Anna

Explica Luc Besson, con pelos y señales la transicion de una joven rusa, de una model en futuro agente dobles de la KGB. El caso puede ser veridico, y la accion es siempre acotada. No asi la parte de contenido de las personas excepto la otra vez valida Helen Mirren, en esta ocasion directora del espionaje sovietico que conoce todas las cloacas de Rusia , como si fuera russa de verdad.Ella conduce el hilo  de los secundarios que siempre en estos films de entretenimiento es una ayuda. Con el estilo Besson por bandera y sin dejar ni un silencio en la accion. nos vende otra Nikita, que no mira el restaurante donde va y mata rivales a pares. Saltamos de 1985 a 1990 con tanta facilidad de NuevaYork a Paris y de Paris a Milan o viceversa de la misma manera que en la  pantalla aparece la poblacion y la fecha. La guerra fria, calentada por Sasha Luss, (heredera de Scarlett), Luke Evans, Y Cillian Murphy

una intima conviccion

Si es inocente, Jacques Viguier sufrió una de las grandes injusticias de este siglo, un caso policial y judicial apasionante. Su mujer desapareció sin dejar rastro y él fue acusado de asesinato. Absuelto en el juicio por falta de pruebas, la apelación del fiscal lo lleva a revivir el horror. Justo ahí sitúa el debutante Antoine Raimbault, director y guionista, su punto de partida. Cabe augurarle un gran futuro, porque la película se vive como un suspiro y se antoja difícil conseguir más de los actores. El caso lo abrio la fiscalia de Tolosa

un año despues. En Francia desaparecen cada año 40000 personas  de las cuales, el 25% desaparece para siempre.El film tiene suspense. Y partir de aqui desde el personaje principal Nora, figura inventada que  no existio, se converte en detectiva privada. Tampoco es aventurado definir al cineasta como valiente: con un caso redondo, decide que los protagonistas no son Viguier, ni su abogado (excelente Olivier Gourmet). Tampoco el juez ni el amante de la desaparecida. El peso recae sobre un personaje inventado, una mujer que vive el primer proceso y decide ayudar para evitar el desastre en el segundo. Marina Foïs se deja la piel, entre una detective y una psicologa.

El resultado de esa elección del Raimbault guionista marca la película: le da un interés que quizá ya tenía sin el añadido y a la vez crea un enorme desequilibrio. Una narración trabajada. El espectador no tendrá quejas. La cinta ilumina algunas sutilezas de la Justicia, nos mantiene en guardia contra la opinión pública y recuerda lo frágil que es la reputación (y la vida entera) de una persona.

stuber express

Un abismo cultural separa este cine ,es mas"cine"la sala" que la pantalla. Con deferencias insalvable con aquel cine, aquellas peliculas de Tony  Curtis o Gene WILDER, son irrepetibles y se nos da un cine "comico" recalentado en las  gasolineras. Ni una  cara bonita puede salvar la desagradable funcion. Y la bella Kumal Nanjiani poniendo la clase para hacer reir, estando muy apunto de quemarse.La diferencia de modos de interpretar  crea una tension que acaba siendo buena para la quimica que no puede con el giro inutil de guion ni con reiterativa repeticion de los gags.

Infierno bajo el agua/Crawl

pelicula inutil que confronta cocodrilos con humanos, no por aventura sino como confrontacion psicologica y terapia de choque. Entre la casa abndonada dondese refugian nuestros protagonistas y una gasolinera de enfrente, navegan mas que caminan dos señores caimanes de afilada El padre e hija que se refugian en la casa perseguidos por un huracan.El ritmo al que el huracan somete al film no da tiempo a recordar ni Moby Dick ni Tiburon. El film esta promovido por Sam Raimi despues del bajon el 2013 que une voluntades con Aja, que dada vez aumenta el volumen  de sus bestias, Hemos pasado de  Pirañas, y los ojos de los tiburones y las colinas, olvida qe el color de los ojos del cocodrilo son amarillos a esta lectura mas tecnica. Después de que un huracán de categoría 5 devastase su pueblo en Florida, Haley desoye a las autoridades y trata de buscar a su desaparecido padre. Le encontrará encerrado y herido en el entresuelo de su casa, sin embargo, en ese momento la tormenta comienza a arreciar y ambos quedan atrapados mientras sube el nivel del agua poco a poco. Pronto descubrirán que esta subida es el menor de sus problemas y que tienen en la casa unos nuevos vecinos de dientes largos: unos enormes caimanes. Desde hace un par de años el terror veraniego viene más de la mano de los escualos que de las casas encantadas, los demonios y los seres de otros mundos. Películas como Infierno azul (2016), A 47 metros (2017), Megalodón (2018) y ahora A 47 metros 2 (2019) han retomado la mala fama de los tiburones blancos que injustamente inauguró Steven Spielberg en 1975 con Tiburón. Por lo general, muchas de estas películas pasadas de tiburones han aportado bastante poco en términos de suspense, forma o trama. Infierno bajo el agua, no obstante, tiene la virtud de combinar el cine de catástrofes naturales con el de criaturas marinas amenazantes, aunque en este caso concreto hablamos de cocodrilos, rama del terror menos frecuente que la de tiburones aunque con buenos ejemplos como El territorio de la bestia (2007) o La bestia bajo el asfalto, clásico de la serie B. El suspense se mantiene a lo largo del metraje gracias a la veteranía de dos personas que saben lo que están haciendo, su productor, Sam Raimi (director y creador de la trilogía Posesión infernal, abanderada del mejor cine de terror de bajo presupuesto) y su director, el francés Alexandre Aja, responsable detrás de las cámaras en Piraña 3D (2010) y sobre todo de Las colinas tienen ojos (2006). La película está protagonizada por Kaya Scodelario (de la trilogía distópica El corredor del laberinto) y Barry Pepper (Salvar al soldado Ryan).

chicos buenos

Con una adolescencia acelerada por circumtancias x se entra mas rapido en la s redes sociales y el porno. Partiendo de que uno de los tres ha de dar en la fiesta del beso de fin de curso un beso en la boca a la chica que le  toca para bailar, se reune con sus dos amigos y empiezan el curso acelerado, aqui es cuando se pierde la peli. porque desaprovecha los ingeniosos gags que salen de la situacion, no introduce ningun elemento educativo, y requiere al espectador de haga su propio formulario.
 O sea nosotros nos reimos y ellos los chicos pasando. Valores morales aparte, una película de este contenido no podia dejar pasar la situacion conservadora del mundo, la confusion que crean con algunos para jugar genericamente, Jacob Tremblay, Brady Noon, Molly Gordon y Keith L Williams.
El film combina muy bien la mala leche de sus dialogos con un truco comun esconder un tono de mal gusto que pasaria muchas censuras conservadoras.Hasta al final no consigue llenar a sus principales personajes de contenido. Solo les reimos las gracias. Clasificada R,  en este pais habria  un sido un 3R

la casa de verano/ les estivants

Desde que comenzó su carrera como cineasta, Valeria Bruni Tedeschi ha configurado cada una de sus películas como una especie de exorcismo personal. Los elementos autobiográficos son la base de sus historias, en las que, a través de sus avatares personales, sus romances y sus rupturas, nos adentramos en su espacio más íntimo en el que laten sus inseguridades, su sentimiento de culpa por pertenecer a una clase privilegiada y también el dolor y la muerte relacionada con el fallecimiento de su hermano, plasmado en su anterior obra.

En esta ocasión, la cineasta vuelve a autoanalizarse para escarbar en la trastienda de su familia disfuncional, decadente y repleta de neurosis para configurar un microcosmos que parece sacado de una obra de Chéjov, con discurso de clases incluido y una reflexión sobre la crisis de identidad. Valeria muestra una especial habilidad para combinar la ligereza con la gravedad, lo luminoso con una insondable oscuridad emocional, lo cotidiano con la más absoluta extravagancia y la lucidez instantánea con las miserias ancestrales que reconcomen a los personajes. Una obra excéntrica, repleta de humor e inteligencia, pero también de dolor y crueldad, de desorientación vital y vacío existencial.

el cocinero de los ultimos deseos

Tiene el film  de Yogiro Takita (Oscar 2008 por Despedidas) la importancia de que no solo el chico protagonista tiene un don único desde que nació: con solo probar una vez un plato es capaz de elaborarlo. Parte fantastica del film. Tambien hace una belica reconstruccion de la invasion japonesa a Manchuria durante la segunda guerra mundial que define como las gastaban los japoneses. al mismo tiempo es interesante la investigacion del caso inicial que lleva a la la familia en la investigacion de unas recetas. No solo es una pelicula de platos del emperador, sino que estos platos deben servir para unir a los pueblos. Se investiga la vez una construccion historica a traves de los datos del personage del que tambien se buscan sus origenes. Para ello el guion se divide en tres partes,la Manchuria de la guerra, la formacion de la Manchuria que querian todos los vecinos y finalmente los resultados de los años 70.Pero también es excesivamente perfeccionista y debido a ello tiene que cerrar su restaurante. Desde entonces cocina por encargo y ha perdido la pasión por su trabajo. Un día, recibe la extraña petición de recrear un gigantesco banquete del siglo pasado. Para ello tiene que descubrir una famosa receta que el chef Yamagata cocinaba en la región china de Manchuria en la década de 1930. El cocinero de los últimos deseos es una de las últimas películas del director japonés Yôjirô Takita. En esta ocasión, la trama (basada en una novela del escritor Keiichi Tanaka) se estructura en torno a distintos flashbacks para recrear tanto la vida del chef Mitsuru Sasaki a comienzos de este siglo como la de Naotaro Yamagata en la década de 1930 en Manchuria, región china que en 1931 fue invadida por los japoneses, quienes instauraron allí un estado títere que duró hasta finales de la Segunda Guerra Mundial. Por tanto, la cinta es mucho más que una película sobre el apasionante mundo de la cocina, pues además es una historia de traición y amores épicos. El actor protagonista es Kazunari Ninomiya (Cartas desde Iwo Jima), también conocido por su faceta como cantante en la boy band Arashi.

Angry birds 2

Quizá los millones recaudados no deslumbren a nadie a estas alturas, pero es que su presupuesto fue de 73, lo que equivale a que su taquilla casi multiplicó por cinco su coste. Poco importaba entonces que fuera mejor o peor, así que Sony y Rovio tardaron bien poco en dar luz verde a una secuela. Las pocas esperanzas  que habia de superar la primera entrega, nos lleva. No es que sea una revolución respecto a lo que ya vimos en la anterior película, pero aquí sí que se saben utilizar mejor los ingredientes a su disposición.

. Aqui el arranque  funcionaba, y no se hunde para no volver  convertirse en una infantil sesion. Hay quien piensa para niños como excusa para justificar cualquier desastre ,cosa que no es el caso. No hay que cambiar demasiado para poder contentar a todo tipo de público. Lo primero está en mantener una animación vistosa, donde no se busca el realismo, sino jugar con las excentricidades que permite el medio sin abandonar nunca el colorido de las imágenes. Sí que hubiese agradecido algunos diseños de los personajes más trabajados, pero ahí ya se apostó por lo funcional en la primera entrega, así que se tiende a potenciar más los escenarios.

Donde llegan las diferencias es en la construcción de la historia básica y con tendencia a soluciones cuestionables para salir del paso, pero hace un uso del humor mucho más acertado, ya que se mantiene el tipo de bromas de la primera entrega, pero se expande, sabiendo cuándo ha de apostar por lo entrañable -la singular misión en la que se embarcan unos pollitos- o coquetear con el absurdo.

Un ritmo mucho más conseguido, consiguiendo que incluso los cortes en la acción para pasar con una trama desconectada de la principal sirvan como simpático alivio. Además, el choque de identidad entre los pájaros y los cerdos resulta mucho más entretenido viéndoles obligados a trabajar juntos que enfrentándose entre sí. No ofrece ninguna broma memorable, pero sí que te sacan la sonrisa en alguna ocasión.

El relato sigue siendo igual de convencional y que la moraleja final sigue una línea similar pero ajustándose a la nueva situación de su protagonista. El guion firmado por Peter Ackerman, Eyal Podell y Jonathon E. Stewart, no cae en subrayados innecesarios y deja que todo fluya con más naturalidad en una apuesta decidida por el humor. De echo no deja de ir a más y es la tabla de salvación de la película. El director Thurop Van Orman abraza esa locura en todos los frentes, sabiendo que según avanza la historia van siendo más evidentes sus limitaciones. De esta forma, ‘el film’ cumple como pasatiempo. 

Es cierto que ‘Angry Birds 2: La película’  dado el material de origen  no es que  y lo que se presentó en la primera entrega, bastante hace con darapuesta todo a hacernos pasar un buen rato. 

A 47 METROS 2

Película sencilla heredera de aquel Moby Dick o de cualquiera de tiburones ya hay mas en el cine que en el mar. Tecnicamente mejorada por  los nuevos elementos, la jaula de hierro parece la misma y mucho mas heredera de su primera parte. Ultima pelicula que entra en  el genero tiburones seccion esqualos es  un film de aventuras marinas que se hacen mas complejas al ser muy jovenes los titulares  que resuenan como tiburnes en el mar como las vacaciones. El guion se debia hacer en los ratos de playa, lenguaje marinero sostenible efectos espaciales en la sala de montaje. Un guion apenas esbozado y que prefiere la poesia, a la realidad  cruda del mar y una puesta en escena que prefiere la sutileza al trucaje de las tecnicas marineras. Emerge, de nuevo la obra de el inglés de Cambridge Johannes Roberts, se eleva un buen escalón por encima de la primera entrega, de 2017, y es al mismo tiempo nadar y sobretodo, guardar la ropa; la superficialidad y la ligereza

En las primeras secuencias, Roberts y su coguionista habitual, el mallorquín afincado en el Reino Unido Ernest Riera, se las arreglan para articular un par de conflictos interiores de baja intensidad alrededor del matonismo colegial y de las nuevas familias de segundas nupcias, con hermanastras conviviendo con la ausencia de lazos y de experiencias del pasado. Nada del otro jueves, pero bien redondeado al final con su estructura circular, y el académico proceso de la protagonista desde la timidez extrema hasta el coraje heroico. 

Pero en lo que realmente destaca Roberts es en el pulso para la narración de las secuencias con los tiburones en el fondo de las cuevas mexicanas donde se ambienta, y en las que aprovecha para jugar con el atavismo de las ruinas submarinas y los restos arqueológicos mayas. Es ahí donde la claustrofobia se adueña del espectador con imágenes de notable mérito

eRASE UNA VEZ na vez..Hollywod

Sergio Leone realizó Agachate maldito en 1971. Luego, cuando y a fue considerado el maestro del spaghetti western lo consolidó como un ambiguo director del cine para grandes públicos, comenzó su carrera contra el destino de los distribuidores con su película Érase una vez…America, que tuvo tantos títulos como mutilaciones, pues con una duracion de 225 minutos fue presentada en nuestro pais en dos pases separados por un mes que indigno a aficionados y expertos.  Por último, su vida terminaría con una obra monumental, en 1984 tituloa la altura de los  imprescindibles del cine de gánsteres. Ahora, en este 2019 de las nuevas religiones, Quentin Tarantino se saca un as de su manga que lo consolida como el eficaz prestidigitador que siempre ha querido ser, pero que aqui, ya se la ha visto el truco. Érase una vez en... Hollywood le rinde homenaje al desaparecido maestro italiano y junto a Ennio Morricone su gran amigo dan por cerrado su cine con The kigs of And que es un documental llamado a convertirse en un clásico. Es una elegía y, al mismo tiempo, una denuncia a todos los magnates de pacotilla que en Hollywood , la industria han sido.

Leonardo DiCaprio

En la primavera helada de 1992, la cinefilia descubrio en Cannes una pelicula llamada Reservoir Dogs, muy violenta, filmada casi toda en un solo interior dia. Algunos expertos la situaban entre Pekinpah y el ninguneado Leone. El hombre, un joven director llamado Tarantino habia desembarcado definitivamente en Cannes llevadose la palma con Pulp Fiction, estrenada en 1994 y ganadora de la Palma de Oro, consolidó el entusiasmo general por el genio precoz de Tarantino. Pero, el credito, lo agoto en sus proximas realizacion con Rodriguez por ejemplo y se convirtio en un jove Guillermo del Toro. De la belleza de una Thurman paso sin dilacion a sus bastardos malditos que fue un guiño a Leone. El descenso a los infiernos le llevo Djanjo con tantos cadaveres que los 4 rambos juntos. con los 8 odiosos empezo a remontar una mas culta  y progresista situacion.. No  es un biopic de unos asesinos tambien cinefilos,Sin embargo, viendo Érase una vez… en Hollywood parece dar  esperanzas de un mundo mejor. No. No se trata de una biopic de Charles Manson, ni una revisión de la película Helter Skelter sobre la secta. Es un film extenso, como los de su maestro Leone, con estupendas actuaciones de DiCaprio y Pitt, con una reconstrucción meticulosa del fin de los años sesenta y con un homenaje de ensueño a la figura de Sharon Tate (Margot Robbie). La película es un sueño, una pesadilla y el final sublime es, literalmente, un viaje de ácido de Brad Pitt. El gran acto de valentía de Tarantino, a mi modo de ver, es el de conseguir el tono de comedia negra, en el último cuarto de su film, recurriendo a un hecho tan repudiado por la historia como el de los crímenes en la casa de Roman Polanski. El director polaco-francés no ha dicho nada, pero puede  pensar que el film está dentro del espíritu de sus propias películas.

Margot Robbie Manson.

Para todos aquellos que crecimos en los años sesenta, la película es un tesoro, que lanza guiños a las series de televisión. Así que cuando un juguetón como Quentin Tarantino sale con la provocación saltan los  ortodoxos y sus columnas pierden estrellas.  Érase una vez… en Hollywood, es para verla en gran formato, excelente proyección y sonido impecable. Porque se trata de un film “de la vieja guardia” para los nuevos tiempos.  Había una vez… en Hollywood Once  upon  a time in.. se ha "respetado" el  titulo que habria puèsto Leone, el bueno el feo y el malo, ". A cincuenta años de 1969, con las conmemoraciones de grandes face news como Woodstock, el hombre en la Luna y el paso de peatones de Abbey Road; las muerte de Peter Fonda y Rutger Hauer, la aparición de un film como Once Upon A Time… In Hollywood es un  triunfo de la nostalgia agresiva, contestataria, e inteligente. Nadie está insultando la memoria de las víctimas del clan Manson, como han denunciado algunos de sus familiares. al reves manda el mensaje de que el mundo , la vida es como es y nosotros encontramos consuelo en el recuerdo y mientras se destruye , hemos de agacharnos malditos. 

la virgen de agosto

Jonás Trueba lleva desde el principio de su carrera recurriendo a herramientas heredadas de los maestros europeos en busca de una caligrafía narrativa que busca en todo momento la verosimilitud y la observación honesta de lo aparentemente banal. Como Jacques Rivette trabaja a fondo los textos con sus actores, favoreciendo la naturalidad. El resultado son películas en las que, bajo el camuflaje de retratos de la cotidianeidad siempre sucede algo, porque en la observación de alguien tumbado en un sofá comiendo fruta hay algo de verdad activa.

Pocas épocas y lugares más adecuados para ese estilo de contar cosas que Madrid en agosto. Entre las obligatorias dosis de ocio aplastante como un yugo que comparte cualquier gran ciudad en verano, y la excepcionalidad que dan las fiestas en los barrios del centro de esa época, hay un equilibrio muy singular entre lo especial y lo mundano. Por eso el ojo de Trueba y su forma de conducir a los actores, que se ven forzados a asomarse a la naturalidad absoluta, encuentra en esta época un escenario perfecto.

La virgen de agosto cuenta la historia de Eva (Itsaso Arana), una treintañera que escoge la primera quincena de agosto para ir a vivir a una casa prestada y dejarse hechizar por una ciudad que celebra con jolgorio pagano las fiestas de los barrios que vieron nacer Madrid. Sale, se encuentra con amigos en museos y con un ex en la cola del cine, habla con desconocidos, sigue a gente que le genera curiosidad y contempla la vida desplegarse desde el balcón de su casa.

Su contagiosa curiosidad casi infantil y su falta absoluta de perspectivas inmediatas, casi una forma de plantearse la vida que solo se puede ensayar en verano, la convierten en un personaje muy especial gracias a la imprevisibilidad de sus acciones. Toma decisiones sobre la marcha, traba amistad solo con quien le interesa y experimenta con cosas (la sanadora a domicilio, la conversación con el grupo que acaba de actuar en la calle) que serían impensables en otro momento del año.

No solo es la forma que tiene de rodar Trueba (presente en otras estupendas películas como 'Los ilusos'), siempre a ras de suelo y  atento a captar los momentos de cotidianidad de conversaciones hiperrealistas. También son los actores los que dan vida única a esta crónica de la nada, muchos de ellos (Isabelle Stoffel, Vito Sanz) habituales del director, y entre los que brilla con especial fuerza Itsaso Arana, también guionista del film y en perfecta sintonía con lo que quiere contar el director. 

Gracias a la interpretación de Arana podemos entender, sin que se cuente de forma explícita, las dudas y los pesares de una mujer que tiene muchas cosas de las que enorgullecerse y muchas de las que arrepentirse, como cualquiera a esa edad. Es ella la que hace que escenas como la de la conversación en el Puente de los Suicidas y las secuencias que le siguen sean especialmente emotivas y creíbles, aún coqueteando con cierta arbitrariedad.

Los mejores momentos de 'La virgen de agosto' son aquellos en los que la película se hace consciente de sí misma y del desafío narrativo que ha afrontado. Cuando algunas de las personas (reales) que asisten a las verbenas miran a la cámara, pero no interrumpen la ficción, los actores y Trueba se dan cuenta del "error", pero todo fluye. Es entonces cuando la película es más consciente de su excepcionalidad: se reconforta en su retrato de la cotidianeidad absoluta y el magnético encanto de lo normal.

Hay una mística especial en las grandes ciudades en los meses de verano: los urbanitas de toda la vida se mezclan con quienes no pueden o no quieren salir de las moles de cemento y los turistas que están de paso. Se favorecen los paseos sin rumbo y las conversaciones sin objeto. Y cualquiera que sepa leer entre las fascinantes líneas que marca el asfalto a cuarenta grados a la sombra encontrará en ‘La virgen de agosto’ personajes memorables.

• TecnologíaMóviles, tablets, aplicaciones, videojuegos, fotografía, domótica...
• VideojuegosConsolas, juegos, PC, PS4, Switch, Nintendo 3DS y Xbox...
• EntretenimientoSeries, cine, estrenos en cartelera, premios, rodajes, nuevas películas, televisión...
• GastronomíaRecetas, recetas de cocina fácil, pinchos, tapas, postres...
• Estilo de vidaModa, belleza, estilo, salud, fitness, familia, gastronomía, decoración, famosos...
• MotorCoches, competición, motos, vehículos eléctricos, híbridos...
• E
• 
  

Un verano en IBiza

  Arnau Lemort convencido  de que toda comedia francesa funciona, repite isla (este  año ha habido otra Formentera con Jose Sacaristan  de jippy) reincide en el tema de la pareja con hijos ,a quien   no se le ha estropeado una relacio por culpa" de los hijos que hacen lo imposible para cargarse al miembro no sanguineo de la pareja. Aquella frase devastadora de la iniciatica y tierna relacion. Ambos divorciados, se acaban de conocer. Todo parece ir bien, pero Philippe es un médico conservador y estricto, imposible de conciliar se con los dos hijos adolescentes de su novia. Para ganarse su cariño se hará pasar por moderno y decide acompañarles en un viaje familiar a un destino que elija el hijo mayor. Y, claro, acabarán los cuatro en Ibiza, el lugar menos adecuado para un podólogo de más de setenta años y poco acostumbrado a vivir rodeado de jóvenes, yates, fiesta y alcohol. Un verano en Ibiza es una comedia francesa fundamentalmente hecha para entretener al personal que no puede viajar y pretender obtener las ultimas fotografias de la poblada isla mediterranea. Tercera pelicula de este director que se supone  que cansado no ahorra repeticiones  todos los topicos isleños y por logica peninsulares. Christian Clavier, en la cima de su carrera se presta de buen grado a todas las  argucias que inventan los chavales para deshacer el amor. Aquella frase tsunami que es "Ay mama/papa ,esteee?" En casa ver a Mathilda Seignier y Khalid Samata, pueden echarse unas risas tomando cualquiera de los jarabes que beben los turistas de la isla hippy. Si titulaban Ibiza (no deberia dejar de llamarse Eivissa) ya habia  suficiente informacion

Mascotas 2

El calor del verano, las vacaciones, todo invitar a dejar l a letra, el titulo repite la promocion es cero, el publico lo que busca es el aire acondicionado y es igual lo que les echen". Pero como es de la  familia Gru y de la de los minions, quiere tambien aportar su granito de arena, que a pesar de ser un manual de como se  tiene para que portarse un dueño de mascota con ella todos aprenden siempre cosas buenas. Aporta lo que podriamos llamar "Bebe en casa 2"porque la regalada vida de estos animalitos, se ve afectada, por un bebe humano ademas de que su el papel que interpreta se come todas  las escenas en que aparece y que rompe el equilibrio animal establecido. Como si de Tom (y Jerry) se  tratara, Chris Renaud, le coloca a el todos los , algunos divertidos gags con el bebe. Tambien de Tom destacaria al gato de la casa que aporta brillantes. situaciones. Y esto es todo señores/as a falta de algun material de prensa, aqui solo se promocionan las peliculas de superheroes del espacio, este cuto caluroso tambien se ha acabado.
Vuelven a la carga Red, el pájaro de color rojo con problemas de mal genio, y sus amigos Chuck, el pájaro amarillo hiperactivo, y Bomb, el pájaro negro muy volátil. En esta segunda parte, los pájaros protagonistas y los intrigantes cerdos de color verde llevarán su conflicto a un nuevo nivel. Y es que, aparecerá una nueva y malvada villana: Zeta, un pájaro que vive en una isla helada. Cuando Zeta lance una bola de hielo sobre la isla en la que se encuentran Red y compañía, nuestros protagonistas tendrán que hacer frente a esta nueva amenaza.
Secuela de la película animada Angry Birds: La película (2016) que está dirigida por Thurop Van Orman (The Marvelous Misadventures of Flapjack) y John Rice (Rick y Morty). Por su parte, Peter Ackerman (The Americans, Ice Age 3: El origen de los dinosaurios) firma el guión de esta secuela basada en el famoso videojuego para móviles desarrollado por Rovio Entertainment. El reparto de voces de la versión original lo forman Jason Sudeikis (Una vida a lo grande), Josh Gad (Tu mejor amigo: un nuevo viaje), Danny McBride (Alien: Covenant), Bill Hader (Barry), Peter Dinklage (Juego de tronos), Tiffany Haddish (Escuela para fracasados), Awkwafina (Ocean's 8), Sterling K. Brown (This Is Us) y la cantante Nicki Minaj. La película en su versión en castellano con las         voces habituales

Lola y sus hermanos

Sencilla pero inteligente pelicula natuaramente francesa. Y se sustenta e en un tripode formado por escenas cotidianas, trivialidad en la lengua y no permitirse sentimentalismos baratos . Parejas de ida y vuelta, confirman que la lucha grave es en el fondo interno de la familiaL. os Esnard son tres hermanos muy distintos, tanto que pese a ello (o quizá debido a ello) siempre han intentado mantenerse unidos desde la muerte de sus padres. Lola es una abogada a punto de divorciarse; Benoît se va a casar por tercera vez e incluso así no está preparado para el nacimiento de su hijo; y Pierre, por su parte, tiene problemas laborales y llega tarde a la boda de Benoît. Gritos, reproches, viejas historias y Lola en medio de ambos hermanos tratando de volver a unir a la familia. Lola y sus hermanos es una entrañable comedia francesa sobre la familia y más en concreto sobre la siempre complicada relación entre hermanos y hermanas. La historia es cautivadora y muy humana, fruto del trabajo a cuatro manos del novelista, director y guionista David Foenkinos (La delicadeza) y Jean-Paul Rouge. Ambos ya habían trabajado juntos en el tercer y anterior largometraje dirigido por Rouve, Los recuerdos. Pero Rouve no se conformó con ser uno de los guionistas y el director de Lola y sus hermanos, sino que además ha encarnado a uno de los protagonistas, Benoît. El trío de hermanos lo completan Ludivine Sagnier (El amor está en el aire) y José García (Arcadia), reconocido actor en Francia e hijo de inmigrantes gallegos en París. La película obtuvo el premio del público a la mejor película en la 24ª edición del Festival de Cine Francés de Málaga.os/

historias de miedo para contar en la oscuridad

Eficaz film de terror con escenas impactantes surgidas segun guion de un libro de miedo que encuentran unos jovenes al visitar una caseron destartalada, devastada dicen ahora.  Cuelan tres cuen ytos de Schwartz y tiene buenos momentos como la secuencia del espantapajaros,la del dedo del pie en la sopa o la aracnofobia que produce  el film.Parte de Halloween ,para legar con buen tino al final converso en realidad. En el pueblecito de Mill Valley sus habitantes viven ajenos a los nuevos tiempos y a los cambios sociales que se producen en 1968. Allí, un grupo de adolescentes aburridos explora una mansión abandonada a la afueras de la ciudad y donde vivió la misteriosa y torturada Sarah Bellow, que dejó escrito unas historias de terror que comienzan a cobrar vida cuando los jóvenes las descubran: un terrorífico espantapájaros, un cadáver en busca de uno de sus dedos o una picadura de insecto en la cara. La serie de libros de Alvin Schwart, Historia de miedo: relatos escalofriantes para contar en la oscuridad fueron los primeros libros de muchos niños anglosajones en los ochenta y noventa, que de este modo se adentraron además en lo sobrenatural y llenaron sus mentes de pesadillas y demonios. Este mismo año 2019 se estrenó el documental Scary Stories, que exploraba el proceso creativo de los libros y su inspiración. Pero parte del nuevo renacer de la colección de libros infantiles se debe al estreno de la película de terror Historias de miedo para contar en la oscuridad, que adapta alguno de los relatos de la serie. El encargado de llevar a cabo esta adaptación ha sido Guillermo del Toro (La forma del agua) como productor, que ha puesto al frente del proyecto al director noruego André Øvredal (La autopsia de Jane Doe). Øvredal se ha basado en las ilustraciones de los libros de Stephen Gammell para la construcción de los personajes terroríficos: el espantapájaros, el cadáver en busca de uno de sus dedos o la mujer pálida. Los actores elegidos han sido los jovencísimos Zoe Colletti (Incendios) o Michael Garza (Los juegos del hambre: Sinsajo. Parte 1), secundados por el ya veterano Gil Bellows.

el canto de la selva/Brasil aldeis dos mortos/Chuva e cantoria

Un indígena krahô vive en el norte de Brasil. Un día, en uno de los paseos nocturnos con los que trata de exorcizar las pesadillas frecuentes que tiene desde la muerte de su padre, escucha la voz de su progenitor pidiéndole que organice su banquete funerario para dar fin al luto y de ese modo pueda partir a la aldea de los muertos. Sin embargo, Ihjãc no se siente preparado para despedirse del espíritu de su padre ni para asumir el destino que le impone la tribu como futuro chamán. El portugués João Salaviza y la brasileña Renée Nader Messora cohabitaron nueve meses en el noroeste de Brasil con los indígenas Krahô con la intención de conocer mejor sus modos de vida y de esto modo reflejarlos lo más fielmente posible en El canto de la selva. Y sin embargo, la película no solo persigue esta función representativa, sino que además es también la clásica historia de crecimiento (tanto físico como espiritual) de un adolescente, en este caso de Ihjãc, un joven de quince años que tiene que hacer frente a los retos propios de su edad y a los que los que supone la modernidad. Es por ello que El canto de la vida mezcla técnicas de los largometrajes de ficción con las de los documentales, amalgama que resiste bien y resulta natural. El filme ha cosechado éxitos en los festivales de Lima, Mar del Plata y Cannes, donde ganó el Premio Especial del Jurado. Los actores son practicamente nativos, los principales Henrique Ihjac y RAENE kOTO kRAHOO
.

dejame caer/Lot mer ao falla

Cine islandes uqea uun tema muy negro le pone una luz al final.un drama alarmista sobreel consumo de droga basado en casos reales,todos pero algunos mas estremecedores..Dirigida por Baldvin Zophoniasson super la sordidez principalmente ala clase social que sufre la plaga y tambien una implicacion distante de la camara relajan la dureza del guion asi como en cada caso prpone una solucion salida.Las sufridoras de la adiccion son dos jovenes observadas por el film en una relacion de amor y amistad a los 15 años durante 20 años informando del presente y el futuro proyectado con las consecuencias de la adicion . Si duplico alguna letra es porque  el islandes es asi y se me ha pegado. Ellas son:Elin Sif HAllDorsdottir Lara JOhann Jansdottir. El protagonista  novi una de las jovenes Eriyn BjrckEl esquema es el   tradicional internacional del mundo norte. Padres separados y  rico vive con la nueva esposa, el niño que han tenido y la joven de la casa, lucha y detesta el instituto y las  fiestas contra cualquier orden establecido en la familia Desde que que empezaron el cine islandes  a publicitarse al universo cinematografico, estan recogiendo resusltados y subiendo  pasos forzado su calidad expositiva, mantenid eso si, la  personalidad ineludible. Recordemos aqui De caballos y de hombre 2013).

buscando la perfeccion

El documental de Julien Faraut no es una segunda parte la interminable Borg vs McEnroe.Se  centro Janus Metz en el partido entre Borg y  Mcenroe en el verano de 1980, en el que Inglaterra y el mundo entero se preparan para ver cómo el mejor jugador de tenis del mundo, Björn Borg, ganaba su quinto título de Wimbledon. Presentaba un Borg era un hombre de 24 años histerico, devorado por la ansiedad y con cara de estresado que mata su tiempo con una novia que es una santa, sentado en la cama, en el vestuario carrinclon o en las pistas de  verde mustio, amortecido, preparandose con su manager para una prematura retirada. Mientras tanto, un joven John McEnroe irrumpia con fuerza en la pista para sentarse en el trono del que no hace mucho tiempo fue su ídolo. Fue el que en el 81 ya lo vencio y salvo una intromision de  Connors, gano Wimbledon en 3 ocasiones. El director se centra mas en Borg, mas escenas infantiles y adolescentes, mas planos de su neurosis, que  en las fotos de la prensa de la epoca no se notan y conversaciones no siempre amables con su manager y paciente prometida. McEnroe, menos infancia, su manager es su padre y como principal actividad saltar en las discotecas con su pandilla de rockeros y amartillando a los jueces de silla, lo que le costo mas de una derrota tecnica. Con gran habilidad para realizar operaciones numericas, destroza la raqueta al menor contratiempo. Borg Igual. Las pisa para comprobar su tension y escoger entre 20, para destrozarlas tambien contra los arboles. Despues de que parece que se coman el higado, el abrazo con la red en medio. La tecnica de planos  cenitales del campo, sus rayas y la descripcion de las jugadas no mejoran las de cualquier television actual. Recordemos que el film es actual del 2017. Pocas rivalidades han sido más mediáticas en el mundo del tenis como la que se desarrolló en las pistas de Wimbledon durante la década de los 80 entre Björn Borg y John McEnroe. En un error de casting notable a no ser que se exigiera tambien jugar algo al tenis. No creo que los jovenes  espectadores puedan captar la tension del momento y la complejidad de la pmini-gran vida de estos deportistas de elite a tenor de lo montado por Metz. Estos duelos, que tuvieron su punto más álgido en la final del torneo británico de 1980, posiblemente uno de los mejores partidos en la historia de este deporte, se convierten en pretexto para que el director Janus Metz (Armadillo) hable del alto precio que tuvieron que pagar estas dos figuras para cambiar el tenis y convertirse en leyendas. Sverrir Gudnason (El círculo) y Shia LaBeouf (American Honey) dan vida a estos dos ases de la raqueta atrapados en su propia fama y una industria del tenis cada vez más mercantilizada que, en su obsesión por demostrarse algo a ellos mismos y vencer a sus propios demonios, sólo encuentran comprensión, irónicamente, en su adversario. Para completar el reparto que sitúa al espectador a pie de pista en una época donde los deportistas alcanzaban la categoría de ídolos y el deporte la de espectáculo de masas, cuenta con Stellan Skarsgard (Regreso a Montauk) y Tuva Novotn.Llegados a este punto Faraut ingresa para trabajar el el instituto nacional el deporte frances y descubre unas latas oxidadas con centenares de metros en 16 mm.de McEnroe, grabado por un admirador en casi todos los Roland Garros en que participaba. Logicamente de unas imagenes no profesionales nace un documental distinto a lo habitual. Gil de Kermadec ha aportado cantidad de documentos graficos muy valiosas para la consecucion del documental. El tenista norteamericano/aleman muestra mas la cara amable que los exabruptos. Decia a los otros que el era el profesional y los demas unos posturitas cuando era el que con gestos engañaba al adversario escondiendoles la trayectoria de la bola. se enfrentaba a los a rbitros, rompia las raquetas contra pared,si               no se  las echaba  a los periodistes. Film/juego pues para McEnroe, quedando asi 1 a 1con Borg  de momento .Quedara aquella final de Wimbledon que destrono al quintuple campeon, para muchos el mejor partido de la historia, cuando ya aparecia la sombra de Ivan Lendl.

amor a segunda vista

De la noche a la mañana, la vida de Raphaël, escritor de novelas superventas, da un giro de 180 grados. Se despierta en el apartamento de su mejor amigo, inmerso en un mundo paralelo en el que es un común profesor de secundaria y, lo más grave de todo, en el que el amor de su vida y esposa, Olivia, no le reconoce. Ahora que se ha convertido en un completo desconocido para ella, no sabe cómo recuperar su amor. Pero el único modo de regresar a su vida anterior será reconquistándola. Antes incluso de estrenar su primera película, el director francés Hugo Gélin, que conoció muy joven a su mujer, se había planteado la duda de en qué se habría convertido su vida sin ella y trató de llevar a la gran pantalla una historia que partiese de esta premisa. Trató de escribir un guion al alimón con el novelista y director David Foenkinos, pero el proyecto no les convencía y no ha sido hasta después del éxito de Mañana empieza todo, su anterior película, que Gélin retomó el proyecto, ahora con la ayuda de los guionistas Igor Gotesman y Benjamin Parent. Amor a segunda vista es una comedia romántica con elementos fantásticos, algo inusual dentro del panorama cinematográfico francés, pero mucho más común en Hollywood, con ejemplos tan notables como 50 Primeras fechas, ¡Olvídate de mi! o Una cuestión de tiempo. De hecho, el propio Gélin es consciente de su deuda con el cine anglosajón, al que tributa con varios guiños: por ejemplo, el protagonista del film se llama Raphaël Ramisse, en homenaje al director de Atrapado en el tiempo, Harold Ramis. En cuanto a los actores, Gélin, después de haber trabajado con Omar Sy, pensó que era divertido descubrir jóvenes talentos. El elegido para encarnar a Raphaël ha sido François Civil (El canto del lobo), con quien había trabajado anteriormente en la miniserie Casting(s). Civil es un actor seductor y cómico al mismo tiempo, que combina a la perfección los diferentes géneros. Joséphine Japy, pese a su edad, tiene una gran experiencia.

Rojo

Sin un solo tanque, Benjamin consigue trasladarnos (Naishtat)a las alcantarillas argentinas dandole mas pabulo por ser una dictadura y no como otras que por una guera civil construian catacumbas menos sofisticadas.  Lo que querian saber todo de todos.Y lo conseguian a fuego y sangre en una ambientacio oscuramente gris tratando de acercar las desgracias al espectador que todavia pasados los años no da credito a tanta  bestialidad y  que propopone uno de los participantes del trabajo sobre la violencia entre los hombres. Cine politico se mire por donde se mire levantando la alfombra dela que viven los miserables. Corrupcion y  perversidad es la pintura que utiliza Naishtat para dar este cuadro general Naishtat que implica toda la sociedad. Dario Grandinetti es el cabeza de serie de este thriller politico que deriva en un trhiler normal, con sus tipicas parejas, despachos y entre los que encontramos   Alfredo  Castro yAndrea Frigeirio.

El peral salvaje

Sinan es un joven apasionado de la lectura y un escritor inédito que aspira a vivir impartiendo clases. Después de graduarse, tiene que regresar a su ciudad natal, situada en la parte más rural de Turquía. Desde allí, pondrá todo su empeño en encontrar los patrocinadores y en reunir el dinero suficiente para publicar su primera novela, pero las deudas que acumula su padre dificultarán este empeño. Y aunque no quiera reconocerse en él, Sinan tiene muchas cosas en común con su padre. El pe ral salvaje es el octavo largometraje de Nuri Bilge Ceylan, quizás el más importante de los cineastas turcos que existen en la actualidad, o al menos el más reconocido internacionalmente. Por su anterior película, Winter Sleep (2014), obtuvo la Palma de Oro y el premio FIPRESCI de la crítica en el Festival de Cannes, certamen que ha programado y premiado todas sus películas desde el 2002, año en el que Lejano ganó el Gran Premio del Jurado y el Premio, ex aequo para sus dos protagonistas, al mejor actor. En El peral salvaje, el director de Estambul pone el acento en la relación entre un padre y su hijo, contando la historia desde el punto de vista del vástago, un joven que se siente especial, aunque no se atreve a reconocerlo. En este drama familiar sobresale un guion rico en abundantes diálogos con tintes autobiográficos del coguionista Akin Aksu, sobre el que se inspira la historia, aunque también han intervenido en la escritura Ebru Ceylan (la esposa y habitual colaboradora de Nuri Bilge) y el propio cineasta turco. Se trata de un relato en el que la peripecia paterno-filial se funde con un discurso existencial y ético, ambientado en la región del Mármara, en el noroeste del país (concretamente en la ciudad de Yenice). Y como en los anteriores filmes de Ceylan, el talentoso Gökhan Tiryaki se encarga de la dirección de fotografía. TítuloY como en los anteriores filmes de Ceylan, el talentoso Gökhan Tiryaki se encarga de la dirección de fotografía. 

El gran Buster/

Como todas las estrellas tambien las de los actores se apaga. Y para suavizar este siempre triste apagon Peter Bogdanovich,con mas luces que sombras rescata de la memoria la vida de Buster contada ademas en 7 partes de manera cronolgica para  acabar el docbiopic con la tristeza y miserias con que acabo El maquinista de la general. Que diferencia de biopic de Chapin. aun en el final cinematografico que recuerdo era anciano cruzaba una calle de niebla suiza y podias pensar que entraba en un bar. Tambien la epoca de alcoholismo de Buster queda edulcorada. Llamado popularmente cara de palo porque no sonreia nunca fue otro popular comico que le mostro el mundo del cine, Roscoe Fatty. Oscar honorifico de los 60,  Chaplin y Wilder le invitaron a aparecer en sus películas.. Grandes y famosos autores han reafirmado que entre las caras,de Chaplin y Buster, estaban todas las emociones y diversion del ser humano. Maltratado economicamente por su familia en su niñez artistica , el los mantuvo generosamente cuando las situacion se invirtio. Es como si regalara la sonrisa  y risas de sus intervenciones al publico sin guardar nada para el.Si yo tuviera que acabar el documental, lo hubiera dejado recorriendo las siete colinas de Roma, en la pista el camino que llevaba al Forum, buscando  sus hijos.

el despertar de las hormigas

Isabel es una costurera que reside en San Mateo de Alajuela, un área rural de Costa Rica, donde vive con sus dos hijas y su esposo. Un escenario en donde el peso de la familia es muy grande y la posibilidad de elección de las mujeres es escasa. A raíz de la presión social para que tenga un hijo varón, una serie de revelaciones la llevan a enfrentarse consigo misma, su entorno y su familia. En El despertar de las hormigas, la ópera prima de Antonella Sudasassi (San José, Costa Rica, 1986), se retratan todas esas pequeñas presiones que suponen ser mujer y madre en un ambiente diseñado a medida de los hombres.

Fuertemente ligada a su contexto aunque extrapolable a muchas sociedades del mundo, este primer largometraje de la directora costarricense es una crítica sutil pero incisiva de los comportamientos de toda una sociedad asentada sobre valores equivocados que se transmiten de generación en generación.

Se suele pensar que el machismo sólo afecta a las mujeres y no es así. También se supone que enmarca las acciones violentas de hombres a mujeres. "Las conductas violentas vienen por parte de nuestras madres, hermanas, amigas... que van enseñando a sus hijos a respetar y ser partícipes de ese círculo".

Sudasassi comenta que con El despertar de las hormigas quiso "reflexionar sobre esas pequeñas acciones que día a día nos van enseñando a complacer, servir, atender, estar casadas, ser madres, ser para los demás. Enseñanzas que no surgen de la mala intención, sino de la costumbre".

 Antonella Sudassasi.

La idea de este proyecto surge desde el propio núcleo familiar de la directora. Vio cómo sus abuelas, sus tías, se dedicaban en un cien por cien a los demás. Ese concepto de ser mujer y estar al servicio de los otros creo que todavía nos sigue determinando"."En América Latina, las mujeres todavía nos enfrentamos a ciertas ideas sobre cómo nos tenemos que comportar".

Bajo la dependencia económica de su marido (Alcides), Isabel está obligada a justificar cada mínimo gasto. El papel masculino, en cambio, es muy dependiente de la protagonista para las actividades del hogar. "Hay cosas que se viven a puertas cerradas, acciones machistas que se siguen haciendo y las vemos como si fueran naturales".

La película ha sido rodada en un ámbito rural de Costa Rica en el que los 7.500 residentes del poblado no conocen el cine y apenas tienen relación con quien reside fuera de allí. Es por ello que, al "querer representar esa realidad", Sudasassi ha contratado para la grabación a nativos, en vez de actores, lo que conllevó un trabajo previo importante.

"Durante la investigación me quedé a vivir un tiempo en el pueblo. Estuve varios meses en casa de una familia para captar su dinámica y, así, ir de lo particular a lo general para reconstruir la esencia de esa provincia de Costa Rica", comenta Sudasassi. "Al escribir el guion me di cuenta de que no había alguien más que pudiera interpretar a los personajes que la misma gente del pueblo".El proyecto que se divide en tres partes: el cortometraje El despertar de las hormigas: la niñez(2016) en el que se retrata la vida de una niña que tiene su primer encuentro con su sexualidad; el largometraje, y un documental, que retrata la sexualidad de las mujeres mayores de 60 años. Este último "se encuentra en desarrollo, sin fecha aún de estreno".

•