Final portrait/El arte de la amistad

Lo que debia ser un breve encuentro (horas), entre dos intelectuales artistas se convirtio en un proceso de tres semanas, farragoso, sin intensidad dramatica y conflictivo para las interpretaciones como sucede en el film. La  busqueda de la perfeccion, la desidia, la falta de disciplina, los simbolismos, saber cuando una obra esta terminada, la recreacion, la locura o la concentracion, son algunos de los temas que nos acerca este quinto film de Tucci. No pretende ser un biopic, porque el propio director dice odiarlos, no sin razon, porque "se puede arruinar una vida en dos horas". El punto de partida es pero, la autobiografia  del escritor James Lord, donde refiere el retraso de 18 dias que sufrio para volver a NY, cuando accedio a ser retratado por Giacometti en 1964. Un literato que  decia odiar a Picasso por ladron de ideas. En un viaje a París en 1964, el artista Alberto Giacometti ofrece a el crítico de arte James Lord, la posibilidad de que él sea el modelo de su último retrato. Halagado, Lord acepto, pero lo que prometían ser dos días de trabajo se alargó por las ausencias del pintor, más centrado en las cenas, el vino y las visitas de su amante que en la obra, finalmente uno de sus retratos más conocidos. El actor nominado al Oscar Stanley Tucci (Spotlight) escribe y dirige un film en el que aborda la atípica amistad entre el crítico de arte y escritor James Lord y el artista Alberto Giacometti. Un retrato será el pretexto para que estos dos personajes, radicalmente diferentes entre sí, participen en un proceso creativo en constante evolución. Sirve también a StanleyTucci para plasmar en la pantalla las emociones que rodean al proceso artístico, unas veces satisfactorias y otras frustrantes, que le hacen reflexionar sobre qué hay de maldición en el don de un artista. Unas memorias escritas por el propio Lord,desde el cariño y el humor, condensadas en las semanas que convivio con la vida del pintor y escultor que definen su lado más humano. El oscarizado Geoffrey Rush (Piratas del Caribe: La venganza de Salazar) y Armie Hammer (Operación U.N.C.L.E.) lideran un reparto que también cuenta con Clémence Poésy. 

El gran showman

Tampoco entiendo porque peliculas de espectaculos de ilusion, magia,(houdinis,...etc) tengan que llevarse al cine donde la magia es otra. No creo que los favorezcan sino al contrario, crean un deja vu que resta espectadores. Y asi encontramos en el camino  de los funambulistas, este film de confetti y iluminacion de Michael Gracey. Moralista, con una figura de dibujo animado,sin sombras personales y casi elevado a los altares del milagro. La historia de Phineas Taylor  Barnum creo un espectaculo de circo unico. Familiar, entretenido, blanco, infantil y dickensiano. Con toda la tecnica de una gran produccion, la musica naufraga al parecer con los desechos sobrantes de La la land. Lo que tenia que ser un magnifico musical de los 60/70, ha quedado en una obra teatral del Village. A pesar del tono magnificamente logrado de olor antiguo, en el guion de Bill Condon, tampoco es un biopic del innovador artista. Hugh Jackman es el afortunado presentador del espectaculo a cortinas abiertas, que luce como los focos, las telas y los colores y aprovecha la funcion para su lucimiento personal. Una obra prima con una inmensa produccion detras, pero sin creatividad, que no se puede comprar. En los EE.UU. del siglo XIX, Phineas Taylor Barnum tiene una vida humilde con su mujer y sus hijas. Tras perder su trabajo debido a la quiebra de la empresa en la que trabaja, Phineas está decidido a dar a su familia el futuro que siempre les prometió, de manera que se embarcará en una empresa increíble: crear un show circense como nunca antes se ha visto, que convertirá a aquellos que la sociedad ha repudiado en artistas y estrellas de lo que se conocerá como el mayor espectáculo de la Tierra. Después de años persiguiendo este proyecto, el nominado al Oscar Hugh Jackman (Logan), delante de la cámara, y el director novel Michael Gracey, detrás, consiguen llevar a la gran pantalla la inspiradora historia del padre del showbusiness y ejemplo paradigmático del llamado sueño americano. La película, contada a través de números musicales, se centra en el ascenso de Barnum desde sus orígenes humildes, viviendo en la más absoluta pobreza, hasta que se convirtió, con esfuerzo y sacrificio, en un empresario multimillonario que revolucionó la industria del entretenimiento de masas. El film homenajea el espíritu rompedor y desmesurado de Barnum con coreografías y canciones pop, bajo las que se desarrolla un relato sobre la importancia de luchar por los sueños y el valor de ser diferente y tener una familia, ya sea de sangre o por elección, que sirva como apoyo en los momentos difíciles. Junto a Jackman, completan el reparto principal la candidata a 4 premios de la Academia Michelle Williams (Manchester frente al mar), Zac Efron (Baywatch: Los vigilantes de la playa), Rebecca Ferguson (El muñeco de nieve) y la actriz y cantante Zendaya, que junto a Efron interpetan los mejores numeros. 

Dando la nota3/Pitch perfect 3

Un batiburrillo de antiguas realizaciones. musica pop, sal gorda, en manos de Trish Sie, se convierte en una confusion de sentimientos, amistad y embrollos femeninos por doquier, que tocando todos los generos quiere encontrarse comodo en el thriller. Es reciclar la basura, pero en containers  equivocados, tanto que los pegamentos de continuidad musical a capella, han perdido casi su  razon de ser.  Las 8 Bellas se han separado después de ganar el campeonato del mundo de canto a capella y finalizar sus estudios universitarios. Cuando tienen que enfrentarse al mercado laboral, descubren lo difícil que es ganarse la vida con la música. Pero, de repente, surge la oportunidad de organizar una emocionante gira por el extranjero y el destino vuelve a unir al grupo de amigas. Ahora deberán enfrentarse a nuevos rivales y tendrán que tomar algunas decisiones dudosas en el tour más divertido del año. Dirigida por la coreógrafa Trish Sie (Step Up 5: All in), que ha estado al frente de varios videoclips y cuenta con experiencia en el apartado musical no es de extrañar el tono televisivo del engendro. La pieza clave del engranaje vuelve a ser Elisabeth Banks (Los Juegos del Hambre), que repite como productora y actriz tras dirigir la segunda película de la trilogía. Esta nueva entrega, en la que se destaca el compañerismo y la solidaridad femenina, contará con más acción fuera del ambiente universitario y menos números de canto y baile, pues los personajes se ven obligados a madurar y ganarse la vida. La nominada al Oscar Anna Kendrick (Up in the Air) es Beca, la líder de Las Bellas, que ha encontrado trabajo como productora musical en una pobre discográfica de hip-hop. Mientras, su compañera Amy la Gorda (Rebel Wilson) persigue el sueño de tener un espectáculo propio en Broadway, pero la realidad le castiga y tendrá que lidiar con su padre, interpretado por el candidato a dos premios de la Academia John Lithgow (The Crown). Cuando las animan a participar en una gira por todo el mundo, las Bellas se reunirán de nuevo para hacer un viaje por el Mediterráneo. Durante esta aventura, conocerán a otros grupos contra los que competir, además de enfrentarse a los exigentes ejecutivos musicales.

Wonder wheel

El cine de Allen se divide entre los que piensan siempre que la ultima es la mejor y los que dicen que ya no es lo que era a sus 80 y mas. Para mi es de los directores mas regulares que he podido ver. Ahora a puesto en cine una noria que podriamos ubicar entre Cela y la de  Albert Pla. Woody suma en vez de restar. Se autoalimenta de sus personajes, hijos, matrimonios anteriores y si habia sido un director ciego, ahora es un piromano del cine que quiere acabar con todo. Cronista infatigable de la miseria humana de la clase media-alta, deambula con su camara amarga por la cornisa de la comedia. El helenco perfecto: un marido borracho en seco, una esposa actriz fracasada, una hija que quiere huir del marido mafioso mafioso, y un escritor superfluo y inocuo, ahora salvavidas playero. Y el hijo de un matrimonio anterior, piromano de cuidado. Con Kate Winstlet, Allen abandona las interpretaciones femeninas oniricas, (el Cairo, Afrodita, etc, ) para centrarse en la actual evolucion, a veces amarga de la mujer. Demuestra que es su instrumento artistico preferido. Leyendas aparte de los rodajes, a Woody le gusta el sexo opuesto y las ama y reivindica en su lugar de trabajo, la escena. El escenario aqui, casi cenital, es un parque de atracciones en Coney Island en los años 50. Alli, un joven y apuesto socorrista que quiere ser dramaturgo. Él es el encargado de contar la historia del operario del tiovivo del parque de atracciones, y su esposa, una actriz emocionalmente inestable que ahora trabaja como camarera. Su matrimonio, que atraviesa una crisis por culpa de los problemas de éste con la bebida, se complicará aún más con la llegada de la hija del operador, a la que persiguen unos mafiosos. En su cita anual con la cartelera, el oscarizado Woody Allen (Café Society) lleva al espectador a un entorno idílico con la playa y el parque de atracciones como marco de excepción en el que transcurre un cuento de pasión, traición y violencia. Por primera vez desde Blue Jasmine, Allen firma un drama puro y duro, en el que las vidas de cuatro personajes convergen en una película de tono agrio y sombrío. Con una puesta en escena prácticamente teatral, La noria de Coney Island tiene un apartado visual más cuidado de lo que suele ser habitual en el estilo, por norma austero, del genio neoyorkino, en el que la ambientación y la fotografía de Vittorio Storaro (Apocalypse Now), toda una leyenda en la industria, son elementos capitales. La oscarizada Kate Winslet (La montaña entre nosotros) abandera un reparto principal que completan David Krumptoz, Jim Belushi (El escritor), Justin Timberlake (A propósito de Llewyn Davis) y Juno Temple con Max Casella y Jack Gore.

Una vida a lo grande/downsizing

Matt Damon, de mediana estatura tirando a bajo,  es uno de estos milagros que producen el sacerdocio del hollywood. Con un buen director y aun sin el, consigue, cada vez mas entrado en kilos, interpretar lo mejor y lo peor del alma humana. Payne lo es de correcto director, muy costumbrista, turistico y conciliador, y ya es una referencia de los viñedos y su mantenimiento por citar.  Dando mas vueltas que un ventilador en manos de Allen nos cuenta una tierna historia intermitente. Los descendientes, entre copas y en Nebraska nos situan en un modo ahorro, que es empequeñecerse y asi costar menos. Un matrimonio que apenas puede llegar a fin de mes y que encuentra la solución a sus males en un proyecto pionero que podría poner solución a los problemas de superpoblación reduciendo a los humanos hasta los 12 centímetros, con la ventaja añadida de vivir más holgadamente. Ante la promesa de una vida mejor, Paul y Audrey deciden aventurarse e iniciar el proceso para formar parte de estas pequeñas comunidades, una decisión irreversible que cambiará todo para siempre. Con dos Oscars a Mejor guion adaptado en su haber y convertido en uno de los directores más personales del Hollywood actual, Alexander Payne coquetea por primera vez con el cine de ciencia ficción, una fábula que, entre la comedia y el drama, reduce a una cuestión de tamaño los males endémicos de la sociedad actual. Sin embargo, el enfoque de esta película, perseguida durante más de una década por parte de su director, se distancia del manifiesto político en favor de un enfoque humanista, donde el protagonista, interpretado por Matt Damon (Suburbicon), se convierte en paradigma de una sociedad golpeada por el cambio climático, la crisis económica y el arbitrario reparto de la riqueza, que busca en promesas vacías y demasiado buenas para ser verdad la respuesta a sus agobiantes problemas. Bajo una premeditada fachada de fábula simple y obvia, Payne esconde una ácida sátira con un humor agridulce que denuncia abiertamente el consumismo y el individualismo presentes en el mundo occidental. Junto a Damon, completan el reparto la nominada a un premio de la Academia Kristen Wiig (Cazafantasmas), el oscarizado Cristoph Waltz (Django desencadenado) y Jason Sudeikis.

la cena/The dinner

Moralidad laxa, textos bien escritos (James Ellroy?) pero pesados y unos actores (Richard Gere), que dominan la comedia de la politica y la misantropia. Pesada como una cena de navidad. Over Moverman quiere centrarse en los hijos pero no puede. Dos parejas reunidas en un lujoso restaurante deben dilucidar un acto de violencia de sus hijos, un crimen,  lo que dara lugar a hablar de todo incluido su pasado. Un simpático congresista y su mujer se citan en una incómoda cena con su problemático hermano, y su mujer. Llevan años sin hablarse, pero sus hijos adolescentes han cometido un acto horrible que ha conmocionado al país. La identidad de los culpables todavía no ha salido a la luz, y los padres deberán decidir cómo proceder. Esto propiciará un acalorado debate en el que se revelará hasta dónde están dispuestos a llegar para proteger a sus seres queridos. La cena es la adaptación cinematográfica de la novela homónima de Herman Koch que se convirtió en un éxito de ventas. La cinta, dirigida y escrita por el nominado al Oscar Oren Moverman (The Messenger), pretende contestar a la pregunta: "¿Qué harías si tus hijos hubieran cometido un delito horrible y hasta dónde llegarías para protegerlos?". A medida que avanza la tensa velada, se van descubriendo las rencillas y personalidades de cada uno de los comensales, si bien la gran incógnita de este thriller psicológico es descifrar la verdadera naturaleza del protagonista, y averiguar dónde está el límite moral de este personaje y su delacion, que sigue sin superar la crisis nerviosa que sufrió junto a su hermano mayor, un candidato a gobernador que tiene por delante una ambiciosa carrera política. El reparto está encabezado por rostros conocidos como los nominados al Oscar Laura Linney (Sully) y Steve Coogan (Philomena) Chloe Sevigny y Rebecca Hall .

Jumanji: bienvenidos a la jungla

Secuela esteril del conocido juego de predicciones. Y rellenado con efectos mil veces mas vistos y que le hacen asemejar al juego de la Oca. Quien soporte el humor superficial de Jake Kasdan, de la familia no le viene al galgo, puede entretenerse con las lecciones de seduccion de una jovencita transvestida. Planteado todo para burlarse de los video juegos, idea que abandona en los primeros minutos, llega  a utilizar rinocerontes gigantes para amedrentar al personal que hoy no es nada exigente, pero que queria volver a recordar el Jumanji del 96. Claro que  tampoco hay junglas en las que sobrevivir. Es un Port Aventura sin ni siquiera la magia de un Dragon Khan. El juego Jumanji lleva más de 20 años desaparecido, pero reaparecerá en forma de vieja videoconsola para absorber a cuatro adolescentes. Una vez en la peligrosa selva de Jumanji, los jóvenes asumirán la apariencia de su propio avatar, cada uno con habilidades y conocimientos diferentes. Para poder volver a casa tendrán que terminar la partida, lo que significará enfrentarse a estampidas de rinocerontes, serpientes y trampas de la jungla que pondrán a prueba su ingenio. Dos décadas después de que Robin Williams se enfrentara a la partida de un juego de mesa más salvaje de la historia, Jumanji se moderniza para las nuevas generaciones y se convierte en videojuego retro en esta secuela dirigida por el director de Sex Tape. Algo pasa en la nube. Si en el film original la acción transcurría en un pequeño pueblo norteamericano, este sitúa a los nuevos protagonistas en la misteriosa selva donde Williams estuvo encerrado durante 25 años. La nueva entrega también cambia las reglas y convierte a cuatro adolescentes en seres que cada uno con sus propias habilidades especiales, que tendrán que vencer sus limitaciones e inseguridades y trabajar en equipo para sobrevivir, terminar la mortal partida y volver a casa. Un Dwayne Johnson,que se parodia a si mismo,  Kevin Hart (Un espía y medio), Jack Black (Pesadillas) y Karen Gillan (Guardianes de la galaxia Vol.2) protagonizan esta cinta en la que Bobby Cannavale (Ant-Man) rejuvenece al cazador furtivo Van Pelt.

Demasiado cerca/Tesnota

Tambien el cine ruso saca la cabeza entre nosotros estas navidades. Y lo hace con una terrible historia de violencia fisica, secuestros y racismo con posturas muy contradictorias. Añade ademas imagenes reales de masacres que ponen los pelos de punta. Un director joven de 26 años, que aun conjuga el sentimentalismo con la crueldad, buscando razones para encontrar algo de humanidad en ello. El director kabardi, originario de Naltxik en la Republica Kabardino-Balkaria, nos transporta a los 90 con el conflicto txetxeno en su fase mas convulsa. Kantemir Balagov, gano el premio de la  critica en Cannes con esta sordida historia de violaciones aparentes, susurros de muerte a la oreja,  torturas y deguellos. Es tanta la "suciedad" de los hechos e imagenes que transmite el film, que al finalizar con los bellos paisajes que acogen a los supervivientes, nuestro director los fotografia en amarillento mugriento, como para dar a entender que no permitia el tema una película con luz y color. El cine ruso puesto al dia nos llega del Caucaso y esta familia judia vuelve a estar en el epicentro de la guerra etnica en plena disgregacion de la URSS. 1998, Nalchik (Rusia). Una chica judía de 24 años, trabaja en el garaje de su padre para ayudarle a llegar a fin de mes. Una noche, sus familiares y amigos se reúnen para celebrar el compromiso de su hermano y su futura esposa, que desaparecen después la fiesta sin dejar rastro. Al día siguiente, la familia recibe una nota de secuestro pidiendo un rescate tan alto que se ven obligados a vender su pequeño negocio y buscar ayuda a su alrededor para salvar a sus seres queridos. Es la ópera prima del director ruso Kantemir Balagov, que debuta en el cine tras haber rodado varios cortometrajes. Con esta película, el cineasta quería explorar la cuestión de la diáspora judía en su propia región. Los pueblos kabardiano y balkario luchan por convivir allí en plena Guerra, mientras que los judíos continúan emigrando a otras partes del mundo. En ese contexto y con varias tramas basadas en hechos reales, la película intenta explicar los sentimientos de una familia judía que se niega a llamar a la policía para salvar a su hijo secuestrado. Los vínculos familiares cambiarán cuando cada uno decidida una opción distinta para pagar el rescate. El reparto está formado por jóvenes debutantes como Darya Zhovner, que interpreta a la protagonista, Olga Dragunova o Artem Tsypin o tambien Veniamin Kac y Nazir Jukov.

Ferdinand

Ferdinand es un toro "bravo" que no nace ahora. Lo hizo en 1938 de la mano de Dick Richards, con un corto de Disney de 8 minutos, en el que se contaba que el torito, listo, no queria ser escogido para torear en las plazas, sino pacer tranquilamente con sus amigos a la sombra de un arbol y jugar. Hay que reseñar aqui, las dificultades de exhibicion que tuvo el corto animado y las trabas del looby de los toros y la censura de la dictadura. Ferdinand no es un toro como los demás. Mientras sus compañeros de especie se dedican a embestirse para medir su fiereza, él prefiere sentarse debajo de un árbol a oler las flores. No es un cobarde, simplemente es un pacifista que, a medida que va creciendo, se convierte en el más grande y fuerte de su manada. Su aspecto hace a los ganaderos pensar que también será el más bravo, de manera que lo capturan para entrenarlo y que participe en una corrida de toros. Pero Ferdinand tiene otros planes. Carlos Saldanha (Rio 2), co director de algunos de los títulos más emblemáticos de la división de animación de 21st Century Fox como Robots o la saga Ice Age, adapta el cuento de Munro Leaf y Robert Lawson que ya fue inmortalizado en el oscarizado cortometraje de Disney. Ferdinand renueva esta historia, prohibida en nuestro país durante los años del franquismo, a través de las últimas técnicas de animación y ofrece a los más pequeños de la casa una divertida aventura con un potente mensaje pacifista y de amor por la naturaleza. En ella se cuenta el viaje de un toro, de carácter afable e inofensivo, cuya apariencia le lleva a ser elegido por unos bestiales humanos para entrenar su bravura y obligarle a lidiar en la plaza. John Cena (Dos padres por desigual) pone voz al protagonista en su versión original y lidera un reparto vocal que completan Kate McKinnon (Una noche fuera de control), David Tennant (Nuestro último verano en Escocia) y el español Miguel Ángel Silvestre.

Columbus

El cine coreano buscando su lugar en el mundo del cine. Y con discrecion se  adentra a paso oriental en las estructuras de lo fisico, para ver como influyen tambien en lo sentimental. O sea que son vasos comunicantes. Dos amigos, paseando y fumando, desgajan la naranja de sus inquietudes, sobre la educacion recibida, sus padres y su futuro. En el film de Kogonada, el espacio, el aire libre y las estructuras urbanisticas, son un protagonista mas de una ciudad moderna como Columbus. Un joven coreano que ahora se encuentra atrapado en una ciudad de Indiana conocida por sus edificios modernistas en la que se encuentra su padre, un veterano arquitecto, aquejado de una repentina enfermedad. Allí conoce a una chica aficionada al diseño de construcciones que trabaja en la biblioteca y que también ha tenido que renunciar a sus sueños para quedarse en la localidad y cuidar de su madre, adicta a las drogas, que se encuentra en pleno proceso de rehabilitación. El film es la primera experiencia en el largometraje del conocido ensayista y artista audiovisual Kogonada, conocido tanto en Internet como en revistas e instituciones relacionadas con el séptimo arte por sus montajes, de breve período de tiempo, que analizan diferentes aspectos del mundo del cine. En su ópera prima, este cineasta se traslada hasta una ciudad conocida que se convierte en telón de fondo para una dramática historia donde se fusionan las relaciones humanas y la arquitectura. Considerada una de las grandes revelaciones del cine independiente de este 2017, la película narra el emocionante encuentro entre dos personas, que se reconocen el uno en el otro, mientras comparten protagonismo con unos edificios capaces de generar y reflejar los sentimientos. John Cho (Star Trek: Más allá), Haley Lu Richardson (Múltiple), Parker Posey (Café Society) y Michelle Forbes (Los juegos del hambre: Sinsajo - Parte 2) encabezan el reparto de este film en el que Kogonada vuelca sus conocimientos en el arte cinematográfico a través de diálogos inteligentes y una delicada y bella puesta en escena.

Tiger

Inspirada en hechos reales, Tiger está vivo, es la secuela de la producción india de 2012, Ek Tha Tiger. Protagonizada por los actores Salman Khan y Katrina Kaify dirigida por Ali Abbas Zafar, cuenta la historia de un espía indio llamado Tiger que forma parte del RAW, el Ala de Investigación y Análisis del gobierno de la India.

Tiger, durante una complicada misión de estado en Dublín conoce a Zoya, una estudiante de danza aparentemente inofensiva. Sin embargo, resulta ser una espía del ISI paquistaní, de la cual Tiger se enamora. Cuando ambos coinciden en una reunión de la ONU en Estambul, deciden luchar por su amor, engañando a sus respectivas agencias de inteligencia para fugarse juntos, corriendo el peligro de que sus perseguidores puedan atraparlos.

Approved for adoption

Jung es un  dibujante de 42 años según el Registro. Él prefiere pensar que nació el día que, con 5 años de edad, fue encontrado por un policía, perdido por las calles de Seúl. Era uno de los 200.000 coreanos abandonados y adoptados por familias de todo el mundo. Superados los 40, decide volver a Corea del Sur por primera vez y conocer el país que lo vio nacer, pisar la tierra de sus antecesores y, si es posible, encontrar el rastro de su madre biológica. Un viaje físico y emocional de retorno a la infancia que le permitirá reconciliarse con sus raíces y descubrir su verdadera identidad. Nacido en Seúl (Corea del Sur) Jung fue adoptado por una familia belga el 1971. Estudió en la Academia de Bellas Artes de Bruselas y se inició en el mundo de la ilustración a través de artículos y portadas de distintas publicaciones. En 1991 se edita su primera obra y en 2001 publica el cómic Color de piel: miel, un relato autobiográfico en blanco y negro en el que se basa Approved for Adoption. Laurent Boileau trabajó durante 10 años como cámara y editor en varios documentales. En 1999 empezó a dirigir. Su pasión por los cómics y las artes gráficas le han llevado a realizar diversas películas sobre el 9º arte. Con este documental,  Ha participado e numerosos PREMIOS Y FESTIVALES en los que ha obtenido:: Annecy Film Festival - Premio del Público y Premio UNICEF. Francia, 2013, Festival de Films pour Enfants de Montréal - Grand Prix y Prix Inis. Canadá, 2013, Festival Monstra - Premio Especial del Jurado. Portugal, 2013.

Star wars VIII los ultimos Jedi

No entiendo todavia la facilidad que tienen los seguidores de la serie cinematografica, en decir que es la VIII de la segunda entrega de tres. Concretamente entre el Despertar de la fuerza, del 2015 y Episodio IX del 2019. Atendiendo ademas que los ultimos Jedi, estan tambien entre Rogue One (2016) y Solo A W.S.Story (2018). O no estoy hablando de la misma serie?. Quiza la unica pista son los actores. Que los de numeros romanos continuan la saga y los que no son otros nombres.  A saber en la VIII, Daisy Ridley, John Boyega, Adam Driver, Oscar Isaac y Carrie Fisher, que ya estaban en la VII y repiten, menos la princesa que como sabeis fallecio hara un año.  Por otro lado, las noticias de la IX del 2019, aseguran que seguiran Daisy Ridley, Mark Hamill o Andy Serkis. Incapaz de momento de comprender nada, mucho menos el estreno, que siempre sorprende por su  espectacularidad. Debe haber a concursos de especialistas para intentar explicar alguna sinopsis. Generaciones la van descubriendo e igual estamos ante una operacion mundial galactica para unir a los terrestres que sabran relacionar estas películas rodadas los años 77, 80, 83, 99,2002, 2005, 2015, 2016, 2017, 2018, 2019 y 2020. Una maraton de cine con doce films capaces de acabar con la existencia de cualquiera. Son películas que las puedes ver mil veces y cada vez entender alguna linea de guion mas o volver a asustarte cuando los infantes de la familia te atacan en el pasillo con algun objeto-espada luminoso. Del Book de prensa, extraigo: Después de una agridulce victoria en la base Starkiller, la resistencia llora a sus caídos mientras se recrudece el enfrentamiento con la Primera Orden de Kylo Ren y el Líder Supremo Snoke. Por su parte, Rey, que ha encontrado a Luke Skywalker, inicia su entrenamiento bajo la tutela del último maestro jedi. Sin embargo, el poder que la joven alberga en su interior despertará en Luke una vieja sensación y la convicción de que, por el bien de la galaxia, es la hora de que los jedi desaparezcan. Después de reverdecer viejos laureles con El despertar de la Fuerza y demostrar con su primer spin off, Rogue One, que la saga Star Wars sigue siendo la franquicia cinematográfica más rentable de todos los tiempos, el enfrentamiento entre ambos lados de la Fuerza estrena un nuevo episodio con Star Wars: Los últimos Jedi. En esta ocasión es el contrastado director Rian Johnson (Looper) sube a la nave intergaláctica para llevar a un nuevo nivel esta historia que continúa inmediatamente después de los acontecimientos ocurridos en el Episodio VII. De este modo, personajes emblemáticos en la saga como Chewbacca o R2D2 se unen a los ya presentados en la anterior entrega como Rey, Finn o Kylo Ren en una épica batalla interestelar en la que está en juego el futuro de toda la galaxia. Mark Hamill (Kingsman: Servicio secreto) vuelve como Luke Skywalker con un papel de gran importancia en un film que, a su vez, servirá como homenaje póstumo a Carrie Fisher. También repiten Daisy Ridley (Asesinato en el Orient Express), John Boyega (Detroit) y Oscar Isaac (Suburbicon) al frente de una rejuvenecida resistencia y Adam Driver (La suerte de los Logan), Andy Serkis (La guerra del planeta de los simios) y Gwendoline Christie (Juego de tronos) como abanderados del reverso tenebroso. Numerarse quien lo entienda. No digo comprender sino entender, que es distinto.

una especie de familia

Una noria? Una barraca de feria?El film es como un gran espacio abierto donde ocurren cosas sin demasiada cohesion ni razon de ser o de continuidad. Una road movie con bebe vamos. Diego Lerman, en su quinto largo argentino, quiere mantenerse en lo clasico. Si que hay una pequeña rotura con la ortodoxia, pero se fundamenta mucho en los actores y en especial en Barbara Lennie. Una mujer que ve como su sueño se va desvaneciendo convirtiendo se en pesadilla. La culpa, la justicia y la economia. Su interpretacion y la de las demas, llegan a incomodar al espectador mas indiferente.No hay magia pero si una emocion contenida frente a una maternidad perdida.En "Malena y los demas" encontramos hieratismo, drama, adopcion, puesta en escena conveniente, crecimiento personal y sobre todo sentimientos de personalidad. Una doctora de Buenos Aires a la espera de adoptar a un niño que está a punto de nacer. Una tarde recibe la llamada del doctor que lleva su caso, que le comunica la inminencia del parto y la necesidad de que vaya inmediatamente al norte del país. Sin pensarlo, emprende un viaje incierto en el que se enfrentará a muchas encrucijadas y obstáculos, algunos legales, otros morales, que le llevarán a cuestionarse hasta dónde esta dispuesta a llegar para conseguir lo que tanto anhela. Ganadora del premio a Mejor guion en el Festival de San Sebastián y candidata a 8 premios de la Academia del cine argentino, la nueva película de Diego Lerman (Refugiado) llega a la cartelera convertida en uno de los títulos destacados del cine latinoamericano de este año. Como es habitual en sus anteriores producciones, Lerman sigue volcando todo el peso de la trama sobre un personaje femenino, interpretado por la ganadora del Goya Bárbara Lennie (Oro), que en esta ocasión intenta colmar sus frustrados deseos de ser madre a través de la adopción de un recién nacido. Lo que en un principio podría parecer un proceso relativamente sencillo, se convierte en un drama que, a medida que avanzan los minutos, se revela como un tenso y opresivo thriller en el que la protagonista afronta una situación extrema que la lleva a rebasar en más de una ocasión los límites de lo moral. Junto a Lennie, que realiza un auténtico tour de forcé emocional, el reparto se completa con Daniel Aráoz (El hombre al lado), Claudio Tolcachir (Ardor) y la debutante Yanina Ávila.

Un intercambio por navidad (2016) 70 min.

Segon film de Terje Rangnes, amb el tema nadalenc sempre carrinclo, encara que el salva dotant lo d'una sana ironia. Tracta d'un papa que cada any es vesteix de Noel per oferir en persona les presents/joguines als seus fills, encara que només el més petit desconeix el tema en la seva totalitat. La família noruega en rialla, en una clara defensa del sistema social imperant, matrimoni inclòs. L'apassionat Pare Noel del Nadal que s'esforça cada any perquè els fills tinguin unes festes perfectes. Disfressat de nou de Santa Claus baixarà amb els regals en un trineu. Tot i això, tot surt malament i xoca contra el mateix Pare Noel. La topada farà que es coneguin una mica millor i acordaran intercanviar-se els papers. D'aquesta manera, el Pol Nord tindrà un fuster de veritat i els seus fills podran gaudir d'unes autèntiques vacances màgiques. Queden pocs dies per al Nadal i la cartellera s'acaba d'engalanar amb aquesta comèdia familiar basada en la novel·la d'Alf Prøysen que segueix les vacances hivernals. Terje Rangnes (En helt vanlig dag på jobben) dirigeix ​​aquest llargmetratge d'origen escandinau on el Pare Noel es veurà immers en el món modern per recordar que la veritable màgia nadalenca s'amaga en l'amor i la família. Amb aquest tema com a principal eix argumentatiu, la cinta, que es reimagina en clau nòrdica el clàssic, ofereix divertits gags per a tots els públics amb una cura visual. En tot cas es curta visualment.

Pasaje de vida

Reconstruccion del pasado de Chino Darin (hijo) de una situacion romantica, de guion embarullado, intentando compensar lo convencional con lo alocado. Conflicto de generaciones entre un viejo militante montonero, ahora enfermo y su hijo discrepante. Interpretado tambien por el Darin junior, la película analiza sin profundidad la dictadura argentina de los 70 y la lucha armada que genero. Tampoco era cosa de  ponerse a mal con nadie en un primer film. Un joven vuelve a casa para cuidar de su padre, que sufre una grave enfermedad neuronal que le mantiene anclado a sus recuerdos del pasado y obsesionado con encontrar a una mujer. Para resolver el misterio de esta persona, indaga en la memoria de su padre y en objetos de su casa de la infancia que le ayudarán a reconstruir fragmentos de la vida paterna, que luchó contra la dictadura argentina en los 70 y tuvo que exiliarse, así como a descubrir la verdad sobre su madre. Nieto de gallegos que tuvieron que exiliarse a Argentina por la Guerra Civil, e hijo de argentinos que emigraron a España para huir de la represión de la dictadura argentina, el director y guionista Diego Corsini (Solos en la ciudad) plasma en esta historia de ficción muchas de las anécdotas que sus parientes compartieron con él y que le sirven para componer una emocionante historia sobre la identidad, la militancia y el amor. Corsini cuenta la historia de los supervivientes de la barbarie perpetrada bajo el mando de la junta militar en Argentina y cómo consiguieron encontrar un hogar en España. Para ello divide la acción en tres momentos temporales diferentes, algunos separados por décadas, que avanzan en paralelo hasta que un hijo, interpretado por Javier Godino (Ignacio de Loyola), desvela el misterio que rodea a sus padres. Miguel Ángel Solá (El último traje) y Chino Darín (La reina de España) interpretan a este militante exiliado en dos épocas diferentes y lideran un reparto principal que completan Silvia Abascal (Truman) y Carla Quevedo.

Muchos hijos, un mono y un castillo

Documental de familia. Con el desencanto de la ostentacion, ruina progresiva, desclasamiento social, que quieren seguir  celebrando navidades como antes, optando a buenos y rentables matrimonios y aprendiendo a ser gourmet a todo tren. Fuera de la realidad, hay una gran diferencia entre lo rodado en vivo y el material de  archivo, pero que tomando lo con humor gris, hasta divierte frente a tanta pena historico-social. Familia numerosa en la España el siglo XX, militantes de la superderecha y que se comerian por amor, croquetas  de Primo de Rivera. El castillo que habitan nos remite inevitablemente a la escopeta nacional berlanguiana, asi como las notas de vida casi gags, como el diente del bar, el funeral con monjas, el robo o el tenedor especial. Julita,la matriarca Salmeron, republicana y de la masoneria, ha sido filmada por Gustavo el actor, su hijo. Ganador de Karoly Vary por su extroversion, y simpatia, el premiado documental esta un escalon por debajo del señorio culto y educado de Felicidad Blanc de los Panero. Surrealista titulo que nos cuenta con desparpajo, una nieta partiendo de los huesos de su abuela, reencontrados y perdidos, asesinada por los comunistas en la Guerra Civil. Desde pequeña, Julita Salmerón siempre soñó con tener mucha descendencia, un mono y un castillo, y con el paso de los años todo se ha cumplido. Entre sus posesiones más preciadas se encuentran las vértebras de su bisabuela, que han guardado tres generaciones, y que Julita ha perdido. Cuando su hijo Gustavo se entere de esto, iniciarán juntos una estrafalaria búsqueda en la que surgirán los más peculiares y extraños objetos, y que harán que Julita recuerde a una variopinta galería de personajes. Gustavo Salmerón (Amar), actor con una sólida carrera interpretativa a sus espaldas, consiguió sin embargo el Goya por su labor como director en el cortometraje Desaliñada. Ahora este documental, aclamado en festivales como el de San Sebastián y destacado por la prensa española como una de las mejores comedias del año, Salmerón cuenta con gran sentido del humor las excentricidades de su madre Julita. A través de su magnética personalidad narran cómo fue el ambiente caótico, pero de gran creatividad y libertad, en el que se crio. A su vez, el tono jocoso del film contrasta con momentos de mayor calado dramático que reflejan el carácter de una mujer única en su forma de ver la vida a través de su afán por recolectar todo tipo de objetos.

la once Tea time

La chilena Maite Alberdi es la directora de La Once (tea time), segundo documental de la historia de los Premios Goya que ha logrado colarse en la categoría de mejor película iberoamericana. La película es el resultado de la grabación de las reuniones de su abuela con cuatro amigas, cinco mujeres ya ancianas que se juntan a tomar el té, sagradamente, una vez al mes desde hace sesenta años. En estas reuniones evocan el pasado común y se esfuerzan en demostrar que aún están vigentes, olvidando por un momento los males que padecen. Alberdi comenzó a grabarlas en 2009 y, durante 5 años, obtuvo un material que le ha reportado hasta el momento diez premios internacionales.

La herida The Wound

Con la mirada del turista accidental, se mira John Trengove este documental originalmente llamado Inxeba. Desesperacion, emociones incontenibles, amor gay y sentimiento desbordado son las exageraciones que el autor impone al film. La herida, todavia abierta, parece ser la producida entre la posibilidad de amarse entre hombres y la tradicion judeo masonica instalada por citar una. Como un documental observa con estilo el rito del paso de la pubertad a la adolescencia, de la tribu sudafricana Xhosa. Cuestion genetica, cultural, geografia, ancestral, tabus como la circuncision. Aqui el drama es que un obrero solitario que participa como cada año junto a otros hombres de su comunidad en la ukwaluka, un tradicional rito de iniciación en el que los jóvenes son circuncidados para abandonar la adolescencia. Kwanda, que llega de Johannesburgo y es tutelado por Xolani, recibe las burlas de sus compañeros por haber nacido en la ciudad y ser demasiado sensible. Cuando Kwanda descubre que Xolani está enamorado en secreto de uno de los cuidadores, la vida de los tres cambia radicalmente. La herida (The Wound) es la candidata de Sudáfrica al Oscar a Mejor película de habla no inglesa. Heredera de una temática que ya ha sido abordada en películas como Brokeback Mountain o la recientemente oscarizada Moonlight, esta cinta habla sobre los prejuicios hacia los homosexuales en el continente africano. De este modo, el film trata la problemática de una relación sentimental entre dos hombres en el contexto del ritual de iniciación de la tribu Xhosa, una práctica cada vez más criticada en el país sudafricano por cuestiones de salud y pertinencia, pero que, sin embargo, sigue siendo defendida por los sectores más tradicionalistas. La película, que ha vuelto a reavivar la polémica en torno a esta ceremonia, está contada a través del personaje de Kwanda, un joven que ha crecido ajeno a esa tradición, y que tiene una perspectiva diferente en cuanto descubre el secreto. El sudafricano John Trengove debuta como director de un largometraje tras dirigir episodios para series de televisión y mini-series. También da sus primeros pasos el cantante Nakhane Touré, que da vida a Xolani y que al igual que el otro protagonista, Bongile Mantsai, participó en el ritual de los Xhosa en su juventud.

Alanis

Estos dias una periodista y una psicologa, denuncian en las redes la eterna cantinela de la prostitucion y sus multiples lecturas. Juez y parte, Anahi Berneri retrata un  caso mas, con sus especificaciones argentinas. no ya para denunciarlo  sino un saber porque se llega a ello no personalmente sino incluso en un mundo global. Razones que cada uno  alimenta y que busca, si se lo piden una plataforma para mostrarla. Alanis es una trabajadora sexual que tiene un hijo y comparte piso en Buenos Aires con su compañera Gisela. Entre las dos cuidan del pequeño y reciben a sus clientes en el apartamento, pero esto cambia cuando dos inspectores de policía irrumpen un día en su domicilio y detienen a Gisela por una acusación de trata de mujeres. Alanis se ve obligada a mudarse a casa de su tía y continúa trabajando en la calle mientras mantiene a su niño, si bien luchará por encontrar su lugar en la sociedad. Hasta aqui el drama del film, que no distingue demasiado entre la necesidad del sexo y el porno. Miseria, economia, realidad y moral sin dar la espalda, dirimen sus causas en una zona deprimida de la ciudad. Alli donde sin motivo ni apariencia se recrea en dos secuencias eroticas sin mas pasion que la que tiene la pelicula. Porque en el fondo, las dos son industrias. La película más premiada de la reciente edición del Festival de San Sebastián llega a las pantallas españolas. Alanis recibió la Concha de Plata a la mejor dirección para Anahí Berneri y a la mejor actriz, que cayó en manos de Sofía Gala, complicada y rebelde actriz argentina. La cinta habla sobre la prostitución en las calles argentinas, donde las mujeres hacen frente a un eterno debate entre el trabajo y la marginalización. La protagonista no cuestiona la moralidad de sus acciones porque sus motivaciones son su hijo, al que todavia amamanta, tener un techo donde dormir y subsistir. Alanis es la quinta película que dirige la argentina Anahí Berneri, que ha recibido premios en festivales europeos por trabajos como Un año sin amor o Por tu culpa. Este año se ha convertido en la primera directora latinoamericana premiada con la Concha de Plata. El reducido reparto está liderado por Sofía Gala (Los Roldán, El tiempo no para), que sorprende en su actuación consagratoria, y la debutante Dana Basso, que da vida a Gisela. Es por su vinculacion con la estructura del negocio que la ley irrumpe en el pequeño paraiso. ques in alternativas, habian montado con Alanis para dar u ncobijo seguro al niño, quiza llamado Dante por lo del descenso al septimo infierno.

Se armo el belen

El pequeño y valiente asno Bo está cansado de su monótono trabajo en el molino. Un buen día se escapa de casa y se encuentra con unos recién casados para comenzar la aventura de su vida. Durante su viaje se hará compañero de Rut, una entrañable oveja, y Dave, un palomo con altas aspiraciones. Tres divertidos camellos y otros animales de establo les acompañarán en su camino siguiendo a la Estrella de Belén para convertirse en héroes inesperados de la primera Navidad de la historia. Una de las películas de animación del año, narra los acontecimientos previos a la primera Navidad, cuando el asno Bo acompaña a María y a José hasta la ciudad de Belén. La película es obra del director Timothy Reckart (Head over Heels), que tiene en sus manos una de las historias más célebres del mundo. El optimista Bo, que no es consciente de la repercusión que tendrá ayudar a la pareja, conseguirá su propósito de hacer algo valioso. Le acompañarán en el largo camino sus amigos Rut y Dave y los divertidos camellos de los Reyes Magos: Ciro, Félix y Débora. La diva estadounidense Mariah Carey es la encargada del apartado musical e interpreta The Star, el single principal de la cinta. El intérprete que pone voz al protagonista, Bo, es el coreano Steven Yeun (The Walking Dead, Okja). La ganadora del Globo de Oro Gina Rodríguez (Jane The Virgin) es María y Zachary Levi (Enredados) da vida a José. El reparto se completa con la presentadora y actriz Oprah Winfrey, que interpreta a una camella, o Christopher Plummer (Sonrisas y lágrimas), que presta su registro vocal al Rey Herodes.

lesa humanitat

Dirigido por Héctor Faver, autor de La Memoria del Agua, Lesa Humanidat es un documental que viene muy a cuento con los tiempos que corren. La voz narradora es la de Eduard Fernández. Nada más empezar su voz nos cuenta que Camboya es el país del mundo en el que hay más fosas comunes. El segundo lugar lo ocupa España. Valga este inicio para hacernos una idea de la orientación del film. Lesa Humanitat explica las violaciones de derechos humanos en determinados países. En concreto, España y Argentina, dos países que se han encontrado implicados por juicios sobre lo ocurrido en la dictadura de Videla. España y Argentina son como dos caras de una misma moneda. Mientras que en un país, Argentina, se hicieron inicialmente gestos para hacer tabla rasa, hasta que desde España se empezaron a cursar denuncias por parte de afectados por desapariciones de familiares. Sin embargo, y de esto es de lo que trata Lesa Humanitat, a quien se apunta es a la actitud de los gobernantes españoles, que no se han hecho responsables de lo que hicieron sus antecesores durante el franquismo. Es decir, de los titulares actuales de las instituciones que forman el estado español aún se está esperando de ellos gestos que puedan honrar el espíritu de la Ley de Memoria Histórica. Es un buen documental, cuya exposición despertará el interés de ciudadanos del mundo que tengan un mínimo de conciencia acerca de la gran plaga que es el abuso de poder.

Algunas declaraciones, las de Emilio Silva (promotor de la Ley de Memoria Histórica), Chato Galante (preso y torturado durante el franquismo), Baltasar Garzón (el juez), Gerardo Pissarello (actualmente en el equipo de la alcaldía de Barcelona), explican experiencias que atañen a sus padres, argentinos, como los apuntes aportados por Alfredo Grimaldos, sobre cómo se urdió la transición del franquismo a la democracia. Es que es necesario que el conocimiento de nuestro pasado lo vayamos actualizando y destapando, para que, entre otras cosas, no caigamos en el olvido de que estamos en peligro de regresión a etapas que creíamos zanjadas (y que por desgracia no lo están). Un toque de atencion para dar voz y visibilidad a las víctimas del Franquismo, recoger sus testimonios, acabar con la indiferencia de buena parte de la sociedad y restituir su derecho a la memoria y a la justicia son los objetivos del proyecto de documental sin ánimo de lucro sobre memoria histórica y justicia universal.

Suburbicon

Con tranquilidad, casi con parsimonia se van sucediendo los asesinatos y las brutalidades en una urbanizacion americana, en los inicios de las propuestas de integracion racial.  Pero el guion de Clooney, lo firman los Coen. Y aqui empieza todo. Verano de 1959. La familia Lodge se muda a Suburbicon, un precioso, limpio y apacible barrio residencial de viviendas asequibles y céspedes muy bien cuidados donde sus habitantes conviven en paz y armonía. Sin embargo, el allanamiento de morada en casa de los Lodge, que terminará en asesinato-accidente, llevará a Gardner, el padre y marido acosado por los criminales e inspectores de la compañia de seguros, a enfrentarse a la verdadera realidad del vecindario, que esconde bajo sus calles un mundo de violencia, traición y engaños. El oscarizado actor, director y productor George Clooney (Monuments Men) lleva a la gran pantalla en Suburbicon, su sexta película como realizador, un guion de los hermanos Coen que llevaba casi treinta años guardado en un cajón. Ambientado a finales de los años 50, en un aparentemente idílico barrio residencial, el film combina la comedia negra en una historia sobre personas que toman muy malas decisiones. Además, aborda uno de los grandes conflictos de la época (la segregación racial) en el contexto de un allanamiento a una familai de color y la investigación de un agente de seguros. De este modo, el vecindario y la supuesta pacífica vida de sus habitantes sirve para mostrar la imagen perfecta que, incluso hoy en día, se tiene de aquellos años y comunidades y bajo la que, sin embargo, se escondía una realidad más oscura protagonizada por la violencia, el crimen y el racismo. El ganador del Oscar Matt Damon (Jason Bourne) lidera, irreconocible casi, como un hombre superado por las circunstancias, un reparto en el que también participan la oscarizada Julianne Moore, que gran doble papel (Kingsman: El círculo de oro), sin olvidar al niño  Noah Jupe, Oscar Isaac (La promesa) y Karimah Westbrook.

en la playa sola de noche

Ambigua, pero sensible y profunda. Y lo logran una pareja de cine. Sang soo y Min-hee. El film es un doble de todo. Dos partes, a primera en Alemania, dos parejas, la primera director de cine, dos lugares preferidos para pasear, la primera el parque,  y solamente una unica aparicion final.  Ya en Corea, dos comidas, dos bebidas,  dos conversaciones sobre la belleza y el deseo, y una playa final que reune lo fantastico con lo real. Una conocida actriz surcoreana que mantiene una relación en secreto con un hombre casado. Cada vez más sola e indiferente ante todo lo que le rodea, decide alejarse de su insatisfactoria vida y tomarse un tiempo para reflexionar. Para ello viaja hasta la lejana Hamburgo y encuentra refugio en la casa de un desconocido. Sin embargo, los recuerdos no terminan de desaparecer, y la joven no puede evitar pensar en lo que ha dejado atrás y en la importancia de su verdadero amor. Hong Sang-soo (Ahora sí, antes no), uno de los directores surcoreanos más internacionales, se convirtió en portada de la prensa rosa de su país hace unos meses tras anunciar que su matrimonio había terminado y que la joven actriz Kim Min-hee (La doncella), era su nueva pareja. Con un innegable tono autobiográfico, su nueva película, precisamente protagonizada por Min-hee, sirve como respuesta meditada y templada a todo aquel revuelo mediático. En el viaje hasta Hamburgo donde, con la perspectiva de la distancia, reflexiona acerca del amor que ha dejado atrás. Asimismo, la cinta, en la que este poderoso personaje femenino se enfrenta a una montaña rusa emocional, sirve al cineasta para ahondar en conceptos como la importancia de las apariencias frente al interior de las personas. Premiado en los festivales de Gijón y Berlín, este film completa su reducido reparto con Seong-kun Mun (Niebla) y Jae-yeong Jeong.

Francesc Maspons i Anglesell

La cara de les mil idees. Basat en el llibre de Lolo Garcia, "Els catalans de Ginebra" ,l'equip de video Sabem.com ha realitzat un interesant documental sobre aquest prominent home de Bigues i Riells desaparegut l'any 1966. Esta dedicat totalment a esbrinar i documentar les aportacions de Maspons a la Societat d'Estudis Juridics de l'Institut d'Estudis Catalans, grup que defensava el dret catala i que tenia com a seu Bigues. President de l'Acadèmia de Jurisprudència i Legislació de Catalunya, treballa en l'Oficina d'Estudis Jurídics de la Mancomunitat de Catalunya. Del 1925 al 1931 també fou president del Centre Excursionista de Catalunya i el 1930 el primer president de la Federació d'Entitats Excursionistes de Catalunya.

També fou membre comitè assessor de les minories nacionals de la Societat de Nacions i vicepresident del comitè executiu del Congrés de Nacionalitats Minoritàries (1931) i president de l'Association Internationale pour l'Étude des Droits des Minorités de l'Haia, desde on ara s'estudia la possibilitat de que fos mediador en un conflicte entre el Papa de Roma i el president de Txecoslovaquia. El 1951 fou un dels fundadors de la Societat Catalana d'Economia, que presidí del 1955 al 1958. També fou membre d'honor de l'Academia de Jurisprudencia y Legislación de Madrid i de la Comissió Codificadora del Dret Català. 

La presentacio del documental va tancar un any que ha glosat la seva figura i donat les claus del personatge. Presenta l'obra la seva tasca en el mon excursionista, amb l'impuls de Riells amics dels Cingles. el grup excursionista i l'espeologia catalana. Sorpren veint la dimensio del personatge, que es sorprenguesin cada dia dels talls poliedrics que oferia, malgrat la col.laboracio estimable del historiador del poble, Abel Camp, que va realitzar la coordinacio imposible amb el temps i els mitjans que hi havia. Montat amb retalls d'entrevistes a persones o que l'havien conegut, o que l'havien estudiat, el resultat es tant dinamic com monoton. Potser tambe degut al exces de foto fixa. Imatge, entrevista, imatge , entrevista, arribant a  ser dificil decidir que es deixa  o es posa del material obtingut.  Destaquen les aportacions i analisi de Pau Joan Hernandez, redactor i corrector del Capcigrany o les Llegendes, representades a la mateixa masia on es retira en la seva maduresa en els darrers anys. Hi trobarem a faltar alguna filmacio mes de les rutes proposades i descobertes per Maspons i Anglesell. A la casa pairal, tambe poc interpretada en el  dvd, debien haver passat forces coses, encontres i reunions, potser amb el seu valedor Enric Prat de la Riba i d'altres, aixi com es trovaba a faltar mes opinio o posicionament d'un home que sempre era cridat  a participar en actes constitucionals per el seus coneixements i experiencia, com per exemple, les bases de Manresa. Actes als que acudia per col.laborar encara que no tenia una posicio o carrec politic que l'obligues. Conta el documental el perill de mort durant el principi de la guerra civil y la sort i el suport que va rebre d'alts carrecs civils i militars catalans d'ERC per evitar-ho. En el documental pero, l'espectador esdeve un testimoni privilegiat de la vida d'aquest home que va anar fent un canvi radical de les seves idees, guanyat se la confiança de mestres i dirigents, per la seva dedicacio a Catalunya, en els apartats cultural, religios i juridic. En dia a dia que ens explica el llibre de Ginebra, sembla imposible que no hi hagin imatges filmades del personatge, ni que fossin uns segons caminan cap un casament com el cas del Gaudi.O no n'hi han o no s'han trobat. De les seves dubtes i sensacions, de les seves pors davant el desconegut que anava crean i descobrint, tambe en parles i molt clar la vintena dels protagonistes consultats. Un documental que en els moments dificils i convulsos actuals, transmet la esperança que ell tenia en el seu davallar. Si es del vostre interes el podeu adquirir al centre Civic de Bigues. 

Dream songs

• Año: 2017. Género: Documental
• Público: Todos los públicos
• Duración: 70.00 '
• Versión original: Inglés , Castellano , Catalán , Francés , Portugués
• Formato: Color, HD, Digital 5.1,

• Productor ejecutivo: Javier Pérez Santana, Teresa Enrich
• Director/es: Agustí Vila
• Guión: Enrique JUncosa , Agustí Vila
• Música original: Brendan Perry (Dead can dance)
• Dirección de fotografía: Diego Dussuel

Un collage de imágenes y voces nos cuenta la vida de varios hippies que llevan desde los años sesenta viviendo en Ibiza. Estas historias se cuentan junto a la de artistas y filósofos de gran estatura internacional, repensando aquél periodo, pero también el presente y el futuro de las ideas que guiaron el movimiento hippie.

Fe de etarras

Es la linea de Pagafantas o los apellidos de la region que sean, el divertido Borja Cobeaga, aborda el tema de la infraestructura de ETA, con el extraño equilibrio, entre la broma jocosa (basca) y el drama profundo. Cuenta para el o con un Camara que puede con lo que le echen y un Karra que pone siempre el guion sobre los railes que tocan, con un segundo guionista importante. Que y como comen, como pasan sus dias muertos, como esperan las llamadas, como "parecen" vecinos normales, nos es contado con una media sonrisa rota no exenta de documentacion, critica, pena y respeto o curiosidad. Es el verano de 2010 y la selección española de fútbol avanza con paso firme hacia la consecución del Mundial. En un país en plena ebullición de patriotismo deportivo, un comando de ETA formado por una pareja que antepone la lucha armada a su compromiso, un veterano riojano que desea demostrar que no es un cobarde y un solitario manchego, viven en un piso de algún lugar de la Península. Mientras esperan una llamada que nunca llega para pasar a la acción, intentarán camuflarse entre las banderas. La segunda película española producida bajo el sello Netflix da el salto a la gran pantalla. Fe de etarras, el proyecto perseguido durante años por Borja Cobeaga (Negociador) se convierte por fin en realidad en esta comedia negra protagonizada por un peculiar comando de ETA que, a la espera de órdenes de la cúpula, compartirá piso en los días del fervor patriótico provocado por el éxito de la selección española en el Mundial de Sudáfrica. La cinta de Cobeaga y su co guionista habitual Diego San José convierte, a través del humor absurdo y, a la vez, inteligente, a este grupo de terroristas en una especie de familia disfuncional que empezará a cuestionarse todo en lo que cree cuando la lucha armada choque con intereses más personales. El ganador del Goya Javier Cámara (Es por tu bien), Julián López (Perdiendo el norte), Miren Ibarguren (Una hora más en Canarias) y Gorka Otxoa (Los miércoles no existen) lideran el reparto de este film de desternillantes gags y agudos diálogos que esconden una crítica a los radicalismos y que también cuenta con Ramón Barea (El guardián invisible) y Luis Bermejo.

la isla de los monjes

El monasterio de Sion, donde viven monjes cistercienses desde hace siglos, es uno de los más antiguos de Holanda. Sin embargo, el edificio, con capacidad para 120 personas, sólo está ocupado por 8 religiosos. Las grandes dimensiones del lugar y su costoso mantenimiento les llevará a tomar la decisión de empezar de nuevo en otro sitio, en la isla donde se originó su fe. En este proceso de cambio se enfrentarán a sus propias dudas y temores, así como a un mundo desconocido fuera de la clausura. Productora en la televisión holandesa, Anne Christine Girardot hace su debut como directora con este documental en el que aborda el contacto con un nuevo mundo de un grupo de monjes cistercienses después de años, algunos incluso décadas, de aislamiento y retiro espiritual. La isla de los monjes cuenta el traslado de este reducido grupo de religiosos que, ante el gran tamaño y el imposible mantenimiento de sus instalaciones, decidieron vender su antiguo monasterio y regresar a la pequeña isla del norte de los Países Bajos que da nombre a la película. En este largometraje Girardot convierte al espectador en testigo privilegiado de este cambio radical y, a medida que se gana la confianza de estas personas que dedican su vida a la fe, consigue plasmar su día a día y sus sensaciones, miedos y dudas ante lo desconocido, además de enviar un mensaje de esperanza.

my little pony

Ponyville se enfrenta a un terrible y poderoso enemigo, lo que obliga a que las ponis Twilight Sparkle, Applejack, Rainbow Dash, Pinkie Pie, Fluttershy y Rarity se embarquen en una apasionante aventura más allá de los confines de Equestria para poder salvar su hogar de esta oscura amenaza. En su camino por nuevos y coloridos mundos, estas potras voladoras se encontrarán con otras criaturas y muchos desafíos apasionantes y peligrosos donde aprenderán a utilizar el poder de la magia de la amistad. Pocos personajes han conseguido cautivar durante generaciones a los más pequeños de la casa como estos simpáticos ponis. Convertida en un fenómeno de masas que, durante décadas, ha entrado en los hogares en forma de juguetes, películas y series de televisión, esta franquicia vuelve a darse cita en la gran pantalla con My Little Pony: La película. En esta nueva entrega cinematográfica, dirigida por el experto en este universo Jayson Thiessen, las protagonistas viajarán por nuevos mundos en busca de la salvación de Ponyville y se encontrarán con nuevas criaturas mágicas creadas expresamente para esta ocasión. Con un estilo visual que recuerda a su referente televisivo y combina técnicas tradicionales y la última tecnología en animación 3D, la cinta cuenta una épica y divertida historia sobre el valor de la amistad. Emily Blunt (La chica del tren), Zoe Saldana (Guardianes de la galaxia Vol.2) y Liev Schreiber (La quinta ola), en su versión original, y Edurne, en el doblaje al castellano, prestan sus voces.

El viaje/The journey

Es posible que sea cierto que dos grandes lideres anglosajones enfrentados a muerte, viajen juntos en un recorrido en automovil donde ponen las piedras de la  paz. Quiza lo certifica una foto final en la que Hilary Clinton, les lleva del brazo a los dos. En 2007, dos enemigos políticos irreconciliables, el líder unionista Ian Paisley y el representante del nacionalismo norirlandés Martin McGuinnes coinciden en un viaje desde St. Andrews. Un inconveniente inesperado en el trayecto hace que los dos empiecen a hablar y compartir sus experiencias personales sobre el conflicto en Irlanda del Norte. A medida que surja en ellos un respeto mutuo, se sentarán las bases de un acuerdo de paz que conseguirá poner fin a 40 años de derramamiento de sangre. Con el mandato del líder unionista Ian Paisley como Primer Ministro y Martin McGuinness, un confeso comandante del IRA al frente de su aparato político, como Vice Primer Ministro, Irlanda del Norte encontró por fin la paz que llevaba buscando durante décadas. Ambos desarrollaron una amistad que resolvió muchas diferencias y llevó el equilibrio a los órganos de gobierno. Sin embargo, los inicios no fueron sencillos, y esta relación de respeto mutuo se fraguó en un corto viaje, físicamente hablando, en el que se dio un gran salto de fe. Ahora, este momento crucial en la historia moderna de Gran Bretaña es llevado a la gran pantalla por el director Nick Hamm (The Hole) que, en forma de comedia dramática, elucubra sobre los acontecimientos que tuvieron que ocurrir para que estos dos enemigos, que llevaban años evitándose el uno al otro, dejaran de lado el odio para encontrar sus puntos en común y dar lugar a una de las amistades políticas más inverosímiles de los últimos tiempos. Timothy Spall (Negación) y Colm Meaney (La fría luz del día) magnificos ambos y con gran parecido fisico, protagonizan esta particular road movie con espíritu pacifista y sentido del humor que también cuenta en su reparto con Freddie Highmore (El arte de pasar de todo), Toby Stephens (13 horas: Los soldados secretos de Bengasi) y el desaparecido John Hurt (Jackie) en uno de sus últimos papeles.

El vacio /The void

Volvemos a encontrarnos con el fantasma de sabana blanco con triangulo negro en la cara que lo personaliza, diferenciandolo de Ghost story. Lo que empieza como un thriller de asesinatos, se vacia del todo a medida que van siendo asesinados los que sustituyen a los asesinados y para dejar en superioridad numerica a los de la sabana. Que matan al sheriff del distrito?, pues llega el veterano policia federal. Que asesinan a una enfermera, pues se pone la bata la señora de recepcion. Por cierto la gran denuncia del film es que la seguridad social norteamericana esta fatal. En el momento de mas urgencia en el centro de atencion rural, solo habia una joven becaria archivando historias medicas. Una noche cualquiera, un policía llega hasta un pequeño hospital con un hombre herido. Allí vivirá, junto a los pocos doctores y enfermeras que están trabajando, la peor pesadilla de su vida cuando una misteriosa y violenta secta amenace con entrar en el edificio. Mientras el agente y los sanitarios se unen para luchar por salvar sus vidas, descubrirán que hay algo mucho más aterrador creciendo dentro de sus muros, una criatura que trae consigo una nueva era de oscuridad para la raza humana. Con experiencia en los departamentos de arte y maquillaje de producciones como Pacific Rim o Escuadrón Suicida, Jeremy Gillespie y Steven Kostanski dirigen su segundo largometraje juntos después de Father's Day. Vuelcan todos sus conocimientos en materia de efectos especiales al servicio de una cinta de terror de bajo presupuesto que, sin embargo, intenta combinar el estilo visual de los clásicos de los años 70 con las espeluznantes criaturas que dominaron el género en los 80 y 90. La película propone al espectador una experiencia claustrofóbica y aterradora donde el desparrame de vísceras y sangre rivaliza con la tensión que produce su atmósfera insana. Aaron Poole (Cautivos (The Captive)), Kathleen Munroe (Un hombre de familia), Kenneth Welsh (El aviador) y Daniel Fathers (Orphan Black) conforman el reparto de este film impactante en el que un policía y un grupo de médicos intentarán salvar el mundo de una violenta secta y una sanguinaria criatura. Dicen que esta cosa, volvio loco al festival de Sitges.

Corazon puro

El italiano Roberto de Paolis ha construido su debut en el largometraje, que participó en la Sección Oficial del Festival del Cine Europeo de Sevilla.  Nos lleva a la periferia de Roma, en un paisaje plagado de miseria, pobreza y prejuicios. No es una historia de racismo pura, o de tragedias humanas azotadas por la desigualdad social. Es una historia de amor tipo Romeo, pero sin ser Julieta. De Paolis tiene claro que en las afueras de las grandes ciudades se encuentra la miseria en la que no queremos vernos reflejados. Podríamos no estar muy lejos. Con la misión de ponerse en el punto de vista de sus personajes, el director compone una ambigua historia de amor adolescente con tintes de maltrato que se debate constantemente entre la fina línea que separa la realidad de la ficción. Basada en un hecho que ocurrió de verdad, y que encontro en el periódico. Decían que una chica había sido violada por inmigrantes gitanos, y que algunos italianos fueron al asentamiento gitano para atacar a los que lo habían hecho. Pero el día después se descubrió que ella se lo había inventado todo, que no había habido ninguna violación. Había mentido porque era una chica muy católica, metida incluso en un programa para llegar virgen al matrimonio, y resulta que había perdido la virginidad con un chico italiano. Mintió por vergüenza y le echó la culpa a los gitanos porque pensó que sería creíble. Cómo se percibe la presencia de los extranjeros, de los refugiados, de los inmigrantes en general. Si una chica llega a acusar a un inmigrante de haberla violado cuando no es verdad es porque percibe al inmigrante como algún tipo de violencia, como una invasión. Y así es como lo percibe el entorno en el que ella vive. El guion nació de la investigacion siguiendo la palpitar de los barrios de Roma, escribiendo en el ordenador desde casa, viviendo en la realidad para entender cuál es la percepción que se tiene del inmigrante. Más que de racismo, la película habla del miedo a todo lo que es distinto del miedo a lo diferente. La llegada de personas extranjeras era percibido como una invasión, en lugar de una posibilidad de crecer. Todo este sentimiento también pervierte la relación entre la pareja protagonista: él con su actitud con los gitanos de su entorno, ella que vive en una comunidad muy cerrada y religiosa, ambos que se atraen aunque son de mundos tan diferentes... Pero sí que es verdad, al menos en este caso, que el rechazo a veces lleva a la atracción. Los polos opuestos se atraen, y creo que es una buena forma de plantear la discusión y cuestionar nuestra propia identidad, para llegar al final a un crecimiento personal. Caer en los estereotipos es muy peligroso en este tipo de temas. En Italia, cuando se habla de la Iglesia, siempre se corre el riesgo de juzgarla, así como cuando se habla de los gitanos siempre se toma una perspectiva muy protectora para que no se caiga en el estereotipo. Insiste De Paolis en que no es su punto de vista, sino el de los personajes. Y luego está claro que la historia de amor es la clásica, la típica: un amor con un obstáculo que les impide avanzar. En el trabajo de campo conocío a los chicos que vivían en la comunidad religiosa y también los que viian en la periferia. Todos los personajes nacieron a partir de personajes reales: la chica a través de la comunidad, el chico relacionado con el parking y tenía esa relación violenta con los gitanos, la madre, el cura…. Todos se basaban en personas reales. Sin investigación no es posible hacer una película. La barrera entre documental y ficción es muy sutil. Hay más bien algo ahí en el medio, como una fusión, porque algunos documentales cogen la dramaturgia de la ficción y las películas de ficción cogen algún estilo de los documentales.  Sin embargo, las películas de ficción parecen ser más similares entre ellas. La pureza es un problema, porque la pureza es no quererse mezclar con alguien que es distinto. La pureza fue la base del nazismo, de la raza aria, y la persona que quiere quedarse puro es la persona que no acepta entrar en un diálogo con el que es distinto. 

Kekszakallu

Ejercicio de observación, entre el cine experimental y el cine narrativo, en torno a la crisis de un grupo de adolescentes en el momento en que deben tomar algunas de las decisiones más importantes de su vida, sea en materia universitaria, familiar o sentimental. Planos sin aparente relación unos con otros, encuadres geométricos… Si se entra en el juego, resulta una película fascinante. El título en húngaro quiere decir 'Barba Azul', y la música de la ópera de Béla Bartok puntúa las imágenes. Gaston Soinicki es el principal artifice de este raro artefacto del cine actual y progresista.

El sentido de un final

Julian Barnes escribio una novela sobre el transcurrir de una dimension llamada tiempo que pueden encontrar en editorial Anagrama. Aunque el film se ambienta en la actualidad, Ritesh Batra la mantiene casi siempre en los 60, analizando con grandes flashbacks, la epoca juvenil de los protagonistas. Un final tan abierto, como un continuara para una serie, consolida la creencia de que al hacerse uno mayor, quiere finales concretos, muerte, boda, huida, paz. Extraordinaria la figuracion con especial intencion en marcar en las caras la faz de las arrugas de la vida y como llevarlas con dignidad, sin mal humor ni abatimiento o desolacion. Un suicidio, un amor imposible son pequeñas muescas a lo largo de una vida intensa. Frialdad y serenidad frente al infortunio es la dosificacion del drama que rige nuestro destino, en el futuro. Un hombre jubilado y divorciado, vive sus días tranquila y solitariamente. Todo cambia cuando descubre que la madre de su novia de la universidad, le ha dejado en herencia un diario que guardaba un gran amigo suyo, que salió con ella después de él. Sin embargo, este libro está ahora en manos de una anciana misteriosa, que le obligará a rememorar los errores que cometió en sus amistades y relaciones pasadas, y a desenterrar sentimientos ya olvidados. Duelo interpretativo de altos vuelos el que protagonizan dos leyendas vivas del cine británico: el oscarizado Jim Broadbent (Paddington 2) y la nominada a un premio de la Academia Charlotte Rampling (Assassins Creed) en este drama romántico que adapta la aclamada novela de Julian Barnes. El amor, el arrepentimiento y una juventud olvidada son temas capitales en esta historia sobre un hombre que, en el ocaso de su vida, ha de afrontar la verdad y las repercusiones de sus acciones de años atrás. Ritesh Batra (Nosotros en la noche) dirige El a partir de un guion del prestigioso dramaturgo Nick Payne en el que se combina el thriller psicológico con la tragedia mientras habla sobre la distorsión de los recuerdos como mecanismo de defensa frente al peso de los actos del pasado. El film, cuya narración se compone a partir de fragmentos situados en dos épocas diferentes, cuenta en su reparto con Freya Mavor (Cézanne y yo) y Billy Howle (Dunkerque) como las versiones más jóvenes de los protagonistas, además de Matthew Goode (Un golpe a la inglesa) y Emily Mortimer.

el gran desmadre 2

No es la primera vez que los jovenes se rebelan contra el cliché de la madre perfecta, pero en esta ocasión lo hacen en la época del año que pone más altas las expectativas en ellas: la Navidad. Obligadas a desvivirse día y noche para que estas fiestas sean perfectas y además infundir alegría en sus familias, las Malas madres redefinirán, juerga y desfase mediante, la forma de hacer de estas fechas algo especial. Mientras tanto, tendrán que lidiar con La visita de sus propias progenitoras. Después del éxito de Malas madres, en la que abordaban las dificultades y desafíos cotidianos a los que se enfrentan las mujeres que se aventuran a formar una familia, los directores y guionistas Jon Lucas y Scott Moore, creadores a su vez de la saga Resacon, vuelven en esta secuela que pone su foco en la Navidad. De nuevo bajo la apariencia de una comedia gamberra, deslenguada y políticamente incorrecta, El gran desmadre (Malas madres 2) cuestiona el lugar que la sociedad reserva a las madres en estas fechas, volcando únicamente sobre ellas la responsabilidad de hacer que las fiestas sean perfectas y mágicas para niños y adultos. También regresa el trío protagonista, encarnado por Mila Kunis (El destino de Júpiter), Kristen Bell (Es la jefa) y Kathryn Hahn (Captain Fantastic), que entre provocadores chistes y gags reformularán, a través de un hilarante desmadre, la forma tradicional de organizar una Navidad. Todo ello mientras reciben La visita de sus respectivas madres, interpretadas por la oscarizada Susan Sarandon (3 generaciones), Christine Baranski (El caso Sloane) y Cheryl Hines.

Wonder

Tener una cara deforme, (El hombre elefante) o con unos rasgos poco comunes,(La mascara) sirve a menudo al cine para popularizar a la sociedad  y aceptar  a las personas sobre todo niños con estas anomalias. Concienciado el personal que admite que la belleza es una falacia de la moda, se inyecta un poco de drama ,emocion y sensibilidad. Manipulado emocionalmente el respetable un niño de 10 años que nació con malformaciones faciales que le han impedido ir a clase con normalidad y que ahora afronta su primera experiencia junto a otros chicos en el colegio, debiendo de acudir frente a sus compañros sin el casco bajo el ques se oculta. En un año con momentos duros, divertidos y hermosos, conseguirá superar el desconcierto inicial y hará que su familia, sus compañeros y toda la comunidad se esfuercen por mostrar su aceptación. Mientras tanto, descubrirá que no se puede ser corriente cuando se ha nacido para destacar. Stephen Chbosky (Las ventajas de ser un marginado) firma el best seller de R.J. Palacio en el que se cuenta la historia. A través de los retos cotidianos a los que se enfrenta este joven, en los que aprende la importancia de ser cordial con todos lo que le rodean, Wonder demuestra cómo la amabilidad y el abandono de la superficialidad para descubrir el interior de las personas son aspectos tremendamente beneficiosos para la sociedad. La amistad, el amor maternal y el valor para aceptarse a uno mismo también se dan cita en este film que busca esquivar con ingenio, el melodrama. Jacob Tremblay, nuevo niño prodigio de Hollywood tras su gran interpretación en La habitación, lidera un reparto que también cuenta con la oscarizada Julia Roberts (Money Monster ), Mandy Patinkin (La reina de España) y el nominado al Oscar Owen Wilson.

Perfectos desconocidos

Recibe Alex de la Iglesia el encargo de rodar esta obra teatral italiana filmada ya  por Paolo Genovese. A pesar de ello le imprime su consabida salsa sincera pero contradictoria, de mentiras inocentes. Una  cena siete comensales y siete mobiles que lucharan por su primacia hasta el punto de obviar un eclipse lunar. Agil con su figura y su camara en un reducido espacio, da opcion a todos los participantes  a lucirse con su interpretacion en el juego peligrosisimo de contarse sus secretos mas intimos, en aras de la amistad, del desconocimiento mas profundo y el alcohol que es un transmisor mas de misterios mal guardados. Un buen cine comedia negra de direccion de actores. Del Bar a la mesa y todos de pie. 4 parejas, pero uno deja la novia y va solo.En una noche de verano con eclipse en rojo de luna llena, un grupo de amigos se reúne para cenar, beber y disfrutar del espectáculo desde la terraza de uno de ellos. Lo que se antoja una encantadora velada de risas y amistad se convertirá en una reunión donde cada uno descubrirá que en realidad no conoce a ninguno de sus compañeros de mesa. La culpa la tendrá un juego en el que todos harán público cualquier mensaje, llamada o notificación que reciban, destapando secretos y verdades ocultas e incómodas. Después de encerrar a sus personajes en el plató de un especial de Nochevieja en Mi gran noche y en un castizo bar en El bar, Álex de la Iglesia vuelve a su hábitat natural, las alturas, y sitúa a un variopinto grupo de amigos en un céntrico ático madrileño, único escenario de su nueva película. En su primer remake como director adapta la cinta italiana Perfetti sconosciuti, todo un éxito de crítica y público en el país transalpino, y centra las miradas del espectador en el teléfono móvil, ese nuevo apéndice del humano contemporáneo, que se convierte en un auténtico contenedor de la verdadera identidad, sin filtros ni secretos, de su propietario. En este film, rodado de manera lineal, los secretos y las medias verdades salen a la luz para poner en peligro la amistad de sus protagonistas. Entre el elenco de amigos que se enfrentarán a este juego con doble filo se encuentran los ganadores del Goya Belén Rueda (La noche que mi madre mató a mi padre) y Eduard Fernández (El hombre de las mil caras), a los que se unen Eduardo Noriega (Nuestros amantes), Juana Acosta, Ernesto Alterio, Dafne Fernández (Viral) y Pepón Nieto.