Gloria Bell

Remake de Gloria de 2013, que ha dirigido, no es cosa corriente el mismo director Sebastian Lelio, como decia  Irvin Kershner qu esiempre ordaba segundas partes porque no le gustaba el primer film. Hay cambios, pero sencillos, de epoca, de prisa, de lugares , de idioma y sobre todo de finales. En la primera hay un cambio de vida i en la otra es otro final qe no dedus¡szco por aquello del spoiler. Un pòco de romace, con mas lentitud, drama y comedia ala vez hace del film una película mas, sin mayor Gloria.  Gloria es una oficinista divorciada que compensa las muchas horas que pasa en su aburrido trabajo con noches de baile en las pistas de las discotecas de Los Ángeles. Espíritu libre y acostumbrada a dejarse llevar, Gloria conocerá en una de estas escapadas a Arnold, junto al que se verá inmersa en un emocionante e inesperado romance. Mientras experimentan las sensaciones del nuevo amor también deberán afrontar las complicaciones familiares, de identidad y del mundo de las citas que ello conlleva.

Sebasián Lelio ( Una mujer fantástica) dirige este remake de uno de sus más exitosos filmes, Gloria. Con el interés de la oscarizada actriz Julianne Moore ( Bel Canto. La última función) en interpretar a esta mujer de espíritu libre en un romance incipiente como principal motivación para reformular esta historia, el cineasta chileno compone una película que respeta el ADN del material original, a la vez que renueva su tono, contexto y lenguaje cinematográfico. El resultado es un profundo, intenso y completamente novedoso retrato emocional de un poderoso personaje femenino, una mujer sin apenas influencia sobre las personas que le rodean pero que, sin embargo, es capaz de hacer al espectador partícipe de sus sentimientos de rebeldía (contra una anodina vida) y determinación por ser escuchada y feliz. John Turturro ( Transformers: El último caballero) comparte planos con Moore en Gloria Bell, un romance entre cincuentones que demuestra que nunca es tarde para enamorarse. Completan el reparto rostros conocidos como los de Jeanne Tripplehorn (Mentes criminales), Sean Astin (Stranger Things) y Michael Cera ( Mollys Game).

                                           

Buñuel en el laberinto de las tortugas

Una cinta de anime con un dibujo muy sencillo que no deja nada bien al maestro Buñuel. Salvador Simo  adapta para el rodaje el nombre de Fermin Solis, responsable de  los dibujos que nos revelan una relacion nada recomendable con la mujer del cineasta, asi como su dificil relacion con Acin i Unik a los que utiliza para reconstruir una nada agradable del film documental.  Es la preparacion, los preparativos del rodaje en 1930.  y que fue vetado por el gobierno de la republica por sus crueles imagenes. LasHurdes como metáfora de la España paupérrima, anclada en un pasado remoto. Las Hurdes en contraposición con la España moderna (convulsa y contradictoria también, por supuesto) de la II República. El documental ‘Las Hurdes: tierra sin pan’ que marcó a Luis Buñuel tras su fulgurante arranque de su carrera en el cine con ‘El perro andaluz y ‘La edad de oro’ se revisita en el Festival de Málaga. Tras su éxito de proyección en certámenes internacionales, ‘Buñuel, en el laberinto de las tortugas’ se estrenó en salas con ganas de encontrar para el director (un loco genial) un nuevo público. Se ha elegido la animación y funciona como una película de buenos personajes. Una cinta que permite conocer a uno de los mejores directores de la historia del cine, un innovador que creó un lenguaje rompedor.Cuenta esta historia quién era Buñuel, con varios flash-back a su Calanda natal, también a París, pero sobre todo la del anarquista Ramón Acín, el gran amigo del cineasta, quien financió el documental tras haberle tocado 20.000 pesetas en la Lotería Nacional. “Cuando mi padre hablaba de Ramón se le cortaba la voz. Tenían entre ellos una amistad increíble”, le dijo Juan Luis Buñuel, el hijo de Luis, antes de morir hace unos años, a Salvador Simó, el director de la película de animación, que firmo acompañado de un sombrero y su jet-lag.

Acín cumplió la promesa de pagarle la película si conseguía el premio. Y este hombre amante de la palabra servía como contrapunto de Buñuel hasta tal punto que en la cinta crece para situarse en un plano mucho más protagonista del que en principio había diseñado Simó. “Él es todo genio, con sus contradicciones, con sus pasados y sus complejos”.El poder de la animación permite contar las cosas con otro ángulo. Aquí también con la figura omnipresente (con su ‘autoritas’ e motor de su vocación artística) del padre; y esos mundos oníricos y el surrealismo que tanto compartió con Salvador Dalí. En este documental Buñuel se aleja de la inevitable influencia de Dalí en ambos planos: el de la amistad y el cinematográfico.

“Cuando mis abuelos me contaban cuentos antes de acostarme, la mente ya estaba predispuesta a crear un mundo que no existe. Con la animación pasa lo mismo: estás proclive a que te presenten un mundo increíble”.

Se trata de una película, ya vendida a 35 países, que funciona con tres planos diferenciados y al mismo tiempo interconectados. Primero: lo que ocurría en ese momento en Las Hurdes, un lugar donde las familias conviven en el mismo espacio con animales, donde se despeñan las cabras y las cabezas de gallos se cortan de cuajo. Una tierra sin pan donde el panadero era quien mendigaba los mendrugos de pan que luego repartía. Y con cadáveres en la calle. 

Segundo: la representación dramática que Buñuel ideó y plasmó en su obra, una denuncia política de lo que pasaba en aquel momento en el que solo la burguesía iba al cine y estaban acostumbrados a ver en la pantalla historias de ellos mismos. Por primera vez se da voz a los que no la tienen.

Tercero: lo que Simó ha logrado captar tras visionar una y otra vez, tanto el documental como los descartes. “En algunas partes hemos hecho una deconstrucción, intentando analizar los planos y cómo los pudo rodar Buñuel. No quería hacer un documental al uso, sino contar una historia de amistad y que el espectador pudiera empatizar con lo que estaba viendo”.Las Hurdes continúa siendo un lugar misterioso. Como recuerda Sergio del Molino en su capítulo ‘Tribus no contactadas’ de su exitoso ensayo ‘La España vacía,’ ya en 1846 Pascual Madoz definía a los habitantes de Las Hurdes como “raza degenerada e indolente”, “borrón de la civilización española”, “salvajes” e “inmorales”. “Las Hurdes eran la medida de todas la miserias, todas las regiones presumían de sus propias Hurdes”.

Y Simó, al igual que Dalí, se da cuenta hablando con las gentes de Las Hurdes lo sorprendente del espacio físico donde se encuentra, donde para el ver el cielo hay que levantar la cabeza, los valles te encierran y la claustrofobia puede aparecer. “Puede resultar como una cuna, que te protege y arropa”.

Diplomacia

Título original

Diplomatie

Año

2014

Duración

80 min.

País

 Francia

Dirección

Volker Schlöndorff

Guion

Volker Schlöndorff, Cyril Gely (Teatro: Cyril Gely)

Música

Jörg Lemberg

Fotografía

Michel Amathieu

Reparto

André Dussollier, Niels Arestrup, Robert Stadlober, Paula Beer, Burghart Klaußner,Charlie Nelson, Jean-Marc Roulot

Productora

Coproducción Francia-Alemania; Film Oblige / Blueprint Film / Gaumont

Género

Drama | II Guerra Mundial. Basado en hechos reales. Nazismo

Sinopsis

El cónsul sueco (Dussollier) debe entrevistarse en el hotel Meurice con Dietrich von Choltitz (Arestrup), el gobernador militar alemán de París, miembro de un linaje de militares prusianos muy disciplinados. La misión del cónsul consiste en convencer al general para que no ejecute la orden de activar los explosivos que harían volar todos los puentes de la capital francesa: el Louvre, Nôtre-Dame, la Torre Eiffel, quedarian inundados. Se trata de impedir que "arda París", como ha ordenado Hitler.

Premios

2014: Premios César: Mejor guión adaptado

2014: Seminci de Valladolid: Mejor director y mejor actor (Niels Arestrup)

2014: Festival Internacional de Shanghai: Mejor guión

"Lo que propone el director alemán es apasionante. Schlöndorff se limita a encerrar en una habitación la sombra de un dilema de monstruosas consecuencias, que siendo reales no se consumaron"  

"Destaca por su ausencia de maniqueísmo, pero es capaz de salir de los baches previos" 

"Pieza teatral que no reniega de su condición. Un trabajo de actores que se repasan brillantemente las excelencias de una ciudad irrompible y los matices psicológicos de la banalidad del mal"

"Plano y contraplano sumergen al espectador en un contexto histórico y emocional de altísimo nivel, aunque conozcamos el desenlace de antemano. En suma, una película memorable"

 

"Una película admirable, una lección de historia y de cine (...) 'Diplomacia' debería proyectarse en las escuelas. (...) Véanla, corran.

"Puede que la película peque de un cierto academicismo, pero cabe elogiar el tacto con el que Schlöndorf maneja a sus actores"

 

"El principal suspense en esta fascinante película viene generado por la cortés, y luego no tan cortés, ferocidad de las discusiones entre los dos hombres." 

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Terry Willy planeta desconocido

Antes de que el hijo de Will Smith transitara solo por un planeta lleno de peligros en la seguro peor película de M. Night Shyamalan, After Earth, Robinson Crusoe ya se había encontrado abandonado a su suerte en Marte. Orbitando tanto el flojo film con Jaden Smith como el pequeño clásico dirigido por el especialista Byron Haskin, Terra Willy: planeta desconocido une la aventura de supervivencia (infantil) con el acercamiento a ese género por parte de intocables de la literatura como Daniel Defoe o Julio Verne. Como si de un Julio Verne se tratara (lógico: este largometraje de animación comparte la nacionalidad francesa), la película permite reconocer en su orografía, en la de ese mundo peligroso y desconocido, al centro de la tierra que visitara Otto Lidenbrock, la isla misteriosa a la que arribaran los fugados de un penal militar, y los dos años de vacaciones como náufrago de unos chavales no muy alejados al protagonista del film que nos ocupa.

No es, con todo, lo más importante el legado aventurero de esta odisea, este regreso a casa, protagonizado por un niño y un robot, al cual se unirá un ser que acaba pareciendo una suerte de copia del Desdentao de la trilogía Como entrenar a tu dragón (lo más endeble de la propuesta). Aparte de la continua lucha del crío contra las criaturas ciclópeas y el medio ambiente hostil del planeta desconocido (una nietzscheniana lección rápida sobre el dolor, el esfuerzo y las metas en la vida), Terra Willy… es la crónica de la desaparición (casi sin darse cuenta) del niño para dar paso a la del adolescente, el prospecto de adulto presto ya a abrazar la amargura en la mirada, incluso en la alegría del abrazo en un reencuentro. Tan iniciática y crepuscular respecto al fin de la infancia como el Walkabout de Nicholas Roeg o el cortometraje Amblin del recién citado autor de Encuentros en la tercera fase, la cinta firmada por Éric Tosti sigue ese sendero de madurez a la fuerza y prematura con un bonito distanciamiento sentimental, personificado en la figura del robot de salvamento, aprendiendo a entender la diferencia entre un estado de ánimo y un sentimiento.

la cancion de nuestra vida/The Joey with love

Joey y Rory Feek eran un matrimonio que había alcanzado la gloria musical como cantantes de country. Sin embargo, esta pareja decidió que quería algo más en su vida, de manera que dejó su carrera musical a un lado para volver a sus raíces e instalarse en una pequeña granja en el lugar donde nacieron. Creían que Dios les daría una buena historia que contar y así fue, una de amor a su hija Indiana, que nació con Síndrome de Down, y de esperanza, protagonizada por la lucha de Joey contra el cáncer. Durante dos años y medio, el matrimonio formado por Joey y Roy Feek, un dúo musical que arrasó en las listas de ventas de EE.UU. y llegó a protagonizar su propio show televisivo, rodó algunos de los momentos más íntimos de su vida cuando, ante la llegada de su primer hijo, decidieron apartarse de los focos y llevar una vida tranquila y sencilla en una granja de su localidad natal. Finalmente, aquellas filmaciones se convirtieron en un documental que emocionó a la sociedad americana, conmovida por esta historia de amor, vida y esperanza capaz de sobrevivir a las peores adversidades que es contada con valentía y confianza por sus propios protagonistas. El nacimiento de Indiana, una pequeña con Síndrome de Down, y la complicada lucha de Joey contra un cáncer al que finalmente sucumbió son los momentos principales que aborda La canción de nuestra vida, una película sobre una familia de héroes de lo cotidiano con una inquebrantable fe en algo mucho más grande que ellos. Las canciones que llevaron al éxito a esta pareja también juegan un papel fundamental como banda sonora de la cinta.

Un corazon extraordinario

Es bueno que un film sencillo pero dificil de digerir haya quimica entre sus protagonista y sobretodo si son de edades diferentes. Nos dice tambien el film que la emocion para sobrevivir es siempre superior a la del enamoramiento la patria por ejemplo. Complicaciones cardiacas mueven los hilos de la relacion del joven cardiologo con su padre, que agobiado por el, va endosarle un enfermo grave que le hara reaccionar y salir se del  circulo de amores ocultos, diversion sin fin y noches de alcohol eternas. Lenny es un joven treintañero de carácter irresponsable y malcriado. Para poner fin a esta indeseable actitud, su padre, un respetado cardiólogo, le obliga a pasar tiempo con David, uno de sus pacientes adolescentes aquejado de una grave enfermedad del corazón. A medida que se vayan conociendo, entre los dos surgirá una extraordinaria relación de amistad que llevará a Lenny a hacer cualquier cosa y romper todas las reglas que sean necesarias para cumplir cada uno de los deseos de su nuevo amigo. El periodista Lars Amend escribió, junto a Daniel Meyer, una novela basada en su propia historia que se convirtió en todo un best seller en Alemania. Ahora, este libro se convierte en un largometraje dirigido por Marc Rothemund (Cita a ciegas con la vida). Dosis de humor, ternura y emoción en la línea de otras comedias dramáticas europeas (como Intocable). A medida que el primero muestre los placeres de la vida al segundo, el otro conseguirá que saque a relucir la mejor versión de sí mismo. Con un tono amable y lleno de humanidad, pero sin frivolizar sobre la enfermedad, la cinta conmueve al espectador y le arranca risas a través de gags y situaciones fruto de las ocurrencias de su pareja protagonista, a la vez que le habla sobre madurar y preocuparse por los demás. Elyas M´Barek ( Bienvenidos a Alemania ) y el debutante Philip Noah Schwarz interpretan estos personajes de clase y perspectiva vital radicalmente opuesta. Les acompañan Uwe Preuss ( Cita a ciegas con la vida ) y Nadine Wrietz.

Los Fixies amigos secretos

Los Fixies son unos seres diminutos capaces de arreglar todo tipo de dispositivos electrónicos. Nadie sabe de su existencia, excepto el profesor Eugenio y un niño llamado Tom Thomas. El nuevo invento del científico, una increíble pulsera, provocará que Fuego, una de estas criaturas, se convierta en una fuerza destructiva e incontrolable. El resto de Fixies, junto a Eugenio, Tom y su compañera de colegio Katya, tendrán que salvar la ciudad y evitar que el mundo descubra a estos personajes. Basada en una serie de televisión exitosa en Rusia, Vasiko la convierte en una divertida cinta de dibujos que sigue las aventuras de un grupo de minúsculas criaturas especialistas en arreglar cualquier aparato electrónico. Vasiko Bedoshvili, Andrey Kolpin e Ivan Pshonkin, responsables de la producción original, dirigen esta película de acción y aventuras donde uno de estos simpáticos personajes se convertirá en una fuerza incontrolable y obligará a sus compañeros, y unos cuantos humanos que mantienen el secreto de su existencia, a intentar impedir la destrucción de la ciudad. A través de las últimas tecnologías de animación digital, la cinta transmite un poderoso mensaje de amistad y trabajo en equipo que hará las delicias de los más pequeños de la casa, a la vez que reflexiona de manera velada sobre las adicciones. Dmitriy Nazarov ( Largo Winch. Conspiración en Birmania ), Bill Nye ( Blindspot ), el humorista Aleksandr Pushnoy y la debutante Larisa Brokhman son el reparto de voces, en su versión original, de un film que también incluye aceptables números musicales. Título V.O.: Fiksiki: Bolshoy sekret.

La Llorona/ yhe curse of la llorona

Una madre soltera, con dos hijos tiene que dirimir con un clerigo  la custodia de los mismos, cuando este solo quiere asustarles. Michel Chaves conduce el film de terror con tranquilidad, con algun susto muy sobado, sin estar interesado en algun tipo de tension aunque fuera dolorosa. Es como una pelicula de prueba para el proximo Expediente Warren (que le han encargado). Catalogo de supersticiones mexicanas, con acciones mas que previsibles del curandero, (una especie de hombre del saco)si que demuestra gusto per la imagen en secuencias como la de la piscina y el paraguas.
Podeis escoger otras pero Chaves no oculta su interes por la bruja blair, La monja o Anabelle. Estamos en Los Angeles de 1973 donde tiene continuidad una leyenda del siglo XVII que persigue a esta viuda asistente social que no pudo evitar la muerte de los dos niños que ahogo en un ataque de celos..
La llorona es un personaje de la ideosincracia y del folklore mexicana. Nacio cinematograficamente, en 1933,para renovarse en 1960 y el 1963. Escéptica en una ciudad religiosa y supersticiosa, se enfrenta al caso de una madre que, por miedo, ha encerrado a sus pequeños en un armario. Tras hacer caso omiso a las advertencias de esta mujer, Anna la liberara La Llorona, un terrible fantasma que ataca a los niños y ahora quiere a los suyos. James Wan (Aquaman) apadrina el debut como director peruano de Michael Chaves en una cinta de terror enmarcada dentro del macabro universo cinematográfico levantado a partir de la saga Expediente Warren y sus diversos spin offs . En esta ocasión, la protagonista es La Llorona, una de las grandes leyendas populares del personificada en el espectro de una mujer que, tras asesinar a sus hijos y después suicidarse, vaga por el mundo en busca de niños con los que reemplazarlos. Con este material como punto de partida, el film ofrece una historia repleta de sustos, donde una trabajadora social tendrá que enfrentarse a este mal sobrenatural a la vez que intenta conciliar su profesión y el cuidado de sus retoños con el dolor por la pérdida de su marido aún reciente. Para ayudarle en esta labor, contará con la ayuda de un sacerdote experimentado en la lucha contra un personaje que ha atemorizado a decenas de generaciones. Linda Cardellini ( Green Book ) lidera el reparto de una película repleta de reconocibles intérpretes latinos como Patricia Velasquez ( Cenizas eternas ), Raymond Cruz ( Breaking Bad ), Tony Amendola ( Annabelle ) y Marisol Ramírez ( 911 ), como la villana.

La espia roja /Red Joan

Trevor Nunn apuesta por una cosa muy dificil. comentar  el final de la pelicula, por otro lado sabido porque esta basada en los datos reales de una espia britanica. El MI5 detiene una madrugada a una joven sospechosa de espiar para los sovieticos. Con una infinidad de flash backs en los que se defienden decenas de cosas como la incomprension de su hijo, los valors que definen la traicion y los ideales en una fase de costruccion de la bomba atomica. Sin tension,con spoileer, la pelicula, mirando un horizonte esperanza, y asi empatizar con el enemigo. Envuelta en un halo de misterio hasta el día de su muerte, Melita Norwood se convirtió en la espía británica que más años estuvo al servicio de la KGB, en los años 40; una vida apasionante que la escritora Jennie Rooney inmortalizó en una novela. Con este material y los hechos reales como base, la espía da forma a una película que transita entre el drama histórico y el thriller de agentes secretos. Respetado director teatral, Trevor Nunn (Noche de reyes o lo que vosotros queráis) presenta esta historia, dividida entre el presente y los turbulentos años anteriores y posteriores a la Segunda Guerra Mundial, repleta de romance y profundos dilemas morales. A través del interrogatorio de la inteligencia británica a una anciana, el espectador descubrirá los años de juventud de este poderoso personaje femenino desde sus primeros contactos con el comunismo hasta la época en la que, como investigadora de un programa nuclear, formó parte del Círculo de Espías de Cambridge que trabajó para la unión soviética. Judi Dench, vuelve a su personaje Bond ( Asesinato en el Orient Express ) funcionaria del Mi cuando los movimientos comunistas tenian sentido y Sophie Cookson ( Kingsman: El círculo de oro ) interpretan a esta antiheroína que traicionó a su país por motivos más humanitarios que políticos. Completan el reparto Stephen Campbell Moore ( En tiempo de brujas ) y Tom Hughes. En el interrogatorio, esta anciana recuerda su vida en 1938, cuando se enamoró de un estudiante ruso que la introdujo en el comunismo. Durante la Segunda Guerra Mundial, Joan participó en un proyecto secreto para desarrollar una bomba atómica. En una situación privilegiada, pero avergonzada por el horror de semejante arma, Joan tuvo que decidir entre ser leal a su país y salvar al planeta de la autodestrucció.

Gracias a dios

Esta en la boca de todos.Y es que el cine, en el tema de la pedestaria, debe pedir mucho perdon tambien. François Ozon cuida los detalles, los ambientes y la accion a traves de un detective que intenta solucionar un caso. Mirado el tema desde las victimas, consigue no hacer demagogia  Soportado por la interpretacion de tres actores completamente imbuidos en su papel, explicando la intimidad de hombres heridos en su infancia, con hechos reales que no es facil. Un padre  de familia, catolico, cristiano y de momento creyente lo hace publicoy encontranse con la dura muralla de la iglesia y su mecanismos de proteccion y defensa.Divida en dos parte, narra la historia desde los dos puntos  vista, victima y acosador. Polemica en Berlin donde, el director, no solo defendio su pelicula sino que amplio el asunto a otros campos sociales como el deporte, el espectaculo rodado en silencio, aunque denunciando el caso real del padre Prenyat, entoncs en la comunidad de clerigos de Lyon.  La tranquila vida que Alexandre tiene junto a su esposa e hijos, se ve seriamente afectada el día que descubre que el sacerdote que abusó de él cuando era un joven boy scout, sigue trabajando con niños. Ante esta  terrible situación, decide dar un paso al frente e iniciar una cruzada junto a François y Emmanuel, otras víctimas del cura, que les permita liberarse del sufrimiento que llevan años padeciendo. Cuando sus testimonios salgan a la luz, las repercusiones no dejarán a nadie indemne. En 2016, la ciudad de Lyon quedó sobrecogida al destaparse el caso del padre Preynat, un sacerdote que había sido inculpado en decenas de abusos sexuales a menores. Este escándalo, que conmocionó los cimientos de la iglesia e incluso cambió la legislación francesa respecto a este tipo de delitos, inspiró al francés François Ozon (El amante doble) a dirigir un documental que, sin embargo, ha terminado convirtiéndose en largometraje de ficción. Gracias a Dios es el fruto de un minucioso trabajo periodístico del propio Ozon, que convierte estos hechos reales en un poderoso drama coral sobre traumas infantiles, fragilidad masculina y perdón. A pesar de hablar de pederastia en el seno de las instituciones eclesiásticas, esta sobria cinta evita lanzar un mensaje antirreligioso y permite al espectador formularse sus propias preguntas. Con el poder liberador de la palabra como uno de sus temas centrales, el realizador abandona el estilo artificioso de películas anteriores y pone su narrativa al servicio de las diferentes perspectivas de la lucha de sus protagonistas, basados en personajes reales, a los que interpretan Melvil Poupaud ( Frente al mar ), Denis Ménochet ( Custodia compartida ) y Swann Arlaud, Eric Caravaca, Josianne Baliasko y Helene Vincnet.

Donbass

Loznitsa va directo a grano en este grupo de refugiados de la guerra, combinada con su definicion del film al que atribuye  grandes robos y asesinatos a "tutti pleni". Es otro film de fondo nazi como casi cada semana ahora ya. Otra inutil guerra moderna, en unas condiciones durisimas que lo unico que ha tenido hasta ahoraUcrania, en territorio ocupado de la Ucrania Oriental. Con un medico corrupto y un francotirador en una sociedad rota, una solucion a largo plazo casi imposible , dejando en la pureza de l a nieve la fragilidad de alguna ideologia. Comparece en el discurso la ortodoxia religiosa sobretodo en la boda, donde anidan casi todos los mejores gags. Manipulacion, violencia en la propaganda. Sobrevivir en un caos de guerra, llenando de contenido una gran parte de la sociedad confundiendo la niebla con la degradacion paulatina de la poblacion.En el este de Ucrania, la sociedad empieza a hundirse cuando, en la era de la post verdad y las fake news, aflora la manipulación sin límites éticos. Allí, una boda, los intentos de un hombre por recuperar su coche confiscado o los de un periodista por hablar con unos militares y descubrir lo que realmente ocurre en el país serán sólo algunos de los episodios que demuestren que, cuando a la guerra se la llama paz, a la propaganda verdad y al odio amor, la vida acaba siendo igual que la muerte. El cineasta bielorruso Sergey Loznitsa (En la niebla, 2012) dirige esta película premiada en festivales como los de Cannes y Sevilla. También candidata ucraniana al Oscar a Mejor película de habla no inglesa, Donbass combina el estilo de los documentales de Loznitsa con el humor absurdo y negro característico de sus obras de ficción. A través de ello, se hace un retrato descarnado y sin concesiones de la sociedad ucraniana contemporánea en un complejo, incómodo y caótico film. Entre la comedia y el drama, la cinta cuenta diferentes relatos de habitantes o visitantes de la auto proclamada República Popular de Donetsk, una región al norte de Ucrania ocupada por Rusia y devastada por un conflicto cuyo final queda todavía muy lejos. En ese lugar, la corrupción, el chantaje, la impunidad y una profunda división social (agravada por la manipulación mediática y las fake news ) están, como la violencia y la paranoia, a la orden del día. Valeriu Andriuta ( The Crucifixion ), Nina Antonova ( En tiempos de luz menguante )Vadim Dubowski, Evgeni Christjyakov , Tamara Iatsenko, Liudmila Smorodina, Svetlana Kolesova y Natalya Buzko, lideran el reparto coral de este largometraje repleto de tensión, ira y mordacidad.

Bikes

Spokesville es una ciudad alegre y limpia a la que acaba de llegar un sorprendente artilugio: el motor de gasolina. Speedy, una de las miles de bicis que habitan este lugar, trabaja como cartero y, por sorpresa, se convertirá en el líder de un movimiento ecologista que quiere evitar que este invento contamine su paraíso. Para ello, tendrán que enfrentarse a dos malvados banqueros y a su protegido, un campeón al que idolatra Speedy, en una carrera. Su arma secreta será una tecnología sostenible. Candidata al Goya a Mejor película de animación, Bikes es el cuarto largometraje de Manuel J. García (Gigantes. La leyenda de Tombatossals), animador curtido en conocidas franquicias como Astérix y Obélix o En busca del valle encantado. Apasionado de la saga Cars, el realizador se pone a los mandos de una coproducción entre España y China donde los protagonistas son unas bicicletas antropomórficas que se enfrentan al desembarco del motor de gasolina. A partir de sus aventuras, el film envía un poderoso mensaje ecologista y de sana convivencia que busca concienciar a niños y adultos sobre la importancia de la lucha contra la contaminación y la defensa del medio ambiente. Con un equipo internacional de primer orden y las últimas tecnologías en animación 3D, la cinta cuenta una simpática historia repleta de imaginación, acción, amistad y buenos sentimientos. Anabel Alonso ( La Reina de España ), el humorista Carlos Latre ( Torrente 5: Operación Eurovegas ), la influencer María Querol y el exciclista Perico Delgado ponen voz a estos simpáticos personajes, inspirados en auténticos modelos del gigante de la mountain bike Cannondale.

Lo dejo cuando quiera

Tres jovenes son amigos desde la facultad. Ahora, estos tres profesores universitarios están en paro y apenas pueden pagar las facturas. La solución a sus males llegará con el proyecto de investigación en el que trabajan: un complejo vitamínico que, inesperadamente, proporciona un gran subidón sin efectos secundarios. En cuanto empiezan a venderlo en discotecas consiguen salir de la crisis, pero el mundo de la noche es peligroso y a este trío de empollones les viene muy grande. Los años de la crisis económica han dado lugar a un escenario donde los títulos y distinciones académicas se han convertido en papel mojado para muchas personas que, tras años de esfuerzo, descubren que tanto trabajo no sólo es inútil para entrar en el mercado laboral, sino que en ocasiones resulta hasta contraproducente. Con esta idea como punto de partida, Carlos Therón (Es por tu bien) dirige una comedia en la que tres profesores universitarios, que hipotecaron su juventud en las bibliotecas para acceder a un futuro brillante, terminan traficando en el mundo de la noche con un complejo vitamínico, ideado por ellos mismos, que permite desfasar sin consecuencias para la salud. Remake de la italiana Smetto Quando Voglio, está repleta de situaciones y gags que juegan con el hecho de sacar a los protagonistas de su zona de confort y enfrentarlos a lo único para lo que no están preparados. David Verdaguer (Verano 1993) y Carlos Santos (Villaviciosa de al lado) lideran, junto a Ernesto Sevilla (Tenemos que hablar) el reparto de esta película que también cuenta con Amaia Salamanca (¿Qué te juegas??) y Ernesto Alterio.

Mia y el leon blanco

Es un film infantil que produce tendencia.Las historias para menores cada vez son menos ruidosas, mas naturales, sin lagrimas ni resoplidos, por lo que dejan ver el nucleo del film que suele ser los vinculos entre niños i animales y su construccion. Y ademas hablan de todo, incluso temas tan escabrosos para contarlo a un leon, ni que sea blanco. Una niña, Mia abandonó Londres y se mudó a Sudáfrica, donde su familia tenía un criadero de leones. Precisamente un cachorro blanco de estos animales, Charlie, la ayudó a adaptarse a su nuevo hogar. Durante años Mia y Charlie han crecido juntos, hasta que éste se ha convertido en un león adulto y, por tanto, peligroso. Por ello, los padres de Mia han decidido venderlo, razón por la que la joven huirá junto a su mejor amigo a través de la sabana hasta una reserva en la que pueda vivir en libertad. La idea para Mia y el león blanco, su tercer largometraje de ficción, le llegó a Gilles de Maistre (Féroce) durante el rodaje de una serie documental para la televisión francesa donde seguía casos de vínculos especiales entre niños de todo el mundo y animales salvajes. La historia de uno de ellos, que había crecido entre leones de un criadero de Sudáfrica, le sirve como germen para esta fascinante película de aventuras donde la amistad y el amor familiar son el motor de la trama. El peligroso viaje a través de la sabana africana de una joven de 14 años, que intenta salvar a su mejor amigo, un león blanco, de los cazadores a los que ha vendido su padre a la criatura, sirve al director para contar una conmovedora relación afectiva entre esta muchacha y uno de los mayores depredadores del mundo. Para no tener que recurrir a efectos especiales, la producción se apoyó en la experiencia de Kevin Richardson, gran experto en estos animales, y tardó más de tres años en rodarse, con el objetivo de que se creara una verdadera química entre el león y la actriz protagonista, Daniah De Villiers. Junto a ella, Mélanie Laurent (Un seductor a la francesa) y Langley Kirkwood (Dredd) completan el reparto principal de este film que transmite un mensaje de cariño y respeto.

la profesora de parvulario

Film de tension entre el instinto materno y si el arte se debe preservar a cualquier precio. Ambiguedad y dudas constantes que acosan a una profesora que se cruza con un grupo de alumnos con extrañas capacidades poeticas con solo 5 años. Todo ello configura un analisis pscologico sobre esta maestra a la deriva en su vida fracasada. La rutina se ha apoderado de una sacrificada profesora de Staten Island que destaca por ser muy atenta con sus alumnos. Todo cambiará con la llegada de un niño al que ella considera un gran prodigio de la poesía. De este modo, encontrará un nuevo objetivo en su anodina existencia: conseguir que el pequeño desarrolle todo su potencial. Sin embargo, esta fascinación se convertirá poco a poco en una obsesión que pondrá en peligro los pilares de su vida. Premiada en el Festival de Sundance, el film es un remake de la cinta homónima del israelí Nadav Lapid. En su segundo largometraje, la directora Sara Colangelo (Little Accidents) reformula esta historia y la convierte en una crítica a problemas tan arraigados en la sociedad norteamericana como la obsesión por el éxito, la realización personal a través de los demás o el insoportable aburrimiento vital de la clase media. Lo que en un principio comienza como un drama sobre la enseñanza, poco a poco adquiere tintes de thriller psicológico a medida que la fascinación de su protagonista, una profesora en plena crisis de los cuarenta, por su alumno más prodigioso se convierte en una obsesión enfermiza. La nominada al Oscar Maggie Gyllenhaal (Asalto al poder) firma una de las mejores interpretaciones de su carrera y da vida a este complejo personaje femenino en un film sobre la mediocridad y el talento innato que, entre sorprendentes giros, se pregunta cuál es el lugar de la poesía en la era de los smartphones, los videojuegos y las guerras a distancia. Completan el reparto Gael García Bernal (Museo), Rosa Salazar (Alita: Ángel de combate) y el joven debutante Parker Sevak,

Quiero comerme tu pancreas

Por su discurso, sensibilidad, belleza del trazo, calidez y amistad hacen de la historia de Ushijima un elemento distinguido y diferente en l ambito del anime japones. Un solitario estudiante, más interesado por los libros que en las personas, cambia al encontrar un texto titulado "Vivir con la muerte", que resulta ser el diario de Sakura Yamauchi, una de las chicas más populares de su clase. En él, la joven relata que padece una enfermedad pancreática terminal y su decisión de no contárselo a nadie para disfrutar al máximo de los pocos meses que le quedan. El muchacho la ayudará en esta tarea, dando lugar a una profunda e inclasificable relación. 
En 2014, el japonés Yoru Sumino publicó de manera online su primera novela, el relato de una intensa relación, sin etiquetas, pero repleta de sentimientos, entre un joven retraído y solitario y una chica alegre y vital unidos por un secreto que sólo ellos conocen: la enfermedad pancreática terminal que sufre ella. Esta historia, que en 2015 fue publicada por la editorial Futaba y se convirtió en un todo un best seller, ya fue llevada a la gran pantalla en forma de largometraje de imagen real con idéntico éxito. Ahora, el debutante Shin´ichirô Ushijima (One Punch Man) convierte Quiero comerme tu páncreas en un anime, tan hermoso como doloroso, en el que se habla sobre la amistad, el amor, la vida y la muerte. El estrecho vínculo que se establece entre sus dos protagonistas sirve para que éstos evolucionen, transmitan emociones y hagan al espectador partícipe de sus miedos y vulnerabilidades. Mahiro Takasugi (You, Your, Yours) y la experta dobladora nipona Lynn (Mary y la flor de la bruja) lideran el elenco vocal como esta pareja de adolescentes que, a pesar de la situación, derrochan ganas de vivir. Les acompañan Yukiyo Fujii (Dragon Ball Super) y Jun Fukushima.

el dia que vendra/The aftermath

Espectacular casa en Hamburgo, campo de batalla de la postguerra Mundial, donde dos grandes de las dos naciones acabaran de dilucidar sus diferencias, arbitrados por una mujer .Enesimo film sobre los germanos n este caso sobre el reparto de Alemania, ya sin supoderia de guerra. Apenas un año después de terminar la Segunda Guerra Mundial, una mujer aterriza en Hamburgo para reunirse con su marido, un coronel británico encargado de dirigir las tareas de reconstrucción de la ciudad. Al mudarse a su nuevo hogar, descubre con sorpresa la decisión que ha tomado su marido: compartir la inmensa mansión con los antiguos dueños, un viudo alemán y su atormentada hija. En esta extraña convivencia, el clima de tensión y dolor terminará por despertar pasiones y traiciones. Inspirado por las vivencias de su propio abuelo, Rhidian Brook decidió hablar sobre un tiempo muy poco abordado por la historia, el de la reconstrucción alemana en los instantes inmediatamente posteriores a la Segunda Guerra Mundial, en una novela (2013) que mezclaba el drama de las víctimas, el enfrentamiento todavía latente entre vencedores y vencidos y un incipiente romance prohibido. Con estos ingredientes, James Kent (Testamento de juventud) rueda este triángulo amoroso entre un oficial británico encargado de las tareas de reconstrucción de la ciudad de Hamburgo, su esposa y el arquitecto germano con el que comparten hogar. Lo que es en un principio ambiente de odio y recelos, poco a poco dará lugar a un acercamiento entre dos personas, enfrentadas por la guerra, que terminan encontrándose en el dolor del otro y sintiendo una atracción que cambiará sus vidas para siempre. Keira Knightley (Colette), Jason Clarke (Cementerio de animales) y Alexander Skarsgard (La leyenda de Tarzán) Jason Clarke, Claudia Vasekiva, lideran el reparto de este intenso y sensual laberinto de pasiones. Inspirado por las vivencias de su propio abuelo, Rhidian Brook decidió hablar sobre un tiempo muy poco abordado por la historia, el de la reconstrucción alemana en los instantes inmediatamente posteriores a la Segunda Guerra Mundial, en una novela que mezclaba el drama de las víctimas, el enfrentamiento todavía latente entre vencedores y vencidos y un incipiente romance prohibido. Con estos ingredientes, James Kent (Testamento de juventud) rueda este triángulo amoroso entre un oficial británico encargado de las tareas de reconstrucción de la ciudad de Hamburgo, su esposa y el arquitecto germano con el que comparten hogar. En El día que vendrá lo que es en un principio ambiente de odio y recelos, poco a poco dará lugar a un acercamiento entre dos personas, enfrentadas por la guerra, que terminan encontrándose en el dolor del otro y sintiendo una atracción que cambiará sus vidas para siempre. Keira Knightley (Colette), Jason Clarke (Cementerio de animales) y Alexander Skarsgard (La leyenda de Tarzán) lideran el reparto de este intenso y sensual laberinto de pasiones. Apenas un año después de terminar la Segunda Guerra Mundial, Rachael aterriza en Hamburgo para reunirse con su marido Lewis, un coronel británico encargado de dirigir las tareas de reconstrucción de la ciudad. Al mudarse a su nuevo hogar, Rachael descubre con sorpresa la decisión que ha tomado Lewis: compartir la inmensa mansión con los antiguos dueños, un viudo alemán y su atormentada hija. En esta extraña convivencia, el clima de tensión y dolor terminará por despertar pasiones y traiciones.

Dobles vidas / Doubles vies

Amores arriba y abajo.Olivier asssayas domina  dialogo tanto en un bar,sala, la calle o una fiesta,  todos los ambitos suben el nivel intelectual. Tanto cuidado con los dialogos y su contenido, unica via o camino  hacia la esencia humana, le hace errar algun plano o solo quiza sea una nueva planificacion de futuro de la imagen. Un director que huye de los topicos, que no desconciertan al espectador que sabe en todo momento donde esta. Frases lapidarias como "el prestiigo solo es interesante si da beneficios". Exitoso editor parisino, es un hombre de contradicciones. Está enamorado de su mujer, y sin embargo la engaña con otra mujer. Es un fanático de las ediciones antiguas de libros, pero cree que el ebook es el futuro. Quizá por ello busca la forma de decirle a su amigo y autor habitual, que él y su nueva novela están pasados de moda. Por su parte, su mujer, actriz estancada en su papel en una serie de televisión y en un affaire con su amigo, cree que ha escrito su obra maestra. La nueva película de Olivier Assayas (Personal Shopper), uno de los grandes directores y guionistas del cine francés contemporáneo, se llena de dualidades y contradicciones con el violento cambio que ha producido la era digital en nuestras vidas como telón de fondo. Las cuestiones que surgen, tanto a nivel personal como emocional, a raíz de esta profunda transformación, que obliga a los individuos a decidir a qué deben adaptarse y qué debería seguir inmutable, son el combustible de Dobles vidas, una comedia que se inspira en el estilo y el sentido del humor de cineastas como Eric Rohmer. Los diálogos entre los protagonistas, personas que se sienten estancadas y obsoletas y liberan su frustración a través de placeres como la comida, el vino o el sexo, impulsan una película aguda e ingeniosa que habla sobre literatura, política y el desgaste de las relaciones sentimentales. Al frente del reparto de esta cinta, aplaudida en festivales como los de Venecia y Sevilla, se encuentran tres estrellas galas como Juliette Binoche (High Life), Guillaume Canet (El gran baño) y Vincent Macaigne (C´est la vie). Les acompañan Christa Théret (Madame Marguerite) y la humorista Nora Hamzawei.

a la vuelta de la esquina/araunt the bent

14 de abril, dia de la republica. Pero ademas es el aniversario, 80 ya, del estreno de la pelicula de todos los tiempos que ni el viento de ha llevado, y que como sabeis da titulo a este blog. Un tímido y solitario joven empieza a trabajar en un supermercado. Allí no tarda en entablar amistad con un compañero, que le enseña todos los secretos del lugar. También hace buenas migas con la encargada de los dulces, una mujer con un misterioso encanto de la que se enamora enseguida. Sin embargo, está casada, aunque es infeliz en su matrimonio, y nuestro protagonista duda de que sus sentimientos sean correspondidos, sobre todo el día que, de repente, deja de acudir a su puesto. Premiada en festivales de prestigio como la Berlinale o la Seminci, la cuarta película del director Thomas Stubert (Herbert) propone un drama romántico ambientado en el turno de noche de un supermercado. Basada en el relato corto de Clemens Meyer, damos pie a una serie de liberaciones que ayudan a los actores a comportarse mas libremente y poder asi transmitir sus sentimiento aunque sea en un oscuro parking de un supermercado. Transforma un entorno tan frío y cotidiano en una mágica fábula sobre la soledad, el amor, la camaradería y la misma vida. La cinta consigue destilar emociones de melancolía a través de unos personajes que sobrepasan todo tipo de estereotipos, especialmente su tímido y retraído protagonista, un recién llegado a esta gran superficie comercial, que encontrará allí la amistad y la posibilidad de una relación sentimental inalcanzable. El talentoso Franz Rogowski (Happy End) lidera el reparto de este film íntimo, conmovedor que, con considerables dosis de humor, transita acertadamente entre terrenos tan aparentemente dispares en el cine como el realismo y lo poético. Le acompañan los también alemanes Sandra Hüller (Toni Erdmann) y Peter Kurth, que ya trabajó con el realizador en Herbert.

after aqui empieza todo

Una estudiante, hija y novia modelo esta cursando el primer año de universidad. Su plan es trabajar para graduarse con honores y optar a un buen futuro, mientras que el de su compañera de habitación es el de introducirla en la auténtica experiencia universitaria. Así conocerá a un joven de oscuro pasado y personalidad totalmente opuesta. A la vez que discuten y debaten, surgirá entre ellos una irresistible y apasionada atracción que llevará a joven al autodescubrimiento personal y sexual. Traducida a 15 idiomas y con más de 15 millones de copias de todo el mundo, la saga de novelas de Anna Todd, que empezó como un fan fiction de One Direction para convertirse en todo un fenómeno literario a escala mundial.Jenny Gage (All This Panic). en su debut en el largo de ficción, dirige una cinta que habla sobre el primer romance adulto, el descubrimiento de uno mismo, la independencia y el despertar sexual en los cruciales años de la adolescencia. En tanta literatura juvenil de habian de agotar el sexo hippie, los libros de Jean Austin, Fitzgerald o Bronte que a nadie hace daño los leen y la musica pop que escuchan sin parar y que merecerian una serie negra particular al responsable de la banda sonora. La directora parece haber visto todas la series y films sobre esta etapa humana por lo que obviando toda floritura de presentacion grava directamente al/el corazon de los en proceso de crecimiento corporal y mental. Todo y asi que las malas intenciones floreceran igual. En 105 minutos se carga toda la parafernalia que habia sobre el primer amor de juventud. Sin ningun sonrojo, acaba con la virginidad, todos los tpicos que se le ocurren, las dependencias y la amistad toxica y nociva.  Esta historia está contada a través de los ojos de una estudiante, hija y novia perfecta, cuyos planes de futuro cambian completamente cuando conoce a un chico impulsivo y de pasado turbulento que le hará redefinir su concepción del amor y la pasión. En paralelo a esta relación de alto voltaje, desarrolla una trama de suspense en torno al misterioso secreto del coprotagonista masculino que depara algún que otro giro sorprendente. Entre Gray y el Crepusculo, after es como una mona de pascua sin huevo de chocolate sustituyendo los pollitos amarillos por zombies de azucar. Josephine Langford (Siete deseos) y Hero Fiennes Tiffin (Harry Potter y el misterio del príncipe) protagonizan este clasico moderno de emociones les acompañan Selma Blair que pretende ordenar el guion (Mamá y papá), Jennifer Beals (El libro de Eli) y Meadow Williams con Peter Gallagher .

cementerio de animales/pet sematary

Título original

Pet Sematary 

Año 2019

Duración

101 min.

País

 Estados Unidos

Dirección

Dennis Widmyer, Kevin Kolsch

Guion

Dave Kajganich,Jeff Buhler.

Música

Christopher Young

Fotografía

Laurie Rose

Reparto

Jason Clarke, John Lithgow, Amy Seimetz, Jeté Laurence, Hugo Lavoie,Lucas Lavoie, Naomi Frenette, Alyssa Brooke Levine, Maria Herrera, Obssa Ahmed,Bailey Thain, Sonia Maria Chirila, Jacob Lemieux, Najya Muipatayi,Ines Feghouli Bozon, Constance St-Denis-Veilleux, Maverick Fortin, Rosalie Drouin,Ambre Dioh-Dikongué, Julia Jenni Karagioules, Lou Ferrando

Género

Terror. Remake. Adaptaciones de Stephen King.

Sinopsis

El doctor (Jason Clarke) se muda con su mujer (Amy Seimetz) y sus dos hijos pequeños de Boston a un pueblecito de Maine, cerca del nuevo hogar de la familia descubrirá un terreno misterioso escondido entre los árboles. Cuando la tragedia llega, el medico hablará con su nuevo vecino, (John Lithgow), desencadenando una peligrosa reacción en cadena que desatará un mal de horribles consecuencias.

Críticas

• "No es más que una aceptable película (…) con algunas secuencias que atrapan un aire malsano y otras filmadas con el piloto automático y con evidente falta de pericia (…) Asombra la poca desazón que provoca el puro origen del terror (...), el cementerio (filmado con más y más música, claro) (...) Puntuación: ★★½ (sobre 5)" 

  Miguel Ángel Palomo: FilmAffinity 
• 
  

  "Una película más compleja y trascendente, pero también mucho más convencional [que 'Cementerio viviente'] (...) un peligroso territorio indefinido, porque lo sombrío no acaba de convertirse en terrorífico." 

  
  

  Javier Ocaña: Diario El País 
• 
  

  "El equilibrio entre la tragedia natural y la sobrenatural es casi perfecto en esta historia típica de King (…) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" 

  
  

  Francisco Marinero: Diario El Mundo 
• 
  

  "Transcurre con fluidez (...) Cuando la normalidad se apaga y el terror se desata, sin embargo, por las rendijas del miedo se cuela alguna risa, no de liberación, sino de inverosimilitud e incluso de comicidad involuntaria. (…) Puntuación: ★★ (sobre 5)" 

  
  

  Federico Marín Bellón: Diario ABC 
• 
  

  "Una sorprendente dosis de oscuro sentido del humor (...) atmósfera eficazmente lúgubre y opresiva, solo saboteada por algunos efectos digitales (...) un último tercio de metraje durante el que la película sucumbe a la estupidez. (…) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" 

  
  

  Nando Salvá: Diario El Periódico 
• 
  

  "Aquellos que lleven una temporada insoportablemente maleducados por (...) películas como 'Hereditary' únicamente encontrarán una aburrida ausencia de ingenio. Los que disfruten del género por defecto tienen una película dinámica. (…) Puntuación: ★★½ (sobre 5)" 

  
  

  Santiago Alverú: Cinemanía 
• 
  

  "Sólida aunque poco novedosa, esta obra de terror se construye alrededor de unas magníficas interpretaciones (...) La escena final logra capturar la espeluznante ambigüedad de la novela, reinventando por completo su significado." 

  
  

  John DeFore: The Hollywood Reporter

El hijo del acordeonista

En su segundo largometraje como realizador, Fernando Bernués (Mi querido Klikowski) adapta la novela de Bernardo Atxaga en la que dos amigos de la infancia se reencuentran para recordar viejos tiempos. La nostalgia de saber que nunca se podrá recuperar lo que se ha perdido envuelve El hijo del acordeonista, una película que transcurre entre presente y pasado para hacer una radiografía de la historia reciente del País Vasco, marcada por la posguerra, la dictadura, el terrorismo y la violencia. A través de los ojos de su protagonista, un joven cuya inocencia se pierde en medio de un entorno convulso, la cinta analiza, más desde la emoción que desde lo histórico, el contexto social, político y cultural que marcó a varias generaciones de vascos. Aitor Beltrán (Ola de crímenes) e Iñaki Rikarte (Operación Concha), en su versión adulta, y Bingen Elorza (Bi anai) y Cristian Merchan (Lasa y Zabala) en la juvenil, interpretan a esos dos hombres que terminarán por ajustar cuentas con una época turbia y el silencio colectivo que acalló su amistad durante un cuarto de siglo. Les acompañan el ganador del Goya Eneko Sagardoy (Handia) y Josean Bengoetxea.
Un joven tuvo que abandonar el País Vasco a mediados de los 70 debido a la presión de su entorno, que le acusaba de traidor. Los años pasaron y, a pesar de asentarse y tener una buena vida en California, nunca consiguió deshacerse del peso de la culpa. Incluso en sus últimos días de vida, esto todavía le inquieta. Joseba Altuna, amigo suyo desde la infancia, se reencontrará con él para despedirse, pero también para ajustar cuentas con el pasado y hacer que ambos se enfrenten, por fin, a la verdad.

El parque magico

Tiene ocho años, pero ya es un prodigio de las matemáticas y una apasionada de la ingeniería. Junto a su madre, la pequeña ha diseñado un parque de atracciones, gestionado por simpáticos animales, que podría asombrar a cualquiera. Sin embargo, cuando su mamá caiga gravemente enferma, ella abandonará un proyecto que, increíblemente, cobrará vida. Ante la amenaza de una oscuridad que se cierne sobre este fantástico lugar, será la única capaz de evitar que sea destruido para siempre. El dúo de guionistas formado por André Nemec y Josh Applebaum (Misión Imposible: Protocolo fantasma) hace su primera incursión en el cine de animación y se alía con el emergente estudio español Ilion Animation (responsable de Planet 51 o Mortadelo y Filemón contra Jimmy el Cachondo), para llevar a la gran pantalla esta fantástica historia sobre el poder de la imaginación, la familia, la amistad, el trabajo en equipo y creer en uno mismo. El parque mágico sigue los pasos de una niña con un talento extraordinario para la ingeniería que, junto a su madre, ha diseñado un fantástico parque de atracciones que, por arte de magia, terminará cobrando vida. A partir de esta historia apta para todo tipo de públicos, la cinta crea un conmovedor cuento moderno sobre el amor y la pérdida, además de hablar del salto de la infancia a la juventud. Repleta de simpáticos y carismáticos personajes, la película ofrece diversión y aventuras cargadas de emoción, mucho sentido del humor y un acabado visual de primer orden. Entre entre voces en su versión original se encuentran las de Jennifer Garner (Matar o morir. Peppermint), Mila Kunis (El espía que me plantó), Ken Jeong (Pesadillas 2: Noche de Halloween) y Matthew Broderick.