el secreto de las abejas

Adaptación de la novela superventas de Fiona Shaw, El secreto de las abejas es un drama romántico que no sólo cuenta la historia de amor prohibido entre dos mujeres de diferente clase social en un entorno cerrado britanico y prejuicioso, sino también la de un joven con la naturaleza. 25 años después del fracaso de Super Mario Bros., Annabel Jankel vuelve a dirigir una película con este relato, contado a través de los ojos de un niño, donde una colmena de abejas se convertirá en epicentro de sentimientos que florecen y las consecuencias de secretos que terminan, inevitablemente, al descubierto. Además de hablar de los problemas y el dolor al que se enfrentaban los homosexuales en la Escocia de los años 50, la película también habla sobre las relaciones interraciales y la discriminación sexual de una sociedad patriarcal que, poco a poco, empezaba a cambiar y ampliar sus miras. Anna Paquin (X-Men: Días del futuro pasado) y Holliday Grainger (Cenicienta) lideran el reparto como esta pareja de enamoradas que luchan, con coraje y generosidad, contra una época que no las acepta. Les acompañan Gregor Selkirk (T2: Trainspotting), Emun Elliott (Star Wars: El despertar de la fuerza) y Kate Dickie . En los 50, la Dra. Jean Markham vuelve a su pueblo natal, que abandonó años atrás en extrañas circunstancias, para encargarse de la consulta de su difunto padre. Allí llega el pequeño Charlie, magullado tras una pelea en el colegio, al que Jean animará a visitar sus colmenas y contarle sus secretos a las abejas como hacía ella. A través del muchacho, Jean conocerá a su madre Lydia, una mujer abandonada por su marido y mirada con recelo por sus vecinos, por la que se sentirá poderosamente atraida. Un peldaño mas en carrera de una niña que llego a la playa en un piano.
  

instinto maternal

Reiterativa pelicula aumentando a medida que avanza el guion. Con formato de estilo psicologico, los diferentes sucesos que ocurren van dejando de tener consistencia con lo que el film entretieney evita elvuelo de tomates, incluso agrada al espectador medio. Un accidente abre demasiadas puertas para el tiempo que queda. Muy buenas las interpretaciones de Veerle Baetens y Anne Coesens, Alice y Céline respectivamente que son las mejores amigas.La felicidad de la burguesi es tener un matrimonio y un hijo que vaya al colegio.?Por momentos a Olivier Masset Despasse debe pensar que esta dirigiendo una serie o unos capitulos de television. Vecinas en un barrio bruselense de clase media en los 60, su estrecho vínculo llega incluso a sus familias, hasta el punto de que sus respectivos hijos, Théo y Maxime, son casi hermanos. Sin embargo, todo se desmorona cuando, en un trágico accidente, Maxime muere ante la impotente mirada de Alice. Céline le acusará de no haber salvado a su pequeño y, desde entonces, la relación entre ambas cambiará tanto que Alice empezará a temer por una posible venganza. En su nueva película, Olivier Masset-Depasse (Illégal) adapta libremente la novela de la escritora belga Bárbara Abel. Instinto maternalpermite al realizador convertir una historia de importante carga humana en una película de género donde la tragedia de una madre será el detonante de un tenso thriller. Las sombras de Hitchcock y David Lynch planean sobre una elegante y atmosférica cinta, ambientada en la Bruselas de los años 60, que juega con mentiras y verdades para mantener la intriga hasta la sorprendente resolución final. Fiel a la filmografía de Masset-Depasse, la relación entre dos poderosas protagonistas femeninas, que pasan de ser amigas inseparables a las peores enemigas, se convierte en el núcleo de un film donde el aspecto psicológico de los personajes, y la participación del espectador a la hora de descubrir las verdaderas intenciones de cada uno, juega un papel crucial. Veerle Baetens (Alabama Monroe) y Anne Coesens (No es mi tipo) interpretan este intenso cara a cara entre dos mujeres con una increíble fuerza de voluntad. Les acompañan Mehdi Nebbou (Vivir sin parar) y Arieh Worthalter.

cinema mon amour

Este es un documental que se cocinó a fuego lento, y durante el tiempo de grabación se cerraron, sólo en Barcelona, 10 salas de cine. Algunas de ellas emblemáticas, como el inmenso cine Urgell, com 1.800 butacas. El documental de Regàs hace un seguimiento al cierre de estas salas, con momentos de gran emotividad. Incluso muestra como ella misma pone en marcha la última proyección de una sala de cine, con tan sólo tres personas en la platea. Graba como se baja la persiana en el suntuoso Cine Alexandra, de la Rambla Catalunya, en una noche lluviosa (acabaría convertido en tienda de ropa). Se cuela durante una okupación en el Palacio del Cine, de la Via Laietana, para deambular entre las paredes en ruinas de la antigua sala de exhibición. Incluso visita el interior del APSI, que se mantiene fosilizado en el tiempo, pero con las puertas cerradas. Y pasa por el impresionante cementerio de aparatos abandonados de distintos cines, donde se depositan los proyectores que probablemente nunca nadie volverá a utilizar. Natàlia Regàs apunta cuatro rayos de esperanza en el mundo de las salas de exhibición de cine: los renovados Texas, que ofrecen una programación de arte y ensayo a precio económico y en catalán; la sala Phenomena Experience, que quiere revivir el cine tal como se veía antes; el Zumzeig, que nace con una filosofía renovada; y sobre todo, el Cine Maldà, la sala donde Regàs trabaja, decidida a ayudar a la pervivencia del cine en pantalla grande.  Es un documental que incorpora las voces de muchos personajes del mundo del cine: exhibidores, gerentes, proyeccionistas, pintores de carteles... La joven Natàlia Regàs, pese a la diferencia generacional, sabe captarse la simpatía de estos personajes y compartir con ellos algunos momentos de amor al cine. Muchos entrevistados se sienten dolidos, resignados los otros, esperanzados los menos... Todos ellos se sienten vinculados todavía, pese a todo, al cine como gran espectáculo. Al cine de las grandes salas.

Regàs muestra que el cierre de los cines es una consecuencia directa del mal funcionamiento económico del sector. José Batlle, exconsejero delegado de Cinesa, no lo puede decir más claro: algunas salas funcionan gracias a la venta de palomitas. Los entrevistados no dejan de preguntarse el porqué de esta crisis. Y la lista de motivos es larga. Hablan de la tendencia al oligopolio del mundo del cine, controlado cada vez más por grandes grupos que hacen inviables las pequeñas salas (las nuevas tecnologías de proyección han facilitado la concentración del sector). Apuntan que las crecientes diferencias sociales impiden a algunos sectores de la población ir el cine. Critican la piratería y la falta de acción contra esta. Pero, sobre todo, apuntan al cambio en los hábitos de ocio, y al hábito de verlo todo en el móvil y de forma individual. Censuran el hábito de ver el cine en pantallas pequeñas, donde no se puede captar su grandiosidad: "El mejor sitio para ver una película es el cine", explica J.A. Bayona, que en el documental confiesa que su primer recuerdo de infancia es de cuando vio volar a Superman, a los tres años, en el Cine Urgell. Pero también se muestran críticos con el hecho de que la gente prefiera el ocio en solitario. Nacho Cerdà apunta que es urgente recuperar el cine como "experiencia social", como "ritual" y como vivencia "de complicidad. Natàlia Regàs hace un documental muy personal. Como directora, no quiere mantenerse oculta, sino que se hace presente en todo momento, hasta el punto en que incluso se autoentrevista. Y la clave de su documental es transmitir esta pasión por el cine que ella vive (en la estela de Cinema Paradiso, como reconoce en algún momento). Cinema mon amour está impregnado de nostalgia por un tiempo que la directora no vivió. Y, sin duda, removerá las tripas en todos aquellos que, por generación, el cine marcó sus vidas. Sin duda, mucha gente disfrutará viendolo.

Toy story 4

El entorno de Josh Cooley afirma que la recaudacion ha sido inferior sucesivas sagas desde   los juguetes a uno vegadores de 3 al cuarto. Por una vez, me acerco a la cuarta entrega con cuatro guionistas sin miedo, porque que haya bajado la taquilla es una buena señal. Una primera parte  de aventuras que se producen al perseguir Woody un tenedor esquivo que se oculta ante el bueno de Woody em containers y papeleras pensandose que es su verdadera mision y un cowoy de verdad. Una tienda de antiguedades se convierte en su mundo al alcance de sus medidas, porque el unico que vuela es Buzz. Vive en la inquietante estancia una joven muñeca y sus tambien peligrosos esbirros.Esta entrega pone el pie un poco mas en el amo y el  enamoramiento, como el ejemplo del paseo del vaquero
 y la tenedor de la mano. Disney Pixar estan consiguiendo que la
serie no empeore, sino que siga ascendente y esta mantiene el nivel de l'anterior de una original historia que empezo con una amistad .Devolver el tenedor
a la niña ese principa del film. "4 año  despues, Woody comprueba que
el liderazgo de un grupo cuesta mucho de mantener y peor si este oponente es militar, el espacial Lightyear. Ppor si fuera poco, el tenedor lo ha creado y diseñado la niña, la otra protagonista del film.

godzilla 2

iAdolescentes abandonados cientificos desfasados terroristas veganos, son ofrecidos por el guion  en sacrificio, para intnetar parar aGodzilla y su s congeneres. Continuacion de la segunda parte en la que recupera algunos personajes como Rodan o Mothra. Película de cine de barrio en unos planos secuencia mas de fiesta mayor de pueblo que una guerra del espacio. Godzilla 2 intenta emular las primeras peliculas de King Kong,tan convencional como su predecesor (monstruo en la ciudad sin lograr el mismo titanismo espacial. Tras cuatro años de pensar o no,vuelve la bestia prehistorica, adornada esto si con tres personajes minimo mas de la historia contemporanea.   Finalmente, la Tierra se ha rebelado, y gigantescas criaturas ancestrales, que se creían mitos, han despertado tras siglos de letargo y ahora siembran la destrucción en su lucha por la supremacía del planeta. En un esfuerzo heroico, la agencia cripto-zoológica Monarch busca la solución a esta terrible amenaza que representan monstruos del tamaño de dioses. Con toda la humanidad en peligro, la única esperanza será liberar a Godzilla y enfrentarlo a Mothra, Rodan y su gran némesis: King Ghidorah. Tras Godzilla y Kong: La isla Calavera, el MonsterVerse de Warner y Legendary Pictures continúa su expansión con Godzilla: Rey de los monstruos. Michael Dougherty (Krampus. Maldita Navidad)  presenta este espectáculo descomunal de destrucción, épica y acción. En su tercera adaptación hollywoodiense de las aventuras del gigantesco largarto de la Toho, que lleva 65 años arrasando ciudades japonesas, Godzilla se enfrentará a algunas de las criaturas más conocidas de su mitología, como Mothra, Rodan o la más temida de todas: King Ghidorah. Aunque los combates por la hegemonía de la Tierra entre estos titanes son el gran reclamo de la cinta, en segundo plano transcurre una trama con trasfondo ecológico, el drama de una familia separada por la tragedia y el ya característico confrontamiento de opiniones entre científicos y personal militar. Los nominados al Oscar Ken Watanabe (Pokémon Detective Pikachu) y Sally Hawkins (La forma del agua) retoman sus papeles y comparten cartel con los nuevos fichajes.

la banda

Rodada entre Londres y la Comunidad Valenciana, y presentada en el Festival de Málaga, La Banda es la ópera prima de Roberto Bueso, que escribe y dirige un emocionante drama protagonizado por el viaje, tanto interno como a su tierra natal, de un eterno aspirante a músico al que el regreso a casa tras tres años viviendo en Londres le abrirá los ojos y le mostrará que es hora de madurar. La familia, la amistad y ese primer amor que nunca se olvida son los temas principales de una película que habla sobre el momento en el que las decisiones se vuelven trascendentales y hay que enfrentarse a dolorosas despedidas para evolucionar y encontrar el camino propio. Con la tradición valenciana de las bandas de música como telón de fondo, el largometraje cuenta con un elenco de intérpretes amateur, liderado por Gonzalo Fernández como un joven en un desesperado intento por recuperar el tiempo perdido, que aportan naturalidad y veracidad a este relato que también aborda el tema del desarraigo. Les acompañan Charlotte Vega (La librería). Edu es un músico que, tras tres años de solitaria vida en la lluviosa Londres, vuelve a su Valencia natal con motivo de la boda de su hermano. Allí se reencuentra con su familia y sus amigos Juanma, Farinós y Cabolo, que despiertan en él recuerdos de antaño y la necesidad de recuperar el tiempo perdido, aunque ya no son adolescentes despreocupados y tienen importantes responsabilidades. Alicia, la eterna novia de Juanma, también reaparecerá y hará que resurjan sentimientos que creía perdidos.

esto no es Berlin

En 1986. México se prepara para la Copa Mundial de Fútbol, pero Carlos, un joven de 17 años que no encuentra su lugar, está más interesado en la música y en Rita, la hermana de su mejor amigo Gera. Todo cambia cuando Carlos y Gera descubren El Azteca, un mítico club nocturno clandestino que les mostrará el ambiente underground de la ciudad. Ante una nueva forma de ver la vida, el punk, la libertad sexual y las drogas les llevarán a explorar su identidad, pero también pondrán en peligro su amistad. Ganadora de 4 premios en el Festival de Málaga, la nueva película de Hari Sama (Despertar el polvo) lleva al espectador hasta la México de los años 80. En ella, el director vuelca buena parte de sus experiencias como adolescente en una época donde los jóvenes todavía sufrían los ecos de la represión y los cambios sociales de los 60 y 70, y que tuvo como respuesta el nacimiento de la escena underground. En este contexto, cuenta la historia de dos amigos, ambos de familias desestruturadas, a los que embarga una sensación de desconexión en todos los ámbitos de su vida. La suerte les hará adentrarse en un oasis de contracultura que, a la larga, será el germen de posteriores movimientos por las libertades de la juventud y la visibilidad del colectivo LGTB. Xabiani Ponce de León (Violetta) y José Antonio Toledano (Guardianes de Oz) debutan en la gran pantalla como protagonistas de este largometraje que, a través del post punk, las drogas, la sexualidad sin tabúes y el arte, elabora un retrato generacional y, a la vez, una historia de autodescubrimiento y liberación. Marina de Tavira (Roma) y Ximena Romo (La vida inmoral de la pareja ideal).

Tolkien

Tolkien en la película es un tipo timido e indeciso que duda continuamente. El que si ha tomado una decision es Dome Katukoski que plantea el guion en dos partes. Una primera belica para justificar las ausencias del despues y otra donde recuerda hechos pasado sucedidos o no en la realidad pero que le sirven para montar el engranaje de este  curioso autor.Film escrupuloso, aseptico, suntuoso, es donde J R R. Tolkien enmarca sus personajes. El Hobbit señor de los anillos es el fondo masa que supera guerras, romances y louras de juventud. Desde las trincheras hay quien ve la cultura de Kubrick en la imagen, en el biopic desordenado para dejarlo todo en un nivel que resulta ser pulcritud brintanica. Nicolas Hoult, LLily Collins,Gembnevivie O'Really y Colm Meaney son los actores prncipales.

Faraway land

 Atenas, Grecia. Desde que cerraron las fronteras en marzo de 2016, miles de refugiados viven atrapados en la ciudad, mientras esperan ser reubicados. Pero no están solos. Decenas de voluntarios y voluntarias están allí para acompañarlos durante esta etapa tan llena de incertidumbre.   Daniel A Azpe nos muestra la desesperacion inmigrante en su faceta  mas dolorosa, la llegada a unp puerto extrangero, algunos con bajas en su familia, desaparecidos en el  "crucero". Se fija el director  en la cadena humana que se monta alrededor  de una llegada a Atenas, Grecia. Desde que cerraron las fronteras en marzo de 2016, miles de refugiados viven atrapados en la ciudad, mientras esperan ser "colocados" en las diferentes entidades que sin recursos. Pero no están solos. Decenas de voluntarios y voluntarias están allí para acompañarlos durante esta etapa tan llena de incertidumbre.Policia, medicos , camilleros, voluntarios de todo tipo, psicologos, y hasta los que traen mantas aunque ea verano, exponen sus rostros a la evidencia, que con la costumbre, ya no les provoca el llanto, como hicieron la primera vez.                  

Men in black international

Mas hombres de negro, nuevos personajes, estos con un tono mas naif y que ostentan un humor mas cinico y tardio.Cuarta engrega, (horror habran mas), que solo serviran para aplaudir actores y actrices como Emma Thompson, cuyo unico regalo es pasear por Europa y Africa, todo pagado. Le siguen Liam Neeson, que ya es jefe de los MI, y una niña que descubre el secreto de los Men y es reciclada em woman in black. Peleas de echarse martillos por la cabeza, novedad de violencia que aporta Chris Hemsworth. La pelicula de dia es divertida hasta complice  y lujosa de ambientacion, de noche lucha a oscuras contra los invasores dirigidos por Gary Gray perdiod en las callejuelas de Casablalnca, F gary Gray, maneja este refrito de las 3 anteriores, un reboot que no presagia la continuidad de la serie pero tampoco su cese que curiosamente el que hay que proteger es el coche bondiniano del protagonista. Introducen un hombre color black y consiguen  la paridad con la Thompson, aunque esta pregunta porque se siguen llamando hombres. Un totum revolutum de un director que parece  perdido por las callejuelas de Casablaca. Los hombres de Negro se ha convertido con el tiempo en una organización secreta internacional que protege la Tierra de la peor escoria del universo, esté donde esté. Ahora, la agencia se enfrenta a su mayor desafío hasta el momento: una amenaza alienígena, capaz de tomar la forma de cualquiera, que se ha infiltrado en lo más profundo de su estructura. La única esperanza para encontrar al topo y evitar una catástrofe será la extraña pareja que forman el condecorado agente H y la novata agente M. 7 años después de cerrar la exitosa trilogía protagonizada por Will Smith y Tommy Lee Jones, la agencia de defensa contra las amenazas extraterrestres surgida de los cómics de Lowell Cunningham se renueva para una nueva generación. F. Gary Gray (Fast and Furious 8) toma el testigo de Barry Sonnenfeld y dirige esta comedia de acción y ciencia ficción con espíritu de buddy movie. Men in Black: International presenta nuevas armas, razas alienígenas y adquiere una dimensión más internacional, donde los protagonistas recorren diferentes partes del mundo para descubrir una conspiración intergaláctica cuyo origen se sitúa en un topo infiltrado en la propia organización. Chris Hemsworth (Malos tiempos en El Royale) y Tessa Thompson (Creed II: La leyenda de Rocky), la segunda mujer agente de la franquicia, repiten juntos tras Thor: Ragnarok y Vengadores: Endgame y se enfundan el traje negro y las gafas de sol en esta cinta que aporta una visión fresca y moderna de este universo, a la vez que conserva la combinación de épica, efectos especiales, aventuras y humor que han hecho de esta saga una de las favoritas del público. Completan el reparto Emma Thompson (El veredicto), Liam Neeson (Viudas) y Rebecca Ferguson.

Sauvage

La presentacion de la historia es tan duro y simple, explicito que no cuestiona el tema gay y la prostitucion en absoluto. De la misma manera que critica duramente la corporacion o comunidad que con tecnicas fisicas y psicologicas pretenden invertir las tendencias de los jovenes. Tan explicita como nada sentimental, el trabajo del protagonista, que hace del hecho su forma de vida. LA PROSTITUCION EN LAS CALLES DE PARIS NO HA GUSTADO  TODO EL MUNDO. EL FILM SE PARTE EN DOS Y PUEDE VER SE DE DOS MANERAS: CONTRA LA PROSTITUCION O  NO, Y A FAVOR, PERO MIRANDO HACIA OTRO LADO. Leo tiene 22 años y trabaja vendiendo su cuerpo en la calle por poco dinero. A diferencia de otros compañeros de profesión, la clientela de Leo está formada exclusivamente por hombres a los que da un trato especial. Además de sexo, les proporciona una confortable sensación de protección y cariño. Mientras los desconocidos vienen y van, el corazón de Leo, que no sabe qué le deparará el futuro, late con fuerza y le impulsa a deambular hacia cualquier lugar donde pueda esconderse el verdadero amor, la ópera prima de Camille Vidal-Naquet, es el fruto de tres años de documentación en los que el director colaboró con organizaciones benéficas y escuchó las historias de jóvenes homosexuales parisinos que viven en la calle y ejercen la prostitución. A partir de aquellos encuentros surgió este drama que encuentra la dulzura en un entorno cruel y violento, donde un solitario chico de 22 años, sin vínculos ni ataduras y con una capacidad infinita para amar, busca desesperado el placer de ser querido en pequeños momentos de intimidad con cada uno de sus clientes. A través del viaje físico y emocional de su protagonista, la cinta propone una experiencia a flor de piel donde los cuerpos, desnudos y castigados, de sus personajes son mostrados a veces con un toque de erotismo, y otras con un realismo descarnado que refleja el día a día de estos trabajadores sexuales. Félix Maritaud (120 pulsaciones por minuto), muy directo, ha sido premiado en los festivales de Cannes y Sevilla. Le acompañan Eric Bernard (Cyrano de Bergerac), Philippe Ohrel (En la sombra) y el debutante Nicolas.

enemigo intimo / freres ennemies

La conocida lucha por la posesion de la droga en les banlieus franceses, enfrenta a un policia y un delincuente. Un polar frances con sus caracteristicas principalmente la tension, la violencia matizada, (ahora que hay tantos tipos) y una puesta en escena mas que sobria. David Oelhofen, en su segunda pelicula rinde homenaje al gran Paris y es a donde transporta la narracion de como se detuvo al primer asesino en serie de Francia. Cuando eran niños, Driss y Manuel se criaron casi como hermanos en un conflictivo barrio marginal, pero con el paso del tiempo terminaron por coger caminos completamente opuestos. Ahora, Driss es policía y Manuel se ha convertido en un habitual del mundo del narcotráfico. Cuando uno de los negocios de Manuel salga rematadamente mal, el destino volverá a unir a estos viejos amigos. Enfrentados por traiciones y resentimientos, tendrán que trabajar juntos para sobrevivir en sus respectivos mundos. Presentada con una buena acogida en el Festival de Venecia, la nueva película de David Oelhoffen (Lejos de los hombres) propone un thriller que reúne los mejores fundamentos del género, a la vez que intenta desafiarlos para encontrar su identidad propia. A pesar de hacer una realista y descarnada radiografía de dos mundos tan opuestos como el del narcotráfico en un barrio marginal de la periferia y el de una comisaría de policía, lo que realmente impulsa la trama de Freres enemies, es el drama personal de sus protagonistas; dos viejos amigos que, tiempo después, se reencuentran en lados opuestos de la ley. Sus conflictos internos, familiares o políticos componen un relato sobre la libertad individual dentro de las presiones de los grupos, personales y sociales, a los que han terminado perteneciendo. El suburbio en el que transcurre la historia, convertido tanto en cárcel como refugio, es un personaje más de esta cinta de estilo crudo y naturalista que ofrece un intenso cara a cara entre Reda Kateb (Inmersión) y Matthias Schoenaerts (Gorrión rojo). Completan el reparto Adel Bencherif (Objetivo: Londres) y Gwendolyn Gourven.

La bilbioteca de los libros rechazados

Las películas de libros tienen un especial trato, respetuoso, que va desde La lectora hasta el descalabro de la biblioteca de Freud, todos los libreros, escritores y promotores implicados en lo que ya podemos denominar un genero literario. Ahora un thriller sobre los rechazados, donde el encargo de las fuerzas del orden, es buscar un libro y no un maleante tipico. En una curiosa biblioteca donde se almacenan libros rechazados por las editoriales una joven editora descubre una obra maestra. Su autor  desconocido es un pizzero muerto dos años atrás que, según su mujer, nunca había leído un libro y lo único que sabía escribir era la lista de la compra. Cuando la novela se convierta en un éxito de ventas, un escéptico crítico literario se propondrá descubrir el misterio que rodea a este hombre. Para ello contará con la ayuda de la hija de Pick. Con la novela homónima de David Foenkinos como punto de partida, el director y guionista Rémi Bezançon (Un feliz acontecimiento) cuenta una historia de suspense, con grandes dosis de humor, donde la disparatada investigación literaria de un fantasioso y escéptico crítico se convierte en pretexto para el desarrollo de las diferentes relaciones entre sus personajes. La delgada línea que separa la realidad de la ficción es el tema principal de una trama en cuyo centro se sitúa un imprevisto best seller y su desconocido autor, una persona cuya identidad está rodeada por un halo de misterio. Además de hablar sobre la influencia de la lectura en la vida de las personas, también presenta una ácida crítica al negocio literario contemporáneo, donde la promoción, el marketing y las tendencias son más importantes que el contenido o la calidad de la propia obra. Fabrice Luchini (Háblame de ti) y Camille Cottin (Aliados) forman una peculiar pareja cómica que, a pesar de contradecirse continuamente mientras avanzan sus pesquisas, terminarán forjando un estrecho vínculo amistoso e intelectual donde se analiza porque algunos libros triunfan cuando su autor muere. Desde el espacio britanico y su posicion particular, se investiga, no un asesinato sino un ator desaporecido. Cuando ya va a descarrilar el film, Remi Bezançon introduce Fabrice Luchini que capta totalmente al espectador quien "le pide" que retome la investigacion. El bibliotecario que recogia los libros desechados por los editores,  los pone en la disyuntiva otra vez de ser ex ito o fracaso en un  acto existencialista.

Largo viaje hacia la noche

Ese director que se situa personalmente entre Wang Kar Wai y Jean Pierre Melville,  es un maestro trucando secuencias en 3D. Declarado neoromantico, narra su historia como un sentimiento inspirado en la experiencia vital. Un hombre solitario, atormentado por la culpa y el arrepentimiento, ha decidido volver a Kaili, su ciudad natal en el suroeste de China, muchos años después de haber huido de allí. El motivo de su regreso es intentar encontrar a Wan Qiwen -así se hacía llamar-, la enigmática mujer que una vez amó y no ha podido borrar de su mente. En su búsqueda iniciará un viaje a través de sus recuerdos donde pasado y presente se encuentran confunden entre la realidad y los sueños. Aplaudido con en los festivales de Cannes y San Sebastián, el segundo largometraje de Gan Bi (Kaili Blues) deconstruye los fundamentos del cine negro para dar forma a una historia repleta de poesía, encanto, romanticismo y audacia amarilla. Decidido a mejorar sus prestaciones como cineasta, Bi firma una película de gran belleza e impecable factura técnica, donde destaca un plano secuencia en 3D de más de 50 minutos de duración que desafía el espacio, el tiempo y la gravedad. Las emociones que suscitan las pinturas de Marc Chagall y las novelas de Patrick Modiano inspiran al realizador y constituyen el núcleo de esta experiencia cinematográfica donde lo sensitivo importa más que el argumento. De este modo, el interior de la mente humana y el mundo de los sueños adquieren entidad corpórea a través de las imágenes, cautivadoras y oníricas, que ilustran el viaje de un hombre en busca de la mujer que una vez amó. Dividida en dos partes (la primera sobre el tiempo, la segunda sobre el espacio), pero ambas con el poder de los recuerdos como tema principal, cuenta como protagonistas con los reconocidos actores chinos Wei Tang (Blackhat: Amenaza en la red) y Jue Huang. Tardan en entrar en accion lo que tardan siempre las peliculas asiaticas(esta de 133 min.), solo que a veces no hace falta esperar y en esta si.Precisamente por  us lentitud el film se entiende a la primera, no tanto el juego que propone el espectador. Y no todos tienen ganas de "jugar"

El estado contra Mandela y los otros

A principios de los años sesenta del siglo pasado, Sudáfrica seguía viviendo en un férreo régimen de segregación racial y supremacia blanca. Tras décadas de existencia, el partido Congreso Nacional Africano (CNA) contempló la necesidad de acometer acciones violentas para provocar fisuras en el régimen y conseguir reivindicaciones como el sufragio universal.

La matanza de 69 personas en unas protestas antigubernamentales celebradas en 1960 había contribuido, quizá , a este giro. Un brazo armado del CNA, La Lanza de la Nación, debía practicar actos de sabotaje mientras estudiaba y preparaba escenarios de guerrilla que podían derivar en un conflicto bélico abierto. Poco después, en 1963, algunos de los principales líderes de La Lanza de la Nación fueron detenidos. Se trataba de un grupo variopinto donde coincidían diversos opositores al supremacismo racial de la élite afrikáner: los activistas de piel negra cooperaban con aquellos que tenían ascendencia hebrea o india, y la lucha antirracista se entremezclaba con los idearios socialistas o comunistas. El documental trata principalmente del juicio consiguiente, del que no se permitieron captar imágenes. Hace uso, en cambio, de 256 horas de registros sonoros del proceso. En la exposición del pasado histórico y su recuerdo desde el presente, los autores priorizan el retrato de los encausados supervivientes durante el rodaje (Dennis Goldberg, Ahmed Kathrada, Andrew Mlangeni) y dos de sus abogados.

¿Cómo afrontar un relato audiovisual de un litigio del que no hay imágenes? Nicolas Porte y Gilles Champeaux usan elementos convencionales como el material de archivo que proporciona contexto histórico o las entrevistas retrospectivas a los afectados y sus allegados. Más inhabitual resulta el empleo de dibujos animados para acompañar visualmente las declaraciones de acusados y testigos, a menudo comentadas posteriormente por los mismos protagonistas

El trabajo de diseño gráfico es sugerente, aunque incluye decisiones cuestionables. Sus responsables apuestan por un cierto expresionismo que subraya su manera de mirar los acontecimientos. El fiscal Percy Yutar es representado como una cínica ave de presa que busca el momento para atacar. Quizá este énfasis estético resulta innecesario: su mismo hijo se muestra crítico con el papel de su padre, un jurista de credo judío que intentó destacar profesionalmente en un Estado supremacista mientras el gobierno le utilizaba para escenificar una falsa igualdad de oportunidades.

Porte y Champeaux relatan el núcleo del proceso legal de manera clara, no rehuyen la espinosa apuesta por el uso de explosivos, y se muestran sensibles al captar algunos momentos emotivos sobre el paso del tiempo y los sacrificios llevados a cabo. Su crónica concluye con un encuentro final entre tres acusados y dos abogados, que tuvo lugar en plena investidura de Trump.

Los responsables del documental hacen un esfuerzo para proporcionar una mirada panorámica de la realidad sudafricana del momento, conciliándo el habitual europeismo en el conocimiento de la historia por parte de la audiencia. Inevitablemente, el resultado solo es un resumen de un conflicto de larguísimo recorrido, con muchas ramificaciones éticas y políticas sobre la historia de las colonizaciones,  reales y aparentes o las apuestas por la violencia armada como estrategia desestabilizadora de opresiones consolidadas.

Si los autores apenas pueden cubrir todos los aspectos del juicio, menos aún pueden abarcar las condenas y causas paralelas que afrontaban acusados como el mismo Mandela. Los 104 minutos son suficientes para expandir esa historia oficial que tiende a limar progresivamente las aristas de sus iconos. El Mandela demonizado por el apartheid fue modelado progresivamente como un estadista dialogante, pero el filme nos recuerda su implicación en la deriva armada del CNA.

Los autores del filme despiden al espectador con un final relativamente tranquilizador, regresiones al margen: los acusados evitaron la pena capital y eso posibilitó que, tras más de 20 años en prisión, Mandela recobrase la libertad para convertirse en presidente del Sudáfrica.

Otro documental reciente de producción francesa, Winnie, puede servir de complemento de este desenlace. En el filme, Winnie Mandela reivindica el papel político que asumió durante el largo encarcelamiento de su futuro ex-marido y denuncia las concesiones que este hizo al establishment afrikáner y al capitalismo transnacional. El sabor agridulce que deja El Estado contra Mandelay los otros, con sus superaciones relativas de vergüenzas históricas, resultaría todavía más ácido con ese recordatorio. Y esa es otra constatación de que una historia suele tener un final feliz solamente cuando no te la han contado toda.

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el sol tambien es una estrella

Daniel Bae, un romántico universitario, y la pragmática Natasha Kingsley son dos jóvenes que se conocen en la ciudad de Nueva York. Aunque el flechazo es instantáneo, sus caminos se han cruzado en el peor momento posible. Natasha, de origen jamaicano, se encuentra luchando para evitar que ella y su familia sean deportados de EE.UU. en las próximas 12 horas. Por este motivo, se niega a aceptar lo que siente por Daniel. A pesar de todo, él intentará convencerla de que su destino es estar juntos. El Sol también es una estrella es el segundo best seller de la escritora Nicola Yoon que da el salto a la gran pantalla. Producida por los mismos responsables del primero (El amor lo es todo, todo), este film dirigido por Ry Russo-Young (Si no despierto) propone un optimista y emocionante romance juvenil entre un idealista estudiante universitario y una escéptica joven jamaicana que está a 12 horas de ser deportada junto a su familia. Como en tantas películas, la ciudad de Nueva York se convierte en marco incomparable, y casi protagonista, de una moderna historia de amor interracial que habla sobre enamorarse en el momento más inesperado y se pregunta si las cosas que suceden en la vida son acontecimientos aleatorios o forman parte de un plan del universo. Los prometedores intérpretes Yara Shahidi (Black-ish) y Charles Melton (Riverdale) dan vida a esta pareja que se debate entre aceptar que su relación es imposible o luchar para demostrar que su destino es estar juntos. Completan el reparto John Leguizamo (John Wick: Pacto de sangre), Gbenga Akinnagbe (Detroit) y Keong Sim. Daniel Bae,y Natasha Kingsley son dos jóvenes que se conocen en la ciudad de Nueva York. Aunque el flechazo es instantáneo, sus caminos se han cruzado en el peor momento posible. Natasha, de origen jamaicano, se encuentra luchando para evitar que ella y su familia sean deportados de EE.UU. en las próximas 12 horas. Por este motivo, se niega a aceptar lo que siente por Daniel. A pesar de todo, él intentará convencerla de que su destino es estar juntos. El Sol también es una estrella es el segundo best seller de la escritora Nicola Yoon que da el salto a la gran pantalla. Producida por los mismos responsables del primero (El amor lo es todo, todo), este film dirigido por Ry Russo-Young (Si no despierto) propone un optimista y emocionante romance juvenil entre un idealista estudiante universitario y una escéptica joven jamaicana que está a 12 horas de ser deportada junto a su familia. Como en tantas películas, la ciudad de Nueva York se convierte en marco incomparable, y casi protagonista, de una moderna historia de amor interracial que habla sobre enamorarse en el momento más inesperado y se pregunta si las cosas que suceden en la vida son acontecimientos aleatorios o forman parte de un plan del universo. Los prometedores intérpretes Yara Shahidi (Black-ish) y Charles Melton (Riverdale) dan vida a esta pareja que se debate entre aceptar que su relación es imposible o luchar para demostrar que su destino es estar juntos. Completan el reparto John Leguizamo (John Wick: Pacto de sangre), Gbenga Akinnagbe (Detroit) y Keong

the song Sway Lake

Tras protagonizar su debut como director en 'Adventures of Power', Ari Gold dirige una década después su segundo largometraje. Una irregular y desenfocada exploración de personajes sobre el ancla en el idealizado pasado familiar que construimos y en busca de una reliquia familiar del padre que parece poder ser el respiro, en muchos aspectos, que los familiares inmersos necesitan. El joven Ollie y su abuela Charlie Sway. Presentada en el Festival de Los Angeles, 'The Song of Sway Lake' posee muchos de los elementos típicos y superficiales del cine independiente; aunque sabe encontrar un cierto tono de misterio y mano para los detalles que hacen que sigamos interesados en su historia y en que se desvelen los evidentes secretos que sus personajes esconden; ofreciendo una curiosa mirada entre el sombrío presente y el siempre idealizado y críptico pasado de la familia y del evocador lago que pone título al filme. Ese juego de pasado y presente se evidencian en su yuxtapuesto montaje que juega con ese discurso del pasado idealizado de la familia y la desesperada búsqueda de ese prestigio y fortuna por parte de los familiares en su presente. En especial Ollie y su colega ruso, encarnados por Kieran Culkin y Robert Sheehanrespectivamente.Un juego en apariencia fascinante que se viene abajo a causa de su torpeza narrativa; en especial al presentar ideas y relación entre personajes que no aprovechan ni las desarrollan para llegar a encontrar un factor relevante en su contenido principal. En especial, la falta de peso en lo expuesto de personajes en principio con gran presencia en el relato; como el adinerado compañero ruso (un sobreactuado y perdido Robert Sheehan) y lo desaprovechado de personajes como la criada cubana (Elizabeth Peña) y las fantasmagóricas presencias del padre de Ollie (Brian Dennehy). A ello se añade un inevitable aire hipster y pretencioso en la relevancia que le otorga la añeja música jazz de los vinilos que tanto apasionaban al padre de Ollie y su valoración. Es cierto que tienen su relevancia en la trama (el objetivo es encontrar un preciado vinilo sin abrir en el que se encuentra la versión original de la canción sobre Sway Lake) pero no por ello evitan ese tufillo a gente culta y listilla que no hace más que distanciar al espectador de los personajes sin definir de la película; que ya de por sí deja elementos dramáticos sin desarrollar alrededor de sus personajes y ofrece otros que diluyen su principal virtud. Un digno aunque indefinido juego entre el misterio y el drama entre dos tiempos y la evocadora mirada que damos al pasado y el choque y conflicto de ello con la realidad de la existencia actual. 

el vendedor de tabaco/Der trafikant

Contad, contad, otra peli  con nazismo al fondo. Estamos un curso no acelerado pero goteante qual bota malaya. Composicion fria de una epoca, realizada por un conservador historico, lleva 7 films sobre la memoria, aqui siguiendo la aportacion de vida de Freud (fue el ultimo papel del grande Bruno Ganz (2019+) con 77años) con un largo recorrido de compromiso politico democratico), con un joven  aprendiz de estanquero judio, que le proporcionaba diariamente los puros cubanos  Hoyo de Monterrey. Con un trato de figura de porcelana, Nikolaus Leytner, atribuye al librepensador ya entrado en años frases como "los caballeros, ricos o  pobres siempre seran caballeros". Una amistad intergeneracional en tiempos complicados, siempre a pesar del miedo terrible, una brizna de futuro y esperanza todo y que estaban en la Viena preguerra de 1930. Los  consejos al joven de Sigmund Freud,sobre todo en el capo amoroso caen en el saco de la proxima invasion, mientras las calle se empiezan a llenar de cruces negras, insultos, amenazas y sintomas de odio gratuito.A sus 17 años, Franz llega a Viena para trabajar como aprendiz en un estanco. Allí conoce a uno de sus compradores más ilustres: Sigmund Freud. No tarda en forjar una particular amistad con el conocido psicoterapeuta, que comparte con él consejos y sabiduría a pesar de que en cuestiones amorosas los dos están igual de verdes. En una ciudad a punto de ser ocupada por las tropas nazis, este establecimiento de venta de tabaco empezará a sufrir las consecuencias de tener judios entre sus clientes. A pesar de que su carrera se ha desarrollado sobre todo en televisión, el austríaco Nikolaus Leytner (Voces de muerte), adapta el bestseller internacional de Robert Seethaler sobre la amistad que se forja entre un joven de 17 años, que acaba de abandonar el campo por la gran ciudad, y el veterano psicoterapeuta Sigmund Freud. Este vínculo (magnifica la escena de desnudez sobre la nieve) se convierte en el núcleo de una iniciática historia sobre el primer amor, la madurez y las relaciones maternofiliales donde un chico sobreprotegido e inexperto en casi todas las facetas de la vida tendrá que crecer demasiado rápido y en circunstancias trágicas por culpa del contexto histórico que le toca vivir: el auge del nazismo y la anexión de Viena al Tercer Reich. El equilibrio entre visión analítica y poética del ser humano, o ligereza y dramatismo, que había en la novela original se mantiene en un film que alberga una de las últimas interpretaciones del fallecido Bruno Ganz (La casa de Jack). Junto a él completan el reparto Simon Morzé (El enigma de la máscara celta), Emma Drogunova (El lugar del crimen) o Johannes Krisch.

El sotano de Ma /Ma

Serie B sin suspense ni narracion. En el proceso de la protagonista, se pierden 100 minutos parra sustentar las contradicciones y lo supera el film pasando del tema o tomando se lo a risa, en lo que llamariamos miedo de adolescentes. Sue Ann es una mujer solitaria de una pequeña ciudad de Ohio que, un día, encuentra la oportunidad de tener compañía, aunque no sea de su misma edad. Cuando Maggie, una adolescente recién llegada, le pide que le compre alcohol a ella y a sus amigos menores, Sue les ofrece beber tranquilamente en su sótano si acatan unas sencillas reglas y le llaman Ma. Cuando la hospitalidad se vuelva obsesión, estos jóvenes descubrirán que salir de casa de Ma sano y salvo es bastante más complicado que entrar. Amigos inseparables desde hace más de veinte años, el director Tate Taylor (La chica del tren) y la actriz Octavia Spencer (La forma del agua) vuelven a unir fuerzas tras Criadas y señoras o I Feel Good en este inquietante thriller. Con el objetivo de ampliar sus horizontes y salir del encasillamiento al que les había sometido Hollywood, Taylor y Spencer (también productores) formulan una historia espeluznante donde un grupo de adolescentes que creen haber encontrado el lugar perfecto para sus juergas, terminarán viviendo la peor experiencia de sus vidas. La culpable de esta pesadilla será una mujer que, más allá del arquetipo de villano despiadado, se convierte en un personaje con traumas del pasado todavía por resolver y un retorcido sentido del humor. Las relaciones materno filiales y los ritos de iniciación adolescentes típicos de las películas de instituto se encuentran en El sótano de Ma con un terror psicológico heredero de la Misery de Stephen King. Junto a Spencer, que hace  ver la maldad de otro modo, completan el reparto jóvenes talentos como Diana Silvers (Glass (Cristal)) y el debutante Corey Fogelmanis, así como actores contrastados como Juliette Lewis (Nerve) y Luke Evans.

x men fenix oscura

Al encontrar los comentarios que encontrareis mas abajo pense, "esta te gustara". Argumentada como un comic, uno de los superheroes se vuelve malo, ya no quiere salvar a la humanidad. sino cargarsela, (vamos bien), lo que causa la natural preocupacion entre los vengadores buenos. Sophie Turner es la astronauta Jean Grey, que inicia su torcido camino, gracias a una explosion solar que la efecta e inclina, hacia el mal mas infinito. Simon Kinberg pone los mismos personajes que en el original (xMen 2000), solo que hablando mas deprisa para que no se entienda nada. Sin sentimientos, con una sola amenaza planetaria que no se ve, y unos actores que querrian ser la amenaza invisible planetaria. De todas maneras, no la pondria yo como la peor pelicula de este genero. Cuarta (y ùltima)? entrega de la serie, en manos de un director primerizo, productor y guionista (Sr. y Sra. Smith), se liado ha hacer este comic cinematografico, sin sentido del humor y lo peor (mejor) de todo, que hace que el publico se interese por la banda sonora, magnifica de Hans Zimmer. Algo es algo. Los que sobreviven a todo, son el clan de amigos, James McAvoy, Jennifer Lawrence y Michael Fassbinder que se lo pasan de ordago y a ellos plim. “Así es como termina el mundo: no con una explosión, sino con un lamento”.Nada más apropiado que T. S. Eliot para cantar la debacle que ha sufrido X-Men: Fénix Oscura en la taquilla de su fin de semana de estreno. Ultima entrega de la franquicia mutante en Fox antes de que los derechos de los personajes vuelvan a Marvel por la compra de Disney, se ha estrellado con sus naves, con los peores resultados económicos de la saga. Una debacle que acompaña a su, también, peor recepción crítica en 19 años de películas. El film ha recaudado "solo" 33 millones de dólares en EE UU; cifra que solo aumenta hasta los 140 millones de dólares sumando la taquilla global. Para una película con un presupuesto estimado de 200 millones de dólares (más gastos de promoción y marketing, habitualmente el doble de la primera cifra) es un fracaso más abrasador que un cabreo de la Kathlen Turner en Fuego en el cuerpo en pleno apogeo. Incluso la secuela de animación Mascotas 2 ha superado a Fénix Oscura en la taquilla estadounidense con resultados también decepcionantes (47,1 millones de dólares). En el caso español, donde los filmes mutantes suelen gozar de buena salud entre el público, ni siquiera ha alcanzado los datos del tercer fin de semana del remake de Aladdin, que sigue liderando el ranking. A la vista de los resultados, la sensación que reina ahora mismo en el universo mutante anima a dejar que el último apague las luces. La veterana productora de la saga Lauren Shuler Donner publicó el sábado pasado un tuit donde se desvinculaba tanto de los otros siniestros totales –X-Men: Apocalipsis (2016) y Nuevos Mutantes (aún pendiente de estreno)–.: “Ahorraos las condolencias”.

Touch me not/ No me toques

En la difusa frontera entre la realidad y la ficción, Laura, Tomas y Christian se aventuran en un viaje emocional que les llevará a experimentar con su intimidad y sexualidad. Para ello, se verán obligados a desafiar los límites de sus propios miedos, mecanismos de defensa y arcaicos patrones de conducta, así como los tabúes y convenciones sociales. De este modo, conseguirán deshacerse de sus ataduras, ser finalmente libres y aprender a amar a los demás sin perderse a ellos mismos por el camino. Polémica triunfadora del Festival de Berlín 2018, donde consiguió el Oso de Oro a Mejor película y el premio a Mejor ópera prima, Touch Me Not (No me toques) propone al espectador desafiar sus propias convicciones sobre la sexualidad humana en una película que, entre la ficción y el documental, permite a un diverso grupo humano, de todo tipo de condiciones, explorar los límites del placer. Su propia directora, Adina Pintilie (Nu te supara, dar) participa también delante de las cámaras en esta experiencia inmersiva, no apta para mentes obtusas, que deconstruye los cánones de belleza y los expande a colectivos olvidados o denigrados, como los transexuales o las personas con discapacidad, para demostrar que nadie, sea cual sea su condición, debería ser esclavo de su cuerpo. Laura Benson (El doctor de la felicidad), Tómas Lemarquis (X-Men: Apocalípsis) y los activistas Grit Uhlemann y Christian Bayerlein protagonizan este film que, desde el cine experimental, se convierte en un espacio de reflexión y transformación de estereotipos sobre la naturaleza humana, el sexo y la capacidad de cada uno para ponerse en el lugar del otro

el creyente/ la priere

Cuando se quiere poner de moda la adoctrinacion, Cedric Kahn, no lo pretende. Solo muestra alguno de los traumas del alma que tiene su joven protagonista que solo busca la paz. Se beneficia el film de las ajustadas interpretaciones de sobre todo Anthony Bajon.Y tambien esa Hanna Schygulla de manera que nunca la conocerias sino te avisan "que ayudan a reconstruir puentes en este caso los humanos", lo que deja de manifiesto la condicion del film. A sus 22 años, Thomas intenta superar su adicción a las drogas uniéndose a una comunidad religiosa aislada en el monte, donde los jóvenes se rehabilitan a través del recogimiento espiritual y la oración. Allí, Thomas tendrá que sobreponerse a su rechazo inicial, combatir sus demonios interiores y ordenar sus sentimientos cuando conozca a Sybille, una chica de la que empezará a enamorarse. Si lo consigue, podrá encontrar la redención a través de los valores reales de la amistad, el amor o la fe. Cédric Kahn (Una vida mejor) dirige este drama, ganador de un premio en el Festival de Berlín, que se acerca a esos programas de comunidades religiosas que, a través de la oración, intentan rehabilitar a jóvenes toxicómanos. El creyente cuenta el viaje de redención de su protagonista, un veinteañero sumergido en un infierno de drogas y heridas psicológicas difíciles de cicatrizar, que encontrará la luz a final del túnel a través de la oración, la amistad y el amor. Los bellos paisajes de Triéves, en el sudeste francés, y las austeras normas de este lugar de retiro espiritual como antídoto de las adicciones, se convierten en el marco incomparable de una conmovedora historia sobre camaradería, solidaridad y coraje que habla sobre recomponer las relaciones humanas. Para dar vida a este relato sobre el poder de la fe que forma el núcleo de la trama, la película cuenta con jóvenes y prometedores intérpretes como Anthony Bajon (Rodin) o Louise Grinberg (Respire). Junto a ellos, actores como Damien Chapelle (Girlhood) o el español Alex Brendemühl (7 razones para huir) aportan el punto de experiencia.

Antes de la quema

Film dedicado en  cuerpo y alma a rendir pleitesia a la simpatia gaditana.Como una olla a 100º, Fernando Colomo, fino estilista de la comedia patria, tiene en todo momento la ebullicion controlada ordenando los gags que surgen de cada verso e las chirigotas. Con todas las vicisitudes del cine español, esta película coral nos retrotae a los clasicos mas antiguos. El elemento en el que Colomo esta mas comodo, es la indefinicion en la puede cambiar de tono en un momento. Amante de los perdedores, crea situaciones originales inaugurando uno mas, el genero musical chirigota, costumbrista y de humor absurdo. Como absurdo puede parecer la mezcla de pescado y narcotrafico que com hemos citado al principio, no ha gustado a todo el mundo de la concha de plata.  Y que es el nexo entre el mundo laborla y los parados estruturales. Como casi todo Cádiz, Quique ens un tipo simpático y gracioso, en paro y apasionado por el Carnaval. Compositor de una de las chirigotas que más promete para el próximo concurso, Quique intenta sacar adelante a su familia, con una hermana en prisión y una madre enferma de Alzheimer, mediante el trabajo que le acaba de salir en el mayor crematorio de drogas de Europa. Esto atraerá la atención de El Tuti, un narcotraficante, que le pedirá ayuda para robar la mercancía antes de que sea destruída. Surgida a partir de un concurso de guiones, la historia de cautivó al veterano director Fernando Colomo (La tribu), que ahora la convierte en una entretenida mezcla de comedia, thriller de atracos y drama familiar en el marco incomparable de los Carnavales de Cádiz. Algunas de las chirigotas más conocidas de la ciudad participan en este film donde un joven en paro y con la responsabilidad de sostener a su desestructurada familia es reclutado por un narcotraficante cuando empieza a trabajar en una gran incineradora de drogas. A partir de sus planes para robar la mercancía de este depósito antes de que sea destruida, el film elabora una trama repleta de humor, tensión y romance. Con Cádiz, sus rincones más emblemáticos y su particular idiosincrasia como la verdadera protagonista, esta película premiada en el Festival de Málaga cuenta con intérpretes como Salva Reina (El mejor verano de mi vida), Maggie Civantos (La pequeña Suiza) y Manuela Velasco (Rec 4: Apocalípsis) y Joaquín Núñez (Mi querida cofradía), que dan vida a un peculiar grupo de personajes.

Mejor que nunca/Poms

Cruel adaptacion de las películas de la cuarta edad, en la que  se recomienda gozar con alegria de las cosas del a vida hasta el final. El flaco favor se lo han hecho a la evidentemente madura Diane Keaton, que sin gags importantes, ritmo ni secundarios de entidad hace dificil su papel de exito comercial. Aqui no se trata de vender potes de mermelada de alimentacion  infantil.Donde si gustara por razones que no escapan a nadie y es como si el flm fuera la pequeña linea de helado que se desliza por la comisura de los labios de la gente muy mayor en las residencias. Martha y su amiga Sheryl son dos mujeres que viven en una residencia de ancianos y se han propuesto demostrar que la edad nunca es impedimento para perseguir los sueños. Por ello, deciden formar un grupo de animadoras con sus compañeras de geriátrico. Lo que en principio es un divertido hobbie, termina por ponerse más serio cuando se atrevan a apuntarse a una competición. Para hacer un buen papel, contratarán los servicios de Chloe, una joven cheerleader que les ayudará con los entrenamientos. Curtida en el mundo del documental y la televisión, Zara Hayes (Cautivos) dirige en su primer largometraje de ficción una comedia que demuestra que nunca es tarde para cumplir los sueños, sean cuales sean. Inspirada por los casos reales de mujeres alrededor de los 70 años que creaban sus propios grupos de cheerleaders (según ellas, para animarse a sí mismas), propone una conmovedora película repleta de buenos sentimientos cuyo humor surge de las historias personales, las relaciones y las coreografías de sus carismáticas protagonistas. A partir de ellas, la cinta elabora un tierno relato sobre el poder de la amistad y las ganas de vivir sin importar la edad y a pesar de la enfermedad. Grandes damas del cine como Diane Keaton (Book Club), Jacki Weaver (Viudas), Rhea Pearlman (Las sesiones) o Pam Grier (El hombre de los puños de hierro) lo dan todo al interpretar los números de baile sin dobles y destilan espíritu de equipo y camaradería junto a la joven Alisha Boe (Por trece razones), que representa el componente intergeneracional.

Mr. Link. el origen perdido

Aunque casi nadie lo piensa, Sir Lionel Frost cree ser el mayor investigador de mitos y monstruos del mundo. Para demostrarlo, viaja a Estados Unidos en busca del legendario eslabón perdido, que resultará ser una criatura inteligente, pero despistada, en serio peligro de extinción. Juntos recorrerán el planeta en busca de sus parientes lejanos del valle de Shangri-La. En esta aventura llena de peligros y villanos les ayudará la intrépida Adelina Fortnight, la única persona que conoce el camino. Inspirado por los referentes que le marcaron en su infancia, desde En busca del arca perdida hasta las novelas de Sherlock Holmes y Julio Verne, el nominado al Oscar Chris Butler (El alucinante mundo de Norman) escribe y dirige esta fantástica comedia de aventuras que recorre todo el mundo. Híbrido entre el intrépido Indiana Jones y el deductivo detective creado por Arthur Conan Doyle, el protagonista de esta cinta se convierte en un valiente y apasionado cazador de mitos que encontrará en uno de ellos, un adorable y divertido sasquatch, a su inseparable compinche. Con espíritu de buddy movie, Mr. Link: El origen perdido ofrece un emocionante relato sobre la amistad y el compañerismo que, animado con la espectacular técnica de stop motion característica del emblemático estudio Laika, proporciona grandes dosis de acción, paisajes exóticos, peligros y mucho sentido del humor en la época victoriana. Hugh Jackman (El candidato), Zach Galifianakis (Las apariencias engañan) y Zoe Saldana (Vengadores: Endgame), entre otros, ponen sus voces al servicio de esta producción que homenajea a los monstruos de Ray Harryhausen. Del doblaje español se encargan Arturo Valls (Tiempo después), Brays Efe (¿Qué te juegas?) y Maggie Civantos.

Rocketman

Acertado biopic musical, este nuevo genero que la gente disfruta como si fuera en directo, de Dexter Fletcher, (que ya tuvo que terminar Bohemian Rapsody)al que solo le ha faltado que Elton John  se interpretara a si mismo pues Taron Egerton se podria haber pasado varios pueblos histrionicamente hablando. Explicando en  modo muy didactico como se construye una cancion añade un valor añadido al destacado musico. Coincide con la cartelera con The Queen y como en un biopic que  se precie tambien inserta flash backs de la infancia hasta complementar els puzzle de la regalada pero cansada vida de Elton. Para los no muy  aficionados a la musica el espectaculo es colorista y no demasiado creativo para que el espectador corriente no se sienta incomodo por no haber visionado por ejemplo "I'm not there"sobre Dylan. Interesante la figura de su letrista interpretado por Jamie Bell, que da ideas para los proximos biopics, sean de Ray Charles, David Bowie o Rocio Durcal. El letrista de Fletcher, Lee Hall dan todo lo esperado con actuaciones reales, alguna imaginaria y la progresion profesional de un Elton apasionado. Las  evocaciones inventadas surgen del pasadizo tipo tren de la bruja, decorado con plumas, ropas brillantes y algun que otro cuerno. Laa infancia con su padre, con madre susceptible, se sostiene en su adolescencia con su amigo Bernie Taupin, su letrista. Militante de un grupo de  terapia, alla, sacando se lo del fondo de su alma, conoceremos sus miedos y sus   traumas.Todo ello tiene su culminacion en la cancion Pinball Wizard, y asi lo entiende el film. En el armario, amores clandestinos, lujo y voragine, adiccion al alcohol, estimulantes y sexo le abren la puerta de su gran crisis personal y profesional. Otros cometidos tienen Richard Madden, Bryce Dallas Howard y Gemma Jones. La vida "cinematografica" de Elton esta servida, el cantante musico del que dicen que hace 30 años que no consume y que al parecer tiene centenares de pares de zapàtos para caminar por el largo y polvoriento camino. Con The Beatles?

La corresponsal/ A private war

Matthew Heineman obvia el triangulo Siria, Iran,  Libia intentar comprender que sucede, y lo deja en los ojos de Marie Covin, muerta en combate en Homs el 2012. Sin entrar tampoco en la vida interior de la arriesgada fotoperiodista, nos cuenta on detalle todas las batallas , escaramuzas y bombardeos a los que acudia casi antes de que se produjeran. Heroina imprudente, el film la dela igual, sin darle el punto epico que quiza merecia, o no. La adicta al peligro esta interpretada por Rosalind Pike, que logra transmitirnos tambien ademas de su adiccion, el miedo. Mujer complicada en las redacciones de los periodicos en los que trabajaba, especialmente con sus directores, pero  que le perdonaban todo por sus articulos, de gran calidad y actualidad y que denotaban la excitacion de adrenalina que le habia supuesto su redaccion. Deja tambien Heineman espaciio para que la corresponsal, en sus momentos de descanso pueda comentar sus traumas y escoger a sus amantes, con unos dialogos que se evideca que no los ha escrito ella. Formado en el documental, las secuencias belicas sostiene un verismo y un relato muy interesante. Son como otros ojos aparte de los de la potente camara de la protagonista. Bebedora insaciable, este biopic ha perdido la oportunidad de ser importante solo con un poco mas. Lo que ponia esta periodista londinense que llenaba el Sunday Times de carne abierta en canal sangrante con despojos, en los conflictos belicos de Sri Lanka por ejemplo. La siguen, siempre unos metros mas atras Jamie Dorman, Greg Wise, Tom Hollander, y un especial marido, el siempre solido  Stanley Tucci, 

John Wick Capitulo 3 Parabellum

Chad Stahelski ha dosificado a los personajes secundarios con suficiente contenido para relllenar y dar empaque a una serie que puede ser de 7 o mas entregas. Asi los caballos, la exposicion de armas la biblioteca, la escuela de opera con bailarines, la reina del desierto, el Dr.No de turno y un cuadro que despues de haber sido despreciado por el submundo de los "Bonds", ha conseguido su puesto y crecera en rango en el imaginario del cine de  accion. Excomulgado de su secta particular, empieza a ser perseguido por ingentes cantidades de asesinos parece que en practicas por su falta de efectividad. Despues una noria de efectos de violencia siguiendo todos los homenajes posibles del genero de accion. El protagonismo final del cristal, abre una puerta tambien al Wick del espacio. Pero no es de recibo ahora decir que ja se le veian maneras Tras infringir las reglas y matar a un miembro de alto rango de la Alta Mesa, el sindicato internacional de asesinos ha excomulgado a John Wick y ha puesto un precio de 14 millones de dólares a su cabeza. Desde este momento, John protagonizará una cacería humana en la que un ejército de mercenarios venidos de todos los rincones del planeta le perseguirán implacablemente. Algunos de ellos todavía no han escogido bando y, para sobrevivir, Wick viajará a los confines del mundo en busca de aliados. 5 años después de su primera entrega, las peripecias de este asesino a sueldo en un mundo gobernado por oscuros poderes y códigos morales afrontan una tercera entrega que, en pleno estado de forma, confirma a John Wick como una de las mejores sagas de acción del momento. John Wick: Capítulo 3 - Parabellum coloca a su letal protagonista justo en el punto donde lo dejaba la anterior entrega (Pacto de sangre). Repudiado y con una considerable recompensa por su cabeza, la cinta sigue a este hombre en una carrera a contrarreloj por la supervivencia, donde los mejores sicarios del planeta aguardan tras cada esquina para liquidar el premio. Chad Stahelski repite por tercera vez como director en esta secuela que respeta, y expande, las señas de la identidad de la franquicia, que siempre ha evitado recurrir a los efectos digitales en favor de espectaculares coreografías de lucha y estilizados tiroteos repletos de violencia y espíritu de cómic. Keanu Reeves (Siberia) vuelve como Wick junto a Ian McShane (Hellboy) y Laurent Fishburne (Ant-Man y la Avispa). Por su parte, las oscarizadas Halle Berry (Kingsman: El círculo de oro) y Anjelica Huston (El gran año), entre otras, son los flamantes nuevos fichajes que llegan para ampliar este particular universo.

The Chain

David Martin Porras no siempre resuelve hasta el final las situaciones planteadas, a los que ayudan uns personajes  brillantes y un entorno magnetico que protege una trama clandestina de suicidios. Destilados de estos suicidios derivan als fases del guion e las que se analiza la muerte, la enfermedad y la familia, con asesinatos y herencias en juego. Thriller psicologico que desde el fondo de la mente, en su parte mas oscura y que trata del existencialismo indiferente. John Patrick Amedori, Neus Asensi, explosiva como siempre, Ray Wise y Madeleine Zima son los otros de esta cadena que tiene algunos encajes debiles. 

Clara y Claire/Celle que vouz croyez

Las redes especiales han venido para quedarse. Y con un monton de problemas que seguro se resolveran pero de momento se han introducido algunos en lo mas intimo de las sociedades. Las relaciones conseguidas de esta manera cibernetica normalmente son fake, sino peor cubren una suma de apariencias que dan una  verdad mucho mas sesgada que a a su lado el fake  es una inocentada que puedes creer o no. La misma pelicula de Safy Nebbou es una fake pues prentende sobre las apariencias imprimir los traumas de la tercera edad. Es el caso de esta profesora de literatura divorciada y que quiere recuperar su adolesencia a qualquier precio. Un papel especialmente diseñado para Juliette Binoche. Un falso face puede relacionar dos humanidades sin diferencia de edad. Claire Millaud es una mujer de 50 años que, para espiar a su amante ocasional, decide abrirse un perfil falso de Facebook bajo la identidad de Clara, una joven de 24 años. En la red social entabla contacto con Alex, amigo de éste. Las conversaciones dan paso al flirteo y, después, al enamoramiento. Ante el momento de pasar del mundo virtual al real, Claire pone todo tipo de excusas, pero sabe que deberá decidir entre seguir alimentando una relación imposible o admitir la verdad y perderlo todo. Presentada con éxito en el Festival de Berlín, la nueva película de la directora Safy Nebbou (La marca del ángel) propone una interesante reflexión sobre la forma en la que nos comunicamos actualmente y los riesgos de confundir lo que sucede en el mundo virtual con la vida real. Adaptación de la novela de Camille Laurens, Clara y Claire alberga en su interior una historia de amor surgida de las redes sociales, donde una mujer ya entrada en la cincuentena y escondida detrás del perfil falso de una joven de 24 años, terminará enamorando, y enamorándose, de un hombre al que dobla la edad y que desconoce su verdadera identidad. Entre la comedia y el drama, esta cinta se apoya en el complicado conflicto interno al que se enfrenta su protagonista, dividida entre los poderosos sentimientos que le provoca esta relación ficticia y la imposibilidad de trasladarla a la vida real. Juliette Binoche (Dobles vidas) interpreta a esta inteligente y exitosa mujer que se niega a renunciar a la sensación de volver a sentirse deseada. Le acompañan en el reparto Nicole Garcia (Grandes familias), François Civil (Nuestra vida en la Borgoña) y Guillaume Gouix.

La ceniza es el blanco mas puro

Fidelitat immarcescible

‘La ceniza es el blanco más puro’

Recent arribat de Cannes el cronista Joan Millaret Valls ens deixa aquesta joia que ha trobat abans que jo. Després de títols tan premiats com ‘Más allà de las montañas’ (2015) o ‘Un toque de violencia’ (2013), el director xinès Jia Zhang-Ke estrena un nou i potent film, ‘La ceniza es el blanco más puro’ en que barreja amor i màfia amb rerefons social amb una noia, Qiao (Zhao Tao), enamorada d’un mafiós local, Bin (Liao Fan), a la ciutat xinesa de Datong. Aleshores tot es torçarà quan és empresonada després d’empunyar una arma davant un grup de joves d’un clan enemic per protegir el seu cap de ser assassinat a cops.Però el que arranca com un film sobre un grup de malfactors, de bandes rivals i negocis il·legals, es transforma en un inesperat i sobri melodrama sobre la fidelitat traïda d’una dona. La dona és lleial a uns codis de clan d’honor i fidelitat al cap que no abandona mai malgrat els revesos del pas del temps, en un arc temporal que abasta de l’any 2001 al 2018. I és que l’home que estima i pel qual s’ha sacrificat, passant ella a la presó cinc anys de condemna per no delatar-lo, ara la menysté, la refusa, la repudia. I fins i tot quan Bin esdevé una desferra humana, impedit en una cadira de rodes, ella prendrà cura d’ell, sense preguntes, sense condicionants.

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Entremig es retraten els anys de transformació d’hàbits i de la revolució tecnològica que ha viscut la Xina, canvis que van del socialisme al capitalisme d’estat. Aquests canvis socials són reflectits de forma constant en el film, encara que de manera discreta, sense que es noti en excés. De fet, la transformació social, humana i econòmica és un dels motius sempre presents en la filmografia de Jia Zhang-Ke, una de les seves grans inquietuds temàtiques.

Un notable i regi film amb un protagonisme femení prodigiós, que transita de la joventut a la maduresa, on podem copsar com el pes dels anys s’acumulen en les seves espatlles, reflectit en el rostre i el cos. Zhang-ke dedica un paper esplèndid a la protagonista, Zhao Tao, la seva dona en la vida real, i premiada com a millor actriu al Festival de Canes per ‘La ceniza es el blanco más puro’. Ella esdevé un prototip de dona valenta, decidida, múrria, emprenedora, calladament romàntica. Qiao demostra una tossuderia a prova de tot, no es desprèn ni renuncia als codis de conducta de la màfia tot i l’anacronisme dels mateixos en els temps moderns.

Aquesta melodramàtica i melancòlica pel·lícula sobre el rebuig i atracció de dos amants, mediatitzats pels principis de la màfia, està estructurada en diversos blocs temporals. Una evolució en el temps que gaudeix d’un tractament personalitzat del color i les textures per cada segment de temps gràcies a la bona feina del director de fotografia Eric Gautier, col·laborador de cineastes com Léos Carax o Walter Salles.