Paulina

Dolores Fonza es la esforzada actriz que carga con toda la responsabilidad del guión. Ella experimenta la brutalidad de la violencia, los derechos sociales vulnerados e incluso una violación con las decisiones graves que esta comporta. Mujer aparentemente durisima, empieza a residir en un entorno de miseria en un medio rural donde impartirá clases abandonando su confortable estatus. Una de las posibilidades que ofrece el guión es que de esta forma se encuentra a si misma y a su propio perdón. También es una manera de esconder sus debilidades en una entregada militancia. Su personaje da alas a los de Oscar Martinez, Esteban Lamothe, y Cristian Salguero. Santiago Mitre, galardonado en San Sebastian y Cannes, se ha formado como coguionista de Trapero. Con este pedegri, dota a su personaje Paulina de una carrera de derecho, 28 años, y un futuro que abandonara para tranquilizar su conciencia enfocando su vida en un humilde zona de Argentina. La duda que deja la intrépida y atrevida mujer es si el film es autentico o es una remake, se dice por ahí, de La Patota, (Ultraje), de Daniel Tynaire, allá por 1961.

Nadie quiere la noche

Isabel Coixet siempre deja helado. Mas por sus declaraciones políticas que por su cine. Se apoya en su ultimo filme, en aventuras de Robinson Crusoe, pero en la nieve. Ella es el protagonista y escenario al que Juliette Binoche debe librarse para rehacer, comprender y volver a amar su vida. La nieve, si si, la caída del cielo, libera, forcejea con el feminismo, rebaja las calorías emocionales y sube al mismo tiempo el deseo salvaje conservado largo tiempo en el corazón a punto de explotar. Una canción decía que ..."con tanta nieve salen mujeres en el mar...". Y aquí a pesar de las erupciones contenidas en un iglu, no llegamos a ver llama suficiente para calentarnos. Y eso es difícil en Coixet, conocedora d los resorte adecuados para ello. Una voz en off pretenciosa es el agua sobre el fuego que evidencia la tragedia. Binoche, con sus momentos de pasión arrebato habituales es la esposa del explorador Robert Peary, entestado como tantos en ser el primero en pisar el polo norte a principios de siglo. Un caso real en que la mujer. al estar tanto tiempo sola en casa, decide hacerse también su fama particular. Un esposo que el espectador vera menos que ella, osea nunca. El épico viaje emprendido acabara en el reducido espacio helado con el enfrentamiento entre una habitante del Park avenue y una Nuit tan adaptada al mundo esquimal que su salvajismo natural no destaca de entre los colores de la nieve. Supervivencia, celos, amor, y pasión, sentimientos que la japonesa Rinko Kikuchi defiende en el inhóspito paraje del Ártico. La sangre, no blanca precisamente de un oso objeto de cacería y que no es Gabriel Byrne, da el pistoletazo de salida del"biopic" sobre Josephine Peary.

Los juegos del hambre. Sinsajo. Parte 2

Francis Lawrence esta enganchado al proyecto y ahora después de 4 años le cuesta desengancharse de el. Con tanto tiempo ha perdido perspectiva y  hace un film oscuro y largo en una orgía de muerte y traumas que pretende moralizar. Lo hace todo el cine americano, los Heroes son dioses, los atentados el diablo, la corrupción ya casi no importa y todo, violencia, guerras , se trata de forma pueril. La saga continuara, porque lo visto hasta el momento es tan mínimo que  no cuesta nada seguir. El concepto sinopsis seria que para vencer a una dictadura has de tener un físico prometedor tipo guaperas y con una arco y algunas flechas pueden vencer a cualquier ejercito tipo Aquiles. Se pueden encontrar estas ideas y otras de peores en las novelas de Suzanne Collins. El camino al Capitolio es mas retorcido que el del forum romano de Lester. Por oscuras catacumbas llegamos al portentoso atetado para acabar con escenas que servirían para una de romanos.Todo aderezado con bucólicas siestas en las que se recuperan los agotados amigos de Katniss, entre triángulo y triángulo cuando lo que verdaderamente desean es irse a casa. Es lo único que no se sabían de memoria los jóvenes espectadores de la aventura pero también es lo que menos les interesa. Los que pensaban que la primera parte era demasiado dialoga, motivo por el que partido en dos la segunda, que se preparen. Por desgracia algunos voluntarios del banco de alimentos y todos en general, conocemos juegos del hambre que duran mas de estas 4 horas y pico.

El viaje de Arlo

Es un western de dibujos animados?. No. Pero Peter Shon, se esfuerza para darnos unas imagenes de animación, bellas pero peligrosas, salvajes, pero que ayudan a reflexionar sobre nuestros miedos, nuestras inseguridades, especialmente en el momento de enfrontar se al exterior de cada uno.Una misma emoción se desprende de esta historia de aprendizaje y desscubrimiento de un mundo nuevo para nuestros protagonistas, renuevan el mito de Pap el dragón mágico, con un diseño un poco elemental, y del niño, mucho mejor dibujado, mejor expresados sus gestos y un 10 en expresiones. Claro Sohn conoce mejor a los niños que los dinosaurios. 100 minutos que calaran en el alma de los menores. esta es la pretensión de Pixar & Disney, con solidos elementos como la amistad o la supervivencia, al principio del inicio de la aventura de la vida. Algún adulto, de vuelta de todo, no lo vera del mismo modo.

La final

Tres amigos hinchas del Atlético Madrid y tres chicas seguidoras del Real Madrid: todos protagonizan una historia de amor la semana de la final de Champions. Aure y Andrea tienen una tensión sexual no resuelta desde la adolescencia, fruto de la casualidad, surge el reencuentro. Paco y Marian fueron pareja en el pasado, hasta que Marian cruzó el charco y sus vidas se separaron. Edu y Tábata, tienen una relación de amor-odio basada en las apuestas deportivas. La noche en la que se disputa La Final de Champions, las tres parejas ven el partido en el mismo bar; el resultado no será el esperado para todos.Asi ve  Valerio Boserman el futbol.

La granja del Paso

Con un documental nada estilista nos conmueve Silvia Munt, con dos Goyas, en sus voces libradas a los que no tienen.. Los protagonistas son los afectados por la hipoteca (PAH) de SaBadell. Munt estuvo un año asistiendo a sus asambleas y discusiones o diálogos. La imagenes son expresivas de los momentos duros que vivieron sus vecinos. Pero lo pero estaba por llegar. Las historias cruzadas especialmente de lo que les habían pasado por la quilla, dejaban paso al  silencio de los números, a contar el despropósito de la crisi, a la dureza el otro mundo exterior. No descubrimos nada si afirmamos que Munt esta mas cómoda en el documental. Y lo demostró con este cruel pero definitivo relato premiado en Valladolid sobre algo que cualquier día nos puede alcázar

Coche policial/Cop Car

Divertido y entretenido sheriff movie. Mientras Kevin Bacon entierra un cadáver, dos simpaticos niños de unos 10 años, le roban el coche automático de policía y recorren campos y llanuras de Colorado Springs a toda velocidad con otro regalo en el maletero. Las peripecias infinitas,  con todos los elementos imaginables que se pueden encontrar en un coche policial, son los que provocan. miedo, risa, casualidad, al limite del thriller negro, negrisimo, entre el suspense , la inquietud, el miedo y la violencia. Sin ningún reparo Jon Watts (Clown) presenta su fresca obra made in Sudance con el mismo desparpajo con el que conducen los dos jóvenes James Freedson-Jackson y HaysWellford, improvisados Hamilton's por 86 minutos que se agradecen. Un minutaje tan bajo pero bien aprovechado como su presupuesto.

La maniobra de Heimlich

Un joven escritor al que el reconocimiento le llegó con su primera novela, La maniobra de Heimlich, una historia sobre la muerte de su novia cuando se atragantó con un trozo de pollo durante una cena. Sin embargo, desde su inicio fulgurante, ha sufrido, una vez tras otra, el fracaso de sus obras posteriores, que no han encontrado el apoyo ni de la crítica ni del público. Diez años después de publicarse su obra maestra, este escritor afrontará el reto de adaptarla al cine. Manolo Vázquez, hijo del recordado dibujante de cómics Manuel Vazquez, (al que debemos tebeos como Anacleto: Agente secreto), afronta su primer largometraje como director después de labrarse una gran reputación en el campo del videoclip y el cortometraje. En su ópera prima, nos presenta una cinta, entre el falso documental y un pseudo making off, en la que visitamos los entresijos de las adaptaciones al cine, en el que en tono irónico y ácido se hace un retrato paródico del mundillo literario. Jacob Torres (L'assaig) protagoniza la película como el escritor Álex Pareja, que 10 años después sigue exprimiendo no sólo el éxito de su novela, sino el trágico acontecimiento que la inspiró. En el rodaje tendrá sus más y sus menos con el actor que le interpretará en la ficción, Jordi Vilches (Murieron por encima de sus posibilidades), y se enamorará de Marta Torné (Impávido), encargada de dar vida a la novia muerta.

Africa 815

Las jornadas 'Cine por venir' explorarán,  la represión de la homosexualidad en la España de los sesenta en el documental 'África 815' de Pilar Monsell. Además, la víspera de la proyección, se celebrarán dos mesas de debate donde se abordarán la producción, financiación, realización, la distribución y la crítica del audiovisual en la actualidad. Ampliar foto En un comunicado, la organización ha señalado que 'África 815' toma su nombre del continente y la legión en la colonia española del Sáhara en las que el padre de la directora, Manuel Monsell, realizó su servicio militar y donde comenzó a vivir su homosexualidad con prudencia. La directora emplea fotografías familiares, fragmentos de grabaciones domésticas en Super-8 y conversaciones de tú a tú con su padre para subrayar y legitimar la diferencia y así, a partir del álbum familiar, recomponer lo colectivo a partir de lo personal. Publicidad Según ha indicado el crítico José Cabello en la web de análisis cinematográfico 'Cine divergente', la película viene marcada "por la sexualidad y el deseo en hombres mayores" e incide en heridas profundas, como "la soledad del ser humano en su edad adulta". Mesas de debate En la víspera de la proyección, Pilar Monsell participará en la sección 'Palabra de Cine por venir' para participar en dos mesas de debate que incluirán presentaciones y visionados. Los encuentros, programados viernes y sábado de 17.30 a 21.30 en Las Naves, abordarán qué es, cómo hacer y para quién hacer cine en la actualidad desde todos los campos del dispositivo fílmico. En la mesa participaron Manuel Asín, de la editora de DVD Intermedio, el cineasta y productor Juanjo Giménez y el director Víctor Moreno, recientemente nominado al Goya por Edificio España. El sábado, 28 de febrero, Pilar Monsell debatirá junto a la crítica y programadora Elena Oroz, el crítico y profesor Francisco J. Frutos (cine doméstico) y el cineasta y representante de la asociación de cine documental Docma David Varela. 

Ocho apellidos catalanes

Un pueblo de ensueño, de postal, lleno de "estelades" y una abuela. Repite magnifico, Karra Elejalde, basco puro, esencia Repúblicana.
Rosa M Sarda, Clara Lago y Dani Rovira pelean con el flojo guión.
Berto Romero sabe que la abuela del Emporda es independentista.
Son mas graciosos los tópicos bascos que los catalanes en las bodas
El mejor gag, el de Karra que no quiere pisar tierra española .
Emilio Martinez Lazaro se abandona al marketing del momento.
El tema da para una serie magnifica, pero en manos de Berlanga.

Mistress America

Titulo vacío. Situaciones cómicas.Actores sin compasion . No tienen gracia. Por ello hacen reír alguna vez. Greta Gerwig tambien guionista (Frances Ha). Aquí el personaje la devora. Vive en Nueva York. Una joven escritora la contempla y analiza. En su "novela" tambien aparecen Lola Kirke, Matthew Shear y Jasmine Cephas-Jones. Noah Baumbach firma el filme. Postdata: Greta es su inspiración.

Niebla /Haemoo

Claustrofobica, fría, suspendida de un hilo, que se puede cortar con un cuchillo, perdido el sentido y al borde del abismo de la locura, así es el film de Shim Song-bo, coreano de nuestro tiempo el. Los tripulantes de un pesquero transportan un gran numero de inmigrantes ilegales en sus bodegas que se rebelan porque no quieren que su única aventura marina sea precisamente esa. El guión es de Bong Joon.bo, (The host y Memorias of murder). Contrasta el frío trato del global humano con la potente y cálida interpretación de Kim Yoon.seok, Park Yoo- Chun, Seong Kin-mun o Ye ri Han. Violencia extrema, humanidad global, amor enamoramiento, poco mas despierta el interes de una imagens potentes captadas en medio de la tormenta.

Life

La primeras fotografíes tal y como nos las transmite Anton Corbijn. Las fotos sus detalles pueden encerrar toda la melancolía, soledad, sed de amor, abrazo amistad y demás sexo habilitado en Manhattan. Resbala el blanco y negro por el filtro de un cigarrillo, empapando el labio de saliva. Dane Dehan es el fotografiado simulador de James Dean,  dejando a la técnica la fortuna o la suerte del fotógrafo, la mirada de Robert Pattison. Gigante al este del eden, la fotografía nos devuelve por unos110 minutos al mito poco recordado, a la herida que  sigue abierta en los directores de casting o los coleccionistas de postales de Hollywood. Dennis Sock es el fotografo del que hablamos y autentico continuador y preservador del mito del descapotable gris. Como ya hizo en El americano y El hombre mas buscado, Corbijn rebaja la tensión controlada y resume la figura a lo largo de 60 años de ausencia. No separa el mito de la leyenda. Corría y mucho un Porsche el 30 de septiembre de 1955.  Exactamente a 24 años por hora. Murió tan rápido como vivió sepultado bajo un amasijo de hierros, un montón de fotografías que ahora culpan nuestro sueño. Ben Kingsley y Alessandra Mastroianni se estremecen con nosotros. 

I am your father

Cuando usted, querido y sufrido seguidor, entra por esta estrecha rendija. entre el Cuando y el usted, fuertemente asido  a la U, de Ud. y notara en este film, el silencio del entorno, la suavidad de las voces pero sobre todo, la intencionalidad de mejorar el aspecto documental, no escamotear ni un ápice de la justicia que se quiere reparar y la constatación, entre la humedad de esta cajita de David Prowse, Manuel M Velasco, Gary Kurts, Lou Ferrigno i Robert Watts y el rigos de la información. Toni Bestard y Marcos Cabota, se mueven con ud. acompañando le entre luces, brillos y sonidos, indicándole sobre todo donde pisar. Saquese la mascara y disfrute o sufra si quiere bajo el espíritu de Darth Vader. George Lucas no solo decidió que no se le vería la cara a Vader, cuando se descubriera en la serie Star Wars, sino que seria  la faz  de otro actor, con otra voz. Difícil de aceptar lo del culturista Prowse, ya octogenario, que observa detenidamente como ud. querido lector, sale de esta dimensión critica, con mucho cuidado al apoyar el pie en la T, que efectiva mente es el ultimo peldaño. Ya andando tranquilamente por la superficie del Scarlett, se palpa el rostro como para reconocerse al mismo tiempo que se aclara la garganta.

Conexion Marsella

Cedric Jimenez, se extiende durante mas de dos horas recitando a sus orígenes, aquella French conexion del 71. Distrayendo nuestra atención, evitando que los reconocimos. Las poderosas mafias sdel mundo se ciernen sobre nuestro protagonista,Jean Dujardin, que lucha cuerpo a cuerpo plano a plano con Gilles Lellouche que llevan al máximo sus diferencias y sobre salir además del continuo del casting bien solido y vigoroso. Film francés (tipo polar), Jimenez actualiza este "genero" policíaco. El otro enfrentamiento. Capone-Ness) no es muy atractivo pero si eficaz. Tres acciones nos mantienen en conexion con la creatividad, que no sobren minutos y que toda la traición resida en el bar de la esquina. Conexion de estar por casa, en el que un europeo no puedes ser fruto del olvido. Porque se juzga en paralelo a un juez y un criminal
 y nos demuestra que la fuerza del viento no lo es todo. Pequeñas o enormes subtramas, que se inspiran en hcehos reales, mientras ya tenemos que Benoit Magimel y Celine Sallette se nos hacen mayores al lado Friedkin.

Primera jornada de Gijon 53 edicion

Devuelto al Mediterraneo ante de finalizar el festival,dond etodo sigue igual, me voy a permitir pone en el blog, como narra Jose Luis Muñoz, nuestra primera jornada, tambine lluviosa del amable certamen gijones. El resto lo encontrareis en su blog La soledad del corredor de fondo. Aterriza uno a deshoras después de batallar con una serie de fenómenos atmosféricos (viento huracanado que a punto está de llevarse mi coche en el trayecto Lleida-Bilbao; lluvia torrencial, de esa que no te deja verla delgada línea amarilla de la carretera, llegando al principado), así es que me pierdo la gala de apertura, como me suele suceder en todos los festivales de cine, y el merecido premio Nacho Martínez (brillante actor asturiano de breve vida que trabajó con los mejores) que ha recibido José Sacristán por toda su carrera.

No tiene Gijón el glamour de San Sebastián, pero no tiene San Sebastián la calidad cinematográfica de Gijón, y vaya eso por delante. No voy a ver estrellas por sus calles, pero sí voy a ver artistas, dentro y fuera de las salas de proyección. Y va a ser un festival pasado por agua, como suele suceder, algo a lo que ya estoy más que acostumbrado, con el agravante de que la lluvia en Gijón empieza cuando me encamino de mañana a los cines Centro, que, junto al Teatro Jovellanos, acapara el grueso de los films a proyectar; escampa cuando estoy dentro de la sala; arrecia cuando salgo a la calle; se detiene cuando como en La Iglesiona contundente fabada y bacalao a la vizcaína en compañía de mis colegas Joan Salvany y Ferrán Puig (con el cine se hacen largas amistades), diluvia cuando salimos a la calle, cesa cuando estamos viendo una interesantísima exposición de fotos de Luis Buñuel para localizar escenarios de sus películas de la etapa mexicana en el Centro Cultural Jovellanos (ahí está La joven, El ángel exterminador, Narazín, Simeón del desierto, Los olvidados…), con lo que el día se traduce en un continuo y molesto abrir y cerrar de paraguas que no te protege de la lluvia porque termino mojado.

Empiezo mis deberes a las nueve y media con Much Loved, título irónico pues debería haberse llamado con más propiedad Much Sex,  una más que correcta película marroquí dirigida por Nabil Ayouch, un joven cineasta con una amplia experiencia en el campo del largo y el documental. Sorprende, por tratarse de un país musulmán, la osadía visual (desnudos femeninos, escenas de sexo explícito), temática (prostitución, travestismo, homosexualidad, drogas) de que hace gala esta película nada complaciente que gira en torno a las avatares de cuatro jóvenes prostitutas (Noha, Randa, Soukaina y Hima) en la ciudad de Marrakech, sus adinerados clientes saudíes (que salen muy mal parados y a los que el director presenta como odiosos, arrogantes e hipócritas) y sus frustrados amores (un joven sin posibilidades; un ciudadano francés casado). Por un momento, dada la crudeza y el naturalismo con que está expuesto el tema (secuencias de las orgías; ingesta de drogas; violación policial a una de las prostitutas), le viene a la memoria a este crítico la película Días contados de Imanol Uribe, sobre la novela homónima de Juan Madrid, estar viendo a Candela Peña y Ruth Gabriel, y me pregunto si no la tuvo en mente Nabil Ayouch mientras rodaba esta odisea sexual. No puede evitar el director marroquí una mirada tierna hacia ese mundo de falsa alegría (contrapuesto al Marrakech callejero en una serie de planos urbanos rodados desde el taxi que conduce a las prostitutas a los hoteles en donde trabajan) y una cierta moralina. Las cuatro chicas andan tan faltas de cariño como sobradas de sexo. Su oficio les permite vivir muy por encima de la media de la población femenina de su país pero no les compensa. Y hablemos de la crónica negra de esta película prohibida en Marruecos. Su actriz principal, Loubna Abidar, fue brutalmente golpeada en Casablanca a raíz de protagonizar Much Loved y ella y el realizador del film, más todas las actrices, están amenazados de muerte por los integristas. La actriz ya se ha exiliado en Francia. La hipócrita sociedad marroquí no tolera que se hable, como sucede en este valiente film, de sus lacras sin tapujos.

Pasar por la sala de prensa del festival me permite, además de hacerme con una estupenda mochila, el libro del festival, un sesudo trabajo sobre cine friki, ¡Sigue grabando!, de Jesús Palacios (al que saludo después de muchos años) y un libro sobre el director tailandés Apichatpong Weerasethakul, del que se muestra una retrospectiva que intentaré ver, y, sobre todo, librarme de la lluvia mientras estoy dentro.     

La tarde empieza con Land of mine, un correcto film danés basado en hechos reales. Cuando terminó la Segunda Guerra Mundial, los aliados obligaron a los prisioneros alemanes a desenterrar y desactivar las miles de minas que habían ocultado en las playas danesas para evitar un supuesto desembarco. De los 2000 soldados empleados en esta peligrosa tarea casi no sobrevivió nadie. El danés Martín Zandvliet, con experiencia como documentalista, nos muestra en Land of mine a un brutal sargento (Roland Moller) que tiene a su cargo a un equipo de prisioneros alemanes que casi son niños. Poco a poco la dureza inhumana con que trata el danés a los alemanes, a los que odia profundamente por haber invadido a su país (en la secuencia inicial le vemos golpear con saña a los integrantes de una columna de prisioneros a modo de presentación del personaje), se torna en compasión y hasta se solidarizará con ellos cuando las minas empiecen a explotar y diezmar su equipo de desactivadores. Rodada en el escenario de una soleada playa y con elementos escasos, Martin Zandvliet consigue mantener la tensión (el espectador sabe que las minas van a explotar, pero no sabe cuándo ni a quién se llevarán por delante) y dibuja con precisión el itinerario por el que el déspota militar danés se humaniza. No es un film deslumbrante, pero sí extraordinariamente correcto y bien interpretado por el que Roland Moller, actor de físico duro, podría optar al premio a la mejor interpretación.

Con los colegas cinéfilos recalo en Dakar, una sidrería, pese al nombre, con langostas y centollos vivos y coleando en una pecera en la entrada. Mientras mis acompañantes cinéfilos se hartan de gambas al ajillo, mejillones y chorizo a la sidra, yo opto por el pastel de cabracho. La sidra se la escancia cada uno como puede: mal. Pero es que la sidrería Puente Romano, que descubrí gracias a Meli y Jose, mis amables anfitriones de Gijón que me ofrecen su hotel con encanto de cuatro estrellas con desayuno incluido y comida cuando me apetezca, está cerrada hoy domingo.

La delgada línea amarilla, decepciona, y más por tratarse de México, país que está dando últimamente muy notables directores (Alfonso Cuarón, Guillermo del Toro, Carlos Reygadas, Amat Escalante, Alejandro González Iñárritu…). Una road movie dirigida por Celso García, director de cortos que aborda el largometraje con esta película, que va a competición, que es deudora del cine mexicano de antaño, cursi y ternurista poblado por personajes llenos de buenos sentimientos. Un tipo desarraigado, que es despedido como vigilante de un cementerio de coches y sustituido por un perro guardián, se busca la vida como empleado de gasolinera hasta que un ingeniero y antiguo patrón suyo lo reconoce y le ofrece el trabajo de capitanear a un grupo de trabajadores para pintar las líneas amarillas de una carretera comarcal de 200 kilómetros en quince días. El grupo variopinto, en el que hay un joven, un artista de circo, un conductor de camiones que se está quedando ciego y un delincuente redimido, irá congeniando a lo largo de esa quincena de trabajo al aire libre. Empeora el poco estimulante argumento la brevísima historia sentimental metida con calzador y un accidente traumático. La delgada línea amarilla es hija del culebrón mexicano pasado por el cedazo de Cantinflas. 

Publicado en El Desttilador Cultural

Grandma

Empieza con los dias anteriores a la Navidad, las películas de festival de segunda fila. Eso es el film de Paul Weitz, apoyandose en unos magnificos actores, Judy Greer, dotados para expresar varios registros a la vez.  Y asi encontramos de nuevo a una Lily Tomlin renovada dando replica y emociones a Julia Gardner. Film de capitulos que permite equilibrarlos y escoger el mas intenso  o el mas calido. Especialmente brillantes donde aparacen Sam Elliot o Marcia Gay Harden, hija y madre a la vez. Y asi nos narran 40 años de generaciones de mujeres sufriendo, pariendo o disfrutando del feminismo como movimiento. La abuela y la nieta embarazada mantienen enconadas discusiones sobre la etica y la moral, siempre presente en la educacion americana de la epoca. Weitz sostiene la narracion con algun que otro chiste facil, que poco ayuda a profundizar en las materias propuestas. 

tchindas

TCHINDAS, un documental dirigit per Pablo García Perez de Lara i Marc Serena que ens presenta una dona trans que s’ha convertit en una de les persones més estimades de Cap Verd. 

La calma reina en São Vicente, una pequeña isla caboverdiana de donde la mayoría de sus habitantes nunca ha salido. Tchinda es una de las mujeres más queridas, especialmente desde 1998, cuando salió del armario como transexual en un semanario local. Su nombre se ha convertido en una forma coloquial y cariñosa de nombrar a todas las personas no heterosexuales en Cabo Verde.

Tchinda tiene ahora 35 años y vive de manera humilde. Cada tarde vende por las calles del barrio sus “coxinhas”, los populares buñuelos brasileños.

Hasta que el ritmo de la isla se transforma con la llegada del Carnaval. Es en febrero y el mes previo se convierte en una locura. Nacen los problemas, a menudo a causa de la falta de dinero, pero la imaginación hace el resto. São Vicente se convierte en un “Pequeño Brasil”, como describió su cantante más querida, Cesária Évora (1941-2011), en una de sus “mornas”. Su música y las “tchindas” nos guiarán por un fascinante viaje a un rincón desconocido de África que pocos podían imaginar.

La calma reina a São Vicente, una petita  illa  de Cap Verd  d’on la majoria dels seus habitants no han sortit mai. Tchinda és una de les dones més estimades, especialmente des de 1998, quan surt de l’armari com transexual en un diari local. El seu  nom s’ha convertit en una forma col·loquial i carinyosa d’anomenar a totes les persones no heterosexuales a Cap Verd.
Tchinda té ara 35 anys

Sonata para violonchelo

Julia es una reconocida violonchelista que vive entregada a su música. Atractiva y elegante, Julia no deja pasar la ocasión de disfrutar una buena cena con sus amigos o del sexo esporádico junto a algún joven amante. Sin embargo, un exabrupto la obligará a replantear su vida a largo plazo. Después de años de esporádicos dolores en diferentes partes del cuerpo, Julia recibe definitivamente un diagnóstico: fibromialgia. Mientras afronta la noticia, intentará seguir con su vida. El primer largometraje de ficción de Anna M. Bofarull (Hammada), en el que nos cuenta una historia de voluntad, pasiones, límites y adicciones. Es el relato de un combate entre la pasión y la constancia y el progresivo deterioro físico provocado por una enfermedad, la fibromialgia, experimentados en el cuerpo y el alma de una célebre violonchelista, dispuesta a poner en juego la vida que siempre coloca en segundo lugar tras la música. Protagonizada por Montse German (Los niños salvajes) como Julia, el reconocido actor teatral catalán Juanjo Puigcorbé (La venta del paraíso), Jan Cornet (Perdona si te llamo amor), y Marina Salas (Por un puñado de besos), que dan gestos y voz a esta historia sobre el proceso de creación artística y la enfermedad.

Cançons d'amor i d'anarquia

CANÇONS D’AMOR I ANARQUIA, de Carlos Benpar s’estrena coincidint amb el centenari de l’afusellament del cantautor Joe Hill. Basat en l’espectacle Cançons d’amor i anarquia que es va celebrar en el 2014 al teatre Joventut de l’Hospitalet dins del Festival de cançó BarnaSants on va obtenir un premi extraordinari, i en el Teatre Casino de Sanremo (Itàlia).Produït per Kilimanjaro – amb la col·laboracio de Club Tenco, Cosi di Amilcare i Somnisfilms –i amb guió de Sergio Secondiano Sacchi.

En aquest espectacle el cantautor Joan Isaac acompanyat per Peppe Voltarelli, Olden, Wayne Scott, Sílvia Comes, Juan Carlos Biondini, Anna Roig, Dani Flaco, Jaume Arnella, i Vittorio De Scalzi fan un recorregut històric que va des de la Comuna de París el 1871 fins a la mort de Salvador Puig Antich el 1974, es repassen 18 fets de la història de l’anarquisme internacional, tenint cada fet una cançó que l’inmortalitza i una introducció audiovisua

Carlos Benpar nació el 13 de noviembre de 1948. Logró el Goya al mejor documental dos años consecutivos por Cineastas contra magnates (2006) y Cineastas en acción (2007).

53 FESTIVAL DE GIJON

El realizador Arturo Ripstein abre este viernes el certamen con La calle de la amargura

El festival reconoce al actor José Sacristán con el Premio Nacho Martínez y a la agente Katrina Bayonas con el galardón Mujer de Cine

El actor Carlos Areces será el encargado de conducir las galas de inauguración y clausura

GIJÓN-19/11/2015.-El Festival Internacional de Cine de Gijón abre este viernes su 53 edición. Del 20 al 28 de noviembre, Gijón volverá a ser la capital del cine independiente y de autor. En una ceremonia que tendrá lugar en el Teatro Jovellanos y estará presentada por el actor Carlos Areces, el certamen reconocerá al actor José Sacristán con el Premio Nacho Martínez, por su parte la representante y productora Katrina Bayonas, será distinguida con el Premio Mujer de Cine que destaca su labor dentro de la industria cinematográfica.

La Sección Oficial de la presente edición arranca con la película inaugural La calle de la amargura, de Arturo Ripstein; el realizador destaca como un referente del cine latinoamericano y estará presente en la ciudad asturiana para lo que es el estreno nacional de su último trabajo. Otros destacados nombres del panorama internacional competirán por los máximos galardones; Brillante Mendoza, Hong Sang-Soo, Sacha Polak o Nabil Ayouch, que presenta su última producción prohibida en Marruecos por mostrar la prostitución en el reino alauita, serán sólo algunos de los protagonistas.

Junto a estos nombres destacan otros invitados como Víctor Erice que impartirá el taller ¿Qué es el cine? oApichatpong Weerasethakul, una de las voces más destacadas del cine asiático actual, al que el Festival dedica un completo ciclo y que además impartirá una de las Clases Magistrales, donde explicará su personal método de trabajo.

La actriz española Assumpta Serna presidirá el Jurado Internacional de la 53. Serna, encabezará un jurado formado por siete expertos entre los que se encuentra Luis Miñarro, coproductor de Uncle Boonmee de Apichatpong Weerasethakul, que recibió la Palma de Oro en Cannes. Junto a ellos estarán el director uruguayoÁlvaro Brechner; el crítico y editor Klaus Eder, secretario general de la Federación Internacional de Críticos de Cine (FIPRESCI); Tom Davia, co-fundador y gerente de la consultora internacional CineMaven; la autora Vanesa Montfort, directora teatral y productora ejecutiva de Bembaby Films, y el crítico y escritor Giona A. Nazzaro.

El FICX también acogerá este año el Encuentro de mujeres cineastas, un espacio abierto en el que se los participantes reflexionarán sobre el papel de la mujer delante y detrás de la cámara. Bajo el título Mujer y cine: interpretando el contexto, se analizarán los roles de la mujer en la industria cinematográfica y de la situación de las actrices españolas.

Straight outta compton

Aproximacion histórica de F. Gary Gray a una historia policíaca de un barrio que a nosotros nos parecerá otra película mas y al productor de film una sucesión de hechos notables porque los vivieron de alguna manera. Por ello la falta de sutileza y la vulgaridad de los interpretes viene dada por el desprecio cultural que sienten los mismos protagonistas por estos episodios en suburbios inhabitables, cuna de marginacion i que lo mas culto que podían oponer a la brutalidad policial era el Rap. NWA fue una banda de rap pionera en la costa oeste de norteamericana y su hip hop marco por lo tanto un hito en la historia de este tipo de música barrio bajera o perdón surgida de las bases sociales mas humildes. Con su ritmo, esta banda popularizo la cruda realidad del banlieu" de Los Angeles. Y América contemplo de nuevo como ser joven y negro cargaba las armas que no tenían de música, letras y canciones y las lanzaba con furia y odio hacia un racismo también incontenible. Si dejamos de lado pues la parte de telenoticias del filme, queda escuálido, un biopic de grupo musical. O'Shea Jackson jr., Corey Hawkins, Jason Mitchell i Neil Brown jr. son personajes hechos así mismos y buscando la promoción en sus mismas calles y componiendo su propio éxito, producido por Ice Cube. Dr, Dre y Eazy-E, cuyos nombres son ahora mitos del rap y cuya escritura no es precisamente shakesperiana. Para la escoria de las calles, ellos son ahora sus nuevos dioses. Y su ejemplo a seguir. Seguro que cualquiera de los miembros del conjunto tiene mas contenido personal. Pero todo es tan breve y efímero que con la pequeña luz de la esencia hay mas que suficiente para un rato inaguantable de hip hop.

Un otoño sin Berlin

Opera prima de esta cineasta vasca, Lara Izaguirre, en la que nada se entiende bien del todo, como el título, donde la intensidad y el flojo guion, se alternan a secuencias con la monotonía y las grandes propuestas. Otro film sobre el dolor interior. Otro film en el que alguien vuelve del Canadá. Paree ser que la ida fue por la muerte de la madre y las consecuencias de rotura familiares que produjo.  El padre no habla, el ex la acoge pero no se relaciona con ella y todo es extraño y sin Berlin por decir algo. Hay que irse para que todo cambie,? Debe también Berlin desaparecer para dejar paso a los demonios interiores. Viven esta translación en el estado personal y el tiempo Irene Escolar, Tamar Novas, Ramon Barea y Lier Quesada, que se instalan, también provisionalmente como la protagonista en el piso, en el guión sin llegar a especificar nada, o sea Sin. A no ser que todo sea extraño en Berlin, como el vino blanco del Rhin que cantaba Emilio Aragon.

El sicario

La única que crece en este film bien planificado de Denis Villeneuve es Emily Blunt que llega a sostener un duelo imposible con Benicio del Toro, todo ojeras. El merito de haber llegado a ver esto es por la inconsistencia del guión, la oscuridad de las imagenes de Roger Deakins, donde logras ver algo gracias a algún contraste o contraluz. De alguna forma es el estilo del director. Filmar el surrealismo de la realidad como si fuera un sueño onírico, como ya hizo en Prisioneros o Enemy para que sumergirnos en el conocimiento de las deudas de honor de este tipo de clanes. Todo en una espiral de violencia infinita que llega cansar y dolerte el dedo de tanto apretar el gatillo. Otra presunta vuelta de tuerca al narcotrafico mexicano al que, santa inocencia, una unidad especial debe destruir, eliminar y desarticular. Y para ello una inexperta  y cándida agente de la CIA a la que se pasearan unos y otros. Completan el morcado de agencias ,DEA, FBI, etc,... Josh Brolin y otros agentes asesinos sin entrañas,auténticos depredadores del ser humano a punto dejarlo de ser. El director canadiense, después de la primera secuencia del desierto mexicano, tan sugerente de droga, consumo y violencia silenciosa, espaldas mojadas y traficantes, corrupción y la ley del mas bestia, se hubiera ido a  sus verdes montañas a admirar lobos y osos.

postales desde el filo

El filme es exactamente eso. Una colección de postales de actores. Las relaciones entre una madre, gran diva y actriz y una hija, rebelde por generación, tan buena actriz como su madre pero que aun no ha demostrado lo que vale y las actitudes personales que se derivan de estos celos genéticos, han sido una mina en Hollywood. Concretamente uno de los casos mas desgraciados es este que inmola el filme. el de Carrie Fisher y Debbie Reynolds, aunque la producción se ha ocupado de no herir la susceptibilidad de nadie.
"Frances", tocaba el tema de una forma mucho mas sugerente, por no citar el otro caso de Septiembre de Woody Allen. Decir que Streep y MacLaine, son muy buenas actrices, no es una novedad. Pero si que en el film flota la rivalidad demasiado directamente y que lo provoca la novela de Fisher. El trauma de esta joven es tan potente y nada superado que transmite su gris pensamiento a la hija del filme, aquí, Mery.
Hollywood habla de si mismo, pero sin hacerse daño. Solo para vender otra idea, otro filme. Por ello aparecen entonces los amigos. Gene Hackman es el director. Dennis Quaid merece mas suerte como productor en el filme de ficción y Richard Dreyfuss, también con problemas depresivos, es el medico de la Streep que la ayuda a salir de la droga. 
En esta ocasión las nominaciones al Oscar coinciden con lo único destacable del filme. La actriz y su canción country, todo hacia al final, que es cuando todos empiezan a creer un poco en la película. El único culpable lógicamente es el director. MIke Nichols. El mismo confesaba, haber ido cambiando los diálogos de los personajes que no conocía. Así ha conseguido eclipsar los tres datos fundamentales del texto: energía, humor amargo y vitalidad.

Texas curts

NOVA SESSIÓ GRATUÏTA ALS CINEMES TEXAS 

Iniciem als Cinemes Texas una nova secció que es dirà "Texas Curts", en la qual els nostres espectadors podràn exhibir els seus curtmetratges gratuïtament. L´horari de projecció serà tots els dijous.

Inaugurem aquesta nova secció el DIJOUS 19 DE NOVEMBRE a les 21:45 h. amb la projecció del multipremiat curtmetratge "Zero" i comptarem amb l´assistència del seu director David Victori.

"Zero" te com a productors executius al director Ridley Scott i a l´actor i productor Michael Fassbender. Rodat a Los Angeles, és un ambiciós projecte de ciència ficció i es el primer projecte de David Victori rodat als Estats Units.

"Zero" ha estat presentat internacionalment en la 72 Edició del Festival de Venècia i ha estat el guanyador del Premi Cinema 365 del Festival de Sitges 2015

David Victori es el guanyador Mundial de la Primera Edició del Youtube´s Film Festival, ha estat seleccionat per la revista Variety com un dels directors a seguir en els propers anys. Director i guionista de curtmetratges premiats per tot el món com "Reacció", estrenat l´any 2008 i "La Culpa" estrenat el 2010.

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Rams: el valle de los carneros

Una enfermedad que afecta a una zona ovejera es el detonante de un drama expuesto con brillante ironía. Una relación admirable de dos hermanos que llevan 40 años sin hablarse, que viven en un oasis de austeridad, nos exponen su costumbrista vida a través de un director elegante e islandés, Grimur Hakonarson, concha de oro de San Sebastian, con Sparrows, repite premio en Valladolid y Cannes. Un bello paisaje decora la acción ganadera de un rebaño que transmuda tristeza. Hay que verla como vestido para esquiar, para tirarse al final por la pendiente nevada con Sigurdur Sigunjonsson, Theodor Juliusson y Charlotte Boving

La adopcion

De nuevo Daniela  Fejerman en solitario, nos lleva a contemplar la situación limite que vive una pareja que interpretan en plan estelar Nora Navas y Francesc Garrido. Historia autobiográfica muy solida de un viaje  a la adopción que les sumirá en una crisis personal. la miseria humana no tiene limites parece decirnos esta inmersión fotografía a una sociedad corrupta hasta la medula. Y en el Este mas, donde aun se puede vender y comprar todo, incluso las personas. Salto al drama de la autora de Semen y A mi madre le gustan las mujeres, efectuado con solvencia y sentido critico del que no sobra en este tipo de argumentos, siempre azucarados. 

El clan

Inquietante como la interpretación del cómico Guillermo  Francella este ultimo film de Pablo Trapero. Este dirige de libro. Hasta demasiada perfección, reconocida en Venecia, con una cantidad de planos secuencia encomiables como la del secuestro fallido, roza a maestría cinematográfica. Remata la excelente función un casting redondo en el que acompañando a Guillermo están Peter Lanzini, Antonia Bengoechea, Gaston Cocchiarale e Ines Popovich. Cine social y político de Trapero (Carancho, Elefante blanco) donde reconstruye la historia de una familia real, (el clan Puccio) dedicada a la extorsión durante toda la dictadura y algún tiempo después. Heredera de las películas de mafiosos italianos o norteamericanos, añade su toque de pop musical para dar pequeños respiros a la tensión de la trama. la apacible familia delictiva, se resquebraja cuando los hijos empiezan a mal convivir con sus conciencias. Uno porque es una estrella deportiva y el otro por huir del país. Son los años 80 y el clan de Arquimides Puccio sacudió la sociedad argentina con la complicidad de su esposa y 5 hijos. El método no tenia complicaciones. Secuestraban y asesinaban directamente después de cobrar el rescate. Alguien les diría boludos. 

The homesman/Deuda de honor

Por fin una película que se puede ver. Quiero decir, con luz, de día y de noche, con los espacios infinitos del western, dando el poder a la imagen, con diálogos atendibles y no solo alaridos sin frase y sobretodo, admirar alguna cosa mas que lo que puede iluminar la ráfaga de un fusil ametrallador. El responsable es Tommy Lee Jones, que nos lleva una vez mas a donde no llega la ley ni el estado, donde el hace lo que puede para mantener los atisbos de civilizacion. En este páramo de justicia encontramos a Hillary Hawks, mujer que toma las armas cunado hace falta y que apareja cuando procede su cultura y orden al delincuente bebedor y burlón. Ella le convencera para devolver a la civilizacion a tres mujeres enloquecidas por las duras condiciones de vida y los malos tratos. James Spader y Miranda Otto son algunos de los actores que te hacen entrar el film a sangre y fuego. Tiene entre sus muchos méritos la película, haber fracasado en Cannes hace dos años. Genero dento el genero que atesora matices el comportamiento humano, en el que la moral ronda los convencionalismos, el desprecio y el machismo. Segundo film excelente de Lee Jones después de Los tres entierros de Melquides Estrada en el que vacía toda su forma de ser, grabada como su faz. Por  fin un film por el que vale la pena, cruzar el río en barcaza como hace Tommy, bailando, borrachos y disparando al tun tun. Mirándolo todo con la curiosidad de sus ojos. Solo la lapida (Rosebud?) nos separa el caos.

Yoko y sus amigos

Vik es un chico vergonzoso que le cuesta entablar nuevas amistades y que, cuando por fin lo consigue, debe mudarse por el trabajo de su padre. En la nueva ciudad ha conocerá a Mai y a Oto. La relación que se establecerá entre ellos, atraerá la atención de Yoko, un ser de un reino de fantasía. Al salir del colegio estos amigos irán al parque para reunirse con Yoko y vivir un montón de aventuras. Por desgracia, la empresa de su padre tratará de trasladarle de nuevo y amenazará la felicidad de Vik. El realizador Juanjo Elordi (Olentzero: Un cuento de Navidad) dirige el film de animación Yoko y sus amigos, donde unos niños se encuentran con una criatura fantástica con la que vivirán divertidas aventuras. De este modo, Elordi muestra las dificultades de adaptación de un niño al estar mudándose constantemente y que, muchas veces, la felicidad se halla en las cosas pequeñas, como los amigos y sus aventuras imaginarias. En la tercera producción del joven estudio de animación vasco Somuga, encontramos a los debutantes Eva Ojanguren, Jaione Intxausti y Arancha Moñux, que se encargan de dar voz a los pequeños protagonistas de esta colorida aventura. Por su parte, H.D. Quinn, doblador de la serie Pokémon, presta sus cuerdas vocales a Yoko, el animal fantástico que se hará amigo de Vik, Mai y Oto.

Las aventuras de Moriana

En 2009 Magdalena y su marido se encontraban en el paro, y decidieron empezar un nuevo negocio. Tras pensarlo bien, abrieron un restaurante de arroces y carnes a la brasa en plena sierra murciana. Aunque el comienzo fue prometedor, en 2011 empezaron a registrar pérdidas. Entonces surgió la idea, liderada por su esposo que había trabajado en cine y TV, de crear una web serie. Sirvió para atraer nueva clientela, pero no fue suficiente. Ahora, en números rojos, se lanzan a hacer una película. David Perea y Luis Soravilla, éste último nominado al Goya a Mejor cortometraje, debutan en la dirección de un largometraje,cinta entre la realidad y la ficción en la que seguimos las aventuras de la familia Moriana, liderada por los padres y su novedosa idea de promocionar el restaurante familiar con una web serie. Éxito inesperado en la Región de Murcia, la cinta sigue el patrón de la idea original y nos ofrece una comedia surrealista en la que las anécdotas del día a día del restaurante se sobre dimensionan para provocar la risa del espectador. Con el objetivo de dar un aire profesional,, sin por ello renunciar a la frescura y naturalidad que desprendía la web serie, Perea y Soravilla se decidieron a conformar un reparto en el que se aunaran actores profesionales como Terele Pávez (Mi gran noche), Enrique Villén (Las brujas de Zugarramurdi) o el presentador de televisión Antonio Hidalgo, con actores amateur, entre los que encontramos a los padres, abuelos, cuñados, hermanos e hijos de Moriana

Game Over

Djalal estaba obsesionado con los juegos de guerra antes de empezar a andar. Criado como hijo único en una familia catalana de clase media, sus padres le permiten todos sus caprichos. Tenía todo tipo de armas de juguete para jugar a ser soldado y, a medida que iba creciendo, sus juegos fueron cada vez más sofisticados. Empezó a grabarse a sí mismo en vídeo, recreando operaciones militares y a subir sus vídeos en YouTube, creando una identidad cibernética, Lord_Sex, con miles de seguidores. Siguiendo este sueño hasta el extremo, fue al frente afgano como francotirador. Pero en la guerra no hay tanta acción como en las películas.

Djalal vuelve a casa de sus padres desencantado para darse cuenta que todo ha cambiado. La crisis económica ha golpeado su familia y se ve obligado a tomar decisiones. El juego se ha acabado y Djalal deberá encontrar su propio sitio en el mundo real.

Alba Sotorra,la directora, nació en Barcelona en 1980. Su obra está centrada en historias reales de personajes muy auténticos que nos hacen reflexionar sobre temas polémicos. Ha dirigido dos mediometrajes Unveiled Views(2008) y Qatar, The Race (2011). Actualmente está produciendo su siguiente película, The Earth Masters

El documental ha sido reconocido en el Festival de Málaga, Karlovy Vary International Film Festival, Docs Barcelona, con guión de Isa Campo y fotografía Jimmy Gimferrer, con musica de Michael Fakersh. y una duracion de 74'.

Flow

Un actor está a punto de alcanzar el sueño de su vida: protagonizar su propia obra de teatro. Mientras acaricia y se prepara para ese momento, algo inesperado hará que todo lo que tiene salte en pedazos. Ante esto, librará una batalla interna en la que sus recuerdos más oscuros le desestabilizarán emocionalmente, impidiendo que se reconcilie consigo mismo. En esa búsqueda de paz interior, este actor llevará a cabo un viaje introspectivo en busca de su espiritualidad. David Martínez, director de segunda unidad en películas como El consejero o Noche y día, da el salto a la dirección con una cinta independiente sobre la eterna lucha entre luz y oscuridad dentro del ser humano. En esta película, ganadora de premios en festivales de Londres, Grecia y El Vaticano, nos guía, a través de los ojos de su protagonista, por un viaje espiritual en el que se tratan temas como el perdón y la reconciliación con uno mismo, la familia y la relación del arte con la vida y la espiritualidad. Juan Del Santo (El prado de las estrellas), que firma un papel que le ha concedido varios premios en festivales de cine independiente o cristiano. En su viaje introspectivo se encontrará con familiares y amigos, algunos de ellos con rostros tan reconocibles como los de Concha Velasco (Gran Hotel), Lluís Homar (Mi familia italiana) o Emilio Gutiérrez Caba.

JOSE SACRISTÁN, RECONOCIDO POR FESTIVAL DE CINE DE GIJÓN

El Festival Internacional de Cine de Gijón distinguirá con el Premio de Honor Nacho
Martínez a un referente de la interpretación en España, el actor José
Sacristán. El actor cuenta en su haber con más de 100 películas e
innumerables reconocimientos entre los que destacan un premio Goya, dos
Conchas de Plata del Festival de San Sebastián, un premio Ondas y un Cóndor
de Plata argentino por toda su carrera. Sacristán acudirá a la ciudad
asturiana el próximo 20 de noviembre para asistir a la gala en la que se le
entregará el galardón.
Nacido en Chichón en 1937, Sacristán se ha convertido por méritos propios en
un estandarte del cine, el teatro y la televisión en España. Tras iniciar su
carrera en el teatro, es en 1965 cuando debuta en la gran pantalla con La
familia y... uno más de Fernando Palacios. Coetáneo de otros grandes
intérpretes como Alfredo Landa, José Luís López Vázquez o Concha Velasco,
juntos conforman una generación que arrasa en taquilla con multitud de
comedias de corte costumbrista durante la década de los 70. Con la llegada
de la Transición, Sacristán continúa dando muestras de su talento con
papeles dramáticos como en Un hombre llamado Flor de Otoño, de Pedro Olea,
por la que recibe la Concha de Plata al mejor actor en el Festival de San
Sebastián. También destacan en su filmografía de la época otros títulos como
La colmena, de Mario Camus (Oso de Oro en el Festival de Berlín); Asignatura
pendiente (José Luis Garci) El pájaro de la felicidad, de Pilar Miró, El
viaje a ninguna parte, escrita y dirigida por su amigo Fernando Fernán Gómez
o Parranda o Epílogo de Gonzalo Suárez (Premio de la juventud en el Festival
de Cannes)
En 1992 se produce su debut en Argentina con Un lugar en el mundo que recibe
una nominación a los Óscar y múltiples premios por todo el mundo. El país
sudamericano ha mostrado su amor hacia el intérprete en diversas ocasiones,
destacando la concesión del Cóndor de Plata a toda su carrera en 2011.
La realización, es otra de las facetas que evidencian el carácter
polifacético de este artista. En 1983, protagoniza y dirige su debut tras
las cámaras, Soldados de plomo; más adelante rodaría Cara de acelga (1987),
en la que participa en el guion junto a Carlos Pérez Merinero, y Yo me bajo
en la próxima, ¿y usted? (1992), que también protagoniza junto a Concha
Velasco.
El teatro es otra de sus pasiones y en su trayectoria destacan obras como el
drama La muerte de un viajante o los musicales El hombre de la Mancha y My
Fair Lady, donde compartía cartel con Paloma San Basilio, logrando un gran
éxito de crítica y público.
La carrera de José Sacristán continua en lo más alto, muestra ello son
títulos como El Muerto y ser feliz, película de Javier Rebollo que le valió
su segunda Concha de Plata en San Sebastián y su primer premio Goya en 2012,
Magical Girl de Carlos Vermut en 2014, con la que consiguió otra nominación
a los Goya o el éxito de crítica y público de la serie de televisión Velvet
que protagoniza actualmente. Además el actor español encara los próximos
meses con una agenda profesional repleta de citas destacadas, el estreno de
Lobo, el nuevo largometraje del ganador de un Goya, Kike Maíllo. Además,
Sacristán apuesta también por directores noveles, como Miguel del Arco con
el que ha rodado Las furias junto a Emma Suarez, Bárbara Lennie y Carmen
Machi.
El premio de Honor Nacho Martínez fue creado en el año 2002 como homenaje a
este desaparecido actor asturiano. El galardón busca premiar la carrera y
los valores humanos de destacadas figuras del cine español. A lo largo de
estos años grandes nombres de la industria cinematográfica española han
recibido este reconocimiento; Ángela Molina, Maribel Verdú, Gonzalo Suárez,
Carmelo Gómez, Assumpta Serna o Imanol Arias, en la pasada edición, son sólo
algunos de los nombres distinguidos con el premio.

Spectre

Caminar por su camino de perdición, ya lo hizo Sam Mendes en Skyfall. Digamos que no domina el genero de acción y entonces de se siente seguro en la teatralidad bien iluminada  de la narración. Ambas películas tiene un tinte de funeral, de despedida, de  queríamos continuar con la franquicia y no pudimos, pero ahí dejamos este dechado de técnica cinematográfica, de presupuesto, ilusión y actores. Porque fijemos sino en la breve aparición, siempre de negro de Monica Bellucci, protagonista de la promoción y que como ella misma dice esta mas cómoda en la publicidad y que la edad la respeta. Con todo Bond, Daniel Craig, se despide aceptando que la ultima de sus chicas sea mayor que el. Elegante, es la palabra, Craig no deja con una banda sonora de sus éxitos preferidos que fueron los de toda una generación. Todo es conjunto es la llave para entrar en la mitología definitivamente. Film con helicóptero (montaña)ruso que sobre vuela desiertos en México, DF. Roma , los Alpes y Roma, entre los que Lea Seydoux seria un paisaje mas por su frescor y belleza. Bond sigue siendo hierático de las ultimas entregas, esta es la 24, pero esta vez carga sus sofisticadas armas con un poco de humor e ironía que hace mas digerible su increíble frialdad y cruel conciencia. Y por una vez en un filme de espías, hay mas carreras urbanas d coches, bellas carrocerías clásicas que peleas de parkingUn críptico mensaje del pasado llevará a Jamend a seguir la pista a una siniestra y letal organización conocida como Spectre. 007 tendrá que enfrentarse a ella mientras el MI6 y sus métodos son cuestionados por sus superiores, por lo que únicamente contará con la ayuda de Moneypenny y Q para desenmarañar esta intrincada red delictiva. La hija de su enemigo, el Sr. White, será la clave de una investigación en la que Bond descubrirá una espeluznante conexión entre él y el líder de Spectre, con lo que la historia llega con su vigésimo cuarta entrega y recupera al director de ésta, el ganador de un Oscar Sam Mendes (American Beauty). Daniel Craig (Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres) encarna a James Bond. En esta nueva misión repiten Naomie Harris (Mandela: del mito al hombre) como Moneypenny, Ben Whishaw (Lilting) como Q y el nominado al Oscar Ralph Fiennes (El Gran Hotel Budapest), que sustituye a Judi Dench como M. A ellos se unen las nuevas "chicas Bond", Monica Bellucci (Un verano ardiente) y Léa Seydoux (Misión Imposible: Protocolo Fantasma), y los villanos, encabezados por el líder de Spectre, el 2 veces ganador del Oscar Cristoph Waltz (Big Eyes) y Dave Bautista.007 tiene licencia para todo, menos para matar de aburrimiento. Los buenos bond's que en el cine han sido, no merecen un final peor.

Una pasteleria en Tokio / An

Dorayaki parece ser un pastel clásico japones cuya base la compone la pasta de fréjoles rojos y dulces. La producción de una pastelería humilde que da trabajo a una abuela que las hace mejor que nadie y relanza el negocio, sirve a Naomi Kawase para volver a traernos una documentada tradición  de su pueblo, a traves del novela del mismo titulo de Durian Sukegawa. La pasta de las galletas da consistencia a tres personajes heridos en su psique por efectos de la melancolía, la tristeza o la soledad, que comparten su fragilidad  entre dulces. La directora (El bosque de al lado), no deja que se pueda encasillar su film en otra película de cocinas. Presta suficiente atención a los protagonistas, Kyrik Kiry, Mashatosu Nagase, Niyoko Rostida, Etusko Ichihara, Miki Mizuno y Kyara Uchita. Sigue Kawase con su contemplación con camara de la belleza, concebida en su pais como cerezos en flor, montañas nevadas, brisa entre las flores, grandes espacios y canciones tradicionales , vehículos de transmisión. Metraje dedicado a expandir sensaciones y traslucirlas, pero que va en detrimento del santa sanctórum de la cocina, perdiéndonos algunas clases magistrales, que algunos prácticos espectadores, prefieren. 

Lost soul el maldito viaje de Richard Stanley a la isladel Dr. Moreu

Con entrevistas de los que participaron en la preparación de aquel documental, en el que Stanley fue sustituido por John Franheimer, y que no fue precisamente un éxito, es de lo que se retroalimenta este de David Gregory. Stanley queria, después de su gran éxito de Hardware, adaptar de nuevo la novela de H.G.Wells, el 1994, que el 32 s'havia llevado al cine como La isla el Dr. Moreau y una versión mas modesta en 1977. El proyecto,  a causa de una serie de problemas, el rodaje del film se convirtió en una batalla entre el arte y los intereses de la industria, que acabó con el despido del director en su primer día. Dirigido por David Gregory (The Theatre Bizarre), que narra una historia estimulante, irritante y desgarradora sobre la locura de un proyecto que estuvo rodeado de mala suerte y controversia desde sus inicios. La historia de una nefasta producción que se convertiría en leyenda. Cuenta con los testimonios de los testigos del desastre, como el propio director y el guionista; los actores: Fairuza Balk, Marko Hofschneider o Rob Morrow; además de miembros del equipo técnico, desde ejecutivos a auxiliares de producción.

Gijon 53, 16 titulos esenciales

LA COMPETICION CON 16 TÍTULOS ESENCIALES

Incluye los últimos largometrajes de Brillante Mendoza y 
Arturo Ripstein, y cuenta con Hong Sang-Soo y Sacha Polak.

 La Sección Oficial ha convertido al Festival
Internacional de Cine de Gijón <http://www.gijonfilmfestival.com/>  en un
punto de referencia para los que les gusta el cine más sugestivo, más
orgánico y afilado, un cine sin doblez que conmueve, divierte o inquieta. La
competición de La 53 acoge 16 títulos, muchos de ellos avalados por los
premios conseguidos en los festivales más prestigiosos del circuito
internacional, como Cannes, Berlín, Venecia, Locarno, Sundance o Toronto,
además de por el aplauso de crítica y público. Nos encontramos con algunos
nombres conocidos como Brillante Mendoza y Arturo Ripstein, que presenta La
calle de la amargura, una producción de España y México que abrirá el FICX
el día 20. El concurso contará además con directores de referencia del cine
independiente como Radu Jude, Celso García, Neeraj Ghayman y Nabil Ayouch.

La competición incluye títulos de todos los rincones del planeta. La
hispanomexicana La calle de la amargura será la representante de la
producción nacional en La 53. Los talentos europeos se muestran en Gijón con
películas como Aferim!, Zurich o Je suis un soldat. El cartel sobrepasa las
fronteras europeas con trabajos de países como México (La delgada línea
amarilla), Brasil (Neon bull) o Marruecos (Much loved). Taklub, Masaan,
Umrika y Rigth nov, wrong then destacan el potencial del cine asiático en
una sección en la que Estados Unidos participará con The diary of a teenage
Girl y Nasty baby.

La clausura de La 53 correrá a cargo de Christian Zübet y su último
largometraje, One Breath, thriller que tiende puentes entre la rica Alemania
y la empobrecida Grecia a través de la desesperación de dos mujeres: una que
ha perdido a su hija pequeña y otra que no quiere asumir responsabilidades
familiares.
La competición:

Aferim!, de Radu Jude (Bulgaria, República Checa, Rumanía). Premiado con el
Oso de Plata al Mejor Director en la última Berlinale, Jude parte de una
estructura de western para armar una road movie en blanco negro sobre uno de
los episodios olvidados de la historia de Rumanía: la esclavitud de los
gitanos en el siglo XIX. Jude, una de las voces más singulares de la
cinematografía rumana actual, utiliza como leitmotiv la explotación del
hombre por el hombre en esta comedia de humor negro en la que campan la
intolerancia, el racismo, la xenofobia y la misoginia. La película, cuyo
título es una expresión turca que significa bravo, se llevó premios también
en IndieLisboa y Sofía.

Taklub, de Brillante Mendoza (Filipinas). El director homenajeado el año
pasado por el FICX, presenta a la competición su última película, con la que
ganó el premio del Jurado Ecuménico de Cannes. Retrato íntimo de los
supervivientes al tifón Yolanda, el más fuerte registrado en la historia de
Filipinas, que dejó más de 2.500 muertos. Mendoza pone el foco en tres
sobrevivientes que no sólo lloran por todo lo perdido, sino que también
tienen que reconstruir sus vidas desde la miseria.

Masaan, de Neeraj Ghayman (India). Tras su paso por Cannes, el director se
llevó el Premio Avenir y el FIPRESCI con este drama desafiante sobre dos
familias de la muy sagrada Benarés atrapadas en las restricciones
hinduistas. Ghayman enfrenta el torbellino de la modernidad con las rígidas
tradiciones, componiendo un crudo cuadro de la situación de las mujeres en
la India. Masaan significa pira en hindi y ahí es donde el director pone a
sus personajes, aunque lejos del fuego de Bollywood.

Umrika, de Prashant Nair (India). El segundo largometraje del director indio
se llevó el premio del público en Sundance. Alejado de las formas y los
fondos de Bollywood, Nair narra el camino de un joven hacia su destino a
través de las cartas desde América que recibe de su hermano. Suraj Sharma
(Vida de Pi) y Tony Revolori (Gran Hotel Budapest) protagonizan esta
película que plasma en la pantalla la esperanza colectiva generada cuando un
individuo intenta hacer realidad sus sueños.

Zurich, de Sacha Polak (Holanda, Alemania, Bélgica). Regresa al FICX la
directora holandesa tras estrenar Hemel en Rellumes en 2012, y lo hace con
un austero retrato de una joven a la deriva por el que volvió a recibir
premio en Berlín. En su segundo largometraje, Polak aborda el dolor, el
abandono y el desamor de manera áspera, tanto como el asfalto por donde vaga
la protagonista, que deambula por las carreteras de Europa para olvidar un
pasado amoroso ensamblado con mentiras. A esta mujer en crisis le da vida
Wende Snijders, una cantante de éxito en los Países Bajos.

La delgada línea amarilla, de Celso García (México). El director mexicano
triunfó en Guadalajara y Montreal con esta road movie que explora sin rubor
la sensibilidad masculina a través de cinco obreros contratados para pintar
la línea divisoria de una asfixiante carretera del México profundo. La línea
amarilla no sólo separa carriles en esta película conmovedora, también
separa el bien del mal, la risa del llanto o la vida de la muerte. Producida
por Guillermo del Toro, Bertha Navarro (El laberinto del fauno) y Alejandro
Springall (compitió en Gijón con Santitos).

Nasty baby, de Sebastián Silva (USA). Aunque el director chileno recogió el
premio Teddy en el último Berlín por esta comedia, insiste en que no es una
película sobre la discriminación sexual. Silva, que también protagoniza esta
historia de una pareja gay e interracial que quiere de tener un hijo con una
buena amiga, argumenta que las preferencias sexuales no son importantes en
el conflicto moral que plantea. Rodada en su propio apartamento de Brooklyn,
la película cuenta con Kristen Wiig como la futura madre.

Je suis un soldat, de Laurent Larivière (Francia). Los críticos premiaron en
Cannes este thriller hilado alrededor del tráfico de perros. Para su primer
largometraje, el director francés contó con los talentos interpretativos de
Louise Bourgoin y el veterano Jean-Hugues Anglade para contar con aspereza
la lucha de una joven por escapar de la miseria.

Right now, wrong then, de Hong Sang-Soo (Corea del Sur). El director coreano
regresa a la competición del FICX con una lírica historia que conquistó el
Leopardo de Oro y el premio ecuménico en el último Locarno. Con sutileza
psicológica, pone delante de su cámara a un cineasta al que somete a la
duda, a la inquietud y al nacimiento de un nuevo amor. Y lo hace con grandes
dosis de humor y sensibilidad. A Hong ya le han colgado la etiqueta de Woody
Allen coreano, para otros es un "alquimista de la cotidianidad". En Gijón,
que se rindió a su mirada en la retrospectiva que le dedicó en 2013, siempre
será el perfeccionista que invita a resolver las ecuaciones que plantea.

Black, de Adil El Arbi y Bilall Fallah (Bélgica). Toronto premió este West
Side Story belga que comienza como una teen movie feroz y transcurre como un
thriller implacable. Los directores se basaron en una novela del escritor
flamenco Dirk Bracke para mostrar sin barniz el corazón de las bandas
urbanas de Bruselas, con un Romeo y una Julieta ante un difícil dilema: su
amor o la lealtad a la pandilla.

The diary of a Teenage Girl, de Marielle Heller (USA). La novela gráfica
homónima de Phoebe Gloeckner sirvió a Heller para aparcar la interpretación
y debutar detrás de la cámara. De momento, lleva varios premios en el
circuito internacional de festivales, entre ellos Berlín. La escena
post-hippie californiana de los setenta enmarca el despertar sexual de la
protagonista. Segunda oportunidad de ver a Kristen Wiig en la Sección
Oficial de La 53.

Neon Bull, de Gabriel Mascaro (Brasil, Uruguay, Holanda). Una de vaqueros
(brasileños) que conquistó al jurado de la sección Horizontes en la última
edición de Venecia. Mascaro observa como un documentalista la vida de los
rodeos típicos brasileños ofreciendo una historia sencilla de gentes
sencillas. Para su segundo largometraje, el director contó con Diego García
en la fotografía, responsable también de la imagen de Cemetery of Splendour,
última película de Apichatpong Weerasethakul que exhibirá el FICX en el
ciclo dedicado al director tailandés.

Much Loved, de Nabil Ayouch (Marruecos, Francia). Después de rodar la
aclamada Los caballos de Dios, Ayouch clavó su mirada crítica en la
prostitución. Desde su pase en Cannes, director y actriz principal están
amenazados de muerte y la película está prohibida en Marruecos por atentar
contra la imagen del país y ultrajar a la mujer (sic). Antes de rodarla, el
director entrevistó a 300 prostitutas de Marrakech durante un año.

The Ardennes, de Robin Pront (Bélgica). Para su ópera prima, el director
belga detalla la relación conflictiva entre dos hermanos que viven al margen
de la sociedad y que intentan salir adelante. Y para componer la trama,
utiliza las onduladas y boscosas Ardenas como un personaje más. La película
permitirá a los más curiosos comparar el trabajo del actor Jan Bigvoet, aquí
con un papel destacado, y protagonista de El abrazo de la serpiente,
presente en Gran Angular.

Land of Mine, de Martin Zandvliet (Dinamarca, Alemania). La guerra no acaba
cuando se firma la paz. Cuando Alemania se rindió en 1945, en la costa
occidental danesa comenzó otra dura batalla: los jóvenes soldados alemanes
que fueron obligados a retirar miles minas plantadas en la arena por el
ejército nazi. Zandvliet muestra el maltrato infligido a esos prisioneros,
un oscuro episodio de postguerra poco conocido. Zandvliet regresa a la
Sección Oficial como director, en la que estuvo presente en 2012 como
guionista de Teddy Bear.
Puedes descargar, fotos, tráiler y audio de las películas de la Sección
Oficial en el siguiente enlace:
http://urls.my/1w6Yx8
La competición de los cortometrajes

La Sección Oficial contará en La 53 con 17 cortometrajes a competición, una
equilibrada selección de géneros. En este recorrido por el panorama fílmico
internacional, destaca la presencia de siete realizadores españoles. Ainara
Porrón Arratibel deja la producción y se pasa a la dirección con Lobito
bueno, bruja hermosa. Tras recoger varios premios por sus documentales, Adan
Aliaga compite con The Walter. Después de presentar su primer trabajo como
director en Cannes, Ian Garrido López trae a Gijón Victor XX. También están
seleccionados las últimas obras de Óscar Bernàcer (Apolo81) y Pablo
Lapastora (En Alabama sí) y los primeros trabajos de Edu Moyano (Cretinos) y
Laura Jou (No me quites).

En el itinerario europeo de la sección aparece André Marques, ganador de dos
premios en Gijón en 2013 por su corto Luminita y que ahora presenta Yulya.
El nominado al Oscar Dominique Monfery presenta al concurso su último corto
de animación, Au fil de l'eau, que ya lleva acumulados diez premios en
festivales internacionales. El corto ganador de la sección Horizontes de
Venecia, Belladonna, de Dubravka Turic, también está en la selección del
FICX, al igual que Volta, de Stella Kyriakopoulos, título premiado por la
Academia griega. Cierran la participación europea Jan y Raf Roosens con
Copain, título que también participó en Cannes.