Donde caen las sombras

Anna y Hans trabajan como enfermera y asistente en un geriátrico que, años atrás, fue su orfanato. Aún atrapados en ese lugar, donde fueron prisioneros durante la infancia, apartados de sus familias y usados como cobayas de un experimento eugenésico por sus raíces yeniches, Anna y Hans reviven los traumas de su pasado cuando Gertrud, la mujer que dirigía con puño de hierro aquel proyecto y que ahora es una anciana, ingresa en el centro. El reencuentro les dará la oportunidad de ajustar cuentas. Entre 1920 y 1970, el gobierno de Suiza llevó a cabo una iniciativa mediante la que los hijos de la población yeniche (una etnia de raíces nómadas) eran separados de sus familias y realojados en hogares de acogida, orfanatos o instituciones psiquiátricas para fomentar en ellos la vida sedentaria y convertirles en, supuestamente, mejores ciudadanos suizos. Sin embargo, en la mayoría de casos, estos niños forzados a la orfandad terminaron siendo víctimas de todo tipo de torturas (incluso la esterilización) como parte de crueles experimentos que pretendían borrarles su identidad. Inspirada en las historias de miles de jóvenes yeniches a los que su infancia les fue robada, la documentalista Valentina Pedicini (Dal profundo) debuta como directora de un largo de ficción con este drama donde el fantasma de su pasado volverá para atormentar a unos protagonistas todavía traumatizados. Fruto de años de investigación, el flm arroja luz sobre este oscuro capítulo olvidado por la historia en una fábula oscura cargada de denuncia social. Federica Rosellini (Il cielo è sempre più blu) y Elena Cotta (Buscando a Alibrandi) protagonizan un mas que digno cara a cara. Les acompañan Josafat Vagni (Maravilloso Boccaccio) y Lucrezia Guidone.

Vosotros sois mi pelicula

El polémico pase en el pasado Festival de Sitges, en el que los espectadores salieron indignados, los que quedaban, fue su plataforma de salida. Se me hace imposible comprender como el publico aguanto durante 80 minutos, el loop de la misma secuencia de no mas de 1 minuto. De hecho, esa proyección es algo así  y asi lo titularon como un 'macGuffin' (bocadillo ), no confundir con un cameo. No es más que el acicate para una serie de actos y reflexiones que van más allá del mundo propio de los 'youtubers' y si, acaban teniendo millones de visitas a consecuencia de todo aquel espectáculo. Una de las cosas que se dice en el filme de Carlo Padial: los creadores de contenido son hoy los punks del audiovisual. No olvidemos a Wismichu (Ismael Prego).Pero es una alerta, que ha hecho un filme que no es, como resulta habitual en él, ni documental ni ficción ni mezcla de las dos cosas, el género Padial, sino para Wismichu y compañía: los punks fueron domesticados por el sistema. A partir del gag-bucle-provocación que se proyectó en Sitges, se construye una trama práctica sobre el audiovisual actual, la incidencia de las redes, el papel de los críticos, los productores, la distribución, el fanatismo y los festivales. Con ironía, con gags excelentes (Carlos de Diego, uno de los guionistas del filme, abatido y tras el pase en Sitges) y dejando, la voz cantante al 'youtuber' protagonista. No creo que sea incapaz de ver en una sala la tomadura de pelo orquestada que proyectó en Sitges, pero eso forma parte del juego. "Genio o psicopata", dice un espectador al salir del Retiro de Sitges. Comparaciones con Duchamp son demasiado. El filme de Padial lo deja claro.

Nosotros/ Us

Avisan al empezar la proyeccion del terror que proviene de 1986 en el que una noche una joven se pierde en la oscuridad. Salta a la actualidad y conforma una familia feliz, pero esta advertida de que las sombras que surgen de las tinieblas proceden de unas excavaciones, unos tuneles de miles de km. abandonados, que no lo son. Peele rueda con elegancia la presencia de las figuras terrorificas,con una invasion original  que al director le gusta mucho pero que al espectador , incluso el muy aficionado les sobran 20 minutos Con el mensaje de que a pesar de Obama, el racismo americano no ha decrecido un apice, nos muestra las dos caras de la misma sociedad. Con Dejame salir ya consiguio el oscar de guion, ahora parece que busca el de fotografia.Terror contemporaneo, interesante, creativo, con humor milimetrico. Todavía traumatizada por un suceso del pasado, hace 30 años una familia vuelve con su marido y sus hijos al hogar donde nació, en la costa de California, para disfrutar de un idílico fin de semana de playa junto a sus amigos. Tras un terrible susto, la familia vuelve a la casa donde se aloja, pero cuando cae la noche, unos misteriosos desconocidos se plantan delante de la puerta. Pronto descubrirán que se trata de versiones maléficas de ellos mismos, dispuestos a matarlos, eso si, con musica de Beach Boys, si ellos no lo hacen antes. Responsable de uno de los debuts más sonados de los últimos tiempos, Jordan Peele (Déjame salir) se confirma como una de las voces más personales y destacadas del cine de terror con su segundo largometraje. En esta cinta, Peele vuelve a combinar comedia y suspense con un trasfondo social para ofrecer una visión muy poco complaciente de la naturaleza humana en una pesadilla surrealista donde una familia afroamericana será acosada por unos espantosos y malvados dobles de ellos mismos. Entre lo onírico y lo real, el film, considerado por la crítica como un clásico instantáneo del género, cuenta con un sugerente apartado visual como marco de una historia divertida,  aterradora, violenta y paranoica en la que, a través de la dualidad, invita a una reflexión sobre clases o raza y demuestra, con giros oscuros y perturbadores, que los mayores horrores suelen proceder de las propias personas. Lupita Nyong´o (12 años de esclavitud) firma un impresionante tour de forcé y lidera un reparto que completan Winston Duke (Black Panther), Elisabeth Moss (The Old Man and the Gun) y la debutante Shahadi Wright Joseph.

Peret, yo soy la Rumba

Paloma Zapata, quiere con este documental, poner el foco en una Barcelona que como Teruel no existia en los 70 y tambien, poner a cada uno de las grandes rumberos en su sitio. Antonio Gonzalez el pescailla, Gato Perez, ...Quien fue grande, quien fue primero, quien fue mejor,...Con un guion bien hilvanado, con la ayuda anecdotas, recuperacion c actuaciones, entrevistas, grandes Tip i Coll, pero tambien Familia Pubill, Justo Molinero, Petitet, La Payoya, Milu Calabuch, Ragna, Peret Reyes o Pep Garcia. Un pequeño biopic, realizado con amor, repasando, creencias sexo, infancia,, la guerra civil, el mig amic,  Buenafuente cerrando atras con su voz en off. El blanco y negro pone su granito con son unos metros de celuloide que sumaran a la leyenda rumbera.

Onyx, los reyes del grial

La aparición de un documento del siglo XI arroja luz sobre uno de los grandes misterios de todos los tiempos: el paradero del Santo Grial. En él se cuenta cómo el sultán de Egipto regaló la reliquia más codiciada por la cristiandad al califato de Denia como muestra de agradecimiento por su ayuda durante una hambruna. El seguimiento del cáliz de Cristo desde entonces hasta nuestros días servirá para repasar la historia de la humanidad, siempre dividida entre la tolerancia y el odio irracional. Roberto Girault (La Leyenda Del Diamante) dirige esta producción rodada en inglés, que mezcla documental y ficción en una didáctica búsqueda de la reliquia más misteriosa y fascinante de la cristiandad: el Santo Grial. Se basa en los descubrimientos efectuados por Margarita Torres y José Miguel Ortega, cuya minuciosa labor de investigación y documentación fue plasmada en un libro homónimo. A partir de este material, que asegura que el cáliz de Cristo está en la Basílica de San Isidoro de León, el film establece un recorrido histórico desde la última cena hasta la época contemporánea, donde examina los aciertos y errores de la humanidad a lo largo de más de dos mil años de guerras motivadas por la religión y el odio, expresión externa de la eterna lucha entre el bien y el mal que se libra dentro de cada uno. Esta cinta cuenta con Jim Caviezel (Pablo, el apóstol de Cristo), María de Medeiros (Black is Beltza) y Anthony Howell (La dama de oro) y transmite un mensaje de concordia, tolerancia y respeto que apela a lo mejor del ser humano.

Los subversivos

En 1977, Theo van Boven fue nombrado director de la división de Derechos Humanos de las Naciones Unidas. Desde entonces, este hombre se enfrentó con algunos de los peores regímenes totalitarios del siglo XX. Al frente de este departamento consiguió abrir, por primera vez, las puertas de la ONU a millones de refugiados y supervivientes de torturas y represión de todo el mundo, lo que provocó la animadversión de, además de los dictadores, el gobierno de Reagan y sus superiores en la organización. Experimentado en todas las disciplinas cinematográficas, desde el corto al largometraje de ficción (pero sobre todo el documental), Miles Roston (Game) se acerca a la figura de Theo van Boven, un modesto jurista holandés cuya labor en favor de los derechos humanos en diferentes departamentos de las Naciones Unidas le convirtió en principal adversario de todas las dictaduras del planeta. A través de sus propias declaraciones, hace un recorrido por la agitada vida de este hombre que, sin tener especiales dotes para la burocracia, consiguió revolucionar la defensa de las libertades de millones de refugiados y personas que sufrieron la represión y las torturas. A su vez, van Boven destaca en el film aquellos referentes previos en los que se inspiró para esta cruzada contra regímenes totalitarios, como el de Videla en Argentina o el de Augusto Pinochet en Chile, que llegó a enfrentarle con la administración de Ronald Reagan e incluso con el Secretario General de la ONU. Además, la cinta también analiza los informes sobre torturas durante el franquismo que publicó van Boven, para lo que cuenta con la participación de Matías Alonso, coordinador del Grupo para la Recuperación de la Memoria Histórica, y el ex juez Baltasar Garzón.

Funan

Conmovedora mirada de Denis Don sobre unos terribles hechos ocurridos en Camboya el 1975. La sensibilidad con que toca el tema, obviando algunos detalles escabrosos hacen ver como si la critica fuera blanda. Pero no. Contando con los recuerdos maternos que sufrio la cruel represion de Pol Pot en los campos de refugiados que dirigian los khemeres rojos, narra clara y nitidamente lo siguiente:.
 Chou y su marido Khoun viven felices con su hijo de 4 años en Camboya. Sin embargo, todo su mundo se derrumba cuando el dictador Pol Pot llega al poder. Sus terribles medidas represivas, ejecutadas por su ejército de khemeres Rojos, deportan a miles de personas a campos de trabajos forzosos. Entre ellas se encuentra la familia de Chou, que tendrá que recorrer un largo y peligroso camino durante el que el pequeño será secuestrado. A pesar de todo, nunca perderán la esperanza en encontrarlo. Premiada en el Festival de Annecy, cita imprescindible para el cine de animación, Funan cuenta una historia tan terrible como real: la que vivió la madre de su director, el debutante Denis Do, durante los aciagos años de la dictadura de Pol Pot en Camboya. El relato de unos padres que, durante su camino a un campo de trabajos forzosos, pierden a su hijo y luchan contra el desaliento y la desesperanza para encontrarlo y mantener a la familia unida, es relatado a través de una animación de acertado colorido y realismo. A pesar de ser una película de dibujos animados, la cinta, emocionante y conmovedora, no escatima a la hora de mostrar la crudeza del genocidio camboyano, si bien sustituye las imágenes explicitas por una violencia sutil donde el horror se refleja en los ojos de los testigos de la barbarie y unos rostros que expresan miedo, repulsa, impotencia y, en el caso de su joven protagonista, inocencia e incomprensión.  Bérénice Bejo (La quietud) y Louis Garrel (Mal genio) ponen sus voces al servicio de sus dos protagonistas, representantes de los millones de personas que sufrieron una de las mayores atrocidades del siglo XX.

Dolor y gloria

Convertido en el alter ego de si mismo, Pedro Almodovar, antaño aclamado director, Salvador Mallo, vive ahora su ocaso. Esta situación le lleva a reencontrarse, a veces en persona, a veces en forma de recuerdos, con su pasado: esos años 60 en los que se mudo con su familia a Paterna, época de deseos incipientes; su primer gran amor adulto, que terminó antes de tiempo allá por los 80; la escritura como terapia y el descubrimiento del cine, así como el vacío por la incapacidad de rodar más. En la necesidad de narrar todo aquello encontrará la salvación. De esta forma  repasa su filmografia con cuidadoso detalle. En el aspecto fisica se apoya en Antonio Banderas en una memorable interpretacion. Considerada por el propio cineasta como la más personal de su filmografía. En esta ocasión, dos hombres son los protagonistas de una historia donde el genio manchego desnuda inquietudes e inseguridades y exorciza sus propios fantasmas personales a través de un film sobre la creación, tanto cinematográfica y teatral, y su importancia capital en la propia vida. Pasado y presente se fusionan en un baile temporal donde géneros, tonos y épocas se entremezclan en una película que se acerca tanto al costumbrismo de los años 60 como al estallido pop de los 80. Un guion de hierro que fuerza sus lineas para que todas las anteriores películas quepan en este retrato autobiografico, reune de una carrera a veces brillante.. Como el inesperado final que marca las altas cotas de un artista diferente. Actor fetiche del director, Antonio Banderas (Como la vida misma) hace las veces de su alter ego, un realizador en el ocaso de su carrera que, en la necesidad de narrar sus deseos, romances, relaciones familiares (sobre todo con su madre) y circunstancias que le marcaron años atrás, encuentra la forma de redimirse. El dolor se lo producen no solamente partes de sus cuerpo sino tambien de su alma, deseos, amores, sensaciones y emociones psicologicas. Con su depurada tecnica puede llevar detalles a iconos importantes  como el mobil o el huevo de madera de su madre para coser calcetines. Un flash back de 50 años. No hay gloria sin dolor?. La apuesta del oscarizado director (Pedro!!!!!!!!!!) parece ser que no. Que el dolor es tanto y tan duradero que no puedes alcanzar la gloria por una terrible depresion. Le acompañan en esta carta de amor al séptimo arte y quinta esencia del cine almodovariano Asier Etxeandía (La novia ) y Leonardo Sbaraglia (El desentierro ), Penélope Cruz (Todos lo saben) y Julieta Serrano (El aviso) en roles secundarios imprescindibles.

Bel canto la ultima funcion

La musica es un arte que puede trascender el poder politico o es un producto al servicio de este. A discenir esta cuestion no menor dedica Paul Weitz, esforzadamente interpretada per Julianne Moore. Con una ambientacion donde conviven odios y amorios prohibidos, proposiciones politicas o secuestros operisticos, el film mantiene su condicion dramatica. Que puede pasar si una soprano estadounidense se traslada a Sudamerica para cantar en una fiesta privada de un millonario japones, rodeado de dictadura, miseria y unos guerrilleros que se apuntan a la fiesta?. Es lo que cuenta la adaptacion de la novela de Ann Pachett sobre unos hechos reales sucedidos en Lima el 1996.
Roxanne Coss es una de las sopranos más conocidas del mundo. Su próxima actuación es un concierto privado en la fiesta que un multimillonario japonés celebra en su mansión, ubicada en un país de Sudamérica bajo una dictadura militar. Durante la velada, a la que asisten políticos y diplomáticos, el lugar será tomado por una facción rebelde que exige la liberación de sus compañeros encarcelados. Mientras la tensión aumenta, tanto rehenes como captores tendrán que encontrar la forma de entenderse. En 1996, un grupo guerrillero armado irrumpió en la embajada japonesa de Perú durante una fiesta en honor del emperador nipón. Esta crisis, que se alargó más de cuatro meses, inspiró a la novelista Ann Patchett para escribir el best seller en el que se basa este film dirigido por Paul Weitz (Ahora los padres son ellos). A partir de esta situación límite, Weitz construye un film repleto de tensión que, sin embargo, habla de la naturaleza humana y de cómo personas de orígenes completamente opuestos, idiomas diferentes y, en algunos casos, enemigos irreconciliables consiguen conectar a través de la música. Julianne Moore (Kingsman: El círculo de oro) y el nominado a los premios de la Academia Ken Watanabe (Godzilla) protagonizan un incipiente romance en esta oda a la civilización y el entendimiento frente al odio y la violencia. Les acompaña un reparto cosmopolita formado por,  Sebastian Koch (El puente de los espías), Elsa Zylberstein (Sobre ruedas) y Tenoch Huerta.

YOMEDDINE

Toda la vida de Beshay ha transcurrido en la colonia de leprosos donde le abandonaron cuando era niño. Tras la muerte de su esposa, decide reunir lo poco que tiene y salir al exterior en busca de lo que pueda quedar de sus raíces. En este viaje rumbo hacia lo desconocido le acompañará Obama, un joven huérfano. Juntos plantarán cara al mundo y afrontarán las dificultades que se les presenten, pero también compartirán los buenos momentos que les deparará este camino a lo largo y ancho de Egipto. En su largometraje de debut, el director A.B. Shawky traslada todo lo aprendido durante el rodaje de uno de sus cortometrajes previos, donde se adentró en el día a día de una de las colonias de leprosos más grandes de El Cairo. Aquellas experiencias y relatos de sus habitantes se convierten en un film de ficción que, entre la comedia, el drama y la road movie, habla de la vertiente tanto social como física de esta patología, que lleva a los que la padecen a aislarse casi por completo de su entorno incluso después de curarse. A pesar de la dureza del tema que aborda, Yomeddine (El día del juicio final) se contagia del sentido del humor, la alegría y la vitalidad de su protagonista, interpretado por Rady Gamal (un auténtico enfermo de lepra), en este viaje en busca de las raíces perdidas que sirve, a la vez, como una humana y emocionante historia de aventuras y superación donde este hombre y su acompañante, un niño huérfano, luchan por vencer las adversidades en ese Egipto que no aparece en las guías turísticas. El también debutante Ahmed Abdelhafiz comparte el protagonismo de esta cinta sobre personajes desvalidos que intentan comprender un mundo que les excluye.

Taxi a Gibraltar

La picaresca se podria decir que es un genero universal pero recolectado en el pais hispano desde el Lazarillo de Tormes. Dani Rovira es un ejemplo  de ello. Todavia con la caspa que siempre suele tener el lado del genere comico, se debate entre  el humor caustico, frio y el costumbrista, mas que el de las sal gordas. El tema del oro aleman escondido  en el desierto se traduce, ahora es Gibraltar, donde unos indianas john 's de pacotilla lo van a buscar despues de la gran guerra, al Peñon Tobruk,en  taxi.. En el subsuelo, y alli se dan la mano el humor cavernero español y la cara dura argentina en sus  formas mas ludicas. Alejo Flah, conduce su taxi movie con agilidad y apoyandose sobre todo en estos actores  cada vez mas monologuistas como Dani Rovira yJoaquin Furriel. Un taxista esta estresado por el dinero, el embarazo de su mujer y los cambios de todo lo que le rodea. Diego es un embaucador que acaba de salir de la cárcel endeudado hasta las cejas y sin nadie que le espere. Sus caminos se unirán con el de una joven aburrida con su vida en un pueblo rodeado de olivos y amigas casadas. Juntos, los tres se embarcarán en un delirante viaje en busca de un cargamento de oro perdido en los túneles del lugar más peculiar de toda la Península: Gibraltar. Película inaugural en el Festival de Málaga, Taxi a Gibraltar es la segunda incursión en la gran pantalla del director Alejo Flah (Sexo fácil, películas tristes). En esta ocasión, propone una divertida mezcla entre el cine de aventuras, la road movie y el western donde tres personas de naturaleza completamente diferente, pero unidas por la desesperación en su vida y el acoso de las deudas, se embarcan en una delirante búsqueda de un cargamento de oro de la Segunda Guerra Mundial perdido en los túneles de la siempre particular y sorprendente Gibraltar. Con el taxi en el que se dirigen hacia allí como un personaje más de la cinta, esta comedia muestra cómo el viaje de sus protagonistas es tan físico como emocional, ya que a medida que consuman kilómetros terminarán recuperando tesoros mucho menos materiales como la alegría de vivir, el amor o la amistad. Dani Rovira (Miamor perdido), Ingrid Garcia Jonsson (Ana de día), Mona Martines, Jose Troncoso, Jose Manuel Poga y el argentino Joaquín Furriel (El árbol de la sangre) lideran el reparto de este disparatado film repleto de acción, persecuciones delirantes que, sin embargo, alberga conflictos reales.

Maya

Una improbable historia de amor entre una bella indú y un esforzado periodista es la fragil base sobre la que Mia Hansen Love nos da animos a toda la humanidad . Con elementos autobiograficos, su abuelo habia sido corresponsal de guerra y flirteado con la muerte en mas de una ocasion, todo y no haber cultivado un poco los dialogos, nos remite a una veracidad encomiable y una humanidad constatable. Un retorno filmico de Roman Kolinka a Goa, en la India donde habia pasado la infancia despues de su vuelta a  Paris liberado de un secuestro en Siria a manos de un grupo terrorista. Desde la pronta perdida de la relacion con su madre, tambien escapada  a la India con un amor y sus mujeres, la ultima separacion poco antes del secuestro, la sexta película de Hansen Love, pone en la joven y culta Maya la ultima oportunidad para el corresponsal herido en el corazon de rehacer su maltrecho animo. Gabriel es un reportero de guerra de poco más de 30 años que, después de meses secuestrado en Siria junto a un compañero, es liberado. Tras meticulosos chequeos médicos y respuestas a muchas preguntas, consigue reunirse con su familia y su novia. Sin embargo, las semanas pasan y es incapaz de olvidar lo ocurrido, lo que le llevará a viajar hasta Goa (en la India), la ciudad donde creció y en la que intentará reencontrarse. Allí conocerá a Maya, una chica con la que surgirá una fuerte conexión. Nieta de un reputado corresponsal de guerra de la revista Paris-Match, Mia Hansen-Løve (El porvenir), una de las directoras del nuevo cine francés, se acerca al peligro y los traumas de esta arriesgada profesión en Maya. Sin embargo, ésto es solo el principio de una historia que habla sobre la búsqueda interior y el redescubrimiento de uno mismo. El protagonista de este film es un reportero que, tras meses de cautiverio en Siria, consigue volver con su familia, aunque la experiencia le ha traumatizado de tal manera que ha despertado en él un afán por descubrir y llevar su vocación periodística a nuevos lugares. En su viaje en busca de sus orígenes, conocerá a una chica que conseguirá romper su coraza y despertará en él sentimientos imprevistos. Este romance repleto de sensualidad también sirve como acercamiento entre dos mundos y culturas radicalmente diferentes, así como núcleo de un drama emocionante donde la India y su mezcla de tradición y modernidad son un personaje más de la cinta. Roman Kolinka (El porvenir), actor fetiche de la realizadora, lidera el reparto junto a la debutante Aarshi Banerjee, Suzan Anbeh y Johanna ter Steege.

El niño que pudo ser rey

Sin imaginacion, Joe Cornisch insufla al film histeria, confundiendo la energia con el entusiasmo, consigue poner las pilas a los 12 añeros y aburrir a los nunca pensaron que podrian ser reyes. El placer de ciertp cine a cierta edad, no desparece, pero es diferente. Un niño de 12 años, los abusones al que hacen la vida imposible en el colegio, solo hace que aumentar sus problemas cotidianos que pasarán a un segundo plano cuando encuentre a Excalibur clavada en la roca. Desde el momento en que la espada le escoja para empuñarla, se convertirá en el líder que nunca creyó que podría ser y, con la ayuda del legendario mago Merlín, reclutará a compañeros y enemigos para formar un ejército de caballeros capaz de detener los malvados planes de la bruja Morgana. Ocho años después del film que le catapultó a la gloria (Attack the Block), Joe Cornish vuelve a reunir un grupo de imprevistos héroes que, de la noche a la mañana, asumirán la misión de salvar el mundo. En esta ocasión, las películas de espada y brujería se mezclan con el mundo moderno en una historia que da una vuelta de tuerca a la leyenda artúrica y la adapta para las nuevas generaciones. La espada Excalibur, el mago Merlín y la aterradora Morgana permanecen intactos en una aventura familiar donde un joven, al que hacen" bullling" en el colegio, conseguirá encontrar el líder que lleva dentro. Con acción y sentido del humor, el realizador establece un paralelismo entre los incorruptibles códigos morales de los caballeros y los valores distintos que priman en la juventud actual. Rebecca Ferguson (Misión: Imposible - Fallout) y Patrick Stewart (Logan) son los adultos en este film que combina la épica de los clásicos con las últimas técnicas de efectos especiales. Sin embargo, los grandes protagonistas son ese grupo de jóvenes guerreros capitaneado por Louis Ashbourne Serkis, hijo de Andy Serkis, en su primer papel. Con Dean Chaumoo y Denise Gough,

Mirai, mi hermana pequeña/Mirai

En Mirai, Mamoru Hosoda, pone toda a poesia del cine japones, la adolescencia, el paso del tiempo, la magia que es como el film por mucho que te fijes nunca lograras saber el  truco. En este anime de peso que no pesado, Kun un es un niño de 4 años cuya vida cambia cuando llega su hermanita Mirai, un bebé que, a medida que se convierta en el centro de atención, le volverá celoso y ensimismado. En su refugio, el patio trasero de su casa, Kun se encontrará con una Mirai adolescente que ha venido del futuro y le acompañará en un viaje en el tiempo a través de un árbol genealógico mágico. En una aventura que le ayudará a cambiar su percepción de las cosas, conocerá a las versiones juveniles de su madre y su bisabuelo. Mamoru Hosoda (El niño y la bestia), uno de los mejores creadores del anime contemporáneo, aborda con su característica imaginación desbordante el impacto que, por norma general, sufren los hijos únicos cuando llega un nuevo miembro a la familia. Nominada al Oscar a Mejor película de animación, Mirai, mi hermana pequeña propone un fantástico y hermoso viaje a través del tiempo en el que un niño de 4 años, celoso por la atención que sus padres prestan a su hermana recién nacida, se encontrará con una versión adolescente de ésta, que le acompañará en una mágica aventura que cambiará sus sentimientos hacia ella. A través de esta íntima y profunda fábula, Hosoda reflexiona en su película más personal sobre temas como el amor fraternal, la familia, el ciclo de la vida y la existencia como el gran legado que se transmite entre generaciones. El descubrimiento de la identidad propia del pequeño protagonista también juega un papel importante en este encantador film que cuenta, en su versión original, con las voces de Moka Kamishiraishi (Haruchika), Haru Kuroki (Nagasaki, recuerdos de mi hijo), Gen Hoshino (El padre), (voz)), Koji Yakusho (Jiiji (voz), Kumiko Aso (La madre), Masaharu Fukuyama (Seinen (voz))), Yoshiko Miyazaki . No sera una pelicula feminista, pero si que carga contra el machismo familiar, ancestral en el Japon. Con un movimiento del anime particular, ayudado por unos colores de gran personalidad, limpios y suaves, loa a la familia tradicional japonesa pero exaltandose ante la pasividad paterna. Lo remata con un analisis de los celos entre hermanos con el bisturi del princippìto destronado

Escape room 2019 99 min.

Ninguna novedad en este segundo film de la Serie-juego Escape Room que remite a el tipo de peliculas de los años 80 tipo "Cube" . No confundir con el cine llamado de arte y ensayo. Discreto ,suspenso, actores anodinos, de invitacion a vomitar como cuando juegan al billar con la mesa al reves. Una gim-kama de despropositos que ademas les producen una enorme cercania de la muerte. Cuatro desconocidos reciben una misteriosa caja que les invita a escapar de la rutina y participar en un nuevo Escape Room donde el premio por resolver el enigma es un millón de dólares y pasar una gran noche. Sin embargo, cuando se reúnan en la habitación, descubrirán que tras la emoción y tensión del juego existen peligros muy reales. Encerrados por un sádico que conoce todos sus secretos más inconfesables, tendrán que recurrir a su ingenio para, en una hora, encontrar las pistas y salir. Si no lo consiguen, morirán. Convertido en uno de los entretenimientos más extendidos de la actualidad, el fenómeno de los Escape Room, donde los participantes deben recurrir al ingenio y las habilidades de cada uno de los miembros del equipo para resolver un acertijo y escapar de una habitación cerrada, da el salto a la gran pantalla. Adam Robitel (Insidious: La última llave) dirige este trepidante thriller psicológico donde la divertida tensión de un desafío premiado con un millón de dólares se convertirá en una desesperada lucha por la supervivencia en la que cada enigma es más complicado que el anterior. El espectador también podrá formar parte de la experiencia, intentando descubrir la clave final que se esconderá tras los traumas más inconfesables de cuatro desconocidos de orígenes muy diferentes. Taylor Russell (Blackwood), Logan Miller (Con amor, Simón), Tyler Labine (Supermaderos 2) Jay Ellis y Deborah Ann Woll (Ruby Sparks), son los jugadores de este film Escape Room que destaca por su calidad visual y la personalidad propia de cada una de las mortales habitaciones en las que transcurre. Yorick van Wageningen es el villano de la cinta.

Beautiful boy, siempre seras mi hijo (2018) 111 min.

Felix Van Groeningen (6 años despues de Alabama Monroe) intenta durante dos horas angustiarnos avisandonos de lo facil que es pasar de los porros de Maria a las drogas mas duras . De la novela autobiografica de David Sheff y su hijo Nic, que interpretaTimothee Chalamet satisfactoriamente. En este caso el abismo de la adiccion es la metamfetamina, y el unico que parece ir a su rescate es su padre.  Con todos los tics del cine pretencioso , utiliza la miseria humana para convertir en hermosos paisajes los instantes punta del tragico destino. Esta puede ser una de las razones por que no han sido invitados a los Oscars. Nic Sheff es un chico encantador y muy querido por su familia que, sin embargo, se encuentra sumergido en una espiral autodestructiva a causa de su adicción a las drogas. David, su padre, intenta ayudarle a salir del pozo de todas las formas posibles, lo que le obliga a librar durante años una frustrante batalla que pone a prueba su amor y compromiso. Supervivencia, recaídas y recuperaciones se sucederán mientras todos luchan contra una terrible enfermedad que amenaza con destrozarles la vida. En su primera experiencia en Hollywood, el belga Felix van Groeningen, se apropia de la historia real de David y Nic Sheff, un padre y un hijo que, en sus respectivas memorias, relataron de manera descarnada cómo fue su dura lucha contra la adicción a las drogas, especialmente la metanfetamina, que sufría el joven. El film propone un drama que habla sobre la falsa sensación de control de la situación que tenían tanto el enfermo como los que le intentaban ayudar a superar la enfermedad y en cuyo núcleo se encuentra una conmovedora relación paterno filial. La cinta combina momentos de recaída y recuperación con otros de inocencia, alegría y amor que componen un retrato veraz y honesto de las consecuencias de la drogodependencia en la vida de esta familia y ayuda a romper estereotipos sobre esta patología. Steve Carell (El vicio del poder) y Timothée Chalamet (Call Me by Your Name) protagonizan este film en el que el paso del tiempo también juega un papel fundamental. Les acompañan Maura Tierney (The Affair), Kaitlyn Dever (El candidato) y Amy Ryan.

Stan & Ollie/ El gordo y el flaco

Hace tiempo que Stan Laurel y Oliver Hardy, más conocidos como El Gordo y el Flaco, dejaron de ser los reyes de la comedia en Hollywood. Con aroma a despedida, en 1953 inician una gira por los escenarios británicos. Al principio, la asistencia es mínima, pero su talento para hacer reír y la química entre ellos, que sigue intacta, les hará reconectar con sus fans. Mientras fantasmas del pasado y cuestiones de salud amenazan su colaboración, comprenderán lo mucho que significa el uno para el otro. Posiblemente el mejor, y mas famoso, dúo cómico de la historia del cine, El Gordo y el Flaco protagonizaron más de cien apariciones entre cortometrajes, películas y cameos, que definieron una nueva forma de humor basada en el ingenio, una planificación minuciosa y la irrepetible química entre sus integrantes, el inglés Stan Laurel y el estadounidense Oliver Hardy. Unas de las pocas estrellas del cine mudo que supieron adaptarse a los tiempos del sonoro son las protagonistas de esta cinta dirigida por Jon S. Baird (Filth, el sucio). Lejos de abordar sus años dorados, El Gordo y el Flaco (Stan and Ollie) se centra en un episodio poco conocido de la pareja: la gira que, en pleno declive de su carrera, realizaron a principios de los 50 en pequeños teatros británicos. En la cinta, el realizador hace un sentido homenaje al legado artístico de Laurel y Hardy a la vez que cuenta una historia de amistad y cariño entre dos hombres que, en el ocaso de su vida, descubren lo importante que es el uno para el otro. Los nominados al Oscar Steve Coogan (La cena) y John C. Reilly (Holmes and Watson) interpretan a este par de genios en un biopic atípico, nostálgico y conmovedor que cautiva a través de la risa. Completan el reparto Shirley Henderson (T2: Trainspotting), Danny Huston y Nina Arianda .

Contemplacion

Un profesor, escritor y teólogo de la Universidad de Birmingham que, poco antes del nacimiento de su primer hijo, empezó a perder visión hasta quedar completamente ciego. A partir de entonces inició un audio diario en cuyas grabaciones expresaba la angustia existencial que sufría por su nueva situación, si bien con el paso del tiempo se convirtió en un relato sobre un hombre que pasó de la desesperación total a aceptar su discapacidad con confianza y afán aventurero. Nominado a tres premios BAFTA, el primer largometraje de Peter Middleton y James Spinney combina de manera revolucionaria el documental y la ficción, al ofrecer una cuidada producción donde el trabajo de los actores se sincroniza con las voces y testimonios de los protagonistas reales. Contemplación sigue el viaje de pérdida, renacimiento y renovación que vivió el teólogo y profesor de la Universidad de Birmingham John Hull, inmortalizado por él mismo en un inspirador audio diario. Las grabaciones originales de Hull, a las que el público puede acceder en exclusiva por primera vez, son la pieza fundamental de este íntimo y poético largometraje que se adentra en los sueños, recuerdos y el mundo interior de este personaje sumido en una profunda crisis existencial tras perder por completo la visión, pero que con el tiempo supo entender y aceptar su discapacidad. Junto a ellas, los directores añaden entrevistas al propio Hull y a su mujer Marilyn donde la pareja reflexiona sobre los hechos que ocurrieron treinta años atrás. El resultado es una conmovedora película que aborda con honestidad aspectos como la vida, la espiritualidad y la sensación de pertenencia.

las herederas

Estudio sociologico sobre la desigualdad social en Asuncion,  tambien sobre el deseo sexual , su perdida y los privilegios de clases altas.Todo el film de Marcelo Martinessi se pasea por unos entorno y su camara rueda grandes conversaciones y tambien silencios, pasando por encima de les interesantes interpretaciones que ofrecen los actores y actrices. Ana Brun, or a Berlin, resumeix el caracter intimista de la actriu que per motius politiques y asi una carrera artistica complicada por las persecuciones, alguna, de extrema gravedad. Primer largometraje de Martinessi donde habla de la apertura al mundo de na mujer madura y encerrada en si misma. Chela y Chiquita son dos mujeres que llevan 30 años viviendo de las rentas proporcionadas por el patrimonio heredado de sus familias, parte de la élite social de Asunción. Entradas ya en los 60, ven cómo el dinero empieza a escasear y les obliga a vender sus bienes. Cuando Chiquita acaba en la cárcel por fraude, Chela ofrecerá sus servicios como chófer de ancianas adineradas. Así conocerá a Ana, la joven hija de una de sus clientas, con la que iniciará una relación que pondrá su vida del revés. El cortometrajista paraguayo Marcelo Martinessi debuta, esta ópera prima muestra el lado oscuro de la sociedad de la capital guaraní, un ambiente inmovilista donde la violencia, los prejuicios y la intolerancia se heredan y perviven inalterables de generación y generación. Fruto de la relación de amor-odio que mantiene con su ciudad natal, Asunción, esta dura crítica toma entidad a partir de la historia de dos mujeres que viven de las rentas de sus familias acomodadas hasta que, en plena encrucijada vital y económica, se verán obligadas a separarse, reinventarse y recuperar el sentido perdido de su existencia. De este modo, la clase social y el deseo se convierten en temas principales de un film que lo apuesta todo a sus personajes y en cuyo núcleo se desarrolla una historia de amor lésbico e intergeneracional. La debutante Ana Brun, Margarita Irun (Felipe Canasto) y Ana Ivanova (Crisis) protagonizan este drama de ritmo pausado y gusto por las miradas y los silencios. 

la mujer de la montaña

Estamos frente al cine fusion. Se funden los temas , las tecnicas, los personajes no son siempre corporeos y Beneditk Erlinngson, se  lo trabajado mucho, para conseguir mas profundidad emotiva y politica en el que enfrentan el activismo beligerante y el de "sofa". Una profesora de canto de cincuenta años. Mujer independiente y luchadora, está desencantada con el mundo que la rodea, por lo que decide actuar y enfrentarse a la poderosa industria local del aluminio, responsable de la contaminación de Islandia. Convertida en una de las comedias europeas del año, aclamada en festivales de la talla de Cannes o Valladolid. Dispuesta a todo para proteger el medio ambiente, correrá todo tipo de riesgos hasta que sus prioridades cambien el día que reciba una inesperada carta donde, tras años de espera, le dan vía libre para tramitar la adopción de una niña.  La mujer de la montaña aborda con sentido del humor la heroica lucha de su protagonista por la defensa de la naturaleza y el conflicto personal que enfrenta su faceta como terrorista medioambiental y su inminente responsabilidad como madre adoptiva. El mundo interior de este poderoso y encantador personaje femenino es el núcleo de la nueva cinta del actor, guionista y dramaturgo Benedikt Erlingsson (De caballos y hombres), una heroica y divertida fábula moderna sobre una profesora de canto decidida a hacer todo lo que esté en su mano, aunque sea al margen de la ley, para salvar el mundo. La música, donde los responsables de la banda sonora tocan a modo de coro griego, también está muy presente en este film que se aleja de manidos discursos sociales o ecológicos para centrarse en la dualidad de esta mujer tan fuerte como vulnerable., que nos recordo a Erin Brackowitz en una lucha parecida. Halldóra Geirharðsdóttir (que repite con Erlingsson tras De caballos y hombres) lidera un reparto que completan Jóhann Sigurðarson (101 Réikiavik) y Jörundur Ragnarsson. tambien Juan Camillo y Roman Estrada completaban el campo internacional.

70 binladens

Cine vasco puro y duro. Diciendo todo que hay que decir, diciendolo. Y estas son las unicas referencias de estilo que se puede dar del film. Toda la cinta esta cuarterada. Dedica unos minutos a los monologos, otros tantos a los planos secuencia, y notablemente un espacio para la broma casi teatral. Koldo Serra quiere conseguir un thriller con su sello como ya hizo en Bosque de sombras. Todo ello en una plaza ,que podia ser de Eloy de la Iglesiaq ue reune todas las formas de vida de un barrio en que esta situada la sucursal bancaria utilizada. Un binladen son 500 euros. Sabiendo esto y la necesidad imperiosa del credito, se desarrolla toda la gestion del robo, con retencion  de rehenes en que se convierte el film. Una mujer está en una desesperada situación que le obliga a reunir 35.000 euros en menos de 24 horas. Su única oportunidad para conseguir esos "70 Binladens" es lograr un préstamo bancario, pero cuando está a punto de cerrar la transacción, una pareja de atracadores irrumpe en el banco. El robo sale mal y se convierte en una crisis de rehenes. La tensión aumenta y, mientras secuestradores y policía negocian, Emma Suarez, sabe que el tiempo se le acaba y que debe salir con el dinero cueste lo que cueste. En una época en la que los thrillers protagonizados por grandes robos se entregan a las infinitas posibilidades de la tecnología para escenificar planes perfectos y casi imposibles, Koldo Serra (Gernika) mira hacia atrás, a esos clásicos de los 70 que sentaron las bases del cine de atracos, y les da un toque ibérico. En esta cinta que genera el suspense desde el costumbrismo, 70 Binladens (35.000 euros en lenguaje coloquial) están en el centro de una trama donde la intriga, la acción y los giros de guion se viven con la urgencia de su protagonista, inmersa en una desesperada cuenta atrás. Ambientada en la sucursal bancaria de un barrio bilbaíno, la película reniega de los arquetipos del género tanto en lo que respecta a la naturaleza de sus personajes, criminales, rehenes y policías, como a la hora de situar el foco en dos protagonistas femeninas, lo que aporta un punto de vista casi inédito en la gran pantalla. Emma Suárez (Julieta) y Nathalie Poza (No sé decir adiós), completan un elenco Hugo Silva (Despido procedente), Bárbara Goenaga (Operación Concha) y Daniel Pérez Prada, en el que los buenos son bilbainos.

Mula/ The mule

Siete películas (Golpe de efecto) ha tardado Clint Eastwood en ponerse otra vez detras de la camara. Y no sera su ultima película. Porque es terco como una mula. Sin tener nada que ver con la mula de la monja Sara, irrepetible western, de aquellos que te sacaban la flecha con whisky, hay que decir que el film se llama "mula" a un conductor que lleva mercancias de aqui para alla sin saber lo que lleva. Una forma de  subsistir en la actual America profunda. Sobrio, formal, clasico detras de la camara, carismatico, laconico y con una mirada entrecerrada que, aunque no pude responder a las violencias, por la edad, el brillo de sus pupilas nos recuerda inmediatamente a aquel Harry, primero fuerte y luego sucio. Un abuelo horticultor, intratable con la familia, veterano de Corea, odiando mobiles e interneteres, le queda el debil vinculo con su unica admiradora, su nieta.En el flm a traves del nuevo trabajo, intentara regenerarse por dentro y por fuera, empezando a ponerse ya el lazo para ir a bailar. Vuelve a vivir en un suburbio de inmigrantes asiaticos y trapichea con su vieja camioneta con un cartel de la droga. Con toda su magnifica decrepitud encima, surca los caminos de Detroit y no con el gran Torino precisamente. Solo y al borde de la quiebra es un octogenario que se enfrenta a una inminente ejecución hipotecaria. Desesperado por conseguir dinero, acepta un encargo que simplemente le requiere que conduzca. Sin saberlo, se meterá de lleno en el negocio del narcotráfico al convertirse en mula para un cártel mexicano de la droga. Los trabajos crecen y sus problemas económicos desaparecen, si bien sus errores del pasado volverán para perseguirle a la vez que sus jefes y un agente de la DEA. A punto de cumplir los 90, el cuatro veces ganador del Oscar Clint Eastwood (El francotirador) vuelve a ambos ladosde la cmaraaponerse tanto delante como detrás de la cámara para contarla historia real de Leo Sharp, un veterano de guerra que, ya entrados los 80, empezó a trabajar como transportista para el cártel de Sinaloa. A la vez que ofrece un tenso thriller criminal, en el que un hombre de avanzada edad desesperado por no perder su negocio se convierte en contrabandista de droga y objetivo de las autoridades,  cuenta el dramático momento vital de su protagonista, que en el ocaso de su vida ve cómo ha sacrificado el cariño de sus seres queridos y, ahora, se esfuerza por enmendar sus errores con las enormes cantidades de dinero que empieza a ganar. Suspense y emoción se mezclan con dosis de humor en una cinta que transcurre en tres ámbitos tan opuestos como los de la familia, una investigación policial y el mundo del narcotráfico. Junto a Eastwood, que da una nueva lección de carisma, completan Bradley Cooper (Ha nacido una estrella) y Laurence Fishburne (Ant-Man y la Avispa), así como Michael Peña (12 valientes) y Diane Wiest.

Hablame de ti/Un homme presse

Comedia francesa con el ritmo galo de siempre, que mantiene alto el actor Fabrice Luchini. El director Herve Mimran tiene la tentacion durante todo el film de remakear de algun modo Intocable. Lo hace tentado por la buena intencion del film, en el que en vez de perder la mobilidad de la piernas pierde voz y memoria.
Gracias al ictus conoce a su joven logopeda, Leila Bekhti, que hace todavia mas amable la pelicula. La familia o el entretenimiento son conceptos sin sentido para Alain, un respetado hombre de negocios y brillante orador dedicado a su trabajo. Sin embargo, la vida de este hombre cambiará por completo tras sufrir un derrame cerebral que le provocará serias dificultades en el habla y la memoria. Durante la rehabilitación contará con el apoyo de una joven logopeda. A base de trabajo duro y paciencia, ambos llegarán a conocerse y cada uno, a su manera, intentará reconstruirse desde cero. Habituado a abordar las problemáticas del lenguaje en sus películas, Hervé Mimram (Todo lo que brilla) dirige una historia inspirada en el caso real de Christian Streiff, un poderoso empresario que, tras sufrir un derrame cerebral, ocultó su estado de salud a la empresa en la que trabajaba hasta que fue descubierto y despedido. Mientras desarrollaba la pelicula junto al propio Streiff, el realizador descubrió el lado personal de este hombre que aparcó sus sueños en favor del dinero y los negocios. Con este material, Mimram compone un film donde comedia y drama se dan la mano para hablar de la fragilidad de la vida, el miedo a perderlo todo y el valor para reconstruirse desde cero, así como la importancia de conocerse a uno mismo. Fabrice Luchini (Primavera en Normandía) protagoniza esta cinta en la que los juegos de palabras y los gags conviven con un relato sobre la amistad entre sexos y reconectar con los seres queridos. Completan el reparto Leïla Bekhti (El gran baño), Rebecca Marder (La redada) e Yves Jacques..

Ver más en: https://www.20minutos.es/cine/cartelera/pelicula/36707/hablame-de-ti/#xtor=AD-15&xts=467263

Capitana Marvel

El aficionado recalcitrante quedara decepcionado por que su superheroina no esta mejor tratada en su tercera aparicion en el universo Mavel. Mantiene estoicamente su posicion de fuerza y presencia en  el entramado de heroes. Se puede decir que su valor,feminismo y movimientos entre el mundo del espacio solo representaria a las mujeres de 50 años. Disimuladamente sumisa con el patriarcado, nos explica como el, Me too, desprecia todo lo anterior, con lo que poca ideologia, simple visualmente y falta de ritmo debido quiza  a su ostracismo . Una ex piloto de las Fuerzas Aéreas reclutada por los kree, una raza alienígena, para formar parte de su unidad militar de élite. Incapaz de discernir cuáles de sus recuerdos son reales y cuáles implantados, Carol vuelve a la Tierra, ahora convertida en el centro de la guerra entre los kree y los skrull. Junto a unos pocos aliados, tendrá que resolver el misterio de su pasado y luchar para convertirse en una de las heroínas más poderosas de la galaxia, Marvel recibe a una nueva y inquilina: Capitana Marvel. El personaje creado por Roy Thomas y Gene Colan en 1968 se convierte en la primera superheroína de la Casa de las Ideas en protagonizar una película en solitario. También es novedosa la época en la transcurre, una década de los 90 inédita en el UCM donde la Tierra se ha convertido en el campo de batalla de una devastadora guerra interplanetaria que podría reducirla a cenizas. El dúo formado por Anna Boden y Ryan Fleck, responsable de éxitos indie como Half Nelson y La última apuesta, se carga la cinta a la espalda repleta de acción y efectos especiales que, además, arroja luz sobre el pasado de conocidos personajes como Nick Furia, Phil Coulson. Brie Larson (Kong: La Isla Calavera) se pone en la piel de un personaje más de la mitología Marvel en esta cinta que habla sobre aprender del pasado para conocerse a uno mismo. Le acompañan Samuel L. Jackson (Glass (Cristal)), Jude Law (Animales fantásticos: Los crímenes de Grindelwald) y Annette Bening (La gaviota), así como Ben Mendelsohn (Ready Player One) y Lee Pace (The Program (El ídolo)) como principales villanos.

Corgi

Rex es uno de los corgis que habitan el Palacio de Buckingham. La vida de lujo que disfruta y ser el favorito de la reina le han convertido en un perro muy arrogante. Sin embargo, un incidente diplomático con el presidente de EE.UU., del que es culpable, le hará caer en desgracia y, tras ser traicionado por uno de sus compañeros, terminará perdido por las calles Londres. Con la ayuda de nuevos amigos Rex tendrá que salir airoso de una peligrosa aventura si quiere volver junto a su adorada dueña. Convertido en referente de la animación europea, Ben Stassen (El hijo de Bigfoot) estrena su nueva producción, una cinta de dibujos animados de origen belga pero rodada en inglés. Corgi, las mascotas de la reina lleva al espectador a una increíble aventura desde las lujosas dependencias del Palacio de Buckingham hasta los rincones menos glamurosos de Londres. El protagonista de este viaje es un arrogante perro acostumbrado a la pompa y el boato que pasará de ser el favorito de la reina a caer en desgracia tras un desafortunado incidente con el presidente Trump. A medida que avanza el film, este simpático personaje aprenderá de sus errores y se ayudará del amor y la amistad que surge con sus compañeros de perrera para intentar volver a casa. Por el camino tendrá que sortear todo tipo de peligros y situaciones disparatadas que harán las delicias de los más pequeños de la casa. Tom Courtenay (Rey de ladrones) y Julie Walters (El regreso de Mary Poppins) lideran, junto a Jack Whitehall (El Cascanueces y los Cuatro Reinos) y Ray Winstone (Point Break (Sin límites)), el reparto vocal de este film que también piensa en los mayores, a los que regala referencias a películas como un retrato satírico de nombres ilustres de la política internacional.

cold november

Ismet Sjarina nos recuerda una historia que dirigentes muy proximos pretenden que olvidemos. A principios de 1990, el gobierno serbio revocó la autonomía de Kosovo, disolvió el Parlamento, cerró la televisión y aplicó duras medidas que reestructuraron la vida institucional y obligaron a los trabajadores a aceptar a Serbia como su país soberano para no perder sus privilegios. Seguro que les recuerda a un articulo parecido que se aplico en el sur de Europa. Un director que defiende hacer mas películas de guerra y menos guerras. Mientras las manifestaciones se suceden, un archivista que debe decidir entre ser un patriota o soportar la vergüenza, la presión y la mala reputación por el bienestar de su familia. Escogerá lo segundo. Tras una buena acogida en el Festival de San Sebastián, el segundo largometraje de Ismet Sijarina (Ama doren), es un drama histórico que escenifica la tensión irrespirable que había en Kosovo durante los instantes previos a la Guerra de los Balcanes, cuenta aquella aciaga época a través de los ojos de una familia albanesa de clase media que, ante la abolición de la autonomía del país por parte del gobierno yugoslavo y la amenaza de despido a todos aquellos trabajadores que se negaran a aceptar su autoridad, debe escoger entre dos opciones injustas: ser considerados traidores por sus semejantes y aislarse socialmente, o poner en peligro el bienestar de sus seres queridos. El realizador vuelca en este film sus propias experiencias personales como hijo de unos padres que tuvieron que tomar esa terrible decisión y muestra cómo fueron aquellos años en los que la población dejó de vivir para empezar a sobrevivir. El televisivo Kushtrim Hoxha (The Americans) lidera un reparto que completan Adriana Matoshi (The Marriage) y Fatmir Spahiu.

La noche devora el mundo

Una situacion real sirve al director Dominique Rocher para contarnos las sombras de la noche, la soledad que contiene y lo dificl que es sobrevivir en ella. Inquietante en parte por sus efectos especiales basa su credibilitat en los actores. Aunque nos movemos entre zombies que matan, la opera prima, deben pensar que hay mercado, la plaga de muertes, no mancilla la historia de sobrevivir encerrado en un edificio que tiene de todo para salvarse, copiando todo lo que puede de las junglas de cristal. En un Paris lleno de muertos vivientes, tambien es mala  suerte que Anders Danielsen despierte su vida siendo un extraño en un Paris de ensueño. Denis Lavant ySigrid  Bouaziz tambien despiertan en la capital francesa.

Profresor en Groenlandia/ a polar year/Une anne polaire

Centrado en la historia  de este profesor valiente, olvida Samuel Collardey los grandes males de su Groenlandia idilica que son prioritariamente, el alcohol, el paro, la violencia y como consecuencia el suicidio en una lto porcentaje por lo pequeña que es la poblacion donde se instala. El que podria ser una pastis sentimentalromantico paisajistico deviene, por la informacion que transmite un film serio y respetuoso, tanto que al final, comunica que se termino de rodar en 2018 y que el profesor Anders Hvidegaard, todavia imparte clases. Un profesor recién licenciado, decide lanzarse a la aventura y abandonar su Dinamarca natal para desarrollar su profesión en una pequeña aldea de Groenlandia. Al llegar al lugar se encontrará una comunidad cerrada que no le acepta y unos niños que prefieren cazar o pescar junto a sus padres antes que ir a la escuela. Sin embargo, Anders conseguirá deshacerse poco a poco de sus prejuicios de europeo y adaptarse a un estilo de vida muy diferente. Apasionado de la nieve y de las posibilidades estéticas que ofrece, el francés Samuel Collardey (Como un león), frances, cumple un sueño y dirige esta tierna cuarta película que transcurre en los impresionantes y remotos paisajes de Groenlandia. Tras convivir un tiempo en una pequeña aldea de esta inmensa isla entre el Océano Atlántico y el Glacial Ártico y ser partícipe     de sus costumbres, el realizador muestra al espectador cómo es la vida en este lejano lugar a través de los ojos de un profesor recién l legado, que tendrá que dejar a un lado sus ideas preconcebidas par a vencer la soledad y el aislamiento e integrarse en una comunidad  y estilo de vida radicalmente diferentes de los suyos. Solo consiguio el reconocimiento y un poco su integracion,  a traves de un jove lampista con el  tiene una relacion laboral. Luego con la pesca y la caza, con una gorra                    con el escudo del Barça,asistiendo  a entierros, bodas y bautizos,   dialogando con las focas y comiendoselas cuando tocava, consigue      el favor de la comunidad. El propio protagonista de esta historia real, Anders Hvidegaard, danes de 28 años con la carrera recien  terminada es un film que transita en su mayoría en el terreno del documental, pero que también cuenta con secuencias de ficcion. De esta forma supera los 80 %, porcentaje de hielos perpetuos de la zona y las barreras linguisticas y politicas. Aplaudido en el Festival de Sundance, este largometraje ofrece una profunda lección de vida y una radiografía de la sociedad groenlandesa mientras indaga en el propio conflicto interno de este joven docente danés,que no quiso ser labrador. Completan el reparto familiares y compañeros del propio Anders, Asser Boasse, Thomasine Jonahansen, así como auténticos lugareños de la localidad de Tiniteqilaaq.

Larga vida y prosperidad

Ben Lewin accede al film tras presentar un guion del universo Trek.Y le entregaron este analisi psicologico frustado sobre un joven que acude al psicologo para ordenarse y lo que logra es sentirse una heroina sin guion.  El mundo y las personas a que le rodean son un código indescifrable para, una mujer de 28 años con autismo que adora la música y tejer jerseys para objetos inanimados. Su gran sueño es abandonar el hogar de acogida y vivir junto a su hermana Audrey, pero antes debe demostrarle que puede valerse por si misma. Para ello, Wendy se escapará y recorrerá un viaje de miles de millas para participar con su guion de 500 páginas en un concurso televisivo sobre su otra gran pasión: Star Trek. Inspirado por un artículo del New York Times sobre un campamento de verano para niñas con autismo, donde se contaba la historia de una de ellas, aficionada a escribir relatos basados en El señor de los anillos, el escritor Michael Golamco transformó esta idea en una obra de teatro que, ahora, el veterano director Ben Lewin (Las sesiones) pasa al celuloide. El espectador asiste al revelador viaje de una brillante veinteañera autista que se esfuerza por conectar con el mundo y las personas que le rodean, a la vez que se intenta demostrar (a si misma y a sus seres queridos) que puede ser una mujer independiente. Entre la comedia, el drama y la road movie, la película sigue a su protagonista a lo largo de un complicado camino repleto de personajes pintorescos que le ayudarán a superar etapas, aceptar su condición sin renunciar a nada y encontrar el lugar al que pertenece. Dakota Fanning (Ocean´s 8) protagoniza esta cinta indie repleta de ternura que, además, se adentra en el culto al universo Star Trek. Le acompañan en el reparto rostros conocidos como Toni Colette (Hereditary), Alice Eve (Antes de que te vayas), Patton Oswal, Jessica Rothe, Toni Revolori. En su intento de dibujar y definir el autismo, colecciona una coleccion de topicos que ya estan superados y que no ayudan a la protagonista a avançar hacia su indepèndencia. Tampoco a hacer la creible. Pero como una comedia dramatica, con mujer autista  al fondo, cuela.

feedback

Hay que agradecer a Pedro C. Alonso su valentia a tocar  el tema de la postmodernidad como la mentira, el engaño donde todo el mundo vende algo que ni tiene,en forma de simpatico thriller.  El entorno donde emplaza la accion es un estudio de radio, en un programa en tiempo real en el que se manipula  la informacion, sobre poder de los medios de comunicacion y la prision que ejercen a traves de los medios de los hombres contra las (sus )mujeres. Aprovechando al maximo los  minutos de los 97 que dura el film, el protagonista es el silencio y  el espectador despues del  masterclass recibido, le cuesta salir al exterior casi tanto como el film rodado practicamente en un solo escenario interior. Orgulloso de su reputación como estrella de las ondas,  un periodista que presenta el exitoso late night radiofónico La cruda realidad. Lo que iba a ser una noche más delante del micrófono se convertirá en una terrible pesadilla cuando dos encapuchados irrumpan en el estudio y amenacen con matar a todo el mundo si el programa no continúa como si nada ocurriera. El problema es que ellos escriben el guion, y el tema estrella es un escándalo que podría acabar con la imagen del popular presentador. Las malas decisiones son el motor de la ópera prima de Pedro C. Alonso, una cinta de producción rodada en inglés, que sitúa la acción en un estudio de radio londinense donde se respira tensión. Al miedo y la violencia de este thriller, Alonso añade un importante componente social, reflejado en la personalidad de cada uno de los protagonistas (víctimas y verdugos) de una situación límite ambientada en un espacio que juega un papel crucial como catalizador de emociones. En la tradición de los mejores titulos exponentes de la detencion en un domicilio, dos encapuchados listos, implacables , sembrarán el pánico en una emisora durante un programa nocturno, a lo largo del que se desarrollará una trama de intriga, verdades y mentiras que transcurre prácticamente en tiempo real. Eddie Marsan (El vicio del poder), Ivana Baquero (Demonios tus ojos), Paul Anderson (El renacido) y Richard Brake (La muerte de Stalin) interpretan a estos personajes, cada uno con su propio pasado oscuro, que, a medida que avance el film, irá saliendo a la luz a través de giros y revelaciones. Si salen en  el film,Eddie Marsan, Paul Anderson, Ivana Baquero, Richard Drake, Nacho Aldeguer, Oliver Coopersmith y Alana Boden.

Sobibor

Sobibor es un de tantos campos  de exterminio judio que ha base de gas busca el sentido de la solucion final. De Varsovia sale un tren con destino al campo con los judios en suma mayoria  contentos por las promesas alemanas, que a su vez mantienen el terror matando ipsofacto aquell que sale de  la hilera o mira al frente. Como ya hemos indicado hace unos dias semana si semana no nos pasan peliculasde este g eenro menor que el belico   del tercer reich o de las SS. Aqui la historia no cambia mucho, pero siempre se aprende, se llora o se intenta divulgar el holocausto. Con la reseña de que en Bolibor torturan mas familiarmente, sexo poco, horribles escenas tambien mientras un grupo de internos planean la fuga a lo bestia. En el campo de exterminio de Sobibor, el oficial soviético Alexander Pecherski es uno de los cientos de prisioneros judíos que malviven en condiciones infrahumanas. Decidido a cambiar las cosas, Pecherski organiza un alzamiento que permita escapar a más de 300 personas. En la maniobra conseguirán eliminar a 11 soldados de las SS, pero tras un intento fallido por tomar la armería, deberán arriesgarse para salvar el mayor número de vidas posible y huir a través de un bosque plagado de minas. El 14 de octubre de 1943 se produjo una rebelión de los prisioneros del campo de exterminio de Sobibor, en Polonia, que terminó convirtiéndose en la mayor fuga de uno de estos infames recintos en toda la Segunda Guerra Mundial. A pesar de que más de 400 personas consiguieron escapar, 80 murieron durante la huida, 180 fueron detenidas y sólo 53 pudieron alcanzar el objetivo. Uno de los líderes de aquella revuelta, Alexander Pechersky, es el protagonista de esta épica cinta basada, en su mayoría, en la biografía que Vasilyev Ilya escribió sobre este personaje. Sobibor, que fue la candidata escogida por Rusia para aspirar al Oscar a Mejor película de habla no inglesa, sirve además como debut de Konstantin Khabenskiy (Guerra Mundial Z) que, además, se reserva el papel principal. Rodada en cinco idiomas (ruso, polaco, alemán, holandés y yiddish), la película es un épico y conmovedor canto a la lucha por la vida y la libertad en las circunstancias más adversas. Completan el reparto Christopher Lambert (¡Ave, César!) como el temible oficial nazi al mando, Mariya Kozhevnikova (Savva. El corazón del guerrero) y Philippe Reinhardt. Se orienta tanta moda de este tipo de films a algo que no sepamos. Casualidad. Dura e impactante, cruel, pero explicita y divulgativa paa todos aquellos que niegan todava el holoausto.

4 latas

Cuando se quiere analizar a la sociedad , su dependencia y su falta de libertad a a traves de una road movie, siempre ocurre lo mismo. Como la carretera es de todos y somos muchos, acaba faltandonos tiempo para sacar conclusiones de todos y mas en el desierto. Y es lo que le ocurre a Gerardo Olivares en su introspeccion a si mismo a traves de su entorno,en su primer largo. La época más feliz de un hombre fue hace 30 años, cuando junto a sus amigos, atravesaban el desierto del Sáhara en coches que luego vendían en su destino. Tras años sin saber de ellos,  recibe una carta de la mujer de uno de ellos, que vive en Mali, donde le comunica que está gravemente enfermo y que uno de sus últimos deseos es volver a verlos. De este modo, los dos partirán a su encuentro como en los viejos tiempos, a bordo del 4 latas (Renault 4, 4 llaunes) que ahora pertenece a la hija. Hoy en día reputado guionista y director español, Gerardo Olivares (El faro de las orcas) explotó su lado más aventurero en la década de los 90, cuando recorrió el mundo en un camión rodando documentales que luego fueron emitidos en prestigiosas cadenas internacionales. En aquella época conoció una práctica que se remontaba hasta los años 70 que llevaba a comerciantes franceses a atravesar el Sáhara en vehículos de segunda mano para luego venderlos en Mali o Níger por cantidades en algunos casos hasta cinco veces superiores. Aquellas historias que oyó de la mano de sus propios protagonistas sirven como base para esta emocionante road movie ambientada en las arenas africanas. 4 latas reúne el afán explorador con la nostalgia del que piensa que cualquier tiempo pasado fue mejor a través de una amistad perdida entre los años que volverá a resurgir en un último, peligroso y catártico viaje. Hovik Keuchkerian (El hombre que mató a Don Quijote), Jean Reno (La chica en la niebla) y Enrique San Francisco (Sin rodeos) interpretan a estos camaradas. Les acompañan Susana Abaitua (Viaje al cuarto de una madre) , Francesc Garrido, Juan Dos Santos y Arturo Valls.

Bienvenidos a Marwem

Como casi todas las películas de Zemeckis son mas que complejas,  originales. La originalidad aunque se base en hechos reales, mas interesantes, pero para la película, necesitan un cojin para rellenar este hecho  contado en 5 minutos y obtener los 116 del film.Dominador de las tecnicas antiguas y modernas, es un artesano de la fascinacion Una mirada de tron sobre el matrimonio tal como lo conocemos, pero profundizando poco en su intmidad con  la tranquilidad de que adonde no llega Zemeckis, la alcanza mr Carell. Esta  coleccion de flashess ja los habia contado en un documental  Jeff Malberg (2010), la cnvierte el director en una melaza de generos no siempre faciles de entender, pero que justifican los daños del cerebro de invencion de Marwen. Tras sufrir una brutal paliza y despertar de un coma con amnesia total, Mark Hogancamp, ve cómo todos sus recuerdos han desparecido y nadie, ni siquiera los médicos, puede ayudarle a recuperarlos. La única terapia será la construcción en su jardín de Marwen, una ciudad en miniatura de la Segunda Guerra Mundial que llenará de personajes inspirados en él y las personas que le rodean, entre ellas amigas y hasta sus agresores. Las aventuras que viva allí le permitirán reintegrarse en el mundo real. Posiblemente uno de los directores más influyentes de las últimas décadas, Robert Zemeckis (Aliados) vuelve a la gran pantalla con una historia de superación basada en hechos reales,  toma como punto de partida el documental, que contaba el caso de Mark Hogancamp, un hombre que, tras sufrir una terrible agresión y despertar del coma con amnesia total, encontró en la construcción de una maqueta, repleta de "barbies" la mejor de las terapias. Historia sirve a Zemeckis para dar rienda suelta a su demostrada habilidad para combinar emoción, deficiencia intelectual y fantasía en una película que ensalza el potencial curativo del arte y la imaginación. El mundo de esta ciudad donde los muñecos cobran vida y se suceden espectaculares escenas bélicas convive con una realidad en la que su protagonista se sobrepondrá a las adversidades con la ayuda de fuertes personajes femeninos. Steve Carell (El vicio del poder) lidera esta oda al amor y la tolerancia que cuenta con la participación de Leslie Mann (#Sexpact), Diane Kruger (En la sombra), Merritt Weber (Diré tu nombre) y Gwendoline Christie.

Antonio Lopez apuntes del natural

Película con el excelente pintor aportando la  parte documental del mismo, sin superar la magnifica El sol del membrillo", tambien un espacio de cine para captar la metuculosidad de artista. Tanta que cada dia que el membrillo se hacia mas grande, cambiaba su tamaño el lienzo. Coincidiendo con Van Gogh en la cartelera es una buena ocasion para gozar  de los aficionados a la pintura y los que no para serlo. Aun que sus obras se cotizan en cientos de miles de euros (en algunos casos, hasta millones), Antonio López nunca ha dejado de ser una persona humilde; un hombre que camina por la vida mal vestido y afeitado y al que no le importa que la gente se acerque con cariño. A su vez, ha desarrollado una fama internacional con la que es difícil convivir. Este documental se acerca al día a día del reconocido pintor, además de ahondar en sus diferentes facetas artísticas y aspectos desconocidos de su vida. Hijo de pintores realistas que pertenecen a la misma generación que el conocido Antonio López, Nicolás Muñoz (Animales de compañía) se acerca a ese ambiente artístico que ha respirado desde niño y dirige un documental que se centra única y exclusivamente en la vida y obra de este genio emblemático y carismático. Antonio López. Apuntes del natural se erige como una radiografía de la personalidad de su protagonista, un hombre inteligente y de formidable oratoria, cuyo carácter humilde y cercano choca en ocasiones con el estatus de estrella que le acompaña. A la vez que repasa su trayectoria vital, desde la Guerra Civil hasta la época actual, y sus experiencias con disciplinas como el dibujo o la escultura, la cinta sigue el laborioso proceso de creación de López y lleva al espectador entre los bastidores de las dos exposiciones que le ha dedicado el Museo Thyssen Bornemisza. Sólo una entrevista, la realizada al propio maestro, forma parte de esta producción que también se acerca a su labor como profesor de un taller para jóvenes pintores que imparte todos los años en Albacete.  Una primera parte como pinta en la naturaleza, ensu estudia , tambien con esculturas, bodegones personales para seguir el documental cn su vida, reflexiones y anecdotas como contaba en el "El sol..., con un amigo que le visita.