Quien me quiera que me siga

Un trio eterno y anterior puede desestabilizarse al jubiarse sus tres compnonen  al ser mas dificil encontrar los huecos y las excusas que deben cada vez mas  y complejas de llevar acabo y extrañas.Jose Alcala, lleva la cinta a buen puerto superando en un guion hacia el final en el que se plasman agunas actividades poco creibles y que disuenan del buen hacer anterior. Marion y Ben son dos jóvenes parisinos que se conocen a través de Tinder. Pero a pesar de tener muy poco en común, la atracción entre ellos es inevitable, así que deciden, de manera algo precipitada y sin apenas conocerse, pasar sus Primeras Vacaciones de verano juntos. Tras una serie de discusiones y no lograr ponerse de acuerdo, consiguen por fin elegir el destino: Bulgaria. Un viaje atípico en el que vivirán situaciones disparatadas que pondrán a prueba su compatibilidad como pareja. Primeras Vacaciones es la ópera prima de Patrick Cassir, un director novel, seguidor desde la adolescencia de las comedias francesas de autor, que proviene del mundo de la publicidad, donde ha sido premiado en varias ocasiones por campañas de marcas internacionales. Protagonizada por Camille Chamoux (Vacaciones con mamá) y Jonathan Cohen (O los tres o ninguno), esta divertida comedia.

primeras vacaciones

 Unas vacaciones desternillantes que pondrán a prueba el amor y la estabilidad de esta una alocada y joven pareja. Lo que ha unido Tinder que no lo separen unas vacaciones de verano. Marion y Ben son dos jóvenes parisinos que se conocen a través de Tinder. Pero a pesar de tener muy poco en común, la atracción entre ellos es inevitable, así que deciden, de manera algo precipitada y sin apenas conocerse, pasar sus Primeras Vacaciones de verano juntos. Tras una serie de discusiones y no lograr ponerse de acuerdo, consiguen por fin elegir el destino: Bulgaria. Un viaje atípico en el que vivirán situaciones disparatadas que pondrán a prueba su compatibilidad como pareja. Primeras Vacaciones es la ópera prima de Patrick Cassir, un director novel, seguidor desde la adolescencia de las comedias francesas de autor, que proviene del mundo de la publicidad, donde ha sido premiado en varias ocasiones por campañas de marcas internacionales. Protagonizada por Camille Chamoux (Vacaciones con mamá) y Jonathan Cohen (O los tres o ninguno), esta divertida comedia

Midsommar

Entre las peliculas que tienen media docena  de subgeneros,  estaria esta de Ari Aster. Y su estilo y manera de hacer miedo  rodando , la colocar entre las llamadas de Atmosfera a bases de  dialogos sugeridos, , siluetas aun desconocidas, casa oscura camara deslizandose lentamente. Una sociedad sueca que celebran de 90 años la festa de verano que da el titulo a la pelicula de males en una sociedad hyppim que esta tenta atodo. Una pareja de jóvenes norteamericanos no atraviesa por su mejor momento. Para superar ese momento crítico viajan con unos amigos hasta una remota aldea sueca, pero lo que iban a ser unas idílicas vacaciones en un lugar donde no se pone el Sol, se convierte en una oscura pesadilla cuando los habitantes de esa región los invitan a participar en sus perturbadoras actividades festivas. Protagonizada por Florence Pough (la inolvidable Katherine de la reciente Lady Macbeth, inmersa ahora en el rodaje de Viuda Negra), y por Jack Reynor (Detroit, Sing Street), a quienes acompañan un reparto formado por Will Poulter, William Jackson Harper o Ellora Torchia, entre otros, Midsommar es el segundo largometraje del director y guionista Ari Aster, después de que el año pasado sorprendiera con la elegante y terrorífica Hereditary (2018). Tomando como base la festividad de Midsommar , que se celebra cada año en Suecia para celebrar la llegada del verano -, la película de Aster bucea una vez más en el lado más perverso de la naturaleza humana, con la superstición y la religión otra vez en primer término, y con la dificultad añadida de desplegar toda esta oscuridad a plena luz del día (en la onda de películas pioneras como ¿Quién puede matar a un niño? y Holocausto caníbal, aunque como referentes también se citan El hombre de mimbre o El bosque). Rodada en localizaciones de EE. UU. y Hungría entre agosto y octubre del 2018, Midsommar puede consolidar a Aster dentro de esa cantera de jóvenes directores norteamericanos, como Jordan Peele, Robert Eggers o Trey Edward Shults, que están renovando el cine de terror independiente. Parecer que Suecia ya es una pelicula de culto, cultural, no religioso de muerto

eL EMPERADOR DE pARIS

.Documentando el rodaje de El emperador de París, el cineasta francés Jean-François Richet compone un curioso biopic de François Vidocq, el policía y detective que sirvió de inspiración a dos genios para crear a varios personajes: a Edgar Allan Poe para al detective Chevalier Auguste Dupin, que debutaría en ”Los crímenes de la calle Morgue” y a Victor Hugo para idear dos de los personajes principales de "Los miserables" como son Jean Valjean y el inspector Javer

Seguro que visiono la filmografía previa: la versión más conocida es la de Gérard Depardieu, que lo interpretó en 2001 en la película de Pitof Vidocq: El mito pero hay dos películas anteriores Vidocq de 1939 dirigida por Jacques Daroy y Escándalo en París de 1946 de Douglas Sirk.

No obstante, las principales fuentes para crear El emperador de París han sido dos: las propias memorias del protagonista y la serie de trece episodios Les nouvelles aventures de Vidocq emitida entre 1971 y 1973. Bajo el imperio de Napoleón, François Vidocq, el único hombre que ha conseguido escapar de las más grandes penitenciarías del país, es una leyenda de los bajos fondos parisinos. Dado por muerto tras su última gran evasión de un barco en el que se hallaba cautivo, el expresidiario intenta pasar desapercibido tras el disfraz de un simple comerciante.

Sin embargo, su pasado lo persigue, y después de ser acusado de un asesinato que no ha cometido, le propone un trato al jefe de policía: se unirá a él para combatir a la mafia, a cambio de su libertad entregándole a los hombres que en el pasado fueron sus compañeros de celda. A pesar de sus excelentes resultados, provoca la hostilidad de compañeros del cuerpo así como del hampa, que ha puesto precio a su cabeza.

Lejos de pretender presentarlo como un héroe infalible, Richet y Besnard conjugan su talento a la hora de abordar el guión para mostrar sus contradicciones, ahondando en sus proezas sin dejar de lado su humanidad. En pocas palabras: lo vemos sufrir, equivocarse y sudar la camisa. Gran parte de la credibilidad del personaje recae en la labor interpretativa de un impecable Vincent Cassel, con quien Richet ya había trabajado en la película Una semana en Córcega y anteriormente, en 2008, en la celebrada miniserie Mesrine, con la que se alzó con el César de la Academia francesa de cine como mejor director. Lo primero que hay que elogiar es el contenedor, porque desde luego El emperador de París es un festín para los ojos: sin caer en manierismos, las reconstrucciones de las calles y los entornos, ya sean estos más humildes o más lujosos, es de lo más acertada y absorbente. Lo mismo sucede con el diseño de vestuario y la fotografía, que nos sumergen de lleno en la época. Respecto a la realización, Richet sabe por dónde quiere llevar a su elenco y es firme y contundente en cada escena de acción: las coreografías son de lo más verosímiles y los golpes parecen doler tanto como las estocadas o los disparos. En la narración, que sirve de "precuela", por decirlo así a su periplo una vez convertido en el primer director de la Seguridad Nacional de Francia, hay espacio para un fugaz romance, disquisiciones políticas y un laberinto de sensaciones intrincadas para Vidocq, a medio camino siempre del bien y el mal, con un pie en el cadalso y otro en la jefatura de la policía. Aupado por unos, considerado un vil traidor por otros. Uno de los aspectos más criticables es el de la composición de la banda sonora: en esta ocasión Marco Beltrami y Marcus Trumpp, no consiguen darle el empaque épico que demanda la historia en determinados pasajes, contribuyendo así a que el ritmo se torne algo plomizo. Solo en los impases finales se puede disfrutar de su trabajo. 

El emperador de París es, en suma, una muy digna cinta de entretenimiento que nos acerca a una dimensión muy humana del popular personaje. Es fácil empatizar con él y acompañarlo en este viaje y Vincent Cassel es, desde luego, un protagonista ideal, tan físico como vulnerable (deseando estamos verlo en la tercera temporada de Westworld). Sí que se hecha en falta algo más de desarrollo de personajes secundarios como la baronesa, encarnada en la enigmática Olga Kurylenko, cuyo personaje deja arrojado el guante de una posible secuela. En caso de que llegue a buen puerto, cuentan con toda nuestra atención.

Bajo el imperio de Napoleón, François Vidocq, el único hombre que ha conseguido escapar de las más grandes penitenciarías del país, es una leyenda de los bajos fondos parisinos. 

Dado por muerto tras su última gran evasión de un barco en el que se hallaba cautivo, el expresidiario intenta pasar desapercibido tras el 

disfraz de un simple comerciante.

Sin embargo, su pasado lo persigue, y después de ser acusado de un asesinato que no ha cometido, le propone un trato al jefe de policía: se unirá a él para combatir a la mafia, a cambio de su libertad entregándole a los hombres que en el pasado fueron sus compañeros de celda. A pesar de sus excelentes resultados, provoca la hostilidad de compañeros del cuerpo así como del hampa, que ha puesto precio a su cabeza.

Lejos de pretender presentarlo como un héroe infalible, Richet y Besnard conjugan su talento a la hora de abordar el guión para mostrar sus contradicciones, ahondando en sus proezas sin dejar de lado su humanidad, lo vemos sufrir, equivocarse y sudar la camisa. Gran parte de la credibilidad del personaje recae en la labor interpretativa de un impecable Vincent Cassel, con quien Richet ya había trabajado en la película Una semana en Córcega y anteriormente, en 2008, en la celebrada miniserie Mesrine, con la que se alzó con el César de la Academia francesa 

La realización, Richet sabe por dónde quiere llevar a su elenco y es firme y contundente en cada escena de acción: las coreografías son de lo más verosímiles y los golpes parecen doler tanto como las estocadas o los disparos.

En la narración, que sirve de "precuela", por decirlo así a su periplo una vez convertido en el primer director de la Seguridad Nacional de Francia, no siempre hay espacio para un fugaz romance, disquisiciones políticas y un laberinto de sensaciones intrincadas para Vidocq, a medio camino siempre del bien y el mal, con un pie en el cadalso y otro en la jefatura de la policía. Aupado por unos, considerado un vil traidor por otro. No siempre la banda sonora: en esta ocasión Marco Beltrami y Marcus Trumpp, no dan la epoca que demanda la historia en determinados pasajes, problema que resuelve en losminutos finales.

El emperador de París es una digna cinta de entretenimiento que nos acerca a una dimensión muy humana del popular personaje. Vincent Cassel es un protagonista ideal, tan físico como vulnerable. Se hecha si acaso en falta algo más de desarrollo de personajes secundarios como la baronesa, encarnada en la enigmática Olga Kurylenko, cuyo personaje deja arrojado el guante de una posible secuela

Jesus

El largometraje debut del realizador japonés Hiroshi Okuyama, obra en el Festival de Cine de San Sebastián hace un año atrás, donde compitió en la sección “Nuevos directores”, llevándose el premio a Mejor película.

 Boku Wa Iesu-Sama Ga Kirai, que será distribuida con el título Jesus,  tiene un argumento bastante sencillo, Yura (Yura Sato) es el protagonista, un niño en edad escolar que se traslada junto a su familia desde Tokio a una zona rural, donde comenzará a asistir a un colegio católico, del cual no pareciera entender mayor cosa.

Como es de prever la situación del niño es en un inicio complicada, un contexto geográfico e ideológico que le es completamente ajeno, la falta de interacción con los compañeros y el sentimiento de no encajar le está rondando. Hay una situación familiar que precisamente es lo que produce el traslado de hogar, pero este pareciera ser un problema de “grandes” que no afecta el desenvolvimiento de Yura, quién tiene en este nuevo lugar sus propios problemas.

Se parte de una historia que despierta la  genialidad de Okuyama y es en el giro narrativo que logra consolidar, donde se produce un juego de fantasía con el aspecto religioso. ¿Cómo se sentiría un ferviente católico con la aparición de ese “pequeño Jesús” en pantalla

Lo que es cierto es que este es un recurso que está bien utilizado, que sin ir muy a fondo es propio de la imaginación de Yura, y que a su vez se sirve de casualidades tan propias de la ficción para ir consolidando su imagen y su sentido dentro de la propuesta argumental, cumpliendo con creces y jugando con un humor fino que va de la mano con lo que vemos en pantalla, sin dejar de lado el aspecto trágico. Hay ciertas referencias en este argumento que son de la vida del director, incluido esa hermosa dedicatoria al final de la película. Podemos ver a este realizador con un potencial bastante bueno, además de su corta edad y de ser director, también como guionista, montador y director de fotografía, reconocido en el Festival Internacional de Dublín. Nohay que olvidar que Jesus es su tesis de graduación de la Universidad Aoyama Gakuin de Tokio, que el largometraje lo realizó a inicios del 2018 en que inicio su rueda de exitos.

Juguetes guardianes /Toy guardianss

Especializada en cine familiar e infantil, ya sea de imagen real o de animación, la distribuidora Paycom Cinema estrena Juguetes guardianes, una producción china de dibujos animados en 3D, dirigida por Shen Yu y Huang Yan que en cierta manera calca alguna de las partidas argumentales del universo Disney-Pixar al proponer un viaje, tierno y también con secuencias de mucho vértigo (al estilo de los videojuegos de plataformas), desde la realidad a un universo digital paralelo, protagonizado por un tigre de peluche, un cocodrilo, un robot y cientos de coloridos personajes más, en pos de rescatar la inocencia de su dueña, una niña que se ha aficionado a un peligroso juego en red. La idea de los juguetes que cobran vida y que además protegen a sus pequeños dueños ya estaba latente desde los primeros minutos en Toy Story. Por otra parte, la intrusión de personajes de la realidad en mundos digitales, tampoco parece algo demasiado original desde Tron (1982), y menos ahora con títulos mainstream como Pixels (2015) o Ralph rompe Internet (2018). personajes de la realidad en mundos digitales, tampoco parece algo demasiado original desde Tron (1982), y menos ahora con títulos mainstream como Pixels (2015) o Ralph rompe Internet (2018). En cualquier caso, Juguetes guardianes puede llamar la atención de los más pequeños, y plantea en el fondo un discurso necesario acerca del testigo lúdico que las nuevas tecnologías han recogido en detrimento de formas más tiernas, creativas y solidarias de entretenerse. 

La mirada de orson Welles

Documental que se adentra en el universo personal y artístico del mítico cineasta Orson Welles (1915-1985), con buenas intenciones, director de algunos de los títulos más revolucionarios de la historia del cine como Ciudadano Kane, Sed de mal o Campanadas a medianoche. Gracias a la recuperación del archivo personal del cineasta, que no solo incluye película y fotografías, sino que se apoya encientos de dibujos y pinturas realizados por el propio Welles, este filme aporta una mirada inédita y distinta sobre este genio del 7º arte. Más de 30 años después de su muerte, la figura y la obra de Orson Welles sigue muy presente en el recuerdo y en la actualidad del mundo del cine. cción ´Classics´ del Festival de Cannes y que se presentó en la pasada edición del BCN Film Fest. Esta nueva película sobre el universo y el legado del autor de Ciudadano Kane, se caracteriza por aportar una visión personal y diferente a la de anteriores investigaciones y documentales que han abordado la importancia de Welles, en el arte. Para ello, el documental rescata archivos (fotos, dibujos, pinturas…) y documentación personal nunca antes vista de este director, que además fue actor, guionista y productor, no solo de cine, sino también de teatro y radio (alcanzó el éxito a los 23 años gracias a la emisión radiofónica de La guerra de los mundos). Además, La mirada de Orson Welles cuenta con el aval de estar dirigida por el prestigioso director y analista cinematográfico Mark Cousins, autor de referencia en escuelas y universidades gracias a su serie documental La historia del cine: Una odisea o a su particular Historia del cine. Si les interesa profundizar mas que lo que musstra el documental, ha dos mas en los que Welles analiza los Fake en las obra de artes, no solo cine Y por descontado, su biografia autorizada de Barbara Learning, que para escribirla bien ,permanecio 6 meses en la morada del grandioso director.

Utoya, 22 de julio

Kaja, una adolescente de 18 años, disfruta con sus amigos en un campamento de verano para estudiantes en una isla cercana a Oslo. Es 22 de julio de 2011, y todo el país está conmocionado tras la explosión de una bomba en un edificio gubernamental de la capital. Los jóvenes intentan tranquilizar a sus familias diciéndoles que están lejos del lugar del atentado. Pero la calma se desvanece cuando se empiezan a escuchar  disparos en la isla. Kaja tratará de sobrevivir entonces en medio del caos. El cineasta noruego Erik Poppe (Mil veces buenas noches, La decisión del rey) recrea en Utoya. 22 de julio lo que fue el fatídico día del verano de 2011 en el que más de 500 jóvenes, reunidos en un campamento de verano de estudios políticos en la isla de Utoya, fueron atacados por un hombre armado de extrema derecha. Protagonizada por Andrea Berntzen (en lo que fue su debut), la película está rodada en el mismo lapso de tiempo que duraron los atentados, en un intento del realizador de aproximarse lo máximo posible a lo que fue una realidad que acabó con la vida de 77 personas, adolescentes en su mayor parte. El director Poppe, que durante muchos años fue reportero de guerra, se vuelca con su cine en el análisis de temas de máxima actualidad, como demostró en Mil veces buenas noches (protagonizada por Juliette Binoche y Nikolaj Coster-Waldau), en la que rindió homenaje a su antiguo oficio, y como demuestra en esta, al reflexionar acerca de la fragilidad de los ciudadanos en una sociedad violenta en la que se está reviviendo el auge del fascismo europeo. Tras su paso por la Sección Oficial del Festival de Berlín, Utoya. 22 de julio compitió por la Espiga de Oro en la Seminci de Valladolid, además de obtener en los European Film Awards el Premio a la Mejor Fotografía para el operador Martin Otterbeck.Cabe destacar tambien el limitado uso de encuadres, la mejor reconstruccion e los hechos y la disponibilidad de actores como Aleksander Holmen, Brede Fristad., Ada Eide o Sorsh Sadat. Imprescindible reconocer que somos unos superivientes.

Entendiendo a Ingmar Bergman

Nunca sobraran documentales para entender a Bergman. Es un cineasta o muy comocido o denostado e ignorado por una gran faccion del publico. Visiones de cine  es quien, no sin dificultad  ha podido presentarnos algunos de los films en este ciclo de homenaje que le ha rendido la VonTrotta. Documental que explora en profundidad la vida y la obra del cineasta sueco Ingmar Bergman (1918-2007), considerado por muchos el mejor cineasta europeo de todos los tiempos, gracias a películas como Fresas salvajes, El séptimo sello o Fanny y Alexander. El filme recupera escenas claves de su filmografía y visita los lugares en los que Bergman vivió y trabajó, valiéndose de los testimonios de sus colaboradores y también de las declaraciones de aquellos que se consideran herederos de su legado. .En 2018 se cumplían 100 años del nacimiento de Ingmar Bergman. Para celebrar la señalada efeméride del desaparecido cineasta, la directora germana Margarethe von Trotta (Las hermanas alemanas, Hannah Arendt, Olvídate de Nick) que se reserva buena parte del metraje del film de 109 min. y la montadora Bettina Böhler se reunieron para realizar este documental que analiza el trabajo y la vida del autor de El manantial de la doncella y explora su legado cinematográfico. Entendiendo a Ingmar Bergman es un recorrido por algunas de las secuencias más relevantes de las películas del cineasta sueco y por los temas más recurrentes de su filmografía, a través de una labor de investigación documental que incluye la visita a los lugares en los que rodó y también las entrevistas con algunos de sus más fieles colaboradores, como su actriz fetiche y compañera sentimental Liv Ullmann. La película cuenta además con la participación de otros ilustres del cine, como el guionista francés Jean-Claude Carrière o el director Carlos Saura, y con la presencia de una nueva generación de cineastas de éxito, como Olivier Assayas y Mia Hansen-Love, en cuyas películas se reconoce el legado artístico del maestro sueco. El documental se estrenó en la pasada edición del Festival de Cannes, pasó por el Festival de Toronto y por la Seminci de Valladolid, donde su co-directora Margarethe von Trotta recibió la Espiga Honorífica.

el rey leon

Opotuna remake de una pelicula que marco un punto de inflexion elnlos dibujos animados, pero no tanto por eso sino por infiltrar en las pequeñas infantiles, como funciona una monarquia en un momento en que  algunas les baila la corona. Planta el mismo guion el problema de la sucesion y no cuenta demasiado el porque hereda la reinosidad de su padre, en este caso por obra y gracia de la naturaleza. El film es igual( 20 años son muchos para obviar los avances en la la animacion). la unica diferencia es que todos los amigos y asesores el joven principa, hablan y son algunos mas. El pequeño Simba se ve obligado a abandonar su casa tras haber sido culpado por su tío Scar de la muerte de su padre, Mufasa, el rey de la sabana. En su viaje forma un bizarro equipo con un jabalí y un suricata que le ayudan a dejar atrás sus miedos para convertirse en un león valiente y responsable, digno de ocupar el trono que por ley natural le pertenece. Tras un encuentro fortuito con su pasado, Simba decide volver y derrocar al tirano Scar, quien se ha hecho con todo el poder en la sabana. La historia que marcó un antes y un después en el cine de animación, vuelve a rugir, y esta vez lo hace a través de técnicas cinematográficas pioneras que vuelven a revolucionar la industria cinematográfica por su gran calidad técnica en una cinta que llega a asemejarse visualmente a un documental de alto presupuesto. Un viaje a la sabana africana dirigido por Jon Favreau, uno de los grandes directores, actores, guionistas y productores de Hollywood en la actualidad, cuya cara nos suena de grandes producciones como Vengadores y que ya se puso al frente de la vuelta al cine de El libro de la selva en 2016. Este nuevo remake de Disney, que ha encontrado una mina de oro en la reinvención de los grandes clásicos, nos devuelve a la trágica historia en la que tras el asesinato del rey Mufasa, su hijo Simba tendrá que aceptar su destino y luchar por ocupar el lugar que le corresponde en el reino animal siguiendo la huella de su padre y plantándole cara a su malvado tío Scar. Todo ello con la ayuda de sus nuevos e inseparables amigos, Timón y Pumba, que como en la película original, vuelven a aportar el toque humorístico a esta tragedia con tintes shakespearianos. Un remake de una calidad técnica,que despierta la nostalgia de los adultos y el entusiasmo de los más pequeños. 

genesis / Genese

Buen tino  del buen director canadiense Phillippe Lasage. Nos narra la historia  desde todos los planos posibles que se le ocurren. Deja que se recupere poco a poco para seguir educando  con cuidado y respeto una educacion de una experiencia adolescentes son sacudidas por las turbulencias del primer amor. Guillaume es un estudiante de 16 años enamorado de su mejor amigo. La hermanastra de Guillaume, Charlotte, desengañada por su relación con un chico de su edad, conoce a un hombre de casi 30 años. Otro joven llamado Félix trata de pasar el mayor tiempo posible con la chica de la que está enamorado. En la génesis de estas historias, un campamento de verano, en el que Félix, siendo un niño, conoce sus primeros deseos. En Génesis, el cineasta canadiense Philippe Lesage(     Los demonios, Copenhage A Love Story) filma en tono autobiográfico el primer amor de tres adolescentes y su empeño en afirmar su derecho a amar y ser libres. Se trata del octavo filme de un director y guionista que ha trabajado tanto el documental como la ficción y fue rodada tres años después que Los demonios (2015), película con la que Génesis tiende un puente de continuidad, tanto en lo relativo a los temas, como en la recuperación de alguno de sus personajes, si bien en aquella se abordaba la infancia, mientras que aquí se hace lo propio con la edad adolescente y sus problemáticas -ambas pueden visionarse y comprenderse de manera independiente, no obstante-. Protagonizada por algunos de los jóvenes actores y actrices más prometedores del nuevo cine canadiense, como Noée Abita (El gran baño), Théodore Pellerin (Solo el fin del mundo), Édouard Tremblay-Grenier (Los hambrientos), Pier-Luc Funk o Émilie Bierre, Génesis obtuvo la Espiga de Oro en la 63ª edición de la Semana Internacional de Cine de Valladolid (SEMINCI), logrando además el Premio al Mejor Director y el Premio al Mejor Actor para Théodore Pellerin. Con esta película, Lesage vuelve a demostrar sensibilidad estética, habilidad narrativa y un gran juicio a la hora de desentrañar las complejidades del corazón humano desde las más tempranas edades.

Ayla, la hija de la guerra

Lacrimogena, tosca y demasiado estaticos personajes no dejan ver con claridad la emocion de esta historia  de la vida real como tantas     habra en la guerra de Corea, y  en otras. Y la ilusion esta en si esta pareja se reencontrara en futuro lejano. Durante una fría noche en medio del campo de batalla, el sargento turco Süleyman se encuentra a una niña medio congelada, sin nadie que cuide de ella. Conmovido por la escena, el militar arriesga su propia vida para salvarla y se hace cargo de ella, llamándola ´Ayla´. A pesar de la dificultad para comunicarse, entre ambos se crea un sólido vínculo emocional, que amenaza con romperse cuando acaba la guerra y el militar tiene que regresar a su país y dejar a la niña atrás. Basada en hechos reales, Ayla, ha sido seleccionada y premiada en numerosos festivales internacionales, como Palm Springs, Richmond o el Asian World Film Festival, y en el 2018 representó a Turquía en los Oscar como candidata a la mejor película de habla no inglesa. Hasta la fecha, es la producción turca más taquillera de la historia, con más de 12 millones de dólares de recaudación. Dirigida por Can Ulkay (cineasta inédito en España), cuenta en su elenco principal con el actor turco Ismail Hacioglu y con la actriz surcoreana Kim Seol, además de Çetin Tekindor, Damla Sönmez, Ali Atay, Murat Vildirim, Büsra Develi y Meral Çetinkaya, entre otros. La conmovedora historia de Ayla y Süleyman sucedió en realidad, de hecho fue el germen de un documental previo realizado en 2010, que sirvió como base para esta película producida por Digital House Productions. Ayla la hija de la guerra es un drama bélico y humanista que apuesta ética y estéticamente por la convivencia y el amor y que huye de las imágenes de extrema crueldad habituales de los conflictos armados. La película turca, además, alerta sobre una dolorosa realidad, ya que actualmente existen más de 28 millones de niños en todo el mundo

al agua gambas!

Al agua, gambas, comedia francesa, y alocado road-trip, de protagonismo coral inspirada en el verdadero equipo de waterpolo gay de Le Gallo, quien durante siete años viajó alrededor del mundo y compitió en innumerables torneos, incluidos los últimos Gay Games, que se celebraron en Croacia. Aunque no es una película militante al uso, Al agua gambas apuesta por valores idiosincrásicos de la comunidad LGTBIQ, como son la libertad, la diversidad, el humor y la ligereza a la hora de afrontar los contratiempos de la vida, de ahí que la película esté protagonizada por actores gays, heteros y transexuales, procedentes del cine y de la TV, como Nicolas Gob (Cézanne y yo) -quien interpreta al entrenador protagonista-, Alban Lenoir, Michaël Abiteboul, David Baiot, Romain Lancry, Roland Menou, Geoffrey Couet, Romain Brau y Félix Martinez. Las secuencias acuáticas, que exigieron semanas de entrenamiento y trabajar con muchos actores en el set, fueron las más difíciles de rodar, especialmente una de 7 minutos en la que una piscina se transforma en una discoteca gigante, con casi 200 extras en traje de baño y con el operador de cámara bajo el agua.

Wild rose

Una pelicula mas que nos intenta hacer conocer a la humanidad como ayuda a una madre soltera con musica de los 80, con referencias ademas de la tres veces que se dilucida un caso rico pero sin fuerzaA finales de los 50 años, Rachel, una humilde oficinista de la pequeña ciudad francesa de Châteauroux, conoce a Philippe, un parisino culto y seductor con una mejor posición social. De este romance breve y apasionado nacerá la pequeña Chantal, a la que Philippe se niega a reconocer. A partir de entonces surge un amor incondicional entre madre e hija, pero que se verá en peligro cuando años después reaparezca el padre ausente y descubra su verdadera personalidad abusiva y narcisista. Catherine Corsini ya había tratado tangencialmente las relaciones entre una madre y su hija en su anterior película, Un amor de verano, pero es en Un amor imposiblecuando este complejo tema se convierte en central en su filmografía. La directora francesa llevaba años pensando en cómo abordar las relaciones maternofiliales en una película hasta que leyó la novela de Christine Angot y se atrevió a adaptarla a la pantalla grande. Al principio, Corsini dudó de ello ante la dificultad de condensar en apenas dos horas la vida casi entera de la madre protagonista. De hecho, en el primer momento se pensó en varios actores para interpretar a los personajes de Rachel y Philippe dependiendo de la edad que tuviesen en la ficción, pero finalmente se optó por Virginie Efira (Un hombre de altura) y Niels Schneider (Bella durmiente) para los personajes protagonistas y envejecerlos con la ayuda del maquillaje. De este modo, se ha filmado mejor el paso del tiempo en un drama contenido con vocación feminista. Un amor imposible es una película escrita por dos mujeres, producida por una mujer, basada en un libro escrito por una mujer y que cuenta la historia de dos mujeres  el guion donde han nacido otras tres estrellas

Un amor imposible

Al fondo, un "pluma" que aumenta el sentimiento diagnosticado y la emocion del amor crescendo.  A finales de los 50 años, una humilde oficinista de la pequeña ciudad francesa de Châteauroux, conoce a Philippe, un parisino culto y seductor con una mejor posición social. De este romance breve y apasionado nacerá la pequeña Chantal, a la que Philippe se niega a reconocer. A partir de entonces surge un amor incondicional entre madre e hija, pero que se verá en peligro cuando años después reaparezca el padre ausente y descubra su verdadera personalidad abusiva y narcisista. Catherine Corsini ya había tratado tangencialmente las relaciones entre una madre y su hija en su anterior película, Un amor de verano, pero es en Un amor imposiblecuando este complejo tema se convierte en central en su filmografía. La directora francesa llevaba años pensando en cómo abordar las relaciones maternofiliales en una película hasta que leyó la novela de Christine Angot y se atrevió a adaptarla a la pantalla grande. Al principio, Corsini dudó de ello ante la dificultad de condensar en apenas dos horas la vida casi entera de la madre protagonista. De hecho, en el primer momento se pensó en varios actores para interpretar a los personajes de Rachel y Philippe dependiendo de la edad que tuviesen en la ficción, pero finalmente se optó por Virginie Efira (Un hombre de altura) y Niels Schneider (Bella durmiente) para los personajes protagonistas y envejecerlos con la ayuda del maquillaje. De este modo, se ha filmado mejor el paso del tiempo en un drama contenido con vocación feminista. Un amor imposible es una película escrita por dos mujeres, producida por una mujer, basada en un libro escrito por una mujer y que cuenta la historia de dos mujeres. Sera una de las primeras en la coleccion  sobre el tema del sexo el genero.

Serenity

Un capitán de barco pesquero vive apaciblemente en una isla del Caribe hasta que su ex mujer acude en busca de ayuda para ella misma y para el hijo que ambos tienen en común y le pide que asesine a su violento y actual marido. Un thriller psicológico que bucea en las profundidades de las relaciones de pareja, el tormentoso pasado de sus protagonistas y las cicatrices emocionales y rinde homenaje (Es una manera de decir cortar y pegar de todos los clásicos del género y la literatura, donde la verdad se encuentra bajo la superficie. Moby Dick, Tiburon y sequelas  entre otras se marcan en la cara de Matthew McConaughey (en un doble papel) y Anne Hathaway (Timadoras compulsivas) protagonizan este oscuro thriller con tintes "hitchcockianos" en el que nada es lo que parece, con guion y dirección de Steven Knight, confeso admiradors de Stephen Kinght uno de los guionistas, escritores y directores no solo del cine (Locke), sino también de la televisión (Peaky Blinders). En Serenity (Obsesión), conoceremos la historia de un experimentado capitán de barco pesquero, Baker Dill, que vive en una isla del Caribe y que está obsesionado con pescar un pez. Su apacible vida cambiará cuando su ex mujer vaya en su busca para pedirle un particular favor: que asesine a su actual marido y la salve a ella y a su hijo en común de las garras del violento personaje interpretado por Jason Clarke (El día que vendrá). A lo largo del filme, el pasado atormentará a los protagonistas que tendrán que enfrentarse a inquietantes situaciones con giros de guion y sorprendentes tramas. Dill tendrá que elegir entre hacer el bien o hacer el mal, aunque a veces no sepa distinguirlos. Completan el reparto principal Diane Lane (Liga de la Justicia) y Djimon Hounsou.

Lo nunca visto

Carmen Machi (felicidades que hoy es 16 de julio) es seguramente nuestra actriz mas internacional. la argentina Marina Seresesky escribe y dirige su segundo largometraje, una comedia sobre la despoblación en el interior de España. Ya antes, en La puerta abierta, su primera película, la directora se había servido de la comedia para tratar aspectos sociales y ahora en continúa por esa senda tratando sin prejuicio los prejuicios, la falta de empatía o el miedo a lo desconocido. Y al igual que en su opera prima, Carmen Machi (La tribu) protagoniza la historia, acompañada entre otros por Kiti Mánver, señora actriz que se prodiga ,muy poco y que siempre domina el plano (Las ovejas no pierden el tren), Pepón Nieto (Perfectos desconocidos) y Jon Kortajarena (Un hombre soltero), vecinos de Fuentejuela de Arriba, y Paco Tous (La sombra de la ley), el alcalde del pueblo vecino que trata de absorberles. La película se ha rodado entre Madrid y Navarra, especialmente en Uztárroz, en el valle del Roncal, que sirve como escenario natural para la historia y que se Fuentejuela de Arriba, un pueblo de la abrupta España vacía, Teresa se encuentra con un desubicado grupo de africanos que han salido de su país en busca de una vida mejor. La llegada conmocionará a la aldea y sacará a luz los prejuicios de sus apenas quince habitantes, pero Teresa ve en los recién llegados la solución a los problemas del pueblo. Con ayuda de sus amigos Jaime y El Guiri decide ocultarlos y diseñar un plan para evitar que Fuentejuela sea absorbida por sus vecinos del pueblo de abajo. Buena direccion de actores y una propuesta sobre la inmigracion

la vida sin Sara Amat

La ACCEC ya la ha premiado en el BCN Film Fest 2019. Amat decide huir de casa y busca refugio en la habitación de su amigo Pep, un chico de 13 años que está de vacaciones en el pueblo de sus abuelos. El adolescente, locamente enamorado de ella, se convierte en su protegida. La directora Laura Jou da el salto al largometraje con esta película que habla de la adolescencia, el primer amor, los secretos y la pérdida,   huele a aquellos veranos en el pueblo, a piscina clorada, a largas siestas, a los enamoramientos de la adolescencia. La cinta, adaptación de la novela homónima de Pep Puig, nos cuenta la historia de Pep (Biel Rossel), un adolescente de 13 años que pasa los veranos en el pueblo de su abuela, donde conoce a Sara Amat (Maria Morera), una chica que cambiará su vida para siempre. Cuando Sara decide escaparse de casa, busca refugio en la casa de los abuelos de Pep y él accede a ocultarla, a pesar de saber lo que ello conlleva: llevar una doble vida y engañar a todos los vecinos, que la buscan desesperados. Una oda a la nostalgia, ambientada en los años 80, donde el protagonista descubre el amor a contrarreloj y el sexo adolescente. La experiencia previa de Laura Jou como directora de actores y coach de niños en películas como Lo imposible,Pan negro o Pulseras rojas, otorga veracidad a las interpretaciones de María Morera y Biel Sisca Alcayde. Una combinación ganadora que se ha alzado con los premios del público y de la crítica y oculta a su amiga aunque sepa que todos los vecinos la buscan. Pep tendrá que mentir a todos y cumplir los deseos de Sara, una dura experiencia que le hará crecer y madurar. Un nostálgico viaje. No es un tema muy recurrido, pero que da para atraer al publico en bañador. Referentes de los secuestros  Km. 0 , se me ocurren ahora el horrible caso en Austria o cinematograficamente, El coleccionista por citar una.

El cuento de las comadrejas

Con dos bucs (es  de manera original (es un decir) JUAN JOSE CAmpanilla, cuenta su historias de forma transversal. No es un muerte rara, pero como es mejicana se organiza  en modo entierro para que el publico considere el film una obra de arte costumbrista. Un publico que forzo con una alta pero respetuosa audicion que anuncia unos valores que no esta demas se acuerden y al mismo tiempo con un mecanismo  valores de los nuevos y que los interesantes actores ponen el hombro para que no decaiga la funcion.Nicolas Fancella y Clara Lago comedia a thriller. Es tambien este docufilm muy cuidadoso con los tempos dialogos y escenario, una vieja casona habitada por grandes artistas retirados pero todavia manteniendo su glamour. Como en un juego de ajedrez, las fichas van cayendo al compas de la historia o mejor cuento con actores increibles, accedediendo perfectamente al tono del idioma argentino. Completan el avispero
 de interpetes con una precision que se nota, Oscar Martinez,
Graciela Borges, Luis Brandoni, Marcos Mundstock...

Annabelle vuelve a casa

Los reconocidos parapsicólogos Ed y Lorraine Warren deciden acabar de una vez por todas con los estragos que causa la muñeca Annabelle, un conducto empleado por los demonios para poseer personas. Para ello la encierran en una vitrina bendecida por un cura en el cuarto en el que guardan otros objetos sobrenaturales. Sin embargo, una noche la terrorífica muñeca conjurará a todos los espíritus malignos de la habitación para lograr su nuevo objetivo: poseer a la hija pequeña de los Warren. Annabelle vuelve a casa es la tercera de las películas protagonizadas por la muñeca endemoniada Annabelle y la séptima entrega de la franquicia de terror Expediente Warren, creada por el director James Wan (Insidious) y basada en algunos de los casos más representativos que en la vida real estudiaron y combatieron los demonólogos estadounidenses Ed y Lorraine Warren. En esta ocasión el director elegido ha sido el debutante Gary Dauberman, hasta entonces guionista de otras películas de la franquicia como Annabelle o La monja, pero también coescritor de uno de los últimos éxitos del terror internacional, It. Dauberman ha trabajado sobre su propio guion y ha vuelto a contar en esta ocasión con Patrick Wilson (Aquaman) y Vera Farmiga (Godzilla: Rey de los monstruos) en el papel del matrimonio Warren. Les acompañan además McKena Grace (Un don excepcional) como Judy, Madison Iseman (Jumanji: Bienvenidos a la jungla) como su niñera en apuros y Katie Sarife (conocida por series como Los secuestros de Cleveland) como su conflictiva amiga Daniela.

A accidental Studio

Otra pelicula documental, con Beatles al fondo, que aprovechando su aire, el cine le clava dentellada, para darles a conocer todavia mas y ganar algun que otro publico no conocedor de sus canciones. Más allá de ser uno de los mejores músicos de la historia, George Harrison, uno de los componentes de la banda más mítica de todos los tiempos, también probó suerte en el cine y decidió embarcarse en la aventura de montar su propia productora, HandMade Films. El documental nos transporta a los 80, la gran década de oro del cine británico en gran parte gracias a la productora del ex Beatle, a través de intervenciones de figuras míticas del séptimo arte como Terry Gilliam, Helen Mirren o Michael Caine. La vida de Brian, la inolvidable película de los Monty Python, fue solo el principio de la aventuras cinematográfica del Beatle más polifacético, George Harrison, quien financió y llevó a la gran pantalla al controvertido y arriesgado film que hoy se ha convertido en un título de culto. A través de su productora independiente de cine fundada en 1978, HandMade Films, llegó a producir mas de 20 películas en tan solo una década, entre ellas, obras tan destacadas como Los héroes del tiempo de Terry Gilliam, Withnail y yo de Bruce Robinson o Mona Lisa de Neil Jordan y Lav ida de Brian. An Accidental Studio es una película documental que narra los inicios de la incursión en el cine de Harrison, dirigida por Kim Leggatt, Bill Jones y Ben Timlett. Para ello, cuenta con testimonios de grandes actores y figuras del cine británico de los 80 como Helen Mirren, Michael Caine, Richard E. Grant, Joanna Lumley, Billy Connolly y los miembros de Monty Python, Michael, Terry Gilliam, Eric Idle y John Cleese, entre muchas otras personalidades destacadas. Un nostálgico homenaje a HandMade Films y a su creador, agentes decisivos del resurgir de la moribunda industria cinematográfica británica y responsables en gran parte de la década prodigiosa del cine de los 80 en el Reino Unido. Otra manera de ver y escuchar.

Super 30

Anand Kumar es un genio matemático de origen indio que desarrolló el programa Super 30 para ayudar a niños de familias desfavorecidas a acceder a una educación, entrenándoles para superar el examen de acceso de ingreso al Instituto de Tecnología de la India y proporcionándoles alimentación y alojamiento. En la actualidad, todos los niños que formaron parte del programa se encuentran trabajando en grandes empresas de todo el mundo. Super 30 es un drama biográfico protagonizado por Hrithik Roshan (Kaabil), Mrunal Thakur (Love Sonia) y Pankaj Tripathi (Kissebaaz) y dirigido porVikas Bahl (Shaandaar). Basada en la vida y la obra del genio de las matemáticas natural de Patna (India) Anand Kumar, la película descubre al espectador la gran labor que, en la plataforma que da nombre al filme, realizan. Un programa que ha permitido a cientos de niños pobres con talento hacer realidad sus sueños y darles un futuro laboral a la altura de su inteligencia. Esta escuela de matemáticos para niños sin recursos, que lleva en funcionamiento desde hace más de 15 años y que se sustenta con apenas 50 euros anuales, prepara a los 30 mejores estudiantes de cada curso de la escuela Ramanujan para superar el examen de acceso al perstigioso instituto.

Hamada

Eloi Domínguez Seré explica que “hamada” significa “vacío” o “tierra en la que no hay nada”, y muestra unas imágenes impresionantes del desierto. Con sutileza define el director el tiempo de su documental, sumergiéndose instantáneamente en la atmósfera de un lugar remoto, alejado de todas partes, en el que el tiempo no existe porque no hay nada que hacer". El documental se centra principalmente en la vida que llevan un joven y su hermana en los campamentos de refugiados del Sáhara Occidental. La región se divide en dos zonas, una “libre” y otra ocupada por Marruecos. Los individuos pasan por delante de la cámara de forma errática, algunos con el sueño de encontrar trabajo, otros con la esperanza de poder ir al continente  europeo donde han oído que se vive mejor. La propuesta de Domínguez Serén es interesante por la empatía que genera por esa región desconocida y por mostrar cómo vive la gente en un lugar tan inhóspito y desalentador, sin ningún futuro por delante y cuya única vía de escape es emigrar. El director acierta al incluir algo de historia del país, con esa lucha contra Marruecos para independizarse y tener un gobierno propio. El film que se hace repetitiva y pierde conviccion a medida que avanzan sus fotogramas algo que es inevitable, dado el tema que se trata y la localización–. Le falta tambien una mayor amplitud politica, para comprender provechando la ocasion para conocer si la vida de estos refugiados es muy diferente a la de los que viven en otras zonas del país, algo que expandiría mucho la perspectiva de la propuesta y permitiría entender cómo ejerce Marruecos el control del país. Pasa por encima del tema de las minas de fosfato y cómo su gestión afecta a estos individuos. A pesar de todo, Hamada es una experiencia. Un documental emocional, empático, y didáctico. Un granito de arena a otra poblacion que lo necesita.

Yesterday

En el Facebook hay un grupo, "Amigos de los Beatles" en el que se confirma diariamente que la musica de estos dos ultimos siglos  no habria sido igual. Y lo dice ese documental, que no biopic, de Danny Boyle, los trata como si de una biografia no autorizada se tratara.Y no es una critica construcutiva, sino el algunos pasajes, una mofa. Para ello parte de la  simplicidad de las letras de sus canciones. La juventud puede incluso llegar a pensar que The Beatles no ha existido y que la musica esta toda en los grupos anglosajones del momento. Himesh Patel, es un musico que no logra sacar cabeza en el campo profesional y que encima sufre un terrible accidente. Al despertar y recuperar sus conocimientos se da cuenta de que sus contemporaneos no conocen al grupo de L.iverpool. Canta sus canciones y triunfa totalmente. Mas que al Boyle, a quien Yesterday le ha pasado `por encima, a el y al guion de Richard Curtis. Se supone que habran pagado, los derechos, seguro que si pero se ha salvado de momento de la querella, porque de beatles solo quedan dos y estan mayores         
Rechazando toda propuesta, pone en cinta unas tesis mas que discutibles.
Que explorar a influencia de los musicos en el mundo es intrascendente, Que son un capitulo mas de la historia de la musica moderna que seria igual sin ellos. Que si hubieran competido en la actualidad, dominada por el pop electronico hubieran tenido un exito grandioso, pero efimero, porque no tenian carisma. Ah, y que interpretar sus melodias con otros instrumentos, mejoraban. Colaboran en este suicida proyecto, lleno eso si de detalle Lily James,y Kate McKinnon por lo menos.
Boyle director independiente y marginal (Oscar2009) dice de su film que es una comedia con musica antigua, "una historia de amor doble: una cancion que forma parte del imaginario universal a lo largo de la cual se consolida y procesa una bonita relacion.

Varda Por Agnes

En  los últimos años Agnès Varda había recibido algunos de los mejores premios, muchos de ellos honoríficos (como el Oscar o el Premio Donostia), algo que se puede interpretar como el reconocimiento oficial a una carrera que ya se daba por terminada. Sin embargo, la directora francesa aún tenía algo que decir y un mes y medio antes de su muerte, presentó su último y definitivo trabajo en la Berlinale, fuera de concurso. Por las circunstancias, el documental Varda por Agnès se ha convertido en un film de despedida, perfecto colofón a una carrera de más de 60 años y que se presenta como una clase magistral de 2 horas sobre cine, sobre su inspiración y sobre su trabajo. El documental se ha construido con fragmentos de conferencias de la propia directora, retazos de algunas de sus películas, una conversación con la actriz Sandrine Bonnaire (Sin techo ni ley), imágenes de archivo, pero también con nuevo material creado expresamente para este proyecto. También hay algunas referencias a su vida personal, como su relación con el cineasta de la Nouvelle vague Jacques Demy, aunque esta faceta de su vida ya se había plasmado más profusamente en Las playas de Agnès (2008), un documental autobiográfico muy personal. Hara un par de años,en un festival pequeño en un bello  pueblo pirenaico, tuvo la gentileza de assistir.El plato fuerte, era la entrevista que se le hacia en el escenario del local del pueblo. Una hora de conversacion encantadora si traductor y en un momento el periodista se quejo de los festivales eran un rollo Ella rapida contesto: No le doy la razon. Yo en Cannes conoci a mi marido, (Jacques Demy) y el me enseño todo en cine y en la vida y he sido muy feliz. Asi era Agnes Varda.

Spiderman lejos de casa

Otro Spiderman que podria ser de Disney, pasea sus aventuras por Europa
 como si de un turista se tratara, pero escalador de edificios y  podemos empezar a jugar porque va estos paises clasicos, que es mejor salvar vidas o enamorar su persona? Quien es mas creible de hombre araña, Tom Hollando o Toby Mcguire. A nuestra araña voladora, cuesta convencerle de que debe poner si poder para defender la humanidad que abusar de sus propiedades para encandilar a las damas. Decia Disney porque hay artilugios magicos y ilusiones tecnologicas, pero cae en mano de John Watts que no es John Ford precisamente. Un heroe que se pone en contacto con otras civilizaciones y que arropado por tresaciones consigue alguna aventura impactante pero inconsistente.Se diria que se ha rodado para contentar las vacaciones de sus fieles seguidores y para no dejar mas distancia con la trilogia de Rami. Y yo que pensaba que la franquicia sehabia acabado en MARVEL. 

522 un el gato un chino y mi padre

El titulo podria se de Peter Greenawey pero mas bien un apaño para mostrar una zona turistica que necesita por lo visto mas clientes. Segunda película del sevillano Paco R. Baños (Ali), película melodramática de título curioso planteada en clave de road movie y con toques irónicos. George tiene que huir de su rutina y aprender a mirar de otra manera a lo largo de una aventura en busca de la identidad personal. Para acercar al espectador al mundo agorafóbico de la protagonista, el director se ha servido de un ángulo de cámara cercano cada vez que aparece en pantalla George y ha rodado la película en las zonas turísticas del Algarve portugués en época de temporada baja a ritmo de fado. Natalia de Molina (Elisa y Marcela) es la protagonista absoluta de la película y una vez más demuestra sus habilidades de adaptacion. Alberto Jo Lee (Tapas) y Manolo Solo (Tarde para la ira). La joven portuguesa George padece una peculiar agorofobia que la obliga a establecer un perímetro de seguridad de 522 pasos y la condena a la escasa interacción con su vecino y amante y con su gato Fernando. Cuando el felino muera, emprenderá un viaje desde Sevilla a su tierra natal para darle sepultura. George instala su "hogar" en una camioneta y poco a poco irá abandonando su zona de confort gracias a la compañía de Hao, el dependiente japonés del comercio chino cercano a su casa.

La deseducacion de Cameron Post

Despues de "Identidad borrada" hace unas semanas,Desiree examina la consecuencias de un amor entre dos  amigas. Atrevida y constructiva, pelicula casi indie que plantea un enomeno importante que resuelve de un modo conservador, sin entrar para nada altrapo.  Tambien cuenta la importancia que tienen las colonias y campamentos para nuestros jovenes adolescentes. Premiada en los festivales de Sundance y Valladolid, la nueva película de la actriz y directora Desiree Akhavan (Appropiate Behavior) propone un emocionante drama adolescente. La historia de una estudiante modelo que es enviada por su conservadora familia a un programa de reconversión de homosexuales cuando se descubre su condición de lesbiana sirve como punto de partida para una película que habla sobre la pérdida, el dolor y la búsqueda de la propia identidad. Adaptación de la novela de Emily Danforth, La (des)educación de Cameron Post impregna de naturalidad y un irónico sentido del humor un relato que trata con cariño y respeto a sus personajes principales, un grupo de jóvenes marginados que se enfrentan al siempre difícil salto a la madurez y buscan ser aceptados, y aceptarse, tal y como son a pesar del internamiento y las delirantes técnicas de rehabilitación. Chloë Grace Moretz (La viuda) es la joven protagonista de un reparto que completan Quinn Shephard (Culpa), John Gallagher Jr.  Para su familia, Cameron Post es una adolescente modélica a punto de acabar el instituto. Esta imagen queda en entredicho cuando es descubierta con otra chica en el asiento trasero de un coche durante el baile de graduación. Escandalizados, sus parientes deciden enviarla inmediatamente a un programa de conversión de homosexuales entre terapias extravagantes y canciones de rock.

Elcano y Magallanes

En el verano de 1519 un joven marinero vasco de Guetaria, Juan Sebastián Elcano, se une a la expedición del almirante portugués Fernando de Magallanes, quien trataba de encontrar un paso alternativo a las Islas Molucas y conseguir las tan deseadas y bien pagadas especias. A lo largo del viaje, Elcano crecerá como persona y encontrará en la figura de Magallanes a un segundo padre, a la vez que sin apenas ser conscientes de ello cambian el rumbo de la historia con la primera vuelta al mundo. en 1522 y que supuso la primera circunvalación de la tierra, el estudio Dibulitoon estrena Elcano y Magallanes. La primera vuelta al mundo una producción de dibujos animados en 3D para acercar el hito a los más jóvenes. Para ello, se han modificado algunos acontecimientos históricos: por ejemplo, se ha rejuvenecido a Elcano y dulcificado la figura de Magallanes para poder narrar de este modo una historia de aprendizaje y crecimiento en la que están presentes sentimientos como el amor o el deber. Esta rebaja de los caracteres y mala uva de estos historicos y crueles personajes que aparte de su gesta eran temidos por su brutalidad y armamento.Sin embargo, el filme no pierde el sentido divulgativo. Ángel Alonso dirige el proyecto, avalado por la experiencia de sus anteriores largometrajes: El ladrón de sueños (2000), una animación fantástica, y Mystikal (2010), una aventura medieval que mezclaba la animación con personajes de carne y hueso. Aunque de animacion , el film podria estar entre los de divertidos de aventuras en el mar. Piratas, bucaneros y filibusteros mantendran 
la familia contenta en butaca. En dos decadas, un clasico. Una  semilla que servira quiza,para que el espectador sepa, lo que es colonialismo, los descubrimientos, el sentido patrio y otros menesteres mas marinos.

me llamo violeta

Con gran sensibilidad y lejos de cualquier tipo de morbo, David Fernández de Castro (Priorat) y el debutante Marc Parramón dirigen este documental que busca normalizar el fenómeno transgénero infantil. La historia de Violeta, la hija de las conocidas estrellas del cine para adultos Nacho Vidal y Franceska Jaimes, que nació como niño, se convierte en el hilo conductor de una película que también recoge los testimonios de otros jóvenes que ya han pasado por las diferentes etapas que, más adelante, tendrá que afrontar la pequeña. Asimismo, recoge los testimonios de veteranas activistas en la lucha por los derechos de las personas LGTBI, como Carla Delgado o Silvia Reyes, que sufrieron en sus carnes la represión franquista, y hoy en día son la viva imagen del profundo cambio que ha sufrido la percepción de la sociedad española hacia una visión mucho más abierta y tolerante. Sin embargo, la cinta también recoge la difícil realidad a la que se enfrenta el colectivo transgénero, marcada por obstáculos burocráticos y episodios de discriminación y acoso escolar que, en casos como el de Alan (otro de los protagonistas), terminan conduciendo al suicidio. A los 6 años, Ignacio dijo a sus padres, las conocidas estrellas de cine porno Nacho Vidal y Franceska Jaimes, que era una niña y se llamaba Violeta. Tras el shock inicial, iniciaron juntos el complicado camino que la pequeña tendrá que andar para convertirse, algún día, en mujer. La historia de esta familia y las de otros jóvenes transgénero y activistas LGTBI sirven como ejemplo de las dificultades, tanto físicas como legales, que todavía existen para completar su transición con éxito. 

los Japon

Cine de verano, adolescente y fresco , vienen de Noruega y siempre es util ver otros comportamientos de otros paises  y educacion y metodos  costumbres que ayudan ala convivencia y  a crecer personalmente. Pero Alvaro Diaz Lorenzo sencillamente no entra al trapo del film sino que narra las visicitudes, alguna entrañable y escoge a Dani Rovira, que sin direccion, pìerde parte de su vis comica a lo que no ayudan los chistes (alguien los considera homofobos), y en cambio, detectando el problema Maria Leon lo da casi todo. No acaba la nueva comedia  hispana de alcanzar el prestigio de antaño. De la misma forma que tampoco da mas papel a Antonio Dechent y Maya Murofushi. Entre Coria del Rio y Tokio, un labrador modesto, recibe la  notificacion que ha sido nombrado enperador del Japon. De tan disparatado origen no podia salir bada bueno de verdad. Por mucho que todos los invitados se esfuercen para ofrecer educacion y cordialidad imitando los acentos propios de los japonenses

Un atardecer en la Toscana/Dolce fine giornata

En su quinto largometraje, el polaco Jacek Borcuch (Indeleble) hace una radiografía del clima de caos e incertidumbre general que se respira en Europa ante la mayor crisis de refugiados de todos los tiempos. Un atardecer en la Toscana filtra esta reflexión a través de un drama familiar, donde sus miembros, de distintas generaciones, se convierten en paradigmas y reflejo de las diversas actitudes y formas de ver esta problemática. La omnipresente protagonista de la película es una poetisa reconocida con el Premio Nobel cuyo coraje y carácter intransigente en su lucha por la libertad terminará poniéndole en la diana de la opinión pública. Los hermosos paisajes de la Toscana como telón de fondo y el elevado nivel intelectual y las palabras grandilocuentes de esta mujer adornan una cinta, íntima y elegante, que invita al espectador a tomar partido. Krystyna Janda (Ellas) en el reparto de este film, premiado en Sundance, sobre la empatía y el arte que, a la vez, critica el aumento de la xenofobia en nuestros días. Le acompañan Kasia Smutniak (Silvio (y los otros)) y el debutante Lorenzo de Moor. María Linde es una ganadora del Premio Nobel, de raíces judío polacas, hija de supervivientes del  Holocausto, que vive con su familia en la Toscana y tiene una relación secreta con un joven egipcio, dueño de un hotel cerca de la playa. Su idílica existencia se ve enturbiada por un terrible suceso, que genera un clima de histeria colectiva. Reacia a seguir la corriente del entorno, María aprovecha la entrega de un galardón local para pronunciar un polémico discurso que terminará provocando un inesperado caos a nivel personal y social.

la influencia

Un film de terror con cabeza no deberia mezclar el satanismo la brujeria, quiza ya llegara, pero de momento parece ser mejor seguir lstopicos y las normas no escitas de la ciencia ficcion. Los dos niños, al ver que ella carece de la fortaleza necesaria para enfrentarse a la vida, tendrán que salir adelante. La vida transcurre y las cosas cambian. "La influencia", una coproducción hispano-mexicana rodada en el pueblo de Arganda del Rey, en la provincia de Madrid, se presentó en la Quincena de Realizadores del 60º Festival internacional de Cannes. El debut de Pedro Aguilera, en el que ejerce de guionista, director y co-productor, es una historia dura que se centra en la depresión que sufre una mujer. La familia protagonista de esta película lo es también en la vida real. Ni Paloma Morales, la madre que se derrumba, ni sus hijos dentro y fuera de la pantalla, Jimena Jiménez y Romeo Manzanedo, son actores profesionales. Aguilera, que conocía a Paloma y a sus hijos desde hace tiempo, escribió el guión pensando en ellos. Y al lograr que ellos fueran los protagonistas, consiguió el ambiente de naturalidad y complicidad deseado.La señora Rivero no está pasando por un buen momento. Es una mujer desorientada y frágil que se siente abrumada por los problemas de la vida diaria. Su vida se va desmoronando poco a poco y ella no puede hacer mucho por detenerlo. Embargan sus bienes, cierran su tienda de cosméticos y el futuro de sus dos hijos es incierto. Romeo y Jimena están llenos de vida pero no pueden evitar que su madre , lentamente se sumerja en una profunda depresion.Pero Emma Suarez siepre mercera unos planos-

en los 90 /Mid90's

Johna Hill,es un joven actor de vis comica pero al que se le conocen intentos de ampliar su gama de personajes.Para ello despues de intervenir en diferentes ambitos, dirige esta pelicula, mas seria de lo que en su trayectoria se habia establecido. Mid90's es la filmacion de un  final de la adolescencia, de los muchos que pueden haber. El elegido es un chaval de 13 años de Los Angeles con dos problemas. Hacerse amigo de un grup de Skater's y lidiar con la presion de un hermano que aprovecha cualquier situacion negativa del futuroSkater, haciendole la vida imposible. Un homenaje al mundo de los 90 con su musica su moda y su economia y un gramo de nostalgia por aquella cultura que quiso ser popular. Le acompañan en esta aventura de vida, que se dedico al skat como un   camino hacia la libertad, Katherine Waterson y Lucas Hedges. Un deporte_ juego grupal en el que en un parque de cualquier ciudad, la banda mayor podia quitar el patin con amenzas mafiosas y nadie podia dice nada. Un "vehiculo" que no hace nada mas que denunciar la eterna solitud Se ha visto que aparte de hacer una torneos xtrems de la vida y la vida es un patinete. Por cierto que no todos los  skaters son reales, hay algunos que estan de relleno imitando.Pero esto solo l o reconoce un professional.