Stephan Zweig adios a Europa

Por fin un filme de cierta profundidad psicológica, con emotividad incluida apesar de sus moralinas imprescindibles en todo film alemán, su proximidad al crecimiento de los nacionalismos y los movimientos de masas de nuestros dias. Sueña Maria Schrader en una Europa sin pasaportes, mas por su elocuencia en la direccion del film,con el firme pulso que lo conduce y con unas imagenes que narran todo por si solas.Como la del comedor o la del espejo final donde resume todo el filme con una notoria elegancia. Renuncia a la narracion consecutiva de echos que suele presidir todo biopic para , dando saltos, centrarnos las cosas mas utiles para la comprension del continente que habitamos. Zweig se suicido el 1942 y con pertinentes elipses contarnos, sus notas , sus documentos su relacion con la secretaria, con quien se casaria. Su mujer oficial, entrevistas, ensayos, conferencias, van jalonando la vida del filosofo.  Escritor, biógrafo y activista social, Stefan Zweig era un intelectual austríaco y judío que se vio obligado a abandonar su país ante la amenaza del régimen nazi. En su huida, se refugiaría en París, primero, para posteriormente trasladarse a Londres, desde donde partiría hasta Sudamérica en un intento por alejarse de la cruda realidad que le atemorizaba en Europa. Ya en Brasil, el miedo a que el nazismo se extendiera por todo el mundo pudo con él, hasta el punto de que en 1942 se quitó la vida. Uno de los personajes más irrepetibles del siglo XX, la vida del intelectual austríaco Stefan Zweig da el salto a la gran pantalla de la mano de la actriz y realizadora Maria Schrader (Liebesleben), que escribe y dirige este biopic sobre un literato que, entre los años 20 y 30 se convirtió, junto a Thomas Mann, en el autor en alemán más importante de su tiempo. Schrader se acerca desde una perspectiva rigurosa no exenta de sensualidad a la figura de Zweig a través de seis episodios que abarcan desde su primera visita a Brasil hasta su triste fallecimiento, pasando por los aciagos años de huida del régimen nazi. Josef Hader (Das ewige Leben) se pone en la piel del genio alemán en Stefan Zweig: Adiós a Europa, film en el que también participan Tómas Lemarquis (X-Men: Apocalipsis), Barbara Sukowa (El mundo abandonado) y Matthias Brandt.

Rio arriba/En amont du fleuve

Este documental de un rio de Marion Hansel nos cuenta como nace la amistad alrededor de una hoguera entre dos hombres  en su plena madurez y que el rio arriba protege en su humeda intimidad. Personajes parecidos que buscan al padre en este rio croata y de cuyos respectivos tienen diferentes opiniones y razones de su muerte.  Descubre mas esta especie de documental silencioso y de miradas y pensamientos que la propia historia que acaban, segun el rio, hermanastros. A bordo de un pequeño barco, Homer y Joé, ambos en la quinta de los cincuenta, remontan los ríos de Croacia a través de las cascadas. Hasta la reciente muerte de su padre, ninguno de ellos sabía de la existencia del otro. Ahora, sin embargo, son medio hermanos. Durante la travesía, conocen a Sean, un enigmático aventurero que se les une en el viaje. Dos hermanos, hijos del mismo padre pero no de la misma madre, se conocen cuando realizan juntos un viaje fluvial por Croacia a la búsqueda del lugar donde el padre ha sido hallado muerto. Como todas las películas de la realizadora belga Marion Hansel, la anécdota inicial no llega a plasmarse. El relato se centra en ese viaje de aparente conocimiento, pero es mejor el carácter físico del mismo, inmenso Sergi Lopez, replicante Oliver Gourmet, los hombres en silencio en la inmensidad de la geología croata, hasta que encuentran a Sean, John Lynch, que despeja todas sus incógnitas sobre el padre muerto y su destino.

la alta sociedad

El cine sin casi dialogos lo ppodriamos definir como casi mudo.  En un proceso que conceriamos como el cine pintura, que tambien es muda. Caso siempre menos quiza "el Grito". Y aqui cuenta tambien el esfuerzo de los actores por narrar sin decir. Pero el silencio, tampien puede no tener ni pizca de gracia. Y es el caso. Querian presentar no la lucha de clases desde el origen burgués o no de sus protagonistas. Elemento también difícil de reconocer. Como tampoco es posible establear el posicionamiento del director Bruno  Dumont en el proceso de fagocitacion de unas clases sociales por otras.  Con la carga de su pronunciación de la región Nord Asde Calais, Dumon parte de su por otro lado exitosa serie para alcanzar estos 122 minutos. Definitivamente este director no tiene mucha vis cómica.  En el verano de 1910 varios turistas han desaparecido mientras descansaban en la costa. Para esclarecer este suceso, los inspectores Machin y Malfon coinciden en el que el origen de todo podría estar en la bahía de Slack, un lugar en el que conviven granjeros y pescadores de ostras con la acaudalada familia Van Peteghem. Los estilos de vida de unos y otros serán puestos a prueba cuando Ma Loute, un joven hijo de un disparatado clan de pescadores, y Billie, hija de los Van Peteghem, se enamoren. Después de El pequeño Quinquin, el director Bruno Dumont vuelve a la comedia absurda con este film ambientado a principios del siglo XX que sigue las aventuras y desventuras de los habitantes de la región de la bahía de Slack, muy cercana a la localidad natal del realizador. En la cinta, cuya historia de amor y una serie de misteriosas desapariciones se terminan convirtiendo en el eje central de la trama, Dumont se esfuerza por encontrar el lado cómico a cada situación, ofreciendo al espectador momentos de verdadero humor absurdo en los que, sin embargo, se filtran el crecimiento de la burguesía y la lucha de clases propios de la época. Para dar vida a la película, el realizador se apoya en un reparto formado por actores amateur y profesionales contrastados del cine francés como Juliette Binoche (Ghost in the Shell: El alma de la máquina), Fabrice Luchini (El juez) y Valeria Bruni Tedeschi.

Kale Pothi, un pueblo de

Convido avui a les pagines del meu blog al critic i company de Federacio Tariq, amb motiu del magnific com sempre, comentari que ha fet de la pel.lícula, pero sobretot perqué aquest cap de setmana ha finalitzat el rodatge del seu segon curt. enhorabona!!

Tariq Porter

En tiempo de generalidades, en que el viaje del héroe y sus proezas son sólo sorprendentes por ampulosas, en que la fuerza subyuga la maña y en que (casi) toda sala de exhibición se construye mirando a una Meca en perenne crisis creativa, oxigenar la mirada con paisajes remotos y tempos parsimoniosos se antoja necesario para almas inquietas y vistas cansadas. Por fortuna, no es excepcional que, mínimo una por semana, aparezcan en los cines propuestas que hacen de la globalización un concepto menos grave.

Es el caso de “Kalo Pothi, un pueblo de Nepal”, película que llega directamente del donde reza el título y que, evidentemente, se postula como uno de los estrenos cinematográficos más exóticos del año. Indiferentemente de su calidad –que la tiene– y capacidad de trascender como obra artística –que lo hace–, su llegada a nuestros cines es positiva en tanto que retrato genuino de realidades radicalmente lejanas, de un país que, como todo lo que nos es ajeno, conocemos, muy probablemente, a través de interlocutores contaminados o contaminantes. El cine, en ese sentido, es un extraordinario embajador, capaz de dar la vuelta al mundo sin ver su mensaje empañado ni tergiversado, e inherentemente ilustrativo.

La ópera prima de Min Bahadur Bham tiene, ante nuestros ojos, esa virtud. Sus intérpretes no lo son y en sus lugares no hay rastro de cartón piedra; menos aún CGI. La impostura brilla por su ausencia.  Sin embargo, inconforme con su autoconsciente singularidad –el cine nepalí no es precisamente prolífico; o no de puertas para afuera– el debutante cineasta consigue, con éxito, crear a la vez una historia inevitablemente agreste y sorprendentemente onírica. El relato de dos niños que, en el contexto de una embrionaria guerra civil, buscan la manera de recuperar una gallina que les ha sido arrebatada y que representa esperanza, conciliación e inocencia, se convierte en manos de Bham en un conmovedor y profundo retrato de –valga el tópico– valores y conflictos universales en un concretísimo contexto.

Resulta, además, que “Kalo Pothi” es un film entretenido, dinámico y hábil con el lenguaje cinematográfico. Tres momentos destacan por insólitos, inesperadas metáforas en forma de coreografía, descubiertas a fuego lento. Nada falta y poco sobra en esta deliciosa miniatura venida de lejos. A propósito: hace unos meses se estrenó un film del Kirguistán, “Sutak, nómadas del viento” (Mirlan Abdykalykov, 2015), similar argumental y conceptualmente, igualmente valiosa, serena, y con la misma mala leche, velada pero punzante. ¿Vista cansada? Sesión doble.

John Wick pacto de sangre/ Chapter 2

Keanu Reaves, sus silencios, su tempo, su brillante dicción, no dice mas de 20 frases, es uno de los pilares de este primer film de Chad Staleski. La propuesta arquitectónica de este, es que las superficies brillantes y limpias, enceradas con abrillantador con olor a pino aumentan las ganas de asesinar a los seres proclives a ello. Son estos como un gremio antítesis de ikea, que viven en residencias y pagan, no con la misma moneda sino en piezas de oro. Oro y brillantez que solamente tapan lógicamente suciedad y muerte. El film se hace increíble en el momento en que se contabilizan cerca de 80 muertos, que son 0,7 por minuto, excesivo a todas luces. Recordemos otras dos bestias peligrosas com Will Wild Hitchcock con 39 muertes a lo largo de toda su vida en duelos o cosas parecidas o el fascista sueco con 90 muertes en aquella apacible isla de colonias. Tumben da las claves para volver a la carrera del asesinato. Si los has dejado por el duelo de un ser querido para hacerte volver han de robarte, quemarte el coche, darte un señor palizon y matarte al perro. Por mucho menos Mel Gibson dejaba títere sin cabeza a todo un casting. El genero se divide en 4 subs: el que nunca ha matado una mosca, La pantera Rosa, el que mata para no matar mas ,Bourne, el que no mata para acabar con todo después al final Arma letal. y el que solo mata, Terminator y ahora Rives. Las formas infinitas. Creo recordar que a escobazos no. Alejado para siempre de su antigua vida como asesino a sueldo, John Wick se ve obligado a abandonar su retiro para ayudar a un antiguo socio a hacerse con el control de una siniestra asociación internacional de sicarios. Para respetar el pacto de sangre que tiene con él y cumplir con este trabajo para volver a su nueva y, casi siempre, pacífica vida, John se trasladará hasta Roma, donde pondrá su vida en peligro mientras enfrenta a algunos de los profesionales de la muerte más letales del mundo. A pesar de no llegar a los cines de nuestro país, la primera entrega protagonizada por este letal e implacable asesino a sueldo retirado se convirtió en todo un clásico instantáneo del cine de acción. Amparado por este éxito, esta vez sí que llega a nuestras pantallas John Wick: Pacto de sangre, secuela de aquella en la que, de nuevo, Keanu Reeves (The Neon Demon) se pone en la piel de este sicario que, en esta ocasión, tendrá que respetar un antiguo juramento y despachar a toda una caterva de homicidas por contrato entre espectaculares escenas de tiroteos y peleas cuerpo a cuerpo. En esta ocasión, el codirector de la original, Chad Stahelski, se encarga del proyecto en solitario, y para llevarlo a buen puerto rodea a Reeves de un elenco de secundarios de altura, entre los que se encuentran Ian McShane (Piratas del Caribe: En mareas misteriosas), Bridget Moynahan (Invasión a la Tierra), Ruby Rose (xXx: Reactivated) y el nominado al Oscar Lawrence Fishburne.

Amar

Dice el erudito, que e amor es una enfermedad de juventud, del genero obsesivo y con el guión escrito por las hormonas y los feromas. Así parece que lo demuestran los dos jóvenes protagonistas y sus padres que les asisten. El móvil es el otro gran protagonista y el que hará definitivamente que el cine sea odiado por el cinéfilo convencional. Como en la vida real, ya se esta discutiendo si el móvil en la mesa va al lado del tenedor o de la cuchara,el móvil va marcando las pautas del guión. Otro yo es el sexo, para el que el director Esteban Crespo, lo presenta demasiadas veces de forma vergonzante. Como dice el mismo este primer amor no es el fin del mundo y si fuera así, yo soy la sombra de Grey. En la actualidad ya no hay un primer amor obrero, de barrio, sin casi sexo o imaginario, ahora los primeros amores son universitarios,  con padres separados, empeñados en separar a la pareja en ciernes para que no repitan su desestructurada historia llena de mentiras y cintas de vídeo. Cuenta en el currículum del guionista director un corto que casualmente titula Siempre quise trabajar en una fabrica, titulo premonitorio de este primer amor que tiene pinta de ultima vez que te veo.Como el amor, el film sera de amor odio entre los que descubran como se abre el mar rojo y los que creen que ya estaba abierto, cuestión que tampoco aclara la primera obra de este corto metrista premiado hasta la saciedad. Carlos tiene 18 años y está empezando la carrera de derecho, mientras que su novia Laura, de 16, sigue en el instituto. A través de su amor experimentan sexualmente más allá de lo socialmente aceptado. Sin embargo, sus familias son un impedimento para vivir su relación con libertad. La madre de Laura la tuvo muy joven y no quiere que repita sus errores, mientras que a los padres de Carlos les preocupa que descuide sus estudios. La realidad de cada uno les irá separando a pesar de lo que sienten. Esteban Crespo, que en 2014 ganó el Goya y fue nominado al Oscar a Mejor cortometraje por Aquel no era yo, aborda su primera experiencia en el largo de ficción con Amar, film que narra el despertar sexual y los diferentes estados de la relación entre dos jóvenes a punto de dar el salto a la madurez. A través de ellos, Crespo compone un relato contemporáneo del amor adolescente y las relaciones familiares, reflejados desde dos puntos de vista diferentes: el de una madre separada que tuvo a su hija a una temprana edad y se esfuerza por que ella no repita sus mismos errores de juventud, y que ve como la relación materno-filial empieza a cambiar, y la de una familia tradicional obsesionada con que su vástago cumpla el desarrollo formativo que le han marcado. La debutante María Pedraza y Pol Monen (Pasaje al amanecer) interpretan a esta pareja cuyo amor desmesurado podría convertirse en la causa de su ruptura, mientras que Natalia Tena (10.000 Km), Nacho Fresneda (El Ministerio del Tiempo) y Gustavo Salmerón (Little Galicia) dan vida a sus respectivos padres.

la profesora

Desde su llegada a un colegio de los suburbios de Bratislava, La profesora María Drazdechova ha cambiado por completo la vida de niños y padres. Dominando con puño de hierro a través de prácticas corruptas, el intento de suicidio de uno de sus alumnos hace que la dirección se plantee seriamente emprender acciones contra ella. Pero los vínculos de la institutriz con el Partido Comunista la hacen prácticamente intocable, y provoca que las familias, cuyo futuro está en juego, se sientan amenazadas. Basado en hechos reales ocurridos en el bloque soviético en la década de los 80, la historia de esta profesora de dudosos métodos da el salto a la gran pantalla de la mano de Jan Hrebejk (Líbánky), que compone una película que entre la denuncia y el contexto sociopolítico esconde un relato sobre el miedo, el oportunismo y la dignidad humana. Zuzana Mauréry (Karol's Message) da vida a una dura profesora que, a través de manipulaciones e intimidaciones, inculca los principios del comunismo a sus alumnos en una época pasada que, sin embargo, sirve al director como ejemplo de los dilemas morales a los que cualquiera se enfrenta hoy en día. Completan el reparto de La profesora Csongor Kassai (con el que el director repite tras Divided We Fall), Peter Bebjak (Anjeli) y un nutrido grupo de jóvenes intérpretes novel Distingamos entre el didactismo, tendencia natural a la  que tienden los maestros en general y sermonismo, texto oral en el que se mezclan la ilustración cultural con todo tipo de advertencias. Sin contundencia gracias a un humor negro que lo cubre todo,el bullyng denunciado queda entre la farsa y la ironía mas endeble. Las relaciones con la cúpula comunista en la Bratislava de 1983 no eran ciertamente fáciles. Para sortearlas, y evitar duros enfrentamientos, Jam Hrebejk se mira en el espejo de los 12 hombres sin piedad del 57. Los excesivos reflejos del cristal le devuelven demasiados errores fuera de plano

A fondo

Filme vulgar, seguramente deseado por el director Nicolas Benamou. Podria ser la hermana pobre o de mal gusto de la famosa saga del Taxi. Un director escritor que s capaz de evadiendo la alta calidad de las carreras de coxhe a la americana, intenta buscar, con su hábil pluma el origen y promoción de este taxi driver de broma.Con el objetivo de comenzar a las vacaciones de verano, Tom y su familia se suben al monovolumen que acaban de comprar, se ponen el cinturón y activan el sistema de control de velocidad. Sin embargo, el viaje no será nada tranquilo y, después de una discusión, Julia, la mujer embarazada de Tom, le pide que dé la vuelta. En ese momento, el conductor se dará cuenta de que el coche no responde a sus órdenes y no baja de 130 km/h, lo que provocará una serie de sucesos inesperados y trepidantes. Director de exitosas comedias francesas como Se nos fue de las manos y secuela, Nicolas Benamou se embarca en esta ocasión en una trepidante y divertida cinta en la que una familia comienza sus vacaciones de verano con un vertiginoso viaje en un coche cuya avería le impide bajar de los 130 km/h. Esta situación descontrolada, entre lo humorístico y lo peligroso, sirve a Benamou para combinar acción y comedia a través de todo tipo de gags y momentos disparatados que harán las delicias de toda la familia. Rodada íntegramente a la velocidad real que marca el cuentakilómetros de la película, A fondo conforma su reparto con, entre otros, José García (Ahora me ves), André Dussolier (Grandes familias) y Caroline Vigneaux (On voulait tout casser), que interpretan a algunos de los pasajeros de este Danjoon Medusa desbocado.

Most likely to succeed

Most Likely To Succeed es un documental de larga duración que examina la historia de la educación en los Estados Unidos y revela las crecientes deficiencias de los métodos de educación convencionales en el mundo innovador de hoy. La película explora nuevos enfoques convincentes que pretenden transformar el aprendizaje tal y como lo conocemos.

Dirigido por el documentalista Greg Whiteley , la película ha sido una selección oficial de dos docenas de los mejores festivales de cine del mundo, incluyendo Sundance , Tribeca y AFI DOCS . Desde el lanzamiento de la película, más de 3.000 comunidades en todo el mundo han compartido una proyección de lo más probable para tener éxito .

• Hace más de un siglo, la educación estadounidense experimentó una dramática transformación a medida que la icónica escuela de una sola habitación evolucionó hasta convertirse en un sistema eficaz que produjo una fuerza de trabajo sin igual adaptada para el siglo XX. A medida que la economía mundial cambia y los puestos de trabajo de cuello blanco comienzan a desaparecer, ese mismo sistema permanece intacto, produciendo niveles de desempleo potencialmente crónicos entre los graduados en el siglo XXI. La película sigue a los estudiantes a las aulas de High Tech High , una nueva escuela innovadora en San Diego. Allí, durante el transcurso de un año escolar, dos grupos de estudiantes de noveno grado asumen desafíos ambiciosos basados ​​en proyectos que promueven habilidades críticas en lugar de memorizar memorias. "Most Likely To Succeed" ha recibido elogios críticos, la Semana de Educación llamando a la película "entre los mejores documentales educativos jamás producidos" ^[4] y The Hollywood Reporter señalando que la película es "una mirada atractiva" en la educación del siglo XXI.

Después del estreno de la película, el productor ejecutivo Ted Dintersmith tomó la mayoría de probabilidades de tener éxito en una gira de 50 estados, la proyección de la película para las comunidades de aprendizaje en todo el país. ^[6] Dintersmith ahora está terminando un libro inspirado en sus experiencias de compartir la película en cada estado.

Ross Kasun, Superintendente del Año de 2017 en Nueva Jersey, acredita que "es muy probable que tenga éxito" por impulsar el cambio en su distrito, diciendo: "Proporcionó una lógica convincente sobre el nuevo pensamiento necesario para nuestras escuelas y generó una ola de entusiasmo en todo.

LOS SUPERHEROES

Animacion. Un terrible supervillano, amenaza con destruir con un ejército de robots la ciudad en la que vive Sam, un tímido inventor que está locamente enamorado de Sue. En su plan para sorprenderla con un anillo y pedirle que se case con él no entraba una invasión, de manera que, junto a sus propios androides Kit, Okra y Wilmer, este joven empollón intentará convertirse en un inesperado héroe y, de paso, conquistar el corazón de Sue ¿Lo conseguirá o sólo demostrará ser un perdedor con sus juguetes? Kyung Ho Lee (¡Movida bajo el mar!) y el debutante Wonjae Lee dirigen a un equipo internacional de animadores y expertos en efectos especiales con experiencia en sagas como Piratas del Caribe y El Señor de los Anillos en esta cinta de animación para todos los públicos. Con una mezcla de aventuras y comedia, Los superhéroes cuenta cómo un corriente y tímido joven será capaz de salvar su ciudad, creada a partir de un híbrido futurista entre Seúl y Nueva York, y convertirse en héroe junto a sus tres robots, inspirados en el clásico relato chino Viaje al oeste. Poniendo voz a esta fábula sobre la importancia de ser uno mismo y expresar los sentimientos encontramos a intérpretes como Taylor Kitsch (Battleship), James Woods (Asalto al poder), Carla Gugino (San Andrés) o Jon Heder.

fast&furious 8

F. Gary Gray consigue que nuestros heroes sean perseguidos por un submarino atomico en un lago helado y tambien que uns olo terrorista domine la traccion y direccions de todos los automoviles de la ciudad haciendoles toda clase de perrerias.  El geno de la lampara maloigno es aqui bellisimom se llama Charlize Theron y es degran maldad y belleza a la vez emergiendo de un misil e vezde una lampara de  aceite.Ella protagoniza la carrera en la Habana al principio del film,  y la posteriror en als calles de Nueva York, Sus choques, caidas, trueques, de autos sn conductor podrian haber reducido el metraje, el aturdimeinto,  pero no el divertimento del espectador que sale mas que contento. Y especialmente por la terrorista cibernetica que revitaliza el genero, la saga y la franquiciacon sus romperdoreas apariciones. La familia de Dominic Toretto puede respirar, por fin, tranquila. Dom y Letty se han casado, Brian y Mia se han retirado definitivamente y las autoridades han perdonado al resto del equipo. Pero la tranquilidad no dura mucho cuando una misteriosa mujer vuelve a atraer a Toretto al mundo del crimen y le obliga a traicionar a los suyos. Para recuperarle y detener a un grupo de peligrosos anarquistas decididos a desatar el caos por todo el mundo, la familia volverá a reunirse para un nuevo trabajo. Después de demostrar su buen estado de salud con su taquillera séptima entrega, la saga Fast and Furious vuelve a las pantallas con una nueva y espectacular secuela en la que intentará romper todos los límites de la franquicia. El primero será el concepto de familia, que estará en peligro cuando Dominic Toretto, una vez más interpretado por Vin Diesel (xXx: Reactivated), traicione al grupo. El segundo serán las leyes de la física, puestas a prueba con espectaculares persecuciones de coches desde las calles de Nueva York hasta el hielo del ártico Mar de Barents. F. Gary Gray (Straight Outa Compton), que ya dirigió a Diesel en Diablo, debuta como director en la saga con esta cinta que, de nuevo, difumina la línea entre buenos y malos. Dwayne Johnson (Un espía y medio), Jason Statham (Mechanic: Resurrection), Michelle Rodriguez (Resident Evil: Venganza) o Tyrese Gibson (Infiltrados en Miami) vuelven en Fast and Furious 8, que se renueva con la oscarizada Charlize Theron (Mad Max: Furia en la carretera) como villana de la función.

Un golpe con estilo/Going in style

El geriatrico del mundo del cine se resiste a instalarse en el olvido y se reinventa a cada momento con el fin de mantenerse en el candelero los grandes que han sido. Y son , porque ver con una cierta relación aunque sea ficticia de guión a Ann Magret, Christopher Lloydm Michel Caine, Alan Arkin o al mismo Morgan Freeman levanta los ánimos de todas las guarderías cinéfilas. Solo ellos, muchos ya en los 80, pueden hacer creíble un atraco bancario nadando entre las dos aguas de la comedia de siempre, dosificando su carisma en la pantalla, realizan con Zach Braff este remake de 1979. Los ganadores del Oscar Morgan Freeman (Million Dollar Baby), Michael Caine (Las normas de la casa de la sidra, Hannah y sus hermanas) y Alan Arkin (Pequeña Miss Sunshine) se unen para interpretar los papeles de Willie, Joe y Al, unos amigos de toda la vida que deciden rechazar la jubilación y desviarse del buen camino por primera vez en sus vidas cuando sus fondos de pensiones se convierten en humo como consecuencia de una crisis empresarial.

Negacion

Tras publicar su libro sobre la negación del Holocausto, la profesora estadounidense Deborah Lipstadt recibe una demanda por difamación de David Irving, un conocido escritor de la II Guerra Mundial. Según las leyes británicas, Lipstadt es culpable hasta que se demuestre lo contrario, por lo que junto a sus abogados iniciará una desconcertarte estrategia para defenderse a sí misma y demostrar que el Holocausto tuvo lugar sin llegar a citar a declarar a ningún superviviente de la barbarie. Tras 20 años alejado de la gran pantalla, el veterano Mick Jackson, director de, entre otras, El guardaespaldas o Volcano, vuelve a la cartelera con Negación, drama judicial basado en hechos reales en el que cuenta la historia de la profesora universitaria Deborah Lipstadt, una de las grandes luchadoras contra la negación del Holocausto, que fue demandada por un escritor británico al que acusó de negacionista. Basado en el libro en el que la propia Lipstadt relata los pormenores de todo este proceso judicial, el film ofrece un relato inspirador y apasionante sobre la lucha de esta mujer por hacer justicia con la gran tragedia que sufrió el pueblo judío. La oscarizada Rachel Weisz (La luz entre los océanos) se pone en la piel de Lipstadt, mientras que Timothy Spall (Mr. Turner) lo hace en la de David Irving. Completan el reparto el nominado al Oscar Tom Wilkinson (Snowden) y Andrew Scott (Victor Frankenstein) como los intrépidos abogados defensores.

Rosalie Blum

Soledad compartida en  este film con la solvencia y calidad de un Rappeneau. Un filme en el que conviven actores de los que no hacen notar o no lo parece la excentricidad de sus papeles, que diluyen en un azucarillo para hacernos los tragar con convicción. Treinteañeros rutinarios, peluqueros de barrio sujetos a sus rutinas cotidiana con nula familia y madres coléricas. Se ensancha su circulo vital y de relación con la Rosalie del titulo cuando un día al  cruzar la calle la encuentra. El descubrimiento de la ida desconocida  de esta mujer  casual, le llevara al paroxismo como si fuera un experto detective de investigación y dará nueva luz a su existencia. El debutante director adapta la trilogía de la joven artista Camille Jourdy manteniendo el hilo de los tres personajes con una fidelidad abrumadora. La vida de Vincent Machot alberga pocas sorpresas. Transcurre entre su peluquería, su primo, su gato y una madre muy dominante. Hasta que un día sufre un fuerte shock cuando conoce a Rosalie Blum, una misteriosa mujer que está convencido de haber visto antes. Intrigado por recordar dónde fue, Vincent la sigue para saber más de ella, sin darse cuenta de que se embarcará en una aventura llena de personajes excéntricos y apasionantes que, sin ninguna duda, le cambiará la vida para siempre. En su ópera prima, Julien Rappeneau (hijo del director francés Jean-Paul Rappeneau) se embarca en una conmovedora aventura con aires de fábula. En ella, el viaje de un peluquero se convertirá en una revelación vital cuando conozca a una serie de personajes en torno a una enigmática mujer. Inspirado en la novela gráfica de Camille Jourdy, compone una comedia que, junto a la intriga, añade dosis de sentido del humor, humanidad y emoción que dejan en el espectador una sensación de felicidad. Al frente del reparto se encuentran Kyan Khojandi (O los tres o ninguno) y Noémie Lvovsky (Monsieur Chocolat) como Vincent y Rosalie, a los que acompañan Alice Isaaz (Elle), Anémone (Como quien no quiere la cosa) y Philippe Rebbot.

Lo tuyo y tu

Hong Sang soo (Seul 1960) se demuestra apasionado seguidor de los grandes cineastas,autores que han analizado con su cámara el lado oscuro de la conciencia humana. Lo primero que estudia Sang soo es la cinéfila de cada uno de nosotros que ;en algunos puede ser el objeto oscuro del deseo que decía Buñuel. Descubierta esta faceta oculta que nos da la llave para entrar en otros terrenos mas humanos, escabrosos y no menos importantes. Para ello encuadra a la perfección, domina el tempo de la conversacion envolvente, mide los ralentes de las emociones de los interpretes y mantiene el plano fijo si hace falta hasta el fin de la secuencia. La separación de sentimientos se hace patente enseguida cuando ambos protagonistas de la pareja hacen sus declaraciones de principios Los hombres siempre serán patéticos dice una y añade el hombre que solo saldría con chicas con las que se casaría. La crisis estalla cuando es evidente que ella bebe y sale sola a flirtear, punto este donde se rompe la diferencia entre la libertad de uno , lo suyo y la obsesión posesiva del tu por parte del otro. Bajo presupuesto, premiado en todos los festivales, acaba de realizar tres films mas solo este año. Uno, "En otro pais" con la Huppert, en el que no sabemos si habrá resuelto la crisis de posesión en la pareja de cuerpo y almas, y a quien corresponde que y en que proporción. Una noche, Youngsoo, un pintor, discute con su novia Minjung porque, supuestamente, ésta ha estado tomando copas con otro hombre. La disputa llega hasta el punto de que la chica termina marchándose de la casa. Al día siguiente, Youngoo, arrepentido, vaga por las calles con la esperanza de encontrar a la desaparecida mientras se enfrenta a sus propios sentimientos. En su búsqueda descubrirá que Minjung, o una mujer que es idéntica a ella, está teniendo citas con hombres que aseguran conocerla. En su cita anual con la cartelera, Hong Sangsoo (Ahora sí, antes no) continúa reflexionando acerca de las relaciones de pareja en esta comedia dramática. Con este punto de partida, la cinta explora el concepto de identidad mientras arroja en el espectador una buena serie de preguntas que, una vez concluye el film, tienen difícil respuesta. Ambientada en una comunidad de vecinos en la que todo el mundo parece conocerse entre sí, esta historia de amor está protagonizada por Kim Joohyuck (Like for Likes) y Lee Youyoung (Bom), a los que secundan Yoo Joonsang (Ahora si, antes no) y Kim Euisung (Train to Busan), entre otros. El film llega avalado por su premio a Mejor director en el Festival de cine de San Sebastián.

El bebe jefazo

Tener un hermano oveja negra, malo malissimo, puede ser estimulante para afrontar las cosas  de la vida. Película que empieza bien, hasta interesante pro que se tuerce a la mitad. , excesiva de metraje y sin una linea narrativa clara ni consecuente. Tim es un niño de 7 años que tiene una imaginación desbordante. Un día, llega a casa un peculiar bebé que, en lugar de chupete y pañales, lleva traje y corbata y porta un maletín. La rivalidad que surge entre ambos pronto queda a un lado cuando Tim descubre que el pequeño es en realidad un espía en una misión supersecreta y que él es el único que puede ayudarle a llevarla a cabo. Juntos estos diminutos socios vivirán una estrafalaria aventura que incluye una épica batalla entre mascotas y niños. Inspirado en el libro ilustrado de Marla Frazee, todo un éxito de ventas, el equipo de Dreamworks Animation trae a nuestras pantallas El bebé jefazo, divertida cinta de animación sobre el impacto que provoca en el hogar la llegada de un nuevo hijo contada desde el punto de vista de un fantasioso narrador, un niño de 7 años con una prodigiosa imaginación. También sirve al director Tom McGrath (la trilogía Madagascar) como homenaje a su hermano mayor, cuya dinámica fraternal queda plasmada en esta cinta en la que su ambientación fusiona elementos habituales en un hogar de décadas que van desde los años 60 hasta los 80. Esta emotiva historia queda envuelta en una divertida aventura de espías que hará las delicias de toda la familia. En su versión original, el nominado al Oscar Alec Baldwin (La verdad duele) pone voz a este peculiar bebé, y es secundado por Lisa Kudrow (Mesa 19), Steve Buscemi (Con la magia en los zapatos) y Jimmy Kimmel (Ted 2), entre otros. En su doblaje español, el trajeado recién nacido cuenta con el registro vocal de José Coronado.

Negacion

Tras publicar su libro sobre la negación del Holocausto, la profesora estadounidense Deborah Lipstadt recibe una demanda por difamación de David Irving, un conocido escritor de la II Guerra Mundial. Según las leyes británicas, Lipstadt es culpable hasta que se demuestre lo contrario, por lo que junto a sus abogados iniciará una desconcertarte estrategia para defenderse a sí misma y demostrar que el Holocausto tuvo lugar sin llegar a citar a declarar a ningún superviviente de la barbarie. Tras 20 años alejado de la gran pantalla, el veterano Mick Jackson, director de, entre otras, El guardaespaldas o Volcano, vuelve a la cartelera con Negación, drama judicial basado en hechos reales en el que cuenta la historia de la profesora universitaria Deborah Lipstadt, una de las grandes luchadoras contra la negación del Holocausto, que fue demandada por un escritor británico al que acusó de negacionista. Basado en el libro en el que la propia Lipstadt relata los pormenores de todo este proceso judicial, el film ofrece un relato inspirador y apasionante sobre la lucha de esta mujer por hacer justicia con la gran tragedia que sufrió el pueblo judío. La oscarizada Rachel Weisz (La luz entre los océanos) se pone en la piel de Lipstadt, mientras que Timothy Spall (Mr. Turner) lo hace en la de David Irving. Completan el reparto el nominado al Oscar Tom Wilkinson (Snowden) y Andrew Scott (Victor Frankenstein) como los intrépidos abogados defensores.

Your name

El cine de animación se renueva. La fantasía también sabe transmitir emociones.Permite ser muy creativo como Makoto Shinkai, tocar la comedia con igual gestualidad que en los carne y hueso, y diseñar visualmente sin casi  limites. a la creatividad.  Codigos adolescentes que entiende todo el mundo. El film mas taquillero en Toquio la pasada temporada, narra la transgresion de un joven y una joven de ambientes urbanos y rusticos diferentes que intercambian sus cuerpos.Respetando sus tradiciones el cine japones incluye su folklore musical que a veces es menos popular entre el publico occidental por su desconocimiento de la tradicion. El director polifacetico y artista incon
dicional adapta su propia novela,  106 minutos de genialidad oriental que todos empezamos a necesitar. Ha pasado un mes desde el avistamiento de un cometa que sólo pasa por la Tierra cada mil años. Bajo este acontecimiento, Mitsuha es una estudiante que vive en un pequeño pueblo de la campiña japonesa y anhela vivir en la bulliciosa Tokio. Por otro lado, Taki es un joven de Tokio que desearía alejarse de su familia. Sin conocerse, ambos tendrán misteriosos y recurrentes sueños en los que se convierten el uno en el otro. Mientras se escriben notas, surgirá entre ellos un vínculo muy especial. Considerado por muchos como el heredero de Hayao Miyazaki, el japonés Maroto Shinkai (El jardín de las palabras) vuelve a la cartelera con un nuevo anime, en el que narra una intensa historia de amor en la que dos jóvenes, descontentos con el devenir de sus vidas, se enamoran a través de sus sueños, en los que mágicamente se intercambian sus mentes. Con un cuidado minucioso de los detalles, los paisajes de la cinta, de gran belleza visual, reflejan lo distinto de dos mundos que cohabitan en el Japón actual: el entorno rural de la campiña y el urbano de la grandiosa Tokio. Para dar vida a este dramático romance a distancia, emplazado en su particular visión del mundo, Shinkai se apoya en un equipo de primer nivel en la industria del anime, al que se une un elenco de voces.

orbita 9

La sensacion de que hay falta de incentiva en el film es debida a que Haterm Kraiche le ha dado pereza el rodarlo. . Para evitar esa sensacion lo mejor es ahuyentar, entrevistas y reportajes y centrarse en el filme lo mas original posible.  Como que es difícil insertar el romanticismo en el espacio, la narracion toma una deriva hacia el thriller mas trillado y que  puede suceder en cualquier parte. Con unas cantidades ingentes de información por analizar e investigar que se contradice con el vacio del espacio sideral. Y suspendido el guion en el vacio es compliado encontrarle una solucion que se entienda. Cortometrista constrastado  el direcor debuta en el largo con el  tema chica sola spbrevive en apartamento /nave. Prácticamente desde que nació, Helena se ha estado preparando para una misión de supervivencia. Ella no lo sabe, pero su adiestramiento forma parte de un ensayo científico de una importancia clave. Todo cambia cuando Álex entra en la vida de Helena y le muestra un mundo hasta entonces inimaginable para ella. Sin embargo, la historia de amor que surge entre los dos se convertirá en un serio peligro para el experimento, un proyecto en el que están volcadas las esperanzas de toda la humanidad. El tambien guionista Hatem Khraiche afronta su primera experiencia con un frenético thriller de ciencia ficción en el que, sin embargo, se esconde un intenso romance. El hecho de que la historia de amor que viven sus protagonistas, interpretados por Clara Lago (Al final del túnel) y Álex González (Combustión), se interponga en un proyecto interplanetario de suma importancia será el desencadenante de una trama llena de tensión en la que sus personajes afrontan decisiones complicadas que reflejan el estado actual del planeta Tierra y las posibles consecuencias que habrá que afrontar cuando éste llegue a un punto de no retorno.

Life /vida

Alien es mucho alien para que  hora venga el bueno de Daniel Espinosa, dándose unos garbeos por el cine de terror. Tiene eso si  buenos momentos. Pero el formato de documental sobre unos científicos perdidos en el rio de aguas turbulentas del espacio, ya lo habíamos visto. El alien de turno, es ahora un bichito marciano que sembrara el terror en las galaxias  y que vivirán a la sombra de Scott y con sus excelentes interpretaciones claustrofobias, espaciales al ralenti de la ingravidez. Elegante y técnico Espinosa se postula para otras aventuras mejores. Flme del que mundialmente no se hablara pero que de cuatro cosillas que tiene si comentaran los estudiosos del cinema. Todo, la nave, la tripulación  o el planeta es mas reducido que el de Ridley. Pero si que alimenta la tradición de cine del austronauta veterano  que aireado por la estrellas no le importa no volver a la tierra y que oxigenan aun mas nuestro imaginario extraterrestre. Pero a Kubrick todavía no hay quien le tosa. Seis miembros de la tripulación de la Estación Espacial Internacional están a punto de hacer el hallazgo más importante de la historia de la humanidad. Han encontrado en Marte un organismo vivo, la primera vida alienigena conocida, cuya inteligencia supera cualquier expectativa previa. La emoción pronto se convertirá en auténtico terror cuando la criatura, que ya provocó la extinción del Planeta Rojo, amenace con repetir la historia en la Tierra, empezando por el exterminio de los astronautas. Daniel Espinosa (El niño 44) se traslada hasta el espacio profundo para encontrar vida extraterrestre en este thriller de ciencia ficción, emparentado directamente con el género de terror, en el que el descubrimiento, lejos de aunar los aplausos de la comunidad científica, pondrá en peligro las vidas de los astronautas que lo realizan, en primera instancia, y, posteriormente, las de toda la humanidad. Con este punto de partida, Espinosa construye en Life (Vida) una tensión que parte desde el misterio, y que va en aumento hasta explotar los miedos del espectador y sus protagonistas. Con un guión inspirado en los últimos hallazgos de las agencias espaciales para crear una premisa cercana a la realidad actual, la cinta plantea la pregunta de si, una vez se encuentre vida alienígena, ésta resulta ser un organismo hostil. Al frente de esta tripulación encontramos a Ryan Reynolds (Deadpool), que repite con Espinosa tras El invitado, el nominado al Oscar Jake Gyllenhaal. 

Ultimos dias en la Havana

Premiado en cien festivales a los que acude, Fernando Perez, sabedor de su habilidad para entrelazar historias y de la calidad de sus repartos, especialmente aquí  Patricio Wood, que nos ofrece ahora?.. Dura narración de un entorno social miserable y crispado pero siempre con un ápice de esperanza.   El tema siempre es el mismo en este medio siglo pasado, Conseguir el salvaconducto para poder huir ,si huir a los EEUU. La aventura de lograr el paraíso pasa por la enfermedad del amigo, la amistad del familiar, la escasez de alimentacion, en medio de un ciudad caótica, donde hay mas mobiles que comida,mas pobreza que ambición. A la espera del cambio que se realizara en el cine cubano, en el  que la historia pasara a ser real. Un cine simple de poca producción que  espera no perder su sello de una arte conocido pero no abusado  de que tarda en surgir las ruinas de su gran cultura como tarda en salir las de la misteriosa  y deplorable ciudad. En el corazón de La Habana vive Miguel, un hombre de 45 años que sueña con marcharse a Nueva York y que, mientras espera un visado que nunca llega, se gana la vida como lavaplatos. Es asexual, negativo y oscuro, todo lo contrario que su amigo Diego, que pasa sus días postrado en la cama a causa del SIDA, pero que desde ahí libera toda su energía positiva. Entre ambos existe un vínculo contradictorio e indestructible, una relación en la que sólo ellos conocen los secretos de un pasado compartido. Ganadora de 3 premios en el Festival de Málaga, llega a nuestras pantallas Últimos días en La Habana, intenso drama de Fernando Pérez (La pared de las palabras) en el que, con una Cuba post Fidel que avanza a marchas forzadas hacia el cambio como telón de fondo, transcurre la relación entre dos personajes diametralmente opuestos, un hombre taciturno que espera los papeles que le permitan emigrar a EE.UU. y su mejor amigo, un enfermo de SIDA que se ha convertido en su último vínculo con la isla. Alrededor de ellos, Pérez conforma una radiografía de la sociedad cubana actual, en la que convive el viejo espíritu de la revolución con aquellos que persiguen el definitivo giro político. Jorge Martínez (El viajero inmóvil), Patricio Wood (El cártel de los sapos) y la debutante Gabriela Ramos lideran el reparto.

powers rangers

Cinco adolescentes de Angel Grove, un pequeño pueblo americano, están a punto de convertirse en la última esperanza del planeta. Después de encontrar unas misteriosas monedas que les otorgan superpoderes, descubren que tanto el lugar en el que viven, como todo el mundo, están en peligro por una invasión alienígena. Para detener la aniquilación total antes de que sea demasiado tarde, tendrán que superar sus propios problemas personales, trabajar en equipo y metamorfosearse en los Power Rangers. Convertida en todo un fenómeno entre los jóvenes de los años 90, los Power Rangers se renuevan para las nuevas generaciones y, en formato blockbuster, buscan reverdecer viejos laureles en la gran pantalla. Dean Israelite (Project Almanac) es el elegido para recuperar a este colorido equipo de superhéroes adolescentes que tendrán que enfrentarse a una terrible amenaza alienígena en un desprejuiciado film lleno de espectaculares escenas de acción en la que no faltan monstruos y robots gigantes. Dacre Montgomery (Stranger Things), Naomi Scott (Los 33), RJ Cyler (Yo, él y Raquel), Ludi Lin (Marco Polo) y Becky G. (House of Sin) conforman el supergrupo de jóvenes marginados que aprenderán, bajo la tutela del nominado al Oscar Bryan Cranston (Infiltrado) y Bill Hader (Mi amigo el gigante) a trabajar en equipo para vencer a la malvada Rita Repulsa, a la que en esta ocasión da vida Elizabeth Banks.
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I am noy your negre

La imaginacion en las  provocaciones hacen que estas funcionen mejor. Lo mismo que la sutileza que ya es mas difícil de mantener, Esta es la linea practica y técnica que  usa para su documental Raoul Peck.  Demuestra que el racismo no es por el color de la piel, sino por el miedo que puede tener una parte del mundo dominante y poderosamente rica hacia otras economías emergentes o amcestrales. El color solo es la utilizacion  para distinguir o acusar mas rápidamente  al contrario, de forma mas fácil que pedir el carnet de identidad. Peck no solo deduce de esta teoría el superávit y mejoras económicas de los EEUU, el ascenso y facilidad de brutalidad de la policia EUA, llegando incluso a poner en duda la legitimidad de la democracia occidental. Peck es haitiano y para su exultante trabajo  se ha basado en un texto incompleto de James Baldwin y con ello y la tecnica del colage, monta un cirio cinefilo en la Francia de 1987 .Remember This House, la obra inacabada del escritor y activista por los derechos de los afroamericanos James Baldwin, es el hilo conductor de este documental que aporta una genuina visión sobre el racismo en la América moderna. Asimismo, el relato se sostiene sobre la vida, y posteriores asesinatos, de tres amigos íntimos de Baldwin que, al igual que él, lucharon activamente por la igualdad de oportunidades de la población negra norteamericana: Martin Luther King, Malcolm X y Medgar Evers. El nominado a un Oscar Samuel L. Jackson (Kong: La Isla Calavera) pone voz a los textos del escritor y activista por los derechos civiles James Baldwin en este documental en el que Raoul Peck (Lumumba) intenta guiar al espectador por los complejos caminos políticos de tres emblemas para la comunidad afroamericana como Martin Luther King, Medgar Evers y Malcolm X. Nominada al Oscar a Mejor documental, I am not your negro se empapa de la obra de Baldwin, magnífico crítico social y uno de los grandes estudiosos de los problemas raciales de la América moderna, y la usa para explicar el estado de esta cuestión en nuestros días. En el film, Peck se apoya en imágenes de archivo, tanto de clásicos de Hollywood y entrevistas de cine y televisión, como de ámbito privado, con la que intenta descubrir las verdades escondidas de aquellos años.

El otro lado de la esperanza/Tolvon tuolla puolen

Lo mas sencillo mas lo mas complejo por la conciencia humana igual a Aki Kaurismaki. La emoción , la melancolía, el surrealismo  de limpiar cristales inexistentes, llegar a ver el calor del cuerpo o no tener un frió norte, todo puede suceder en el film. Lo que si tiene esperanza siempre suponiendo que la ficha técnica es autentica y de personas vivas.Cine solvente, sin ñoñerías, cine social, cine magistral, cine cine  como el mas puro Theo Angelopoulos. Un siriano refugiado, mas bien oculto en Helsinki  y un mundo de finlandeses de 50 años vividos durmiente en el frio, acabaran por entenderse y aceptar un problema que lo hay y no hacer ver que no pasa nada. Segunda parte de una trilogía anunciada, lanzada contra loa anacronismos de una sociedad no por fria mas moderna. Un joven inmigrante sirio, llega hasta Helsinki oculto como polizón en un barco de carga polaco. Por su parte, Wikstrom, un anodino comercial, ha decidido poner fin a su matrimonio, dar un giro radical a su vida y abrir un restaurante. Los caminos de uno y otro se encontrarán y el recién llegado al mundo de la restauración ofrecerá trabajo, comida y techo a Khalid, que sin embargo está buscando desesperadamente a su hermana, que también se vio obligada a huir de la guerra en Siria. Con la idea de romper con la moralina y los prejuicios que existen en Europa sobre los refugiados sirios, Aki Kaurismaki (El Havre) dirige en su nueva película una comedia dramática en la que intenta cambiar la visión que se extiende peligrosamente por el Viejo Continente de los sirios como víctimas patéticas o amenazas para la población autóctona. Para ello se apoya en sus protagonistas, dos personas de mundos completamente diferentes, que sin embargo encarnan a la perfección los valores de respeto y solidaridad que el director pretende transmitir al espectador. Sakari Kuosmanen (Divorcio a la finlandesa) y el debutante Sherwan Haji (auténtico refugiado sirio) lideran el reparto.
a. 

El hijo de Jean

Viaje de Phillipe Lioret en pesados diálogos, (en otro  tiempo magnifico analista de los recursos humanos de grandes  empresas, abaderado del cine social) hoy por el nacimiento, el amor y la muerte. Conteniendo los sentimientos que afloran en los protagonistas,  reune unas familias casi desconocidas y con ellas hace la prueba psicologica del ADN y la masculinidad. Mathieu tiene 33 años y durante toda su vida siempre ha tenido la incógnita de no saber quién es su padre. Un día, un desconocido le llama desde Canadá para comunicarle que su progenitor ha muerto y que tiene que entregarle el cuadro que le ha dejado en herencia. Movido por la curiosidad y las ganas por saber más sobre su otra familia, Mathieu viaja hasta Montreal, donde descubrirá que sus recién descubiertos parientes no son lo que esperaba y que allí le aguarda un territorio de lo más hostil. La novela de Jean-Paul Dubois Si ce libre pouvait me rapprocher de toi se convierte en imágenes de la mano del director Philippe Lioret (Toutes nos envíes), que compone un conmovedor drama en el que se relata el viaje hacia lo desconocido de un joven, interpretado por Pierre Deladonchamps (Éternité), que vuela hasta Canadá para asistir al funeral del padre que nunca conoció y encontrarse con dos hermanos que no son conscientes de su existencia. En este entorno hostil, Lioret se esfuerza en hacer que el espectador empatice con los personajes, mientras compone fascinantes imágenes en los espacios abiertos y entornos naturales canadienses. Junto a Deladonchamps completan el reparto de El hijo de Jean Gabriel Arcard (Le démantèlement), Catherine de Léan (Rupturas por encargo) y Marie-Thérèse Fortin.

soking cub 129 normas

En Smoking Club (129 normas), Después de vivir una crisis existencial, Óscar, un hombre de 40 años, deja su trabajo de funcionario y a su novia para montar, junto a su amigo de la universidad, un club de fumadores de cannabis. En el local sólo existe una regla: es un espacio de completa libertad. Sin embargo, serán necesarias 128 normas más para que no se venga abajo todo, lo que hará a Óscar cuestionarse su concepto de ser libre. Mientras tanto, desaparecerán del club 3 kilos de hierba que, se supone, no debían estar ahí.

La idea de un lago

En los últimos días de su embarazo, Inés prepara la edición de su libro fotográfico en el que revive los veranos de su infancia que pasaba junto al lago. A través de las instantáneas, recupera recuerdos de juegos, pactos de sangre y algún desencuentro, que truncarán las relaciones con su ex pareja, su madre y su hermano. De este modo, Inés se embarcará en un viaje emocional al pasado, donde se encontrará con el fantasma de un padre ausente en un ejercicio de construcción poética de la memoria. Para su segunda película, Milagros Mumenthaler (Abrir puertas y ventanas) se inspira en el libro de fotografías y poemas Pozo de aire, de Guadalupe Gaona, en el que cuenta su infancia, marcada por la ausencia de su padre, desaparecido en 1976 durante la dictadura argentina. De este modo, la directora compone en La idea de un lago un film poético y misterioso en el que los recuerdos de su protagonista se entremezclan de manera onírica con la historia reciente del país sudamericano. La debutante Malena Moirón se convierte en Inés en este viaje a sus recuerdos y a la figura de su ausente padre, y es secundada por Juan Barberini (El incendio), Rosario Bléfari (Los dueños) y Clara Crespo.

Bienvenido Mr. Heston

El documental plasma el enorme impacto que el rodaje de la película protagonizada por Charlton Heston en el pueblo de Torrelobatón. El productor "eligió España para rodar 'El Cid' porque aquí, además de resultar más barato, también vio un 'gran plató' con decorados naturales muy buenos". En los años sesenta un obrero necesitaba un mes para ganar cien pesetas. Cien pesetas diarias y un bocadillo de chorizo cobraron en la España de 1961 los trescientos extras que Anthony Mann reclutó en Torrelobatón (Valladolid) para rodar en tres días tres minutos de la película El Cid, todo un maná de Hollywood que Pedro Estepa ha evocado en el documental. Ni San Esteban de Gormaz ni Medinaceli, como dedujo Ramón Menéndez Pidal, fueron los escenarios donde el autor o autores del Cantar de Mio Cid se inspiraron para la gesta del de Vivar, sino Peñíscola (Castellón), Ampudia (Palencia), Colmenar Viejo (Madrid), Belmonte (Cuenca) y Torrelobatón como quiso Samuel Bronston. Acosado por la 'caza de brujas' del senador Josep Mc Carthy contra agentes soviéticos y comunistas infiltrados en Estados Unidos, el productor Bronston "eligió España para rodar El Cid porque aquí, además de resultar más barato, también vio un 'gran plató' con decorados naturales muy buenos". "Siempre se dicen cosas negativas para el cine español como el elevado IVA o las falta de bonificaciones fiscales, pero muy pocas veces destacamos los paisajes y monumentos que tenemos para rodar", ha explicado Pedro Estepa, codirector junto a Elena Ferrándiz de su primer largometraje documental, que estrenará el 28 de octubre en la Semana Internacional de Cine de Valladolid. Sus técnicos y especialistas formaron a muchos españoles En los años sesenta, cuando un obrero necesitaba un mes para ganar cien pesetas, "Bronston les pagaba al día más un bocadillo de chorizo a los vecinos del pueblo que actuaron como figurantes" en El Cid, como aún recuerdan algunos más de medio siglo después en este documental que narra el actor Emilio Gutiérrez Caba. Más de sesenta personas, testigos directos e indirectos del rodaje en Torrelobatón, del 21 al 24 de marzo de 1961, aportan sus testimonios en Bienvenido Mr Heston donde, a diferencia de la película de García Berlanga (Bienvenido Mr Marshall), se puede comprobar que los americanos "no pasaron de largo y dejaron un buen dinero" que también cobraron estudiantes y cadetes de la Academia de Caballería, como avezados jinetes, procedentes de Valladolid. Andrea Bronston, hija del productor, y Fraser Clarke Heston, vástago de Charlton Heston, recuerdan en el largometraje ese episodio en las vidas de sus respectivos progenitores, que Estepa y Ferrándiz intercalan con las imágenes de El Cid rodadas en Torrelobatón e incluso con fotografías del archivo personal de la familia Heston. Fue cerca de la ermita, junto al puente sobre el río Hornija y con el imponente telón de fondo del castillo (siglos XIII-XV), donde Rodrigo Díaz de Vivar (Charlton Heston) intercede ante su padre para que exima de la pena de muerte a varios emires prisioneros que, como agradecimiento, le nombran por primera vez como Cid o caudillo generoso. Intervienen también en el documental el historiador y crítico cinematográfico Jesús García de Dueñas, autor del libro El imperio Bronston, así como Ricardo Huertas, que formó parte del equipo de producción, y Gil Parrondo, en la artística. "Todos ellos coinciden en que, además del enorme impacto que causó la llegada de toda una superproducción de Hollywood, sus técnicos y especialistas formaron a muchos españoles en aspectos como la construcción de decorados, iluminación y fotografía porque eran unos profesionales muy buenos", ha explicado Estepa (Madrid, 1985), licenciado en Comunicación Audiovisual por la Universidad San Pablo-CEU de Madrid. Entre otras anécdotas, el realizador se ha hecho eco de la desilusión que produjo entre los vecinos la ausencia en Torrelobatón de Sofía Loren (Doña Jimena) y la fidelidad de todos los testimonios aportados, contrastados con la documentación recabada, sin que el paso del tiempo haya desfigurado o idealizado lo que fue una auténtica revolución en la Castilla de 1961.

Empatia

Ed Antoja recibe el encargo de hacer un documental con el objetivo de concienciar a la sociedad y modificar los hábitos humanos que dañan a los animales. Sin embargo, Ed es ajeno totalmente al mundo de la protección animal, por lo que primero investigará sobre qué técnicas y comportamientos son apropiados para llevar una vida más en armonía con las criaturas que nos rodean, preceptos que cambiarán su forma de comer, de vestir y hasta de entretenerse y que afectarán incluso a su entorno cercano. Con el apoyo de la fundación de protección de los animales FAADA, el director Ed Antoja (When a Dream Comes True) trae a nuestras pantallas este film en el que mezcla el documental con la ficción y hasta lo publicitario y que persigue concienciar a la audiencia de que es posible cambiar ciertos aspectos de la vida diaria que perjudican seriamente al mundo animal. De este modo, el propio realizador se presenta en Empatía como sujeto de estudio y experimenta en sus propias carnes el proceso de sustitución de unos comportamientos por otros menos agresivos con el resto de especies del planeta. Para esta transición, en la que parte desde el escepticismo y la ironía hasta llegar al verdadero compromiso, se apoya en la opinión de 5 personas que ya cambiaron su estilo de vida y en numerosas opiniones de expertos que reflejan la importancia del respeto a los animales.

el reino de las reinas

En El reino de las ranas están a punto de celebrarse las Ranolimpiadas y el Rey ya ha anunciado que el campeón ganará la mano de su hija. Cuando oye esto, la Princesa decide huir y, vestida como plebeya, se prepara y entrena para conseguir la victoria y acabar con los planes de matrimonio que le tiene reservado su padre. Mientras tanto, una malvada serpiente tiene planeado aprovechar la competición para apoderarse del reino. Para evitarlo, la Princesa se aliará con Mecha, un vendedor ambulante. Leyenda viva del cine de animación, como miembro del departamento de series tan emblemáticas como Los Simpson, G.I. Joe o Dragones y mazmorras, Nelson Shin dirige, junto a la debutante Melanie Simka, filman esta cinta de animacion, en la que las olimpiadas de la región de estos simpáticos anfibios se convertirán en el núcleo de una aventura en la que una princesa competirá para escoger su propio destino y, de paso, detener los malvados planes de una peligrosa serpiente. La cinta, llena de aventuras para los más pequeños con mensajes positivos como el espíritu de superación, cuenta en su versión original con las voces de Bella Thorne (Alvin y las ardillas: Fiesta sobre ruedas), Keith David (Dos buenos tipos) o Rob Schneider.

Ultimos dias en el desierto

Aproximacion de Rodrigo Garcia a los últimos días de la vida de Jesús, con su familia, sin animo de transgredir ni polemizar, incluso llegando a ser emotivo en algunos pasajes.  Se añade a la calidad del filme, el buen hacer de este Ewan McGregor. Vida cotidiana de una familia centrada básicamente en sus dificultades de comunicacion generacional. El único inconveniente existe si nos planteamos porque se elige un personaje mítico-histórico para hablar de un tema que podía haberse comentado sin necesidad de que el protagonista fuera famoso. Sin citas a  la misa, ni a la religión, todavia sorprende mas su dualidad, o sea que tiene una cara oscura, satánica.   El hijo de Garcia Marquez, maestro en films intimistas (Nueve vidas), pierde un poco la camara en la inmensidad de las dunas. Tras casi cuarenta días de ayuno y oración en el árido e inhóspito desierto, Jesucristo se ve acosado por un enemigo mucho peor que la fatiga y las alucinaciones, provocadas por el hambre y la sed, que convierten cada paso que da en un esfuerzo insoportable. Es el Diablo, que deseoso de provocarle, pondrá ante él todo tipo de tentaciones. A pesar de ello, Jesús, que afronta las últimas y más duras etapas del periplo, se enfrentará a él como prueba definitiva de que su fe es inquebrantable. Rodrigo García (Albert Nobbs) relata el final de los cuarenta días que, según la tradición religiosa, Jesucristo pasó en el desierto. Lo hace desde una perspectiva elegante y sobria, apoyada en la fotografía del oscarizado Emmanuel Lubezki, en la que destaca el lado más humano de un Jesús que tendrá que enfrentarse a las tentaciones del Diablo mientras discute sobre el destino de una familia en crisis. De este modo, García transforma el relato bíblico en una historia en la que, si bien no elude cuestiones espirituales, se centra en las relaciones entre padres e hijos y en cuestiones más terrenales como el respeto, la madurez o el enfrentamiento entre la llamada divina del alma y el deseo individual de realización personal. Ewan McGregor (T2 Trainspotting) aborda uno de sus grandes retos como actor e interpreta al mismo tiempo a Jesús y al Diablo, mientras que Ciarán Hinds (Silencio), Tye Sheridan (X-Men: Apocalipsis) y Ayelet Zurer (Ben-Hur) dan vida a una familia a punto de romperse.

Mañana empieza todo

Omar Sy, el intocable, es de los actores de color que trabajan  tan bien como los blancos, cosa que sabiamos desde Sidney Poitier, asi como Travolta tambien demostro que los blancos pueden saber bailar. En el triangulo Paris Londres Niza la mentira es el pasaporte para sobrevivir sin papeles.Y se sirven a traves de una niña de 8 años que sabe de todo, que tiene la admiracion de un padre covincente y fresco como su niñez. Parte  Hugue Gelin de la experiencia de que todos lospadres son unos fracasados. Lo cita el filme varias veces sobre la no idoneidad de lo masculino,  la perfeccion en lo femenino, madre. Por una vez un filme que provoca ganes de amar, de superar la incomunicacion familiar, pero sobre todo aprender  a moverse en las distancias cortas. A partir de mañana. Gelin revisa todos los generos a partir del cine romantico, que siempre se deriva hacia la lagrima. Remake de No se   aceptan reclamaciones de Eugenio Derbez en 2014. Un joven soltero que vive en la costa francesa. Este mauritano, senegales, frances, de vida disipada hasta que un infante se cruza en su camino. Un día, su vida cambia por completo cuando una de sus antiguas conquistas se presenta ante él con un bebé y le informa de que es su hija, para luego desaparecer. Incapaz de afrontar las responsabilidades que implica ser padre, Samuel intenta encontrar, sin éxito, a la madre. Durante 8 años, se forjará entre ambos un inquebrantable vínculo padre-hija, que será puesto a prueba cuando la mujer vuelva para reclamar la custodia de la pequeña. Para su segunda película, el director y guionista Hugo Gélin (Comme des frères) adapta la película mexicana, en esta comedia de tono azteca, con momentos de gran sensibilidad en la que un despreocupado y seductor joven del sur de Francia deberá trasladarse a Londres, una ciudad completamente diferente a la que vive hasta entonces, cuando descubra que tiene una hija. Con este punto de partida, Gélin compone una tierna película que se estructura sobre la relación padre-hija de sus dos protagonistas, interpretados por Omar Sy (Inferno) y la joven debutante Gloria Colston. Junto a ellos, completan el reparto de Mañana empieza todo Clémence Poésy (Mi amigo Mr. Morgan), Antoine Bertrand (Starbuck) y Ashley Walters.

The first monday in may

Documental de Andrew Rossi que no aporta nada al que no sea profesional del a moda. Dudo de que al profesional si, pero al menos vera gente encantada de pasarelear, de exhibirse envueltos/as en  ropajes que hay que considera magnificos , o cuanto menos comodos y de moda. tengamos en cuenta que quien este documental les intenta contar piensa que la moda cambia cada dia y que con todos los dias juntos es nunca. Es la filmacion de como se preparo la Met Gala de aquel año.  Queria Rossi analizar un poco por encima y justificar la existencia de la moda carisima y su entorno glace. Pero si alguna cosaa quedo de esta intencion es la fotografia de Bryan Sarkinen. En 2015 tuvo lugar la exposición de moda más visitada de la historia del neoyorkino The Costume Museum en el Metropolitan Museum of Art. China: Through the Looking Glass atrajo cera de un millon de personas. Además, para dar inicio a la muestra, se hizo un evento para recaudar fondos al que asistieron todo tipo de estrellas. Ahora, un documental lleva al espectador a los bastidores en los que se fraguó este exitoso proyecto que aunó arte y moda, así como los 8 meses de preparativos para el gran día. El aclamado documentalista Andrew Rossi (Torre de marfil) sigue a Anna Wintour, directora artística de Condé Nast, editora jefe de la revista Vogue y presidenta de la Gala Met, uno de los eventos más exclusivos de Nueva York, a través de los preparativos de un acontecimiento marcado en rojo en la agenda de las grandes estrellas y personalidades del arte y la moda internacional. De este modo, Rossi compone un relato íntimo de dos celebraciones tremendamente mediáticas y de gran notoriedad en las que la moda es la protagonista y a las que acuden personajes como Kate Hudson, George Clooney o Rihanna, mientras reflexiona sobre si la moda debe alcanzar la categoría de arte. El viaje entre bastidores es enriquecido en The First Monday in May con entrevistas con directores de cine como Baz Luhrmann o Wong Kar-Wai y diseñadores como Karl Lagerfeld o Jean Paul Gaultier.

Mesa 19

Un atillo de sentimientos mal presentados ,endebles y sin comisura para escupir los topicos sobre los valores familiares. Sin acertar en el casting, la pareja Douglas, Jay y Mark, hunden el ritmp de posible comedia del filme con su guion pesimo. Un guio en el que los repudiados inicialmente por su procedencia humilde o delictiva, son al final del festejo, los mejores y mas dignos personajes. Una, otra, critica al sueño que representan las bodas y los dias que las preceden, que mientras no inventen otro formato, dificil u otras formas de narrar la cuestion, aumenten su volumen de aburrimiento, su incapacidad de denuncia y menos su ideologia insufrible.
A pesar de que el padrino de la boda ha cortado con ella a través de un mensaje de texto, Eloise, a la que han liberado de sus funciones como dama de honor, decide mantener la dignidad y asistir, con la cabeza alta, a la boda de su amiga. En el banquete, se sienta en la Mesa 19, aquella reservada para las personas aleatorias que se suponía que rechazarían la invitación. Mientras Eloise descubre la historia de cada una de ellas, surgirá un fuerte vínculo de amistad y hasta un romance inesperado. Director del documental nominado al Oscar Spellbound, Jeffrey Blitz dirige su segundo largometraje de ficción. En esta ocasión, se encarga de una comedia cuya acción transcurre en un único día, el de una boda en la que los invitados de la mesa que da nombre a la película, un variopinto grupo de personas que fueron invitadas pero que no se esperaba que asistieran, llegan con todo tipo de intenciones ocultas. De este modo, Blitz construye las situaciones en torno a estos personajes, a la vez que cuenta una parte de los banquetes nupciales pocas veces vista en una película. La nominada al Oscar Anna Kendrick (El contable) lidera el reparto de esta cinta en la que también se encuentran Lisa Kudrow (La chica del tren), Stephen Merchant (Logan), Tony Revolori (El Gran Hotel Budapest), Margo Martindale (Los Hollar) o Craig Robinson.

Ghost in the shell

Filme de momento, basado en la conciencia del protagonista,o en la sofisticacion de la mujer que pasa de ser un ser humano en el pensamiento porque lucha como un androide de ultima generación. Tercera entrega des de el 1995, por una vez se clarifican los puntos del guión, se hace entendedora y se simplifica la acción. Lo que queda es el rastro de un director hasta podría decirse que sensible, con imaginacion en la trama que le evita realizar esfuerzos pecuniarios excesivos y con la única salvedad de que los disparos, en las peleas a tiros japonesas, parece que las regalan, porque cualquier mechero o encendedor es interpretado como una ametralladora. Y casi lo mismo ocurre con las preguntas futuristas que se hacen sobre la humanidad. Sin bola, por preguntar realmente no quedan. De los predecesores, Masamine Shirow, y Mamoru Oshii, seguimos montados en esta montaña rusa que es una inteligente mujer, con cerebro,  embutida en un cuerpo de piezas sintéticas. Frankenstien reinventada.. La carne la pone en el asador de las balas , Scarlett Johansson. Su cuerpo, no mente, es el que se robotiza pero no olvida la exuberancia femenina de la actriz.Takeshi Kitano y Juliette Binoche cierran el triángulo, que además de senos i cosenos, tiene 120 minutos.                                                                                                                                                                                                                                                                       

los pitufos; la aldea escondida

Experto en las escenas de acción, original en las planificaciones de las secuencias, persecuciones y rescates incluidos, hacen honor a su tradicion de humor sano y equilibrado. Fiel por tanto  sus creadores y dibujantes, su espiritu es mayormente aceptado por un publico adulto, bonachon y paciente. Kelly Asbury le sustenta la emocion esperanzado en ver a las pitufas en  mallas, que en esta tercera entreaga van a  mayor figuracion y esteticismo corporeo. En la aldea de Los Pitufos todo el mundo parece tener un claro cometido, excepto Pitufina, que no consigue encontrar su lugar. Un día, llega hasta ella un misterioso mapa que la lleva, junto a sus amigos Filósofo, Torpe y Fortachón, a embarcarse en una gran aventura a través del Bosque Prohibido, un lugar lleno de criaturas fantásticas, en el que encontrarán una aldea escondida. Mientras intentan protegerla del malvado Gargamel, harán un gran descubrimiento, el mayor de toda la historia pitufa. Los Pitufos se renuevan para las nuevas generaciones en su primera película realizada completamente en animación 3D bajo la batuta de todo un experto en este género, Kelly Asbury, que anteriormente ya se puso a los mandos de cintas como Shrek 2 o Gnomeo y Julieta. En esta nueva versión, el equipo de Los Pitufos: La aldea escondida se va hasta los orígenes de los simpáticos personajes azules creados por Peyo, inspirándose en sus primeras viñetas para componer una vibrante historia llena de peligros y un sentido del humor universal en la que se transmite el mensaje de la importancia de trabajar en equipo y respetar las diferencias de cada uno. Al frente del reparto vocal, en su versión original, encontramos a la cantante y actriz Demi Lovato (Glee), que pone su voz a Pitufina y que está secundada por intérpretes de la talla de Michelle Rodriguez (Fast and Furious 7), la ganadora del Oscar Julia Roberts (Money Monster ), Joe Manganiello (Magic Mike XXL) o Mandy Patinkin.

David lynch the art life

Fascinado por la pintura y el cine, nos cuenta el mismo des de su oficina y taller mientras transforma materales en objetos, Esta es la accion del flm. En alguno otro flm habla de su futura obra, sin tratarlo  tampoco como una entrevista al uso sino que repasa su adolescecia la relacion con sus padres y hermanos y la tranquilidad que experimenta el haber vivido lejos de la gran ciudad. El  genuino, el director David Lynch transporta al espectador hasta los años formativos de su vida, en los que se forjó su manera única de ver el séptimo arte. Desde sus idílicos años en Montana hasta los tiempos más aciagos en las oscuras calles de Philadelphia, este documental ofrece la oportunidad única de seguir los pasos de este genio mientras describe los momentos que han moldeado su personalidad y le han llevado a ser uno de los cineastas más reconocidos de la historia. En su primera experiencia como realizadores, Jon Nguyen, Rick Barnes y Olivia Neergaard-Holm dirigen el objetivo de su cámara hacia David Lynch, sin duda uno de los directores más personales e insólitos que ha dado el cine. En David Lynch: The Art Life es el propio cineasta el que cuenta, en primera persona, los momentos más importantes de su etapa de formación, que influyeron de manera decisiva en su obra. De este modo, el documental muestra un retrato tanto del hombre como del artista, y hace al espectador partícipe de los miedos, malentendidos y luchas internas que han ayudado a moldear su obra.