Universal y faraona

Como si de un press docs. se tratara, Ventura Pons en su quinto documental resume imagenes de todos sus films, desde el Ocaña pionero de su obra, tambien sale l'Ignasi, haciendo hincapie en El gato Perez, uno de sus mejores y original biopic. Visto ahora en prespectiva se puede reconocer una mayor amistad o entendimiento con estos clasicos de su filmografia. En una de las tres/cinco partes se inmiscuyen escenas africanas de Pepe Rubianes a modo de anuncio mas que de recordatorio, pues el director tiene cerca de 50 horas de material filmado del gran comico, con lo ya podemos apostar que un año la pelicula de Pons sera sobre el, en la que tambien podrian aparecer Flavia o Sisa. Solo queda discernir quien es la faraona, el universal y quien el tercero en concordia. Pues no. Son los iconos de Barcelona, la ciudad. Es una forma de verlo

Els Catacrics Yogas 2017

El colectivo Catacric (Catalans Critics), reunido en la noche del 29 de enero del 2018, en un lugar de Barcelona, ha decidido otorgar los 29º anti-premios YoGa a lo peor de la producción cinematográfica del 2017.

En sus deliberaciones, el jurado, anónimo y mutante, como cada año, desde hace 29 inviernos, ha tenido en cuenta las apreciaciones, comentarios y sugerencias de los lectores de esta web y de las diferentes redes.

CINE EXTRANJERO
Peor película
YoGa ‘El menor espectáculo del mundo’, a ‘El gran showman‘, de Michael Gracey.
Peor director
YoGa ‘Payaso sin fronteras’, a Sean Penn, por ‘Diré tu nombre’.
Peor actor
YoGa ‘¡Cuidarín, Ricardo!’ (Darín), por ‘Nieve negra’.
Peor actriz
YoGa ‘Nadie quiere a esta Bi-noche’, a Juliette (Binoche) por ‘La alta sociedad’ y ‘Ghost in the shell’.

CINE ESPAÑOL
Peor película
YoGa ‘Vaya par de gemelas, ¿te das cuen?’, a ‘Contratiempo‘, de Oriol Paulo.
Peor director
YoGa ‘Un Bayona viene a verme’, a Sergio Sánchez, por ‘El secreto de Marrowbone’.
Peor actor
YoGa ‘Cruz y Raya’, a Jose Mota, por ‘Abracadabra’.
Peor actriz
Yoga ‘Que baje Dios y la vea’, a Belén Cuesta por ‘La llamada’.

ESPECIALES
YoGa ‘Cine de barro’, a ‘El guardián invisible’, ‘Es por tu bien’ y ‘Señor, dame paciencia’.
YoGa ‘You too’ a ‘Descontroladas’, (‘Malas madres 2’), ‘Juerga de mamis’y ‘Una noche fuera de control’.
UNO DE LOS NUESTROS
Yoga ‘Catalana por el mundo’ a Margarita Chapatte, por la vuelta al idem en 200 festivales

El corredor del laberinto e la cura mortal

Los que hayan sobrevivido a ver las dos peliculas previas de la saga, cosa nada obligatoria por cierto y tengan presenta alguna imagen mas que gente corriendo, veran que aqui la carrera termina, los malos se redimen y aparece algun que otro fantasma. Es como si el nuevo y parece que ultimo guion se hubiera empezado en el minuto 140. Hay tantos spoilers que bien habrian hecho en recolocar los en medio de las intensas carreras de los anteriores capitulos. Lo mas positivo es que les quedan mas the end's para una cuarta entrega. Y hay algo peor que la monotonia y es la monotonia sin humor. Corren tanto que no tienen un momento para calibrar las posibilidades de su mision. Lo mejor rodado son las escenas gratuitas y de todo tipo de violencia intercaladas cada 10 minutos en los que no hay un dialogo audible o consecuente. A falta de aviones, trenes y autobuses vuelan. Los juegos del hambre fueron la cuna de todo. El pasado ha demostrado que no se puede confiar en la organización que le borró la memoria y lo encerró en el laberinto, para luego abandonar le a su suerte en el desierto. Ahora aseguran que se acabaron las mentiras, y que gracias a la información que reunió durante las pruebas, son capaces de elaborar la cura. El protagonista y sus amigos tendrán que superar un último reto y, de paso, encontrar las respuestas a las preguntas que les persiguen desde el principio. La última saga de distopias juveniles que quedaba por concluir echa el cierre en con Wes Ball quien dirige otra vez este largometraje que pone toda la carne en una sucesión de escenas de acción y la resolución final de los enigmas que hay detrás de la organización. Sin una gota de thriller, con menos epica que una salamandra al sol y el guion mas corto en la historia de las trilogias, sirve para adornar el final del viaje protagonizado por Dylan O'Brien (American Assassin) como un joven sin recuerdos en la búsqueda de la cura contra la terrible plaga que ha diezmado a la población mundial. En el reparto también repiten Kaya Scodelario (Piratas del Caribe: La venganza de Salazar), Thomas Brodie-Sangster (Juego de Tronos), Aidan Gillen (Rey Arturo: La leyenda de Excalibur) y la nominada al Oscar.

El pasajero/The commuter

Jaume Collet Serra se ha visto en esta ocasion superado por la accion puesta en marcha. Si usted no tiene trabajo, es expolicia y ahora agente de seguros, lo oculta en  casa y tiene un hijo en la universidad, no coja dinero prestado en un tren sin frenos y largo como un dia sin pan. Claro que no menos loco esta el guion, al que Liam Neeson se ha apuntado ya por cuarta vez. Siempre el decorado es absorbente, obsesivo, encerrado en un espacio en continuo movimiento sea avion, tren o submarino, ricamente filmados pero que dan mucho vertigo. Con estos principios, el director nunca padecera tedio. A lo mejor el actor irlandes, locura. Todo pasa tan rapido y mareante que no vera el spoiler. El dinero se lo dan por identificar a un pasajero del tren.
El tren es de vuelta y la oferta de una desconocida. El encargo sencillo pondrá a Neeson en el centro de una conspiración que podría acabar con la vida de todos los pasajeros. En su cuarta colaboración juntos, Jaume Collet-Serra (Infierno azul) y el nominado al Oscar Liam Neeson (Silencio) lideran un trepidante thriller en tiempo real donde un tren se convierte en escenario de una conspiración a gran escala en la que decenas de vidas están en peligro. El realizador aprovecha la claustrofobia del medio de transporte y cada uno de sus elementos para generar una historia en la que el personaje principal,  se enfrenta a un gran dilema moral de consecuencias catastróficas que alcanzan incluso a su propia familia. Cada parada del convoy sirve para mantener la intriga que recopila casi hasta el último momento las pistas que llevan hasta la identidad del personaje clave en la trama. Junto a Neeson, completan el reparto otra habitual en la filmografía del director catalán, la nominada al Oscar Vera Farmiga (El juez), además de Patrick Wilson (Expediente Warren: El caso Enfield), Sam Neill (Plan de escape) y Clara Lago.

call me by tour name

Poca estetica, maneras armoniosas que no amaneradas y silencios sensuales, sin pasion pero pacientes. Luca Guadagnino ha sacado la pelicula de una novela  de Andre Aciman, mito de la literatura homosexual, que debia tener mas historias que contar que las que nos filma el director,al menos para concentrar las en los 130 minutos. Concepcion contenida de un film que avanza a golpe de pedal de bicicleta por largos y estrechos caminos. Cuatro nominaciones al oscar puede ser que nos situen en una mansion del norte italiano y mas concretamente donde se homenajea a los heroes de la batalla del Piave. El guion de James Ivory (90 años), se detiene casi al infinito en los paseos por el jardin, los  baños en el estanque, la contemplacion de als estatuas que estudia el padre y el extasis por la  contemplacion del cuerpo. Un joven precoz de 17 años, pasa las vacaciones de verano con sus padres. Con una madurez y cultura superior a la de otros chicos de su edad, disfruta con la música, la lectura y flirteando con su amiga Marzia. Sin embargo, todo cambiará cuando conozca a Oliver, un joven americano de 30 años, que ha llegado como ayudante de su padre, durante seis meses, un eminente profesor. La química terminará por surgir entre ellos y vivirán un bello despertar sexual. El titulo proviene de que nuestros protagonistas en un juego se llaman con el nombre del otro. Con 3 nominaciones a los Globos de Oro y 4 a los Oscars, la nueva película de Luca Guadagnino (Cegados por el sol), uno de los directores más destacados del cine europeo actual, cierra su particular trilogía fábula sobre el primer amor y el despertar sexual. Timothée Chalamet (Navidades, ¿bien o en familia??) y Armie Hammer (Final Portrait. El arte de la amistad) protagonizan el romance que podria cambiar sus vidas. A la vez homenaje tanto a sus padres biológicos como artísticos, el realizador combina en la cinta la emoción que surge del descubrimiento vital a través de los ojos de un joven tan culto como vulnerable y cuyos conocimientos en todo tipo de materias no le han preparado para los asuntos del corazón. Completan el reparto Michael Stuhlbarg (Doctor Strange (Doctor Extraño)), Amira Casar (Saint Laurent) y Esther Garrel.

c'est la vie

Con gags tipicamente franceses pero muy desiguales y premiando la cantidad, resulta ser como aquella cena sin sal y que no te levantas para ir la a buscar.Trazos autobiograficos de nuevo, entre los que destacan por su pratica anterior, camareros en banquetes de bodas y el musico de ambiente. Un lujoso banquete perfectamente orquestado y sin fisuras. Nakache y Toledano, siempre "Intocable"(s) por su film del 2011, demuestran aqui que lo son. Y lo hacen agarrandose al idea del guion de una boda, territorio donde la risa y la lagrima son ciertamente mas faciles. Una pareja está a punto de celebrar su boda. Para la organización de uno de los momentos más especiales de su vida han confiado en un hombre que durante años ha coordinado cientos de eventos de este tipo. El lugar elegido es un chateau francés del siglo XVII, con poca potencia de electricidad en un entorno maravilloso en el que, sin embargo, todo, desde los camareros hasta el disc jockey, empezará a descontrolarse. Con su felicidad pendiente de un hilo, los novios vivirán un día que no podrán olvidar.El dúo Olivier Nakache y Eric Toledano, con su nueva comedia C'est la vie. Partiendo de la escena inaugural de su anterior largometraje, Samba, que transcurría en una boda, y de su experiencia pretérita como camareros en este tipo de celebraciones, los realizadores se adentran, con grandes dosis de humor, en la trastienda de un banquete nupcial y muestran los enredos, la tensión y el estrés que sufren todos aquellos, desde los camareros hasta el DJ, que trabajan para que los asistentes disfruten de una velada inolvidable. De este modo, su punto de vista, en el que todo es rutinario, contrasta con la visión de un acontecimiento emocionante para novios e invitados, generando una contraposición que origina los gags de la película. Jean-Pierre Bacri (Un cuento francés), que se involucró desde la redacción del guion en esta cinta de marcado carácter coral, lidera un reparto que también cuenta con Jean-Paul Rouve (Los recuerdos), Gilles Lellouche (Grandes familias) y Suzanne Clément.

Trio: la busqueda del santuario sagrado del

Durante siglos, mucha gente ha estado buscando sin éxito el valioso objeto con poderes curativos que se oculta dentro del legendario Santuario de San Olav. Ahora, unos jóvenes aventureros han conseguido una pista sobre su paradero y se disponen a encontrarlo para ayudar a uno de sus amigos. El único problema es que unos despiadados cazadores de tesoros, liderados por Lady Z, también están interesados en localizar el tesoro y se interpondrán en el camino de los adolescentes. Es una película noruega de género fantástico que se basa en la serie de televisión homónima y se convierte en el tercer largometraje de Eva Dahr, conocida en su país por haber dirigido varios episodios de populares ficciones televisivas. Los tres jóvenes cazatesoros a medida que sortean trampas y resuelven acertijos, la amistad y su propia seguridad estarán cada vez más en peligro, sobre todo cuando se den cuenta de que no son los únicos interesados en encontrar el tesoro. Con la imponente catedral noruega de Nidaros y los paisajes escandinavos de fondo, la cinta se desarrolla en unos escenarios extraordinarios, donde transcurre una aventura para toda la familia. Está protagonizada por los jovencísimos actores Naomi Hasselberg Thorsrud y Bjørnar Lysfoss Hagesveen, protagonistas de la serie Trio, y Henrik Hines Grape, que debuta en la saga.

Petzi i la mar salada

DURACIÓN: 67 min

PAÍS: Alemania, Reino Unido

GÉNERO: Animación

ESTRENO: 26/01/2018

DIRECCIÓN: Michael Bohnenstingl, Johannes Weiland, Paul Cichon

SINOPSIS:

El osito Petzi y sus amigos, el pingüino Pingo y el pelicano Riki, se pasan el día juntos y se quieren mucho. Un día se encuentran con Mary, un barco que parece destartalado pero que con un poco de esfuerzo puede volver a navegar. Juntos, deciden embarcarse en una aventura que los lleva a conocer mundo y a vivir toda clase de experiencias. La amistad, la sorpresa y el descubrimiento son el hilo conductor de las tramas de los seis episodios que conforman la película.

Padmavati

Película india-bengali, la pelicula indi mas cara de todos los tiempos en Bollywood con 200 millones de euros, se comenta por si misma. La película comienza en el siglo XIII en Afganistán , donde Jalaluddin Khilji, de la tribu Khilji , conspira para apoderarse del trono de Delhi . A cambio de proporcionarle un avestruz, su sobrino Alauddin Khilji le pide la mano a su hija Mehrunisa en la boda. La boda de Alauddin está organizada, pero en la noche de la boda, comete adulterio con otra mujer, dejando a su esposa horrorizada. Mientras tanto, el gobernante Rajput Maharawal Ratan Singh viaja a Singala para adquirir perlas raras para su primera esposa. La princesa Singala Padmavati, sin saberlo, hiere a Ratan Singh mientras caza un ciervo. Los dos se enamoran y están casados.

Jalaluddin toma el trono de Delhi y permite a Alauddin repeler una invasión mongola de Delhi .Alauddin emprende una incursión no autorizada en Devagiri . Al enterarse de la ambición de Alauddin de hacerse cargo de su trono, Jalaluddin viaja a Kara , donde también está destinado su sobrino.Alauddin captura a la princesa de Devagiri, a quien molesta y hace parte de su harén . Jalaluddin llega y entrega el esclavo Malik Kafur a Alauddin, quien ha asesinado a Jalaluddin y sus guardias, y se declara sultán .

Padmavati viaja a Mewar con Ratan Singh, pero es codiciado por el sacerdote real de Singh, Raghav Chetan. Chetan es sorprendido mirando a Ratan y Padmavati cuando se besan y es expulsado del reino. La primera esposa de Ratan también está celosa de Padmavati. Chetan viaja a Delhi e informa a Khilji de la belleza de Padmavati. Alauddin envía una invitación a los Rajputs, pero es rechazado. Él ordena un ataque a Chittor después de ser informado del rechazo. Después de muchos intentos infructuosos de atacar a Chittor , Khilji finge la paz y se le permite entrar en Chittor donde se encuentra con Ratan. Él pide ver a Padmavati. Los Rajput conociendo sus intenciones, lo amenazan y le dicen que solo está vivo porque es un invitado. Se le permite ver momentáneamente a Padmavati momentáneamente después de que él insiste en ello para que Chittor se salve de Khilji.

Alauddin toma prisionero a Ratan y exige ver a Padmavati. Al ser insistida por la reina principal, ella acepta y viaja a Delhi para encontrarse con Khilji. Mientras tanto, el sobrino de Alaluddin intenta asesinarlo. Alauddin está herido, pero se defiende. Mientras están en las fronteras del Sultanante, los Rajputs planean emboscar a los soldados Khilji en la mañana, que es el momento de namaaz .Padmavati libera a Ratan con la ayuda de Mehrunisa. Los soldados Khilji que están orando son alertados y atacan, pero son emboscados por los Rajputs disfrazados de mujeres. El ataque de Rajput es rechazado, con la emboscada Rajputs asesinados. Padmavati es aclamado por salvar a Ratan en Chittor y comparado con una diosa.

Alauddin encarcela a Mehrunisa por ayudar a los Rajputs y marcha a Chittor. Él y Ratan participan en un solo duelo, Alauddin es casi derrotado por Ratan, quien es asesinado deshonrosamente por las fuerzas de Khilji al recibir un disparo con flechas, pero regaña a Alauddin por pelear deshonrosamente antes de morir. El ejército Khilji tiene éxito en derrotar a los Rajputs y capturar a Chittor, pero no puede capturar a las mujeres Rajput que cometen jauhar con Padmavati

La revolta dels contes

¿Qué pasaría si Caperucita Roja o Blancanieves hubieran hecho frente a su desdicha con otra actitud? Cuentos revueltos es una película basada en una colección de versos de Roald Dahl, en la que recupera personajes y relatos clásicos conocidos por todos y les da la vuelta introduciendo giros ingeniosos y sorprendentes. La adaptación al cine respeta el espíritu transgresor de Dahl y va un paso más allá al mezclar las historias para crear una nueva y trepidante.

Jakob Schuh y Jan Lachauer, codirectores del film, forman parte del equipo de animadores que adaptaron al cine los populares cuentos El Grúfalo y La escoba voladora, de Julia Donaldson. Expertos en transformar buenos relatos en historias animadas de forma magistral, estos realizadores han querido conmemorar con esta película el centenario del nacimiento de Roald Dahl, uno de los escritores en lengua inglesa más conocidos del siglo XX.

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Ficha técnica:

Título original: Revolting RhymesPaís: Reino UnidoIdioma: Doblada al castellanoAño: 2016Dirección: Jakob Schuh, Jan Lachauer y Bin-Han ToGuion: Cuentos originales de Roald Dahl y Quentin Blake adaptados por Jakob Schuh y Jan LachauerProductora: Magic Light Pictures / BBCMúsica: Ben LocketDuración: 60’

joan tarda

Estimat Joan: com segurament deus recordar, el 2011 vam participar a Donosti, juntament amb Doris Benegas i Ángeles Maestro, en una taula rodona per demanar la llibertat d’Arnaldo Otegi. Una veneçolana, una madrilenya, un català i un italià demanant la llibertat d’un pres polític basc: tot un símbol (i per desgràcia poca cosa més, vista la poca atenció que ens van dedicar tant les autoritats com els mitjans).

“El manifest té el suport de més de 600 destacades personalitats espanyoles i estrangeres, que consideren imprescindible que Otegi surti de la presó per poder encapçalar el procés de renúncia a la violència per part de l’esquerra abertzale i afavorir, amb això, la ràpida consecució de la pau. El manifest que encapçala la campanya defineix Otegi com un pres polític privat de llibertat únicament i exclusivament per la ideologia que professa”, informava un dels pocs diaris que es van fer ressò de la notícia sobre el manifest que llavors presentàvem.

Set anys després, l’estat espanyol persegueix amb el mateix acarnissament els representants electes d’una altra nació oprimida i ignora amb la mateixa barreja d’arrogància i idiotesa (en el més literal i grec sentit del terme) les autoritzades veus que denuncien la tergiversació de les lleis i la manipulació de la justícia.

La història no es repeteix, com creuen els necis i voldrien els immobilistes, però la histèria sí (de fet, és pura repetició mecànica i irracional). I el poble català, com el poble basc (i el gallec, l’andalús, el castellà ...), haurà de respondre -ja ho està fent- a la histèria del poder amb aquesta “arma decisiva” que és la mobilització multitudinària i perseverant. Com diu Chomsky: “Cal parar molta atenció a la ràbia i la por dels poderosos, ja que comprenen molt bé l’abast potencial d’aquesta «arma decisiva» que és la majoria de la població, i intenten que els que lluiten per un món més lliure i més just no assoleixin la mateixa comprensió ni aconsegueixin fer-ne un ús eficaç “.

Els enrabiats i espantats poderosos, tot i tenir els grans mitjans de comunicació al seu servei, no han pogut evitar la generalitzada comprensió que una majoria organitzada és l’“arma de construcció massiva”, com tu has dit; i ara es tracta de donar un ús eficaç a aquesta arma decisiva. De seguir-l’hi donant, perquè ja es va fer, i de manera exemplar, l’1 i el 3 d’octubre del 2017. Els Comitès de Defensa del Referèndum o Comitès de Defensa del Barri van demostrar un grau d’autoorganització admirable quan van fer possible la votació de l’1-O i l’aturada de país del 3-O, una aturada amb aires i auguris de vaga general. I tot fa pensar que, a mesura que augmenti la ràbia repressora, es consolidaran cada cop més les xarxes de confiança teixides durant aquestes històriques jornades de lluita (en què vaig tenir el privilegi de participar defensant les urnes en una escola de Girona).

Deies en una entrevista recent que el diàleg ha de precedir la negociació. I així hauria de ser: la negociació hauria de desprendre’s de manera natural del diàleg, aquest diàleg en el qual Plató va veure el camí més segur cap al coneixement i la comprensió. La negociació hauria de ser un corol·lari del diàleg, el seu benefici col·lateral. El problema és que el poder no dialoga: o coreges el seu monòleg, o et fa callar. I per això negociar amb el poder és com negociar amb els atracadors o els segrestadors: es tracta, simplement, d’evitar mals majors i de salvar els ostatges, ja que l’acostament real -el veritable diàleg- és impossible. Tan impossible amb el poder com imprescindible entre totes les persones i organitzacions que no estan disposades a acceptar que el futur de Catalunya -i de les altres nacions oprimidas- estigui en mans dels hereus del franquisme.

Zama

Tensa y densa pelicula de Lucrecia Martel, diez años despues de La mujer rubia, division en Cannes, en  la que no consigue sugestionarnos ni compensar la dificultad de"entrar" en ella. Adapta un texto novelado de Antonio de  Benedetto (torturado y exiliado escritor argentino),en la que se retrata una epoca de rechazo a la discapacidad, a la diferencia y las castas sociales. Diego de Zama es un funcionario del imperio español del siglo XVIII (1790), que es enviado por la Corona a la ciudad de Asunción. (Aqui la curiosidad de descubrir donde esta Zama, que aparece en la segunda guerra punica, en Africa y el Japon.) Lejos de su familia y amigos, Diego espera la carta del Rey que le aleje de este lugar y le lleve a un destino más prestigioso y menos ignorante, como Buenos Aires. Sin embargo, los años pasan y él acepta sumisamente cualquier tarea y humillación para no empañar sus méritos. Tras perderlo todo en el proceso, se abandona a la lujuria y se une a una partida de soldados en busca de un peligroso bandido. La directora argentina vuelve con un drama colonial de impecable factura visual que aspira a conseguir el Goya a Mejor película iberoamericana. La cinta, que se centra en el descenso a los infiernos de un funcionario de la Corona española en las Indias durante el siglo XVII, se aleja de cualquier afán historicista para contar un relato existencial ambientado en un mundo exuberante, recreado con un naturalismo surrealista, que fue destruido en su afán de ser descubierto. La película también se divide en tres periodos de tiempo diferentes, separados por cuatro años entre sí, donde se refleja la decadencia de un hombre que se va perdiendo, física y mentalmente, en la espera de un destino del imperialismo mas recalcitrante, que nunca llega. Daniel Giménez Cacho (La Cordillera) un puntal en el film que da una gran importancia al sonido y en el que también participan la ganadora del Goya Lola Dueñas (No sé decir adiós), Matheus Nachtergaele (Madre solo hay una) y Juan Minujín.

Mazinger Z infinity

Junji Shimizu se acerca a Mazinger con espeto y de forma diferente. Con un dibujo visualmente mas maduro e interesante, tambien los dialogos de Takahiro Ozawa son mas adultos y coherentes a la hora de analizar los problemas sociales y humanos quiere abordar. Era atrevido tocar el anime mitico y pionero del genero de Go Nagai, convertido en un idolo infantil. La popularidad del enorme robot permanece intacta, su nostalgia en su sitio, al mismo tiempo que aggiorna el anime adaptandolo a la actualidad mundial. Hace 10 años, el Doctor Infierno intentó dominar el mundo con un ejército de bestias mecánicas y fue detenido por Koji Kabuto a los mandos de Mazinger Z. Ahora, Koji trabaja como científico y ha descubierto unos misteriosos restos arqueológicos en la falda del Monte Fuji, de los que emergerá el Infinity, otra arma manejada por el malvado Doctor, podría destruir a la humanidad. Mientras centrales fotónicas de todo el mundo son atacadas, Koji tendrá que decidir si se vuelve a subir a Mazinger Z. Con motivo del 45 aniversario de su primera aparición en forma de manga y anime, el efectivo robot, se reinventa para las nuevas generaciones, pero sin olvidar a sus seguidores más veteranos, en una aventura animada del director de One Piece, que lidera un equipo que cuenta en cada uno de sus apartados con algunos de los mayores expertos de la industria nipona. Todos ellos contribuyen a hacer de la película de mayor escala protagonizada por este robot gigante pilotado por un joven que se cuestiona su capacidad para gestionar la responsabilidad del gran poder que tiene entre sus manos. El film se apoya en las últimas técnicas de animación de Japon, en las que se combina el estilo tradicional con innovaciones digitales para componer espectaculares escenas de acción que muestran la grandeza y el potencial destructivo de los robots. Unsho Ishizuka (Cowboy Bebop), Shotaro Morikubo (Naruto), Bin Shimada (One Piece) y Sumire Uesaka (Overlord) ponen sus voces al servicio de estos icónicos personajes.

Me estas matando Susana

El cine mexicano como el español lucha para dejar su atras su tradicional carpetovinismo y su reconocida casposidad. Para  ello Roberto Sneider en su tercer film, adapta la novela de Jose Agustin, (Ciudades desiertas), en la que una pareja (española-mexicana) se adapta a los nuevos tiempos de la mujer, en una critica velada y en suave broma, al machismo mas recalcitrante. El casting, acertado como pareja, aquello de la quimica, no lo es en lo individual. Gabriel Garcia Bernal seguramente es demasiado dulce para ser tan hijo de su madre, y Veronica Echegui, tambien demasiado adorable para ser "tan" mala. O estan mal dirigidos. Parece apuntar el embrollo que  cada quien tiene que tomar las riendas de su vida, pero que si quieres compartir esta, uno lleva siempre mas riendas que el otro. El compartir igualitario no funciona, por educacion, gustos, personalidad, etc. Un actor secundario con amigotes, latino, fiestas, infidelidades y alcohol, pega poco con una escritora becada en EEUU. Y resulta que el pegamento es polaco. Un carismático pero mediocre actor mexicano es abandonado sin previo aviso ni dar explicaciones por su esposa Susana. Tras conseguir algunas pistas sobre su paradero, se da cuenta de que las cosas en su matrimonio no iban tan bien como pensaba y decide ir en su busca desde México hasta el estado de Iowa. Cuando encuentra a su esposa, nota que está muy cambiada y que no quiere volver con él que tendrá que cambiar mucho si quiere recuperarla. En la película, que se estrenó en la sección oficial del Festival de Málaga, sus dos protagonistas forman un matrimonio desgastado por la convivencia se da cuenta de que está perdiendo al amor de su vida, tiene que enmendar sus errores y enfrentarse a una sociedad estadounidense muy cerrada en sí misma. 

The post/Los archivos del Pentagono

The post es el original de otro desesperante titulo de la distribucion. Trata de un caso anterior al Watergate, momento en que deja Spielberg la accion del film. Esta premonicion de "assange" se dio entre la Casablanca de los Kennedy y Johnson y el propio Nixon y un periodico de segunda categoria, el Washington Post, que a partir de ahi inicio su popularidad. Film muy interesante para comprender como se fundaron y funcionaban los tabloides ahora que practicamente estan en fase de extincion. Un periodismo que representan entre otras opciones la directora y el editor. Publicar los secretos clasificados de la participacion en la guerra del Vietnam en 1971, es ir contra la libertad de expresion o no?. Hay que levantar y mejorar el diario o proteger al gobierno y la nacion.?. Liberal y democrata convencido,Spielberg no destroza a su gobierno del momento (no es Schinder), ni sacude al jefe militar MacNamara. Otra interpretacion sensible y contenida de la Streep, dueña tambien del rotativo, que defiende la libertad con riesgo de su fortuna personal. Tambien distribuye bien el director, los poderes que confluyen en las buenas intenciones norteamericanas, el factico, el economico y el politico. Homenaje de Steven a los valores del periodismo rodado en seis meses, con un matiz mas historicista que creativo. Unos periodistas que para plasmar un reportaje, corrian mucho, dormian poco, fumaban lo que podian y quiza bebian demasiado. El New York Times publica en exclusiva la existencia de un informe que demostraría que lo que se ha contado de la guerra de Vietnam es mentira. En el Washington Post, su editora Katharine Graham y su director Ben Bradley intentan sacar al diario del declive, y se hacen eco de la historia. Juntos, se enfrentarán al gobierno en defensa de la libertad de expresión y revelarán los secretos que cuatro administraciones presidenciales han ocultado durante décadas. Steven Spielberg continúa revisando acontecimientos importantes de la historia americana con un thriller periodístico de factura académica. Poco antes del caso Watergate, el Washington Post, en esta ocasión junto al New York Times, libró una dura batalla a favor de la libertad de expresión contra la administración Nixon, que intentó limitar sus derechos constitucionales para evitar la publicación de los llamados "archivos del Pentágono". Este material en una eficaz y emocionante historia sobre el ideal periodístico de la búsqueda de un estilo de prensa. Ensalza la figura de Katharine Graham y su influencia palpable en el medio escrito de las últimas décadas. Spielberg y los ganadores del Oscar Meryl Streep (Florence Foster Jenkins) y Tom Hanks (Inferno) coinciden por primera vez en la gran pantalla con esta producción que cuenta con Sarah Paulson (Carol), Bob Odenkirk (Nebraska) y Bruce Greenwood (La verdad) como principales secundarios.

El joven Karl Max

Si en su momento les dio pereza leerse el Capital del revolucionario economista, menos le dará ahora recorrer con èl mismo y su inseparable amigo Friedrich Engels, de donde sacaron y como redactaron los panfletos, boletines y estampillas que organizados compusieron finalmente el famoso libro. Curiosamente es mas biopic de  el amigo que de Max, mucho mas imprevisible y tumultuoso, pero Raoul Peck no lo ha visto asi. En las pocas ocasiones en que espolea al personal, resulta en cambio convincente. Con carencias personales, insinuadas levemente en la cinta, es el autor de alguna frases mundialmente celebres en el entorno de la Liga Comunista. Siempre bajo la inspiracion y maestrazgo de Proudhon y la libre y convencional participacion de significados sindicalistas e ideologos como Bakunin o Ruge. No es propaganda. Ofrece todo el protagonismo a las ideas y las va desvelando entre reuniones tensas y biografia detallista donde se forjara el Manifiesto entre otros textos decisivos para la historia moderna en 1848. La juventud es lo que menos preocupa a la direccion de este sucinto analisis social. Un periodista alemán de 26 años comprometido con la realidad social del momento, emprende un viaje junto a su mujer que lo llevará a publicar el Manifiesto Comunista. El recorrido empieza en 1844 en París, cuando conoce a Engels, la pieza del puzzle que le falta para completar su nueva visión del mundo y la sociedad. Entre la censura, las redadas policiales, las revueltas y las conmociones políticas, ambos presidirán el nacimiento del movimiento obrero. Una producción franco-belga dirigida por el haitiano nominado al Oscar Raoul Peck (I am not your negro) y presentada con éxito en la Berlinale. Cuenta la juventud del padre del comunismo a partir de su marcha de Alemania a Paris, donde conocería al pensador Engels, que ya investigaba el nacimiento de la clase obrera británica. La cinta explica el origen del pensamiento que se fue formando en ambos autores sobre la opresión del proletariado y la organización de la sociedad. Asimismo, la película gira entorno a la búsqueda de un ideario por medio de tres personajes: el propio Marx, Engels y Jenny Marx, una mujer revolucionaria y con espíritu crítico. Respetando los conceptos teóricos que introducen estos ideólogos revolucionarios, recrea la atmósfera de la Europa de principios del siglo XIX en plena Revolución Industrial y el idealismo latente de la época. August Diehl (Malditos bastardos) se pone en la piel del filósofo alemán y es acompañado en el reparto principal por Stefan Konarske (Valerian y La ciudad de los mil planetas), Vicky Krieps (Colonia) y Olivier Gourmet.

La guerra

Amb aquest nom aixi de contundent va presentar la seva darrera  exposicio el gens beligerant Ferran Capdevial, al seu poble, Bigues i Riells. El que mai es podra dir de la seva obra en aquesta coleccio es que no sigui autentica ni veritat. A traves de casi 20 anys de recerca per les muntanyes de l'ebre i d'altres indrets  ha anat cercant peces oblidades de restes d'armament, per terra. Aquest es un dels denominadors comuns de l'exposicio. l'autenticitat del material. Tant es aixi que al descobrirles ell a les trinxeres, l'emocio de quins danys hauria fet al esclatar, la bala, bomba, morter o d'altres estris mortifers per alla escampats, captivaba el sentiment. Fa uns anys ja va presentar un decena d'aquestes peces, que ara son unes 30, i veuen la llum al centre civic de Bigues. Al Ferran, multidisciplinar artista, cada forma li suggereix una figura, una escena o un moviment com mes endavant veurem. Moltes de les peces tenen per casualitat visible, el numero de serie, amb que qualsevol expert podria aproximar el lloc, la funcio i la  data de la seva macabra utilitzacio. Destacaria tres obres que expliquen tot plegat. La primera es una mostra del material emprat a la coleccio. Despres "El guardia de nit", un soldat en la posiciio mes comoda que pot adoptar per la misio que esta fent, pero que es la viva imatge del silenci que te per unic company. I tambe un pare abraçant al fill que ha pogut tornar de l 'infern. I en totes les figures la presencia ineludible de la dona, tan important tambe per el nostre autor. L'exposicio de lo mort, dona vida i sobretot futur. Com deia del Ferran, Carme Badia el 2008, ha experimentat una nova forma de explicar la feixuga guerra, dir la amb les desfetes que n'han quedat. "Donar vida a les persones a partir d'una materia feta per donar-los la mort. Per l'exposat fins ara no distinguiriem si la peça fou rescatada al Pallars o a las terres de Ebre, com tampoc quina quantitat de modificacio ha sofert per part de l'escultor, pero imaginem que poca per la capacitat d'imaginacio que disposa. Unes figures poliedriques, per aixo son tan complicades de il.luminar que potser no son avantguardisme , o si, que descobreixen treinta camins o situacions que es donen on es vessa la sang inutilment. Un recorregut per els sentiments, del que no coneixo d'altres recorreguts similars amb tecnica i materials, com no sigui alguna cosa semblant russa fa mes d'un segle. I si em permeteu, destacar les tres obres que voldria tindre a casa si aixo fos posible. "Llibertaria", la presencia a l'exposicio d'una miliciana, aquesta si present i reconeixible. La solidaritat de "Compays" on un soldat ajuda a un ferit, mentre encara es veuen les franjes del fregament del projectils. I "Vençuts" que no morts ni allo de la rabia dels gossos. He dit a casa? Mai!, l'exposicio del Ferran Capdevila que ara sera itinerant ja diran quan i per a on, tindria que ser permanent per denunciarne l'absurditat i fomentar ne la reflexio de l'existencia d'aquesta guerra que ell tan acertadament i sensiblement interpreta. 

El mar nos mira de lejos

Documental de cuidadas imagenes turisticas pero que no ocultan la pobreza que luchan por vencer, a base  de playas paradisiacas y paseos en gua-gua, en la misma distancia que separa al cine de denuncia del comercial. Una experiencia desesperada para unir lo legendario con lo vulgar y cotidiano. El silencio es la voz de la naturaleza y con eso juegan en Doñana y sus habitantes hermitaños al limite del sonido, al borde del viento, embadurnados con el fango de la soledad. Son , dicen algunos, los descendientes de los primitivos colonizadores. Para el director, Manuel Muñoz Rivas, repite actores, aplaca la musica y gustara tanto como Dead slow head. Largometraje de aire documental con que el compite en la sección oficial del Sevilla Festival de Cine Europeo y en el que muestra los usos y costumbres de los últimos habitantes de Doñana. El joven director sevillano ha asegurado a EFE, en conferencia de prensa que se trata de una "película melancólica" porque "el tiempo es su sustancia; la fugacidad de las cosas, y la conciencia del paso del tiempo". El tiempo ha sido protagonista también en la concepción y el rodaje del filme, en el que Muñoz ha trabajado no menos de seis años y que concibió hace ocho: "Lo histórico no me interesaba salvo como excusa sobre el paso del tiempo", ha explicado en alusión a las referencias sobre las expediciones arqueológicas a Doñana de hace cien años en busca de Tartessos.  "Hace cien años estuvieron buscando una ciudad perdida en los mismos lugares que yo he estado buscando elementos que me sedujeran", ha señalado antes de explicar la total ausencia de animales -salvo un perro- en un espacio que, precisamente, se distingue por su inmensa diversidad biológica: "Lo que me interesaba era la dimensión humana y la materialidad del territorio". Los habitantes de Doñana pueden ser los últimos que habiten un medio tan inhóspito, luchando contra la invasión de las dunas, en una naturaleza salvaje azotada por el viento y el sol, empleándose en oficios como la recogida de la piña. De ahí que haya aludido al personaje de la joven que al final de la película queda embarazada, como "una puerta al futuro". Los responsables de la producción del filme han asegurado que es el trabajo más complejo, pero también más hermoso que hayan hecho nunca, y han mostrado su sorpresa ante que, un espacio natural como éste, esté gestionado por varios organismos incomunicados entre sí, lo que han podido constatar a la hora de los permisos para desenvolverse en un espacio u otro.

120 pulsacioness por minuto

Robin Campillo penetra en el jardin del sida con medias de bailarina y patas de elefante para traer a colacion esta enfermedad todavia devastadora. Y lo es como agonia terminal porque obras como esta, le dan un titular parecido a este: si puede ser doloroso pero de momento baila. Sensible en las relaciones personales, pareja enfermo/amante es realista e inconsciente al mostrar  con menos emocion los momentos de placer. Dicen que podemos decidir sobre el final de la vida, pero si este no es querido, nada tiene sentido. A finales de los 80 el film relata las acciones ACT UP del colectivo parisino que advierte, prepara a los jovenes frente a la enfermedad. Algunos de sus protagonistas, ya infectados, denuncian politicamente la situacion  de homofobia que conlleva. Agotadoras asambleas y debates, discusiones, aburren al personal solo acicatados por las verdades tan naturales que se exponen rozando el documental. No descubre el sida como hizo Philadelphia. Su voluntad pedagogica es la misma de hace 25 años. El grupo de jóvenes activistas intenta generar conciencia sobre el SIDA y hacer visible una enfermedad que afecta gravemente al colectivo homosexual. Un nuevo miembro de la asociación, quedará sorprendido ante la radicalidad y energía del protagonista, que gasta su último aliento luchando para que las autoridades dejen de mirar hacia otro lado. El amor y la diferencia de opiniones dentro del grupo se entrelazan en esta historia basada en hechos reales. Ganadora del Gran Premio del Jurado del Festival Cannes y seleccionada por Francia para optar al Premio Oscar a la Mejor película de habla no inglesa, finalmente quedó fuera de la selección de la Academia. La cinta está inspirada en la marcha del orgullo gay de 1989, cuando se crea Act-Up París, una asociación que nace para concienciar a las autoridades y la comunidad científica y farmacéutica de la importancia de investigar sobre el SIDA. Se trató de un grupo que aprovechó eventos de gran difusión y el poder de la imagen para transmitir su mensaje a través de camisetas con el poderoso lema Silencio=Muerte o simbología como el triángulo rosa impuesto a los hombres homosexuales deportados en la Segunda Guerra Mundial, aunque con el vértice hacia arriba para expresar su oposición contra la epidemia que acabó con miles de vidas. Robin Campillo (Eastern Boys) cuenta en este drama social una historia comprometida con la causa, que narra a través de un amor trágico y la división dentro de sus filas después de varias acciones radicales. En el reparto destaca un rostro conocido del cine francés, el argentino Nahuel Pérez (Todos están muertos), al que acompañan Arnaud Valois (Selon Charlie) y una de las nuevas musas del cine galo, Adèle Haenel.

Salvando al reino de oz

Urfin es un astuto y malvado villano que se ha propuesto gobernar el maravilloso mundo de Oz. Tras hacerse con un ejército de soldados de madera, su objetivo es conquistar la Ciudad Esmeralda y rebautizarla como Urfinville. La única esperanza para los habitantes de Oz es Dorothy y su perro Toto, que mientras intentan volver a casa harán equipo con sus grandes amigos El Espantapájaros, El Hombre de Hojalata y El León Cobarde para detener los planes de Urfin y traer de nuevo la paz a Oz. Aunque L. Frank Baum llegó a escribir más de una decena de libros sobre el mundo de Oz (entre ellos, El mago de Oz), se lleva a la gran pantalla el relato escrito por el matemático y novelista ruso Alexander Volkov, que recuperaba a los emblemáticos personajes de la obra de Baum y los situaba ante un nuevo desafío. Esta película de animación, producida en Rusia y dirigida por Fyodor Dmitriev, Darina Shmidt y Vladimir Toropchin, todos ellos expertos del género en el país transcontinental, ofrece al público infantil un fascinante viaje en el que su joven protagonista se descubrirá a sí misma mientras libera la Ciudad Esmeralda de un malvado. Dmitriy Dyuzhev (Showdown in Manila), Konstantin Khabenskiy (Guerra mundial Z) y Sergey Shnurov (Hardcore Henry) ponen voces a los personajes de esta cinta que entre aventuras y gags transmite un beneficioso mensaje sobre la amistad, la solidaridad y el esfuerzo.

los demas dias

Recuerda  este documental aquella película que lanzo a la Watling, Todas hieren..la ultima mata. Porque lo que explica es: La lucha por vivir no puede ser un combate contra la muerte, porque tarde o temprano será una batalla perdida. Esta filosofía es la que se aplica en la unidad de cuidados paliativos del Servicio Madrileño de Salud que dirige el Dr. Pablo Iglesias. Este documental muestra la realidad de esta disciplina médica casi desconocida, así como la de sus pacientes y profesionales, que ante la cámara revelan sus miedos e ilusiones en momentos de humor, alegría y un deseo de vivir hasta el último segundo. Algún día vamos a morir, pero el resto de días no. Con este lema, Los últimos días se presenta como una visión, completamente diferente de la que se puede tener en un principio, sobre el día a día en una unidad de cuidados paliativos. Carlos Agulló (Plot for Peace) dirige este documental que alberga una lección de vida y que, a través de declaraciones de pacientes, enfermeros, médicos y psicólogos, cuenta, desde una perspectiva humanista de la medicina, el viaje emocional que suponen las últimas etapas de la existencia. También lo hace con un tono optimista, en el que hay espacio para el humor y la alegría, que anima a vivir y disfrutar cada segundo hasta el final. El Dr. Pablo Iglesias, del Servicio Madrileño de Salud, se convierte en el protagonista del documental, y con su labor y la manera en que mira con naturalidad a la muerte ofrece una perspectiva de respeto, valor y optimismo ante su inevitabilidad, dejando claro que se puede llegar al final con calidad, afecto, dignidad y sin dolor. Real como la muerte misma. Bine tambien puede ser aparente.

Las heridas del viento

El padre de David ha muerto y éste se ha visto ha obligado a hacerse responsable de su legado y arreglar todos los trámites de la herencia. Mientras recoge las pertenencias y enseres de su progenitor, encuentra entre las cosas unas enigmáticas cartas de amor escritas por otro hombre. Sorprendido y desconcertado ante el hallazgo y la posibilidad de que su padre pudiera haber tenido una aventura secreta, este joven decidirá visitar al desconocido y supuesto amante para descubrir la verdad. El actor, guionista y director teatral Juan Carlos Rubio traslada a la gran pantalla su exitosa obra teatral homónima, dos años en Madrid,  en su ópera prima como realizador cinematográfico. En el film, rodado en riguroso blanco y negro, respeta el tono narrativo y la propuesta estilística para contar una historia emocionante donde drama y lirismo se unen para hablar de vidas ocultas y secretos que cambian por completo la percepción de las personas que más se cree conocer. En interiores y con una atmósfera teatral que recuerda a películas como Amor o Dogville, Las heridas del viento da una gran importancia a la fotografía y la iluminación, que sirve para que sus dos protagonistas no se muestren completamente y se muevan entre luces y sombras. También la banda sonora, interpretada por la cantante italiana Mina, juega un papel crucial y sirve como nexo de unión de un romance escondido en el tiempo. La ganadora del Goya Kiti Manver (Las ovejas no pierden el tren) y Daniel Muriel (Como la espuma) vuelven a interpretar a estos personajes después de hacerlo en las tablas.

Tres anuncios en las afueras/Three billboards outside

El mejor film del año. Bueno, vale, llevamos 4 dias. Pero si que Martin McDonagh, con quien ya nos escondimos unos dias en Brujas, tiene una camara llamada brutalidad. Sin crueldad, va ablandando sus personajes con sensaciones, miradas y complejidad humana. La maestra de ceremonias es la inconmensurable Frances McDormand, la señora Fargo, que con la publicidad de tres vallas en las afueras de su pueblo en Missouri, alienta a la policia local para que investiguen, descubran y castiguen  al asesino de su hija, violada y quemada.La publicidad resulta ser un antidoto al odio y a la violencia. Llega a todos, incluso al asesino presunto y situa a cada uno en su posicion sin escandalos, enfrentamientos ni coleras. Porque la valla deviene el objeto de atraccion. Hay que decir que las vallas de carretera del film por tres meses, tambien lo pasan mal. Prejuicios, tension,empatia con el drama, ridiculo de un situacion enquistada y menospreciada como tantas que hace compartir la accion con el espectador con sombrerazo y vuelta a la sala. Y creame que funciona. Si usted quiere descubrir una infidelidad, cobrar una deuda o encontrar a su perro, ponga 3 vallas publicitarias a la salida de su localidad 3 meses. Antes de que se las quemen habra resuelto su problema. No es caro y tienen garantias de reposicion en caso de accidente. Mejor que internet. Ha pasado casi un año desde que la hija de una vecina de Ebbing, fuera violada y asesinada y la investigación de la policía local, más centrada en otras disputas raciales, no ha conseguido identificar al culpable del atroz crimen. Ante esta situación, esta madre se gasta todos sus ahorros en contratar tres vallas publicitarias en las afueras para resaltar la incompetencia del sheriff que serán sólo el comienzo de un enfrentamiento, cada vez más mediático, entre ella y las autoridades. Triunfadora de la 75ª edición de los Globos de Oro, la última película del director, guionista y oscarizado cortometrajista Martin McDonagh (Siete psicópatas) llega a nuestra cartelera convertida en la rival a batir en la temporada. Es una dramedia con grandes dosis de humor negro que narra la incansable lucha contra la incompetencia y pasividad de las autoridades que investigan el caso. Por primera vez en su filmografía, McDonagh da todo el protagonismo a un personaje femenino, interpretado por la ganadora del Oscar Frances McDormand (¡Ave, César!), a la que convierte en una furibunda heroína que destrozara el status quo de su tranquilo pueblo del Medio Oeste americano. Completan el reparto de este film sobre la pérdida, la injusticia y los juicios morales Sam Rockwell (Poltergeist), Abbie Cornish (Geostorm), Peter Dinklage (Pixels) y el nominado al Oscar Woody Harrelson.

Thi MAi

Patricia Ferreira, va de unos salvajes a otros. Unos en el instituto y los otros en el Vietnam. Tambien ahi lucha la mujer para conseguir su libertad personal.  Para comercializar el asunto, recurre a unos chistes faltones, que el camino vietnamita no merecia. La principal consecuencia es destruir el trabajo excelente de las actrices a las que Dani Rovira saca del camino y las pone en tres apellidos vascos, Machi, solidaria,  Aitana, proxima y Adriana, sensible. Quiza el abuso del chiste facil pueda matar de risa a buena parte del mundo masculino, resolviendo asi de momento el problema. Mientras que las tres amigas se lo pasan de rechupete en la selva. Carmen se está recuperando de la trágica muerte de su hija cuando recibe una carta de una agencia de adopción en la que le comunicaban a ésta que le habían concedido la custodia de Thi Mai, una niña vietnamita. Sin dudarlo, Carmen viaja con sus amigas, que nunca han salido de España, rumbo al país asiático. Allí tendrán que solventar con ingenio muchos obstáculos, algunos relacionados con su inexperiencia y otros con la burocracia, que darán lugar a disparatadas situaciones. La realizadora Patricia Ferreira (El alquimista impaciente) afronta el doble reto de dirigir la primera película española rodada en Vietnam y, a la vez, conseguir transmitir todos los sentimientos de una historia que se mueve descaradamente sobre la delgada línea entre la comedia y la comedia. Ferreira firma una cinta conmovedora, a la par que divertida, en torno al viaje físico y emocional de su protagonista, a la que la tragedia ha golpeado duramente, pero que lucha con esperanza por lograr el inesperado sueño de ser abuela que parecía haberle arrebatado un desafortunado giro del destino. El trío formado por las ganadoras del Goya Carmen Machi (El bar) y Adriana Ozores (Cerca de tu casa) y Aitana Sánchez-Gijón (Maktub) protagoniza esta aventura con espíritu de amistad y la ayuda que brindan las buenas personas que se encuentran en cualquier rincón del mundo donde no faltan los enredos y las situaciones disparatadas. Completan el reparto Pedro Casablanc (Despido procedente) y el también propietario de un premio de la Academia, Dani Rovira.

The jungle bunch

Los amigos de siempre, siguen intentando mantener la paz en la selva, pura la naturaleza y de este modo, conseguir una mayor seguridad personal. Animacion divertida, personajes cariñosos y colores vivaces, son algunos elementos destacables de esta infantil produccion de David Alaux, francesa y fresca. Aunque Maurice nació como pingüino, siempre ha habido un tigre dentro de él. Criado por una tigresa en la jungla, esta ave marina creció como un verdadero felino y aprendió las técnicas del kung fu. Junto a su grupo de amigos, se ha propuesto continuar con el legado de su madre adoptiva, y mantener el orden y la justicia en la selva. Sin embargo, un malvado koala, se convertirá en su principal enemigo y, al mando de un ejército de babuinos, intentará destruir todo el ecosistema. La panda de la selva supone la culminación de un proyecto en el que su director ha invertido 6 años, repartidos en dos series de televisión, todo un éxito en Francia, y un telefilm de dibujos animados. La cinta, que ha empleado a más de 200 especialistas durante dos años de trabajo, supone un nuevo salto evolutivo en la animación francesa y, si bien explora lugares y temáticas comunes en el género, compensa su falta de originalidad con buenas dosis de humor por sus personajes y una aventura alocada y de ritmo vertiginoso. Entre el reparto de voces en su versión original se encuentran experimentados actores de doblaje en el país galo como Paul Borne (Supercondríaco), Jean-Philippe Puymartin (El asalto), Pascal Casanova (Rodin) y Philippe Bozo, que ya fue la voz del pingüino.

Loving Vincent

65000 fotogramas animados, como una stop motion de los personajes de las obras de Van Gogh, componen este inspirado cine oleo que narra los ultimos dias del vitoreado pintor. Insolita Dorota Kobiela, ya triunfadora en varios festivales, penso como Vincent empezar a pintar a los 30 años o hacer cine. Fue Hugh Welchman el otro director quien la sedujo para el proyecto en comun pintando la pelicula con mas de 100 artistas. La trama entretanto estudia la posibilidad de que no se hubiera suicidado el autor. Fotografiado mas de media docena de veces, Resnais gano uno con el, siempre estuvo tambien enfrentado con Gauguin en los  Oscars. Sus films han  vendido su nombre mucho mas que sus cuadros que solamente vendio uno en vida. Francia, verano de 1981. Un joven que recibe una carta de su padre, el cartero Joseph Roulin, con las instrucciones de que la entregue en mano al hermano de su amigo Vincent Van Gogh que vive en París. Sin embargo, nadie conoce el paradero de Theo, y se dice que éste murió poco después del suicidio de Vincent. Ésta y otras "Cartas a Theo", un magnifico libro de arte, servirán como guía para conocer la vida de este inmenso artista, sumergido en la pobreza y la incomprensión, que nunca pudo ver cómo triunfaba su obra. Dorota Kobiela (The Flying Machine) y Hugh Welchman controlan esta  peculiar cinta de animación, la primera de la historia realizada a partir de la técnica pictórica del óleo, en la que se cuenta la turbulenta vida y la misteriosa muerte de Vincent Van Gogh a través de su obra. De este modo, 120 cuadros del genio holandés cobran vida y movimiento gracias a un nutrido grupo de pintores de todo el mundo, que imitan el característico estilo de Van Gogh. Las imágenes-lienzos interpretan las propias cartas del pintor postimpresionista y muestra al hombre detrás de la leyenda sumido en la miseria y la depresión al ver que su obra no era comprendida y su amor no correspondido. Rodada con actores reales, con cada escena plasmada posteriormente en la tela, la película cuenta en su reparto con intérpretes como Douglas Booth (Orgullo+Prejuicio+Zombis), Chris O'Dowd (Molly's Game), la nominada al Oscar Saoirse Ronan (Brooklyn) o Robert Gulacz.

Most Beautiful island

Poderosa muestra de las diferencias sociales en nuestro pobre mundo. Esto en la primera parte. La segunda, casi un plano fijo como en la estrategia de la araña, deja libre nuestra imaginacion para poder volar por todos los generos, desde el thriller de secuestros, pasando por el porno hasta el gastronomico. Un carrusel de emociones muy bien rodado por 80 minutos. Homenaje a su padre de Ana Asensio. Buscando siempre la simpatia hacia la protagonista y sus compañeras de viaje, a veces el  dialogo, inexperto es corto o demasiado largo. Luciendo en festivales el film es una sorpresa agradable, tanto como desagradable es su tematica aracnida. En su triple papel cuenta con la experiencia propia su estancia en NY. Una inmigrante española que sobrevive como puede en Nueva York con sus dos hijos. Sin papeles, encadena diferentes trabajos de sueldo ruinoso para conseguir llegar a fin de mes mientras huye de un pasado que la atormenta. Un día, su ya de por sí angustiosa vida se volverá más insoportable cuando una serie de acontecimientos la conviertan en parte crucial de un juego cruel donde las mentes se retuercen y las personas corren un peligro real, todo para el perverso disfrute de unos cuantos privilegiados. La actriz Ana Asensio (Carne cruda) escribe, produce, dirige y también protagoniza su ópera prima, Most Beautiful Island, en la que cuenta su propia experiencia donde tuvo que malvivir durante meses a la espera de un visado. La Gran Manzana. tambien helada en este caso se convierte en el escenario de esta historia intimista sobre la soledad y la identidad que aporta una visión nada edulcorada del sueño americano. Asensio vuelca en la película aquellos sentimientos de ansiedad, desesperación y vulnerabilidad, así como alguna que otra situación límite, y los convierte en un thriller dramático donde la protagonista se enfrenta a un auténtico juego mortal. El film cuenta con un reparto que mezcla intérpretes profesionales como Natasha Romanova (El amor está en el aire), Larry Fessenden (Callback) o Caprice Benedetti (Pactar con el diablo) con otros amateur, que se enfrentan a escenas improvisadas o rodadas en una sola toma que contribuyen al tono crudo, inmediato y realista de la producción.

El instante mas osuro

Cantan los del Oscar que ya lo tiene Gary Oldman. A pesar de su botox, su verborrea monologuista y su externa movilidad. Para Jo Wright otro film correcto no redondo pero patriotico. No difiere mucho del trato al personaje de las otras 3 producciones sobre Churchill de este año. Escenas veridicas, la del metro, con sentimiento de Brexit y para demostrar que es una película, varias capas de maquillaje. Contra todo pronóstico, Winston Churchill, brillante estadista e influyente político en el Parlamento, se convierte en Primer Ministro en 1940, tiempos desesperados donde las tropas nazis avanzan sin apenas resistencia. Con 300.000 soldados británicos atrapados en Dunkerque, las dudas del Rey Jorge VI sobre su persona y la amenaza de una invasión inminente, Churchill deberá tomar una decisión histórica: firmar la paz con Hitler a un alto precio o luchar en una gran inferioridad de condiciones. De las tres caracterizaciones de Winston Churchill que han surgido en los últimos meses, la que ha supuesto una transformación más radical ha sido la que ha llevado a cabo el nominado al Oscar Gary Oldman. La cinta del director Joe Wright (Pan: Viaje a Nunca Jamás) sirve al actor británico para una interpretacion que trasciende la figura histórica de Churchill para mostrar sus dudas y falta de confianza, refleja cómo consiguió superar cada adversidad gracias a su dominio del poder de la palabra y el apoyo incondicional de su esposa. Junto a Oldman, intérpretes de la talla de la nominada al Oscar Kristin Scott Thomas (Suite francesa), Ben Mendelsohn (Rogue One: Una historia de Star Wars) y Lily James. Y el Oscar seria pues para los que Churchill han sido: Dudley Field Malone,  Peter Sellers, Richard Burton, Simon Ward, Warren Clarke, Wensley Pithey, Timothy West , William Hootkins, Robert Hardy,  Bob Hoskins, Albert Finney, Ian Mune, Rod Taylor, Brendan Gleeson, Ian McNeice, Timothy Spall o Brian Cox.

El extranjero/ The foreigner

Martin Campbell es aqui, el utillero de su protagonista, aunque no lo parece, Jackie Chan, ya entrado en la madurez. Entre ambos nos hacen creer que la interpretacion cinematografica es intentar llorar y beber litros de whisky a gritos. Quiza por esto no se veia bien el guion y lo que seria una venganza del debil al uso se convierte en un  melon donde caben todos menos ud y yo. Un film donde a poco, veriamos a los terroristas del IRA dando le al samurai. Un hombre emigrante regenta un humilde restaurante londinense. Con un pasado oscuro que parecía haber quedado atrás, su hija es asesinada en un atentado terrorista. Para encontrar a los culpables recurrirá al viceprimer ministro irlandés, de antiguas raíces con el IRA, dando lugar a un juego en el que deberán afrontar todo lo que fueron e hicieron mientras intentan identificar a los asesinos. Martin Campbell (Green Lantern (Linterna Verde)),  artesano del cine de acción y experto en reinventar tanto sagas (Casino Royale) como viejos héroes (Al límite) recupera a Jackie Chan, que  defiende su papel más dramático. Pierce Brosnan (Canción de Nueva York), al que el propio Campbell convirtió en James Bond en Goldeneye, interpreta al antagonista de este thriller político que enfrenta a dos hombres contra el pasado que creían haber dejado atrás en una historia de justicia, venganza y redención. El film, que adapta la novela de Stephen Leather, ofrece peleas cuerpo a cuerpo (coreografiadas por el propio Chan a sus 63 años) y dosis de intriga política en un entorno actual donde se difumina la línea que separa a buenos y malos. Completan el reparto interpretes británicos como Michael McElhatton (La casa de la esperanza) y Dermot Crowley.

Wonderstruck el museo de las maravillas

La poesia en el cine siempre pesa. Practicamente se escriben igual. Un film creado para el silencio. Gestualidad poetica en los actores, silencio entre las epocas, la musica de Carter Burwell y los ruidos cotidianos son las unicas muestras sonoras del planeta vivo. Es un film para tener al lado un interprete de los signos, del mismo modo que estan presentados los titulos de credito. Todd Hayes, es un virtuoso, estilista y amanerado director que rueda con letra redondilla artesanal. En 1927 una niña sorda esta sobreprotegida por su padre y fascinada con la actriz de Hollywood que protagoniza su libro de recuerdos. Cuando descubre que estrenará una obra de teatro en Nueva York, parte en su busca. En 1977 un joven que acaba de perder la audición y que, tras la muerte de su madre, escapa a Manhattan para encontrar a su desconocido padre. Su discapacidad les hará vivir aventuras emocionantes y peligrosas, que se desarrollarán con una gran simetría. Adaptación de la novela escrita por Brian Selznick, a su vez guionista del film. Al igual que en otro de sus libros llevado al cine (La invención de Hugo) esta historia da una gran importancia a la imagen, medio a través del que experimentan el mundo sus dos protagonistas, con dos diferentes tipos de sordera, en una aventura cercana al realismo mágico en la ciudad de Nueva York. Las formas en las que estos niños se adaptan a su falta de audición, que ya eran tratadas con una narrativa diferente en el material original, se convierten en la cinta en dos historias paralelas, una con el blanco y negro y las formas del cine mudo ambientada en los años 20, y la otra con el color y la banda sonora en una Manhattan de los años 70 recreada al detalle. Oakes Fegley (Peter y el dragón) y la debutante Millicent Simmonds lideran el reparto de esta fábula sobre la infancia que establece un dialogo entre dos momentos muy diferentes de la Gran Manzana con el Museo Americano de Historia Natural como nexo de unión. Completan el reparto la oscarizada Julianne Moore (Kingsman: El círculo de oro) y la nominada a los premios de la Academia Michelle Williams. Si ve en algun momento el signo de la cabeza inclinada con la palma de la mano en la mejilla es que se habra dormido. Una lastima porque estaba frente el poema cinematografico del año.

Que fue de Brad

Golpe bajo de Mike White (la serie Iluminada) cuestionando la sociedad actual, con la cuerda floja de la tragicomedia y como  funambulista la comicidad excentrica de Ben Stiller. Versatil actor, igual le da un barrido que un fregado, controla a la perfeccion la gestualidad como las emociones. Con su hijo unico y dotado para la musica en el film, visita varias universidades que por su posicion social puedan irle bien, como a sus amigos de juventud. Cuatro de ellos, (White es uno), las historias de su vida, le hacen caer en la frustacion mas devoradora. Y ya estamos hablando de Brad y no de Ben. Y de Hollywood, donde las apariencias engañan mas que en otro lugar. Con la vida llena de dudas, con el resultado de fracaso, y sigo hablando de Brad, descontento con su estatus, lucha por el porvenir de su hijo en la Costa Este. Cuando su hijo está a punto de entrar en la universidad de Boston, Brad se ve sumergido en una crisis de confianza. Tiene una carrera satisfactoria y una familia feliz gracias a su dulce esposa, pero cuando vuelve a su antigua facultad, no puede evitar compararse con ellos. Brad se obsesiona y comienza a preguntarse si ha fracasado durante todo este tiempo o si podía aspirar a algo mejor. El director, escritor y actor estadounidense Mike White (Chuck and Buck, Escuela de Rock) reflexiona en la cinta sobre un hombre maduro de 50 años que se plantea si ha estado a la altura de sus expectativas cuando se encuentra con un pez gordo de Hollywood, el fundador de un fondo de alto riesgo, un empresario tecnológico y un experto político y autor superventas. Mientras imagina sus vidas adineradas y glamurosas, el protagonista se pregunta si su acogedora vida doméstica de clase media es lo mejor a lo que podía aspirar. El reparto cuenta ademas de Ben Stiller (Zoolander, Noche en el museo), que está acompañado por Michael Sheen (Frost contra Nixon), Jenna Fischer (Carta blanca), Luke Wilson (Aquellas juergas universitarias) y Jemaine Clement. Ah!, y Brad Pitt como coproductor.