicula internacional. La narrativa realista de la película, le permite dar un toque extra de personalidad a sus cintas, y cuándo toca dejarse llevar por el aspecto más fantástico de la función a modo de refuerzo de lo que cuenta para que la historia de amor entre Hotaka e Akina luzca. El drama pasa a primer plano, ya que esa intensidad emocional que muestra Hotaka no se siente como algo natural. Es cierto que cada uno alcanza la madurez de una forma distinta, pero el hecho de que se precipiten los hechos tiene un efecto narrativo negativo que creo que se debe en parte a la forma de abordar los personajes ,Y es que Hotaka es el auténtico protagonista de la función, un hecho que no tiene de por si nada negativo, ya que su llegada a un Tokyo hostil para sus intereses, permitiéndo conocer su estado mental en paralelo a ir empezando a conocer al resto de personajes. Donde la cosa falla es a la hora de profundiza menos en Akina, no necesariamente sobre los orígenes de sus poderes. Una situación que no llega a resultar frustrante, pero en ‘Your Name’ estaba mejor solucionado. Aquí la magia esta en las imágenes pero nunca terminamos de sentirla.

Bobby el erizo

Bobby es un erizo tan orgulloso y arrogante como fuerte. También es el miembro más rebelde de toda su tribu de erizos. Pero, en contra de todo pronóstico, sale herido durante su combate con Tie Tui. El accidente le hará perder la memoria y comenzar un misterioso viaje durante el cual tendrá que lidiar con terroríficos animales y crueles humanos, conocerá nuevos amigos y se volverá un erizo totalmente diferente y renovado. Bobby tendrá como fiel amigo a un pájaro gordinflón que le ayudará en una misión importantísima. Bobby se ha enterado que los humanos están desarrollando un plan para acabar con todos los animales, por lo que tendrá que valerse de todos estos nuevos amigos para sobrevivir y salvar a todos los de su especie. Gracias a estos tendrá que incluso volar, cosa a la que un erizo como él no está muy acostumbrado. Los humanos harán todo lo posible para evitar que el erizo se salga con la suya y destrozar todo el paisaje natural en el que viven. 'Bobby el erizo' es una película de animación para un público infantil que tiene su origen en China. Está dirigida por Jianming Huang, que es el productor de la serie también animada 'Superbook'. Producida por Lionsgate, 'Bobby el erizo' llega a los cines en 2019 de mano de la distribuidora Paycom.

un año mas

Un año más es un particular retrato del pintor Paco Bernal decidido, a pesar de las adversidades que se le presentan y su discapacidad diferente, a celebrar su fiesta de 54 cumpleaños. Su hermana, junto a un pequeño círculo de amistades, organizan los preparativos de un evento que se viene celebrando desde hace años, con el objetivo principal de celebrar un aniversario más de Paco, resistiendo a todos los avatares. Entre ellas habrá una sola preocupación: los problemas pulmonares de Paco. El cumpleaños de Paco se ha convertido en un ejemplo de resistencia, una victoria de la vida, tanto para él como para los que le rodean. Su capacidad, su problemas de salud y su relación con la sociedad son tres condicionantes que han marcado su personalidad y han reforzado su fuerza interior para resistir, año tras año, disfrutando de la vida y de su pasión: la pintura. Documental rodado poraniol Pla Gibert

 

los miserables

 El odio frances, distinto del nuestro, poruqe ocurre con violencia y se desarrolla en los banlieues de las grandes ciudades, postulados por los activistas de Kourtrajme (colectivo msical frances) y Ladi Ly trata de acercar o universalizar su film para hacerlo anglosajon. Para ello graba un dron que a su vez filma un robo. Lo maneja un joven con dificultades sociales que rueda la torpeza de un policia, recien trasladado al barrio a peticion propia,(Damien Bonard)  que esta a punto de causar una victima mortal y que muestra la persecucion urbana del joven detective. Ly vive en este barrio donde hay otros culturas de comportamiento y otras razas,religiones y codigos, policias corruptos, imanes islamicos, jovenes mal educados ren el medio barrios y gitanos sin futuro, en la delantera.  Montfermell seria el lugar donde Ly situa l'accion,  igual que hizo en su momento Victor Hugo. Como un Loach cualquiera, Ly analiza esta sociedad injusta con buen pulso e imparcialidad, con una descripcion de etnias y videologias. El mismo vivio una detencicion policial al los 10 añosEl equipo va formado por un negro en la alcaldia, una defsa formada por Stéphane acaba de unirse a la Brigada de Lucha contra la Delincuencia de Montferneuil, un barrio de la periferia parisina. Chris y Gwada, dos policías expertos de métodos poco ortodoxos, serán sus compañeros y guías por este polvorín donde las distintas bandas compiten por el control y los agentes de la ley se hacen respetar a base de inculcar miedo. Tras verse desbordados durante un arresto, un despiste provocará que un dron les siga, grabe todos sus movimientos y complique su labor en la zona. En 2017, Ladj Ly fue candidato a un César por su cortometraje Los miserables. Dos años después, aquella historia sirve como germen para su primer y aplaudido largometraje. Escogida por Francia como candidata al Oscar a Mejor película internacional (antigua categoría de habla no inglesa), Los miserables se inspira en los disturbios ocurridos en 2005 para hacer un retrato del Montferneuil actual, ese barrio humilde donde transcurría el clásico homónimo de Víctor Hugo hace más de 150 años. La película muestra cómo los rebeldes de antaño se han convertido en jóvenes encapuchados y bandas organizadas que compiten por el control del barrio, a la vez que siguen luchando contra la opresión policial y el abuso de autoridad. El realizador vuelca sus propias experiencias y sucesos reales en un film que, sin hacer juicios de valor (pero con una considerable carga política y crítica social), muestra los arreglos a los que llegan distintas personas, situadas en lados opuestos de la ley, para sobrevivir en un frágil ecosistema formado por más de 30 etnias diferentes y siempre a punto de explotar. Damien Bonnard (Dunkerque), Alexis Manenti (¡Cásate conmigo! Por favor), Djibril Zonga y Jeanne Balibar (Cold War) lideran el reparto.

lavida invisible de euridice gusmao

 El melodrama es la exposición de los sentimientos humanos, y el cine lo importo en su seno,aun que tardara lo suyo en darle el esplendor que merecia. Fue en los años 50 cuando el cineasta estadounidense de origen alemán Douglas Sirk dirigió sus grandes obras maestras, de Escrito sobre el viento, Imitación a La vida y Sólo el cielo lo sabe. Y en este contexto inscribimos a Eurice Gusmao. Karim Aïnouz  consciente de ello quiere ampararse en esta tradicion para llevar su melodramá a lugares nuevos. Su primera película, Madame Satã, ya era un drama de ambientado en los años 30, con lo contravenia las concepciones del género al erigir como protagonista a un joven homosexual. La vida invisible de Eurídice Gusmão se basa en la novela homónima de Martha Batalha, que a su publicación en 2015 se convirtió en todo un best seller en Brasil. La historia se desarrollaba a lo largo de varias décadas, el guionista Murilo Hauser ha optado por un  solo período de tiempo los años 50, cuando el melodrama norteamericano estaba las por viudas ricas, actrices en paro y secretarias envueltas en triángulos amorosos, mientras que Río de Janeiro era algo diferente. Batalha articuló La vida invisible de Eurídice Gusmão como una reflexión sobre el Brasil machista que siempre había oprimido a sus mujeres. Aïnouz ha afinado el discurso aún más, y como un diálogo constante entre las diferentes formas lúdicas e hiperbólicas propias del melodrama mas clásico sus culebrones brasileños—, y la cruda realidad.

Esa invisibilización que describía Batalha da todo un género y un modo de entender el cine, acentuando la denuncia desde el propio medio. Porque, para empezar, este melodrama no se centra en el romance atormentado de un hombre y una mujer. Porque, en realidad, esta es la historia de dos hermanas. La secuencia con la que comienza es una declaracion de las intenciones de Karim Aïnouz. En un paisaje tropical de natural belleza Eurídice y Guida, interpretadas por Carol Duarte y Julia Stockler, van internándose entre la vegetación mientras suena constante el murmullo del agua, deslizándose entre las hojas o discurriendo por un riachuelo. Sin música de ningún tipo, sumerge al espectador hasta que ocurre lo peor. Eurídice y Guida se pierden. El sonido de las aguas se conviert en los gritos de las hermanas llamándose la una a la otra, adentrándose en la jungla, y con la sensación de que no se van a encontrar. Que esa jungla de colores y sonidos se ha convertido en una jaula que su separación sea definitiva. Que momento, estén solas. Dejando la metafora de la jungla atrás, descubremos el dia a dia de dos jovenes, de 18 y 20 años cada una. Eurídice es una estudiante de piano que sueña con tocar en el conservatorio de Viena. Guida tiene ambiciones mucho menores ,reducidas a extraer de la vida todo el disfrute y son más desafiantes que las de su hermana. Bajo de paraguas de una familia tradicional,con un padre (António Fonseca) obsesionado con mantener una imagen de orden, en la que no encajan las aspiraciones de Guida de salir y conocer chicos.o de un ambiente tan claustrofóbico, Eurídice y Guida han desarrollado una estrecha relación según la cual apoyan los deseos de la otra, y se convencen de que son los únicos posibles en un mundo justo. Guida piensa que Eurídice es la mejor pianista; Eurídice piensa que Guida se merece ser feliz. Ambas creencias pronto se verán aplastadas. Guida conocerá a un marinero, tendrá un hijo con él y abandonará a su familia. Eurídice se verá envuelta en un matrimonio con un hombre al que no ama y que no entiende que quiera estudiar música sino que también la utiliza de manera violenta para satisfacer sus deseos sexuales. Las dos hermanas se verán separadas,y a pasar el resto de su vida buscándose. Es esta busqueda, con  sentimientos, traiciones y tristeza, con la que Aïnouz conducirá el film a unos escenarios de crudeza y de belleza mortecina. Su retrato del sufrimiento femenino —premio Un Certain Regard en el Festival de Cannes, mar de plata, Valladolid y independent Spirit— no busca la compasión como la rabia, con que identifica unos culpables muy claros. Son Fernando Montenegro, Carol Duarte, Gregorio Duvivier, Cristina Pereira o Favio Bauraqui.