Musarañas

Dos partes tiene la musaraña de Juan Fernando Andrés y Esteban Roel. Una de terror y otra de risa. Demasiado Alex de la Iglesia, productor en este primer largo, en que mezclan la parodia con la locura, la comedia con el drama hasta no dejar títere con cabeza. Claustrofobia de la post guerra española donde una mujer nunca ha salido de su piso horrible cuidando de su hermana pequeña (Nadia de Santiago). Un piso con moho, húmedo, de los años 50, que acoge a una modista con agorafobia, que no puede salir ala calle, que gran interpretación de Macarena Gomez, y una cámara perfecta en sus movimientos y que nos denuncia continuamente un padre, Luis Tosar, que abusaba de ellas y las maltrataba. Y entre las dos dos un hombre, vecino prisionero, con la pierna rota en la  cama (Hugo Silva). Film pues cerrado, agobiante, en un espacio único, con un ambiente donde también les cuesta respirar a Silvia Alonso, Gracia Olayo, y Asier Etxeandia.

Kaplan

Si la semana pasada nos visitaba Mr. Turner, ahora lo hace Mr. Kaplan. Libre de tratarlo como quiera, Alvaro Brechner, (Mal día para pescar) también nieto de abuelo polonés emigrado, convierte el nazismo en comedia. Como un quijote cualquiera, nuestro protagonista, Hector Noguera con 75 años y su escudero, Nestor Guzzini, expolicia y alcohólico, se lanzan a una aventura que nos llevara engaños y medias verdades. Una estética de western uruguayo, al servicio del malo y de un peculiar feo. De un abuelo judío, huido de la Polonia nazi al Uruguay y que descubre que un anciano alemán,Rolf Becker, podría ser un oficial nazi camuflado en un chiringuito de playa. Un tema siempre inquietante como lo fue El medico alemán. George Kaplan es el nombre del espía inexistente, en realidad ejecutivo de publicidad, de Perseguido por la muerte o Con la muerte en los talones de Hitchcock. Les acompañan en la difícil comedia Nidia Telles y Nuria Flo.

Invencible

No consigue Angelina Jolie tampoco esta vez hacernos vibrar con las penalidades del protagonista, Jack O'Connell. Accidentes aéreos, naufragios, 47 días en alta mar, campos de internamiento,  dos años con los japoneses, nada hace que se remueva el dramatismo de la narración ni el espectador. Tampoco los descreídos secundarios ayudan como Garret Hedlund, Domhnall Gleeson o Jal Courtney. Y sobretodo  a pesar de los 4 guionistas entres los que estan los hermanos Cohen. La propia directora se desentiende del final de la novela de Laura Hillenbrand y se centra solamente en la sangrienta venganza al torturador. Biopic de Louis Zamperini que sufrirá sadismo y crueldad a mansalvas convirtiendose  en una especie de redentor. Jolie muestra una curiosa atracción por el dolor en la carne, y el fetichismo de la tortura que le interesa mucho mas que el protagonista que esta convertido en indestructible, o sea inhumano para sus juegos de superveniencia. Embajadora por la paz de las Naciones Unidas, con su primer film En tierra de sangre y miel, se ha dedicado ha demostrarnos la capacidad de sufrimiento que puede soportar un entrenado campeón olímpico de Triatlon, Zamperini en Berlin 1936.

El club de los incomprendidos

Yo podría ser miembro del club. No me gusta el film de Carlos Sedes (Velvet), carne, como su guionista de teleserie. Un cambio de instituto necesita un orientador escolar. Pero entiendo que haya a quien le guste. No refleja ninguna de las frustraciones adolecentes conocidas y se mueve en el terreno de lo imaginario y la exageracion. Como película patria de consumo es igual pero como mensaje trascendente es un viejo motor de vapor en una cuneta. Con un sentimentalismo de incubadora y confundiendo la amistad con la psicología, moja en lágrimas la novela del experto Francisco de Paula Fernandez (Buenos días Princesa). Con protagonistas demasiado quinceañeros, demasiado locales con todos sus tics reconocibles, de estudiantes de secundaria de la capital. Con demasiados años para el papel, tirando a universitarios, estan Charlotte Vega, Alex Maruny, Ivanna baquero. Michelle Calve, Jorge Clemente y Andrea Trepat que interpretan su enorme inadaptación social ideada por Blue Jeans, seudónimo del autor que al menos los ha situado en la gran pantalla, en el club de las malas comedias. O incomprendidas por el resto de los mortales.

Big Eyes

El biopic de Tim Burton sobre la vida de la pintora Margaret Keane, famosa los años 50 y 60 por sus rostros de niños con grandes ojos y suplantada por su marido seria un gran film sino: No aprovecha la historia para reforzar la lucha por liberación la de la mujer ni defiende el arte como bien común y no solo un derecho del macho.Cae en demasiadas ocasiones en los cliches de nuestras revistas de famosos. Ni el relato plano ni el juicio con el marido Walter defediendose a si mismo en una escena histriónica e incontrolable, tienen textura dramática solida. Eso si, un baño técnico de luz y color y unas interpetaciones, Amy Adms y Christoph Watlz magníficos como los de su época en la ficción. Con Burton esta vez no han lucido los guionistas Karawzewski y Scott Alexander (Ed Wood, Flint o Kaufman) y por suerte solo se ha permitido la escena onirica de la huida en el mercado. El director de la estética bizarra (Charlie y la fabrica de chocolate o Alicia en el país de las maravillas) ha perdido su don. Lo buscan en el film demostrándose amor por la pintora figurativa, Dany Huston, Jason Schwartzman, Krysten Ritter,Trence Stamp, Jon Polito y Emily Fonda.

Stand by me Doraemon

El amigable gato es lo único redondo en el plano (encefalograma) del film de Takashi Yamazaki y Ryuichi Yagi.  Con múltiples referencias a los anteriores originales, el gato sale de un cajón,etc, el film mantiene la identificacion del espectador de toda edad y memoria. Pero su potencia visual choca con la inocencia el producto. Un episodio caro, digital pero como blackbuster, con secuencias espectaculares como el primer vuelo de Nobita, con hélices imaginarias y que parece caminar por el río. También son interesantes las entradas en el futuro, muy bien diseñado, donde el protagonista se encuentra con él mismo, ya mayor. El 3D ha alcanzado y derribado el manga de Fujuko Fujio (1973). Y quizá acabe también con él como anime televisivo.

Mr. Turner

Otro gran momento del cine el que consigue Mike Leigh al aunar los dos máximos artes de la luz.Ya se acerco al arte en el Londres de los compositores Gilbert y Sullivan. Todo ello con el rojo del emblemático pintor ingles y sincronizando sus colores y texturas a la pantalla. Obviando en su biopic la etapa veneciana, el rojo domina la estética y la concepción plástica del lienzo, siempre con la niebla en medio como espacio de reflexion. Turner, al margen del arte oficial, caminante incansable y siempre malhumorado se enfrenta a la muerte, de un padre, de un hijo y a la torturada vida amorosa y a la ansiosa creación artística. Considerado como el maestro del romanticismo pictórico es sin duda un precursor del impresionismo. Todo para aceptar al fin el relevo de la fotografía. Timothy Spall hubiera podido interpretar cualquier pintor o artista angustiado y peleado con el mundo por defender sus ideas. Su rechazo al poder político, sus sublimes discusiones con mucho contenido científico con sus colegas y traficantes de arte, su cercanía al mar que le influye totalmente y su relación con la determinante ama de llaves. Joseph Mallard William Turner (1775-1851) nos muestra sus últimos 25 años de vida entre la hipocresia de su sociedad en la que se mueve con su particular locura artística. Paul Jesson, Dorothy Atkinson, Marion Bailey, Jamie Thomas King y Roger Asthon- Griffiths, deben pensar en su interpretación como el maestro que "son trabajadores en el fomento del arte".

El hobbit: la batalla de los cinco ejercitos

Felizmente Peter Jackson anuncia el fin de su pesada batalla, tanta incredulidad que ha jugado, es su albedrío, con el espectador la solemne trilogía de Tolkien (1932) que no ha podido decir ni mu. Una primera parte inocente por no decir tonta, la segunda recordada por la araña y el dragón y la acaba con el ordenador produciendo ejercitos como churros. Nuevamente sorpresivo relega al hobbit a un segundo plano (Martin Freeman), compone un triangulo entre Evangeline Lilly, Aidan Turner y Orlando Bloom y los aclapara con orcos, gigantes, enanos, elfos y huargos ademas de Cate Blanchett y Ian McKellen que tambien quiere terminar o irse. Y como no sabe como acabar, o no puede, Jackson recurre, en su generosa imaginacion, en medio de tanta guerra epica, al humor y tambien al miedo de no finalizar estos ultimos? 144 minutos. Con su improvisacion, la la la....terminamos por fin. 

Dios mio, ¿perque te hemos hecho?

Los estereotipos molestan a Phillippe de Chauveron (Les parasites). En el popular film francés, intenta derrotarlos, no normalizarlos. Se deja de ser racista porque se comprende la situación o porque el objeto del racismo también lo es? O el racismo solamente es una cuestión de clases sociales? O lo provocan las religiones judías y musulmanas?Si se comvierte el artefacto filmico en pura risa, se pierde el contenido critico y queda solo en entretenimiento. A la producción, lícitamente , solo le interesa superar las mejores taquillas del cine galo. Actualmente la han cisto 12 millones de espectadores.. Para ello no dudan en dejar mas rastros xenófobos que los necesarios. Así convierten la hipocresia de un film racista en una película cómica de Leone, El chino, el árabe, el judío y el negro.Un matrimonio gaullista, católico y conservador con cuatro hijas casaderas pasan la pruebas de tener de yernos a otras etnias. solo la pequeña puede salvar el color de familia y por tanto su "pureza". La Francia multicultural. conviviendo con la extrema derecha y la película con Bienvenidos al Norte, The artist o Intocable. Christian Claver, Chantal Lauby y Frederique Bel son los banales actores del quinto film del director. Ente la niebla invernal se adivina quien viene a cenar esta noche.

Big hero 6

Otra historia sin inventiva. Esta vez de John Hall y Chris Williams (Winnie de Pooh, Bolt). Lo curioso, el protagonista animado y con buenos acabados tecnicos. Este medico robot, de cabecera privada,  que se repara a si mismo, camina como un borracho cuando se queda sin pilas y puede entrar por las ventanas achicándose. Colores, exhuberantes, agresivos, visualmente atractivos, diferentes, elegidos para tratar la muerte y el dolor o la venganza. Fuera de los cánones habituales y códigos con la paleta expuesta, tragas con todo. Para conseguir la globalizacion en el mundo de la animación se mezclan hasta el paroxismo las  dos culturas cartoons de EEUU y Japón representados por San Francisco y Tokio. Disney y Marvel ya tienen su superheroe proteico, por encima de todos los males y algún bien. La tecnología en la que viven nuestros protagonistas sustituye a la moral, los laboratorios de estudio son las discotecas y la robótica se encarga a partir de ahora de las vibraciones personales. O humanas. No se si es correcto jugar con algunos valores en  este convulso mundo. Aunque sea en colores.

Ciutat morta

Después de ser seleccionados en 21 festivales y recibir 10 premios, los directores de Ciutat Morta han logrado este lunes el premio que más esfuerzo les ha costado: Que el documental que denuncia un montaje policial que acabó con cuatro personas en prisión, una de las cuales terminó por suicidarse, se emita en la televisión pública catalana. Han recibido esta confimación después de meses de campaña, silencios y respuestas contradictorias.

Xapo Ortega y Xavier Artigas, vinculados a diversos movimientos sociales de Barcelona y habituados a usar los vídeos como herramienta de denuncia, empezaron en noviembre de 2011 a contar la historia del 4F. "La idea inicial era hacer un vídeo de 15 o 20 minutos explicando las coincidiencias del caso 4F y el caso de Yuri, no una película de dos horas".

Las coincidencias a las que se refiere Ortega no son baladíes. Yuri Jardine es el joven hijo del embajador de Trinidad y Tobago en Noruega que en una noche de fiesta cuando residía en Barcelona fue brutalmente apalizado por dos policías, que acaban condenados con una sentencia que añade que los agentes mintieron y falsificaron pruebas. Esos mismos policías, que mintieron en jucio, son testigos clave en el caso 4F, pero a pesar de esto no se ha reabierto el caso.

Ciutat Morta cuenta una historia de Barcelona, de cómo el modelo de ciudad se lleva por delante a figuras incómodas y cómo cinco personas son condenadas por su estética "okupa", acusados de lanzar una maceta que deja en coma a un policía cuando no hay ninguna prueba de que estuvieran en el lugar de los hechos –la azotea de una casa okupada en el casco antiguo de la ciudad. Cuenta también como los responsables políticos y policiales de la ciudad participan en un montaje para condenarlos.

¿Por qué la obsesión de los autores en que la película se emita en TV3? "Es una cuestión política. TV3 ha sido cómplice del silencio del 4F, ha dado solo una de las versiones y ha omitido la otra, y creemos que es la TV pública la que debe mostrar un documental como este",  dice Ortega. El documental se emitió por primera vez el 8 de junio de 2013 durante la ocupación de un cine abandonado en la Via Laietana, que fue rebautizado con el nombre de Patricia Heras, la poeta que se quitó la vida mientras cumplía condena. En esa ocasión, cuentan, alguien de TV3 se interesó por el documental y les pidió una copia, pero al cabo de unas semanas les dijo que no podrían emitirlo ni entrar a coproducirlo porque era parcial. Luego llegaron los festivales. "No nos esperábamos para nada ir a los festivales porque desde los movimientos sociales siempre tenemos la idea de que nadie nos va a escuchar". Pero en noviembre de 2013 fueron seleccionados para MiradasDOC, donde tuvieron una mención honorífica, y en marzo de 2014 se estrena oficialmente en el festival de Málaga y se llevan el premio al mejor documental. Luego llegó el festival de San Sebastián. "TV3 tenía varios enviados a San Sebastián y nadie se puso en contacto con los autores, a pesar de ser una película catalana seleccionada".

Finalmente, el diputado David Fernàndez de la CUP se ofreció a hacer una pregunta al respecto en la comisión parlamentaria de control de la Corporación Catalana de Medios Audiovisuales (CCMA), de ahi su pase el 31 de enero del 2015

La fossa

La fossa, una pel·lícula dirigida per Pere Vilà i interpretada per Lluís Homar, Emma Vilarasau, Àlex Monner, Josep Maria Domènech i Josefina Espinosa, que s'estrena per primera vegada a Catalunya. La fossa té, com la majoria d'obres del director, elements comuns, com ara el fet d'estar protagonitzada per homes d'edat avançada –sovint a les acaballes de la seva vida– i que argumentalment giri al voltant de la memòria i la identitat.

La pel·lícula s'estructura en tres blocs ben definits, en forma de tríptic, amb tres històries diferenciades i alhora vinculades entre si: la d'en Josep (Josep Maria Domènech), que decideix escapar-se del geriàtric en sentir per la ràdio la notícia del descobriment d'una fossa comuna on hi ha enterrats centenars de soldats republicans; una història d'amor que Josep va viure a les acaballes de la guerra, frustrada per la divisió entre els bàndols, i el viatge a la recerca de la fossa on hi ha enterrats molts dels seus companys d'armes. La seva voluntat és morir al lloc on va lluitar juntament amb els seus vells companys.

Per Pere Vilà, el personatge protagonista exemplifica “la memòria històrica d'aquest país, que desapareix”. També, en realitat, es tracta d'un retrat sobre la desmemòria, en què els silencis poètics s'alternen amb grans moments dramàtics. Pere Vilà i Barceló, després d'una llarga trajectòria com a autor de curts, ha rodat quatre llargmetratges:Pas a nivell, La lapidation de Saint Étienne, La fossa i L'artèria invisible. Aquesta últim pel·lícula, que està en fase de muntatge, està protagonitzat per Àlex Brendemühl i Nora Navas, i compta amb la intervenció d'Àlex Monner i Emma Vilarasau, intèrprets amb els quals ja comptat en anteriors projectes

St. Vincent

La mejor película para acabar el año. Demasiado parecida al Gran Torino en otra gran interpretación de Bill Murray que lleva el peso del film junto al chico Jaeden Lieberher en una historia real. Un veterano del Vietnam, sumergido en el juego y el alcohol decide ayudar a un chico vecino que esta purgando la separación de sus padres. Alguien encontrara un exceso de lecciones morales, de consejos paternales, de lecciones de vida o de amor sensible por la educacion de la calle. Pero en los tiempos que corren no sobra nada. El maestro es Bill Murray, apostador a las carreras de caballos, que se encontrara en el film sin ni siquiera alzar la voz, con Noemi Watts, una estriper embarazada a la que frecuenta y Melissa Maccarthy, la madre de Oliver, trabajadors de muchas horas, en una solida dirección de Theodore Melfi, procedente del mundo de la television en su primer film. Imposible perderse y n o emocionarse con el gran discurso del niño en el fin de curso del colegio en el que eligen a la persona mas importante para ellos en su ultimo año. Y ademas explicando el porque.

LOS FENOMENOS

Alfonso Zarauza (La noche que dejo de llover), se apunta a la corriente del cine social con la sencilla pero no exenta de dificultades, historia en la que una mujer, madre soltera, Lola Dueñas consigue trabajo en una cuadrilla de albañiles. Es un trabajo duro y machista es complicado y hay que hacer equilibrios para introducir una historia paralela de amor.El regreso al pueblo natal de Galicia es el punto de partida de estas aveces increibles situaciones sentimentales y laborales. Luis Tosar y Juan Carlos Vellido y Miguel de Lira también viven el crash de la burbuja inmobiliaria que impregna toda la vida de nuestra esplendida como siempre protagonista. Un excelente film para quien quiera ver i oír.

la señorita Julia

Liv Ullman nos propone un entorno y casi único escenario claustro para adentrarnos en la bestialidad humana.Cambiando continuamente los papeles de Julia y el mayordomo, enseñan al mundo las diferencias sociales, las desigualdades culturales y las universos creados ficiticiamente. A Jessica Chastain y Colin Farell se añade la cocinera y amante Samantha Morton. Su interpretación es imprescindible si el espectador quiere entrar de verdad en la estructura amor odio que nos narra la autora. El enfoque teatral disminuye la emoción a la obra como ocurre en mi. Por un tema de financiacion, Ullman traslada la acción a Irlanda en la que no oculta ningún recurso visual para darnos su medida de la lucha de sexos en 1890. Transcurre la noche de San Juan y en ausencia del padre viudo, la aristócrata hija en la lujosa mansión familiar dejara salir a todos sus fantasmas interiores que harán de las suyas y quemaran todas las soledades enquistadas.Adaptacion de Strinberg donde se muestra la lucha de clases a través de la seducción escrita en el 88 y su obra mas representada a pesar de su enfrentamiento continuo con la censura, es la tercera versión despues de  Sjoberg y Mike Figgis. Ahora ha cumplido su sueño de filmarla y de momento no sabemos si como Bergman ha lanzado sus libros contra la pared

Jauja

Amor a la tierra. Y para mostrarlo, Viggo Mortensen se pasea por ella buscando a su hija. Como lo hubiera hecho en el lejano Oeste. Es un general danés encargado por el gobierno argentino de dirigir la lucha contra los indios de la Patagonia en el siglo XIX. Pero su hija de 15 años  huye con un soldado. Jauja es el nombre de un pais imaginario en el que nunca se trabaja. El argentino Lisandro Alonso busca la integracion del hombre en el universo, como en la larga secuencia del protagonista descansando bajo el firmamento. Cambios de rol en escenas rupturistas como la mujer en la cueva, rupturas civilizadas y otras que no hasta llegar a un final sorprendente e inesperado. Podría ser un western existencialista, como lo consigue la fotografía de Timo Salminen y muchas secuencias de Viggo a caballo. Un tempo aletargado que parece el doble y un guión sin contenido que solo sirve para mostrarnos las inconmensurables imagenes. Personal, exasperante o no, a cualquier riachuelo o canto de pajaros o una comida en un bar, le puede dedicar tranquilamente 10 minutos. Al políglota militar Mortensen, incansable en su búsqueda familiar, le acompañan breves momentos GhitaNorby, Adrian Fondari y Villbjork Malin Agger.

Hombres, Mujeres & niños

Moralina y academicismo en este inseguro film de Jason Reitman (Up in the air). Mas pretencioso en su analisis del poder de la pantalla de ordenador, y de como afectan las redes sociales a padres e hijos y de como se ejerce un control exahustivo sobre ellos. Un drama que interpretan muy bien sus actores haciendolo sostenible y haciendonos creer que la informatica deshumaniza y las emocioneslas carga el diablo. El puzzle argumental trata de que las redes sociales han cambiado la concepción de la comunicación entre los más jóvenes y han pasado a ser una herramienta para que los adultos puedan ligar con otras personas. Ese es el caso de un hombre casado que, tras perder el interés en su matrimonio, busca emociones fuertes en Internet a espaldas de su mujer. A su vez, madre soltera, mantiene una compleja relación con su hija al igual que, un hombre que tiene que criar a su hijo sólo. El director canadiense, Jason Reitman, regresa a la gran pantalla. El cómico Adam Sandler interpreta a un padre de familia y marido aburrido en busca de picantones encuentros en Internet. Le acompañan en el reparto actrices del calibre de Rosemarie Witt, la ganadora de dos Oscar Emma Thompson (Sentido y Sensibilidad) o Judy Greer (El amanecer del planeta de los simios) además de la siempre estimulante presencia de Jennifer Garner (Dallas Buyers Club). También tiene un relevante papel Dean Norris,

I feel good

Biopic del gran interpretre americano, mas interesado en que bailemos que no contarnos ordenamente la vida del padrino del soul y el funk, James Brown, fue considerado durante muchos años como "el negro más importante de Norteamérica". En una oscura época de segregación y disturbios raciales, consiguió ser el centro de admiración de conservadores, demócratas y de "panteras negras", siendo una figura sólo equiparada en blanco a la estrella del rocknroll Elvis Presley. Pero los orígenes de James Joseph Brown hacia el estrellato no fueron nada sencillos. Esta es la historia del mito del rock en un guion demasiado troceado y con el flash back como arma arrojadiza. El actorTate Taylor, "Criadas y señoras" (nominada al Oscar a la Mejor Película de 2012), se atreve a llevar a la gran pantalla este drama, sobre uno de los mitos de la música contemporánea. Su puesta en escena, su energía, su voz característica y su facilidad para el ritmo y el baile le transformaron en un icono del espectáculo de masas. Pero, a su vez, sus orígenes en la miseria y la delincuencia, como ascendió hasta el estrellato desde la pobreza más absoluta, su concepción de cómo el negro para llegar al poder debe de ser a través del dinero y no la revolución, su relación con la política "blanca" oficial (habiendo sido recibido en la Casa Blanca y actuado para las tropas en Vietnam) le convirtieron en un personaje de enconadas opiniones contradictorias.  Chadwick Boseman, plano y sin emoción, que ha sido escogido por Marvel para interpretar a Brown y le acompañan Viola Davis (Criadas y señoras), Nelsan Ellis (True Blood), Dan Aykroyd (Granujas a todo ritmo), Octavia Spencer (Criadas y señoras) y Fred Melamed.

Camino e la cruz

Film lento, estático y de largos planos como todos del que podríamos llamar genero de enaltacion del fervor religioso. Nada se mueve, todo es interior, contenido, difícil de entender en un mundo en movimiento. El único que se mueve, oscila entre la fe y el escepticismo es Dietrich Bruggermann, el director. Quiere denunciar la falta de libertad encorsetada de las religiones pero evita, encaminando el film por los vericuetos de las ironías. 14 partes en referencia a los 14 pasos del viacrucis que protagoniza  con el mismo sufrimiento Lea Van Acken. Un calvario hacia el Golgota, este segundo largo del autor, una reflexion muy alemana premiada en Berlin por su guión abierto a todo tipo de suposiciones. Servir a dios con la vida pero con buen humor y una madre intransigente y fundamentalista católica. A sus 14 años, María sigue una educación muy estricta dictada por los principios de la Sociedad de San Pío X, una agrupación católica reaccionaria contraria a toda reforma que disponga la Iglesia. Bajo el control autoritario de su madre, soporta una presión desmedida para ser digna de Dios en su carrera hacia la santidad. Bernardette, una chica francesa, se ha convertido en su único apoyo. Pero un chico, Christian y una mentira a su madre la empujan a la muerte para encontrarse con Dios. Drama sobre el integrismo religioso y las consecuencias que pueden llevar a los que lo sufren a la autodestrucción, preferentemente en niños fácilmente moldeables con una psyche frágil y educados bajo los estrictos postulados del fanatismo religioso. El director     Brüggemann nos acerca a la atmósfera irrespirable de una familia del sur de Alemania, en plena década de los años 60, en su camino a la santidad. Pero una mentira de la protagonista e hija mayor, María, es el inicio hacia el desastre, hacia el crudo desenlace de una muerte anunciada a causa de una equivocada interpretación de la fe católica.Camino de la cruz ha logrado acaparar galardones de prestigio como el de Mejor Guión y el del Premio del Jurado Ecuménico en el Festival de Cine de Berlín o la Espiga de Plata, el Premio FIPRESCI de la Crítica y el Premio del Jurado Joven del Festival de Valladolid, lo que la confiere como una de las cintas más esperadas del panorama cinematográfico europeo. Según su director Dietrich Brüggemann,Camino de la cruzsigue los parámetros de su anterior película, la comedia " Neun szenen", que disecciona la relación entre padres e hijos, entre adultos y adolescentes pero desde una óptica religiosa. El reparto lo conforman Lea van Acken, Lucie Aron y Florian Stetter.

Naomi Campbel

Yermén trabaja leyendo el tarot, y graba en VHS a sus vecinos y los perros callejeros desde su apartamento en las afueras de Santiago. Sueña en cambiar de sexo y decide probar suerte en un programa de televisión. Elementos de la cruda realidad y documentales se alternan con un argumento minimalista ficticio, una oportunidad para seguir la transformación de Yermén en la persona que siempre ha sido. Camila José Donoso estudió cine en la Universidad Mayor de Chile y dirigió varios cortometrajes, entre ellos, Camino Gris (2008). Nicolás Videla estudió dirección y comunicación social en la Universidad Católica de Chile. Es director, guionista y montador de todos sus films, entre los que se encuentran los cortometrajes Migrar (2009), Las nadadoras (2010) y Las zonas seguras (2011).

Naomi Campbel no trata sobre Naomi Campbell. No se ve ni una sola estampa de la modelo londinense. En cambio, la primera película de los directores chilenos Camila José Donoso y Nicolás Videla trata por todos lo medios encontrar a su protagonista en la imagen, verla frente a frente, mientras ella también intenta encontrarse a sí misma. Yermén Paula Dinamarca es una mujer transexual que desea terminar su proceso de transformación y formación de la persona que quiere ser mediante la culminación de la operación genital.

El metraje empieza con las imágenes de una calle vacía que graba Yermén con su videocámara. Tardaremos todavía unos minutos en acercarnos al personaje. Yermén se nos muestra a medias: de lejos en la consulta del médico, oímos su voz mientras le pregunta al doctor, tumbada de lado en su cama o la mitad de su reflejo en el espejo de una caja de música. Donoso y Videla plantean la película como un conocimiento paulatino de Yermén a través de una realización naturista, cuasi pedestre. Mientras que ella, al mismo tiempo, se va conociendo con su cámara y nos presenta su manera de ver el mundo. Existe, pues, una clara planificación en el acercamiento a Yermén a través del encuadre. Solo podremos verla de frente, mirándonos a los ojos y andando decidida por las calles de una comuna de La Victoria, cuando se haya encontrado a ella misma.

Esta realidad ficcionada, o ficción con toques de realidad, constituye el verdadero corazón del proyecto fílmico. En Naomi Campbel todos los personajes van en busca de su yo. La amiga de Yermén, que se hace llamar Naomi Campbell porque quiere parecerse a ella (de ahí el título del film), ha encontrado su identidad en la consecución física con la modelo, aunque esta forme parte de su imaginario; las vecinas y amigas de Yermén, víctimas de la dictadura, encuentran en la verbalización de su horror el camino para reivindicarse a sí mismas. Y en tercer lugar está Yermén Paula Dinamarca. Todo en ella respira veracidad: ni un gesto es impostado, ni una mirada forzada. El gran acierto de la cinta, a parte de una huida de los tópicos de la transexualidad, reside en la autenticidad de la puesta en escena y de la dirección de actores. Solo de este modo logramos descubrir cómo unos personajes en los extremos de la sociedad libran sus pequeñas grandes luchas para lograr aceptarse y que les acepten. Estrenado el documental en el Festival alternativa de Barcelona 21 edicion. 

Nacido en Gaza

Diez niños residentes en la franja de Gaza son testigos impotentes del ataque de Israel sobre la población en la llamada "operación margen defensivo", como respuesta a los misiles que la organización terrorista Hamas había lanzado sobre territorio hebreo. Algo más de un mes, entre julio y agosto de 2014, duraron los ataques que acabaron con la vida de 507 niños y dejaron heridas a más de 3.000 civiles. Éstos chicos son portavoces del horror, de un maldito conflicto que dura ya demasiado. Niños que dejan atrás su inocencia y sus juegos infantiles para entrar en el mundo de los adultos a través de la barbarie y el horror de la guerra. Las bombas que destrozaron las vidas de sus convecinos y que se enfrentan a un futuro incierto ante la situación política y bélica que parece interponerse en sus ánimos de estudiar. Nacido en Gaza es un arriesgado documental que pretende acercar a audiencias mayoritarias el gran trabajo periodístico del argentino Hernán Zin, antiguo colaborador del periodista Jon Sistiaga. Desde hace 17 años se ha dedicado a recorrer todo el globo, buscando temas de impacto social. Además de su faceta cinematográfica, ha escrito libros y reportajes a lo largo de África, Asia y América Latina. Ha colaborado con medios como "El pais", "Rolling Stone", "La Voz de Galicia", "La Nación", "El Cronista", "RNE". Su cuarto libro "Llueve sobre Gaza" (Ediciones B) es un magnífico soporte de apoyo complementario al documental, que nos obligará a comprender más aún la situación socio política que se vive en esa franja.

l'ultim partit

Johan Cruyff cambió la historia del Barça, como jugador y como entrenador, en tanto que símbolo del 0-5 y creador del dream team, motivos de sobras para que se le rinda cumplido homenaje en el documental titulado L'últim partit. El film tiene, sin embargo, un impacto añadido y es el papel que tuvo y puede tener el As Volador en la política catalana. El subtítulo de la película, producida por Bonita Films y de 70 minutos de duración, subrayaba el debate: 40 anys de Johan Cruyff a Catalunya. “Si quieres una cosa, hazla”, repite como mensaje el exjugador y extécnico barcelonista. Se pueden hacer grandes cosas; están a tu alcance”.

El documental subraya el carácter liberador que tuvo Cruyff para muchos blaugrana en pleno franquismo cuando fichó por el Barça en 1973. “Pasamos de la derrota a la victoria a partir de Johan”, afirmó el director Jordi Marcos, que reiteró el espíritu libre que significaba el holandés, cuya llegada “supuso una revolución deportiva, cultural y social”. Cruyff se deja llevar en la película sin perder su condición de líder: “Iba a jugar a un país fascista, en un club que es més que un club”. El As Volador del pelo largo y pantalones con pata de elefante que tuvo como idelólogo a Armand Carabén (“identificaba los problemas propios”) recibe el aplauso en el documental de Xavier Folch, Magda Oranich, Xavier Sala i Martín, Josep Carreras, Ferran Adrià, Fermí Puig y Xavi, Bojan.

Folch guarda como oro en paño el autógrafo de Cruyff con el que fue obsequiado cuando fue detenido en la caída de los 113 miembros de la Comissió Permanent de l'Assemblea de Catalunya en 1973. Xavi le rinde pleitesía porque “revolucionó el fútbol con su lema: pensar antes de recibir el balón”. Adrià le venera porque fue “grande como jugador y como entrenador”. Y Guardiola le idolatra: “Le iba a ver, ya cuando entrenaba el filial, para hacerle sentir mi agradecimiento. Yo no hubiese sido capaz de hacer lo que hizo él: no tenía ningún colchón y seguía firme en su ideario. Los últimos 20 años del Barça no serían los mismos sin Cruyff; no habría nada de lo que hay. Ha sido el personaje más influyente. Creó una idea común y transmite conocimiento”. Y remata: “Era capaz incluso de crear un caos controlado para que todo el mundo estuviera atento”.

Enviar vídeo

Guardiola es quien más ha entendido y desarrollado la obra de Cruyff, figura decisiva en el cambio del carácter asustadizo y victimista del Barça a partir de un idioma único y una lógica elemental: “Me acusaban de pesetero cuando nunca lo he sido: si eres el mejor del mundo, cómo vas a tener problemas de dinero”. El Barcelona dejó de ser una entidad desacomplejada y cambió su mentalidad perdedora con Cruyff, trascendente también en impulsar a la selección catalana como técnico que fue del equipo. “Se trata solo de defender nuestros colores, nuestro idioma y nuestro país y se acabó el asunto”, arengó a los internacionales catalanes en su último amistoso como seleccionador.

El mensaje de Cruyff: “Si tienes voluntad y proyecto, puedes salir adelante. Las cosas más importantes están al alcance de la mano siempre que haya actitud”. Cruyff, redunda en la película sobre una misma idea: “Cataluña debe decidir por ella misma”.

Nunca hubo dudas sobre la huella futbolística de Cruyff. La política, en cambio, era más disimulada, por más que bautizara a su hijo con el nombre de Jordi. La película, sin embargo, le sitúa como un ciudadano activo a favor de la consulta y con un pasado catalanista, una posición que a su entender no va en contra de su eslogan favorito; “Yo siempre hago lo que me da la gana”.

• Cámbiate a la Cuenta NÓMINA de ING DIRECT

Ouija

La tabla güija está mal utilizada por aquellos que la consideran un juego cuando es un medio reconocido para contactar con el más allá. Por lo que hay que seguir sus reglas. Cuando Debbie muere en extrañas circunstancias tras utilizar la güija, Laine y sus amigos se proponen averiguar la verdad sobre su muerte a través del tablero. Involuntariamente, dada su inexperiencia, se comunican con el ente equivocado, un espíritu demoníaco que hará que los jóvenes se enfrenten a una terrible maldición que pondrá en peligro sus vidas. Stiles White, conocido guionista de cintas de terror como "The Possesion. El origen del mal", debuta con este largometraje, con el apoyo financiero del productor Michael Bay, y con el tablero espiritista como protagonista de la acción. Mucho ruido, poca sangre y algún retortijón de guión. El origen de esta tabla se le atribuye a Charles Kennard y su socioElijah Bond (1890), cuando patentaron una de las planchas de madera que se solían utilizar en las reuniones espiritistas de la época en Europa y Estados Unidos. Con el tiempo, la empresa ha ido pasando por distintas manos hasta nuestros días que la encargada es la fábrica Hasbro. El tablero, que por cierto es indestructible, se compone de un alfabeto, y las letras a los lados, Si, No y Adiós, además de un artefacto que permite que las personas que quieran contactar con el más allá, deben de tocar y "los espíritus" mover. Olivia Cooke,  en su enfrentamiento con las fuerzas del más allá y también a Ana Coto, Daren Kagasoff  o Bianca A. Santos, entre otros.

Mommy

La capacidad de deslumbrar y de ser el protagonista, del director Xavier Dolan (Yo mate a mi madre, Los amores imaginarios) es a la vez el atractivo y problema de esta cinta. Quinto film, premio del jurado de Cannes ex equo, de este autor de Quebec de 25 años que ajusta cuentas con su breve pasado. Madre viuda, hijo con síndrome de ADHD y vecina muda intentan resolver  el desorden en que los mantiene el disperso director. Todo ello obliga a estar muy pendiente de Anne Dorval, Antonie Oliver Pilon, Patrick Huard y Suzanne Clement. Talento apagado por errores y por un exceso de histeria colectiva que se superponen a las emociones personales apagandolas hasta hacerlas imperceptibles. Como un almodovar canadiense, el amor del film se diluye en nervios, locura y crispaciones muchos de los 134 minutos en que se exhibe.

Mil noches una boda/Party girl

Un documental de la calle, con toques de humor dramático es lo que nos ofrece Amachoukeli-Barsacq, Claire Burger i Theis. Por una vez un buen titulo para este primer largometraje juvenil y que ponen en cuestión la forma de vida de la protagonista, beber con clientes, hasta ver de casarse con uno. Es la clásica situación a resolver en la vida, lo que se es, lo que se quiere ser y lo que se acaba siendo. Cine francés que nos permite sumergirnos en la vida real de una mujer de 60 años de vida dispersa que decide casarse. Una cámara de oro en Cannes, mejor reparto y opera prima para este híbrido entre el documental y el biopic interpretado por naturalidad por AngeliqueLitzenburger, Joseph Bour, Mario y Samuel Theis. A pesar de sus 60 años, Angelique está todavía dispuesta a disfrutar del sexo con hombres más jóvenes. Trabaja en un cabaret francés cerca de la frontera con Alemania, incitando a los clientes a beber para subsistir. Son los años 60 y no está bien visto que una mujer madura, trate de seducir aun hombre pero ella no quiere renunciar a los placeres de la vida y le da igual lo que piense la gente. Pero le hace falta dinero y acepta casarse con Michel, un cliente asiduo.

Magia a la luz de la luna

Otra jovial, lozana y fresca película del director de NY de 79 años. Otra obra maestra de la fluidez narrativa y la dirección de actores, en esta ocasión Colin Firth (irónico y misántropo), Emma Stone, (descarada y enigmática) Eileen Atkins, Catherine McCormack o Marcia May Harden. El director se embarca en un viaje a pasado en la Costa Azul de los años 20 en la cámara extraordinaria de Darius Khondji. El genio vuelve a crear su universo personal partiendo del a vieja formulas del cine clásico. Enfrenta en su comedia romántica alegremente la magia con el racionalismo, las hadas con lo material y el espiritismo con el escepticismo. El enfrentamiento entre un mago y una médium tienen reminiscencias del escorpión de Jade. Celebro esta nueva maravilla del cine noble y distendido con que nos obsequia este gigante con gafas del cine. Así no puedo comprender como una prestigiosa revista especializada se dedica esta semana a buscar las10 peores cintas de Allen. Pierden el tiempo.

exodus dioses y reyes

Sigue fielmente Ridley Scott el ritmo histórico de la Biblia, sin invertarse otro Noe. Porque el film no es ni Blade Runner ni una inmersión en las Cruzadas. Y consigue este equilibrio que posee entre el proceso intimo personal y el exceso espectacular como es aquí las secuencias de las plagas bíblicas que azotaron Egipto, con sus consecuencias y sus orígenes. Mas vulgar es la apertura del Mar Rojo y el consiguiente entierro de los soldados de Ramses. 3D para este suntuoso peplum de 135 min. con lo que consigue además de lo clásico,mostrarnos la terrible soledad del que ejerce el poder, la contradiccion de la competencia entre hermanos y la dominación de unas clases sobre otras. Hay un intento de Scott de dejar atrás la historia sagrada según Hollywood y promulgar por ejemplo que las tablas de la ley son del Sinai si, pero del hombre. Joel Edgerton es Ramses II el inquietante, Sigourney Weaver su madre y Maria Valverde, Sefora, esposa de Moises, Christian Bale. Así como Ben Kingsley, Aaron Paul, John Turturro están en un casting donde por el momento y lugar se encuentran a faltar muchos actores de color. Con todo ello es de agradecer que Scott no se haya vuelto loco con un delirio fantástico. Un considerable remake de De Mille, en el que también habla de esclavitud y libertad rodado en Almeria y Fuerteventura.

Electrick children

La angelical Julia Garner, de 15 años, pertenece a una ortodoxa comunidad mormona de Utah que la ha mantenido apartada siempre de cualquier contacto maligno con el exterior. Sin embargo, llega a sus manos una cinta de radio casete con música de una oscura banda de rock y, a los tres meses de escucharla, se queda embarazada sin haber mantenido relaciones. Ella lo achaca al milagro de la Inmaculada pero su familia, avergonzada, le concierta un matrimonio y ella se escapa. Un drama adolescente que fusiona géneros como el romántico o el religioso. Ambientada en el hermético fundamentalismo religioso de los mormones, una adolescente con su pasotismo juvenil se inserta en un grupo de skaters donde experimenta su primer amor. Ópera prima de la directora Rebecca Thomas, en la que salen a la palestra diversas confrontaciones ideológicas y conceptuales como la libertad individual versus religión con sus correspondientes restricciones y mandamientos. La actriz de caché en el mercado indie cinematográfico gracias a su participación en algunos títulos referentes del género como  "Martha Marcy May Marlene", interpreta al papel protagonista. Le acompañan también Liam Aiken, Rory Culkin (Señales), Bill Sage (Precious) y Billy Zane.

Natasha

A sus 19 años, Natasha tiene un halagüeño futuro por delante como fotógrafa en Barcelona. Profesionalmente, admira a su jefa por su facilidad para manejar y seducir a los hombres pero, personalmente, idolatra a su amiga, que se fue a vivir a Londres y que mantiene una relación compleja. Natasha duda entre si es mejor encontrar al amor verdadero o tener a los hombres a su disposición para usar y tirar. La ópera prima del joven realizador (que ejerce también de productor, guionista y músico) barcelonés Sandeep Raisinghani, de origen indio y formado cinematográficamente en Londres, aborda los puntos de vista,  de una joven inexperta en el amor, testigo excepcional de cómo fluyen las relaciones con los hombres para las mujeres clave de su vida. El pasado doloroso de su madre  por sus malas experiencias, en el apartado sentimental, la han convertido en una mujer amargada y desconfiada. El reparto lo componen la joven actriz Anna Piqué, que debuta en la gran pantalla; Pasión Guerrero; Francesc Such Gomar; Ricard Balada Cuadrado o Konstantina Titkova, en sus roles principales.

Cinema en Temps de guerra

Cinema en temps de guerra reviu les vivències d’un dels darrers directors de fotografia del cinema de la República,Joan Mariné, testimoni d’excepció d’un moment de la història del cinema català que, tot i la precarietat econòmica, la manca de mitjans i les difícils circumstàncies internacionals, va caracteritzar-se per la seva alta producció, mai superada, i la seva innovació en les formes i els continguts. Mariné és el darrer supervivent de l'equip de Laya Films,  la productora de la Generalitat republicana, i que ara ha dirigit Bartomeu Vila.

A través dels records i experiències de Joan Mariné, el documental fa un recorregut per les pel·lícules que va filmar durant aquells anys de la contesa, tant amb el Sindicat d’Espectacles de la CNT, com desprès amb Laya Films.

El film (que ha comptat amb la col·laboració del Centre d’Investigacions Film-Història de la Universitat de Barcelona i del Memorial Democràtic) també inclou fragments cinematogràfics inèdits, recentment descoberts, com un de Paquete, el fotógrafo número uno, film protagonitzat pels llavors joves i desconeguts actors Mary Santpere i Paco Martínez Soria. En total, Cinema en temps de guerra inclou fragments de més de 40 pel·lícules.

Trash, ladrones de esperanza

Con solo las imagenes, Stephen Daldry (Las horas, Billy Elliot) ya denuncia la miseria insertada en la ciudad de dios que nos retrataba también Fernando Mereilles, productor. Película alejada de su filmografia, Daldry se preocupa mas de  mostrar que de narrar con corrección pero con frialdad siguiendo se supone el guión de Richard Curtis (Mr. Bean) que adapta la novela de Andy Mulligan que no debe retorcer y atribular tanto el argumento ya qu ha sido el mejor libro e 2012 para niños. Unos niños que interpretan magníficamente esta historia que transcurre en Río de Janeiro. Una simple bolsa de cuero guarda en su interior una cartera de contenido extremadamente valioso para mucha gente. Su propietario la pierde cuando cae abatido por disparos de la policía en un gran vertedero. Pero tres muchachos, Rafael, Gardo y Rato, que sobreviven rebuscando entre la basura, la encuentran antes que las autoridades. Junto a dos cooperantes de una ONG, los niños se ven envueltos en una trama de corrupción gubernamental que trata de acallar la policía, sea como sea. Elos sonRockson Teves, Martin Sheen, Eduardo Gil, Rooney Mara,y Wagner Moura

THE ZERO THEOREM

Dos talentos unidos, Terry Gilliam y Christoph Waltz unidos, sirven de poco. Bueno si, para que un pobre solitario que solo busca y no encuentra nada y que perdido en la teoría del todo queda prendido en un futuro impredecible. La angustia vital consume al genio de las computadoras, un tipo que vive recluido en una vieja capilla de Londres con poco contacto con el mundo exterior. En busca constante de respuestas que den sentido a su existencia, trabaja para el enigmático "Management" en un experimento científico que desvelará el propósito de la vida en el ser humano. Pero, mientras avanza en sus investigaciones, conocerá que el amor es el motor de la existencia humana. Ciencia-ficción, filosofía y metafísica confluyen una disertación sobre el sentido de la existencia humana y sobre la responsabilidad intrínseca del hombre sobre sus actos dentro de la vorágine del determinismo (acción -causa-consecuencia) Saturación de colores y decorados acojen este futuro tecnocrata e informático que es donde se enfrenta nuestro enfermo protagonista a la resolucion de un teorema. La formulación es la incógnita del debate entre la forma y el contenido, que nos remite al cine de los 80 pero con menos ideas. El film es Monty Phyton en estado puro con toda su química, en este caso distopica, su creatividad insultante, su vértigo caótico y que puede producir una desmesurada irritación. Matt Damon, Tilda Swinton, Melanie Thierry y D. Thelwis por el contrario parecen complacidos con el experimento.

Rastros de sandalo

Poco presupuesto? Desconocimiento de la tecnicas?Idioma impuesto por las subvenciones?Algunas de estas preguntas deben tener respuesta positiva dado el cotejado nivel de Maria Ripoll (Utopía, Tu vida en 65 '). Quinto largo para la barcelonesa que demuestra que el vinculo familiar nunca se extingue a pesar de las culturas. A no ser que haya optado por acercarse al cine hindú con exotismo y una gran emoción. Aida Clotet y Nandita Das, también directora de cine, nos lo transmiten con solvencia. Esta viaja a BCN con su marido Subodh Maskara que también lo es en realidad. Involucrada en la campaña "Darck is beautiful". Película femenina con minutos de alto voltaje como la canción de Silvia Perez Cruz. Cine dentro del cine, fantasía y denuncia, Bombay y Barcelona, donde lo mas parecido además de las postales para la comparacion es nuestro Raval. La novela en parte biográfica de Asha Miro nos cuenta el reencuentro de dos hermanas hindus separadas ed pequeñas por una adopción precipitada por la muerte de la madre de 13 años, a los 7 años. Su hermana, estrella de Bollywood tres décadas después, la buscara con tenacidad. Con la misma convicción que interpretan Naby Dakhli, Rosa Novell, Valbhavi Hanka y Godeliv van den Brandt.

Paris- Manhattan

No puede sustraerse Sophie Lellouche al influjo de Woody Allen, interprete el film en su entorno mas natural, Manhattan. Sentimental y romántico en sus  77 minutos, no parece la directora haber sido alumna aventajada del mago de la comedia. Alice Taglione, la protagonista esta obsesionada con el afamado director y hace girar su vida alrededor de sus apariciones. Al mismo tiempo que Patrick Bruel y Marie Delterme.o Yannick Soulier Alice es una joven farmacéutica cuya única pasión gira en torno al cineasta de Nueva York, Woody Allen. A tanto llega su obsesión que simula tener una relación de amistad con él a través de su fotografía. La familia, muy preocupada por ella, quieren acabar con su soltería y planean buscarle una pareja, mientras que la pobre está locamente enamorada de su cuñado. Cuando Víctor acude a instalar un sistema de alarma en la farmacia, entre ellos surge una atracción amorosa que es imposible ignorar.

Los pinguinos de Madagascar

En el nuevo film de Eric Darnell y Simon j. Smith (Hormigaz y Beemovie respectivamente), la cantidad de gags es directamente proporcional a su poco resultado ni inspiración, así como la evolucion de los caracteres de los protagonistas va de la estupidez hasta la pesadez mas insoportable. Es difícil que los pequeños con este lenguaje y forma narrativa puedan entender las referencias que hay sobre animales, con referencias cinéfilas que menos entenderán tampoco los padres y mayores. Un nuevo spin off de la saga Madagascar que no encontrara su publico al que sin duda va dirigido.

Mortadelo y Filemon contra Jimmy el cachondo

Los pequeños encontraran un film mas en 3D, con sus gamberradas, sus diálogos absurdos y sus situaciones delirantes creados en 1958, Los mayores recordaran con otra visión a los agentes de la TIA si eran sus héroes de infancia. Excesiva en los machaques  y desapariciones de detectives dibujados acaba cansando, pero esto ya ocurría en la anterior versión. Javier Fresser(El milagro de P. Tinto) utiliza los efectos especiales para conseguir la comicidad de sus productos originales y esto explica la simbiosis perfecta con el espíritu del dibujante Francisco Ibañez. Esto proporciona un film de gran calado técnico, con detalles que hay que ver mas veces, con una cierta recarga en la narrativa, infectada de luz y que si te dejas llevar por la corriente lo encuentras hasta estilizado. La aventura es un non stop. Cameos, burlas y voces son idóneas ideas y muy gratificantes escenas. La importancia del segundo plano es tanta que se tendría que congelar la imagen a menudo para poder reirlo todo con tranquilidad. El zapato que Fresser encontró en el 2003, El secleto de la tlompeta, sigue llenándolo de personajes simbólicos, extraterrestres convirtiendo el tebeo original en una película en cierto modo fascinante. Con Karra Elejalde, Janfri Topera, o Mariano Venencio en las voces, Fresser sigue siendo el mejor en las adaptaciones mortadelofilemonianas.

Fuego

La venganza es un tema cinematográfico que me apasiona. aunque como esta de Luis Marias sea altamente improbable en ocasiones.Un atentado con coche bomba acaba con la vida de la mujer de un policía nacional destinado en el País Vasco, dejando además a su hija pequeña de 10 años sin piernas. Once años después, ha dejado El cuerpo por serios trastornos psicológicos y trabaja en una empresa de seguridad en Barcelona pero si su hija ha conseguido sobreponerse a la tragedia, él sigue sumido en un deseo incontrolable de venganza, de infligir el mismo castigo a la mujer y al hijo del terrorista de ETA encarcelado.Luis Marías, ganador de un Goya al Mejor Guión Adaptado por el drama generacional "Mensaka" en 1999, construye una historia con aplicar el "ojo por ojo" en la familia del terrorista. Marias( "X",) nos presenta en su segundo largometraje, a uno de los valores de nuestra industria cinematográfica, José Coronado, encabeza este thriller dramático. Le acompañan en esta producción Aida Folch (El artista y la modelo), Leyre Berrocal (Éxtasis) y Montse Mostaza.

Amour fou

Lo loco en el film es mas una comedia de errores que cometen los enamorados que no un análisis de la pasión desatada. Estamos en 1811 a orillas del lago Wannsee (Postdam), el escritor romántico alemán Heinrich Wilhelm von Kleist pone fin a su vida de un disparo en la cabeza, después de matar a su compañera y musa, Adolfine Vogel, como parte de un plan preconcebido de suicidio compartido por los dos amantes. Von Kleist, decepcionado por el fracaso de su última novela "El príncipe de Homburg", pacta su muerte final con su amor, enferma de cáncer terminal, para seguir siempre juntos. La directora y guionista austríaca Jessica Hausner (Lourdes) ahonda en la vida y el trágico final de uno de los escritores dramáticos más importantes del romanticismo y la literatura alemana. Heinrich Wilhelm von Kleist (1777-1811), ex militar prusiano y combatiente en las Guerras Napoleónicas que, durante su periplo bélico, viajó por el continente europeo desarrollando su pasión por la literatura y dando forma a sus primeras obras. En el film, donde lo lujurioso es la fijacion por la muerte, aborda el suicidio del escritor, final muy común entre los integrantes del movimiento romántico, intentando acceder a los motivos que le llevaron a tomar esta fatal decisión...la pérdida próxima de su gran amor, la soledad, el aburrimiento existencial, el fracaso y poco reconocimiento de su faceta como escritor. Drama de época que fue presentado en el Festival de Cine Internacional de Cannes en 2014, dentro de la sección "Otra mirada". El reparto lo conforman, en sus papeles principales, Christian Friedel (La cinta blanca), Birte Schnoeink y Stephan Grossmann.

Adios al lenguaje

Un perro es el testimonio de los encuentros y desencuentros de una pareja, single el y casada de momento ella. El paso del tiempo y las dificultades para relacionarse irán situando la historia y tomando la medida a sus frases gastadas, pocas veces sugerentes y a una velocidad que es imposible de captar por el espectador. Filosofo del cine, Jean Luc Godard se nos muestra en su vertiente mas escatológica,con una humor difícil, incomodo pero que imprevisiblemente hace reír a veces. El xaman de la nouvelle vague, a sus 84 años, inquieto y experimental, no deja indiferente a pesar de su enfermedad. Protagonizaa de forma absoluta  esta nueva propuesta cinematográfica, Heloise Godet y Kamel Abdell.

Toastmaster/El maestro del brindis

La película, ambientada en una comunidad armenia de EE UU, gira en torno a la visita de Alek a su tío Kapriel. Éste ve este encuentro como la última oportunidad que tendrá de legar la tradición familiar del ‘maestro del brindis’ a su único pariente. Alek, en cambio, tiene sus propios planes y quiere remover el pasado y hacer una película sobre quien, según él, fue el hombre más peligroso de la mafia Armenia, su tío Kapriel.
es Marco, y el montador, Francesc Sitges
Toastmaster es el primer largometraje de Eric Boadella, director y guionista de Castellar del Vallès (Barcelona) afincado en los Estados Unidos, quien ha explicado que “tenía en mente hacer una película que tratara sobre un inmigrante que quiere dejar un legado a un descendiente norteamericano”. Lo que ha calificado de “conexión armenia” surgió cuando un amigo de ese país fue a visitarlo. “Estábamos cenando en casa de mis padres, empezó con el brindis y consiguió emocionarnos a todos”, explicó el realizador.

Inicialmente, la película, a través del crowdfunding, obtuvo una pequeña financiación que permitió rodar la mayoría de las escenas durante un periodo de dos semanas. En AlmaTwins Productions, se interesaron por el proyecto
La película se ha podido ver en EE UU, donde abrió el Festival de Cine Independiente de Washington D.C. y fue premiada en el de Santa Mónica. Su proyección en la 17a edición del festival de Málaga supone “el estreno europeo” de una película en cuya materialización ha tenido mucho que ver la comunidad armenia de Los Angeles. “Cuando planteé realizar una película sobre una tradición suya que se está perdiendo, se sintieron honrados y toda la comunidad se implicó. La casa donde transcurre la historia es en realidad la vivienda del tío del actor; parte de la música también la ha realizado uno de sus familiares… Se sentían honrados de que alguien se hubiera fijado en ellos”, aseguró el director. 

juego sucio /Cheap thrills

Juegos sucios propone la última palabra en veladas de riesgo para tiempos de desahucios inminentes y eternizada crisis financiera. Comedia negra con la perversión de un tipo íntegro en su centro, la película pone en marcha su juego de apuestas a partir de dos encuentros fortuitos: el de dos amigos que encarnan contrastadas maneras de encarar la madurez y el de estos con una enigmática pareja entregada al juego perverso.

JUEGOS SUCIOS

Dirección: E. L. Katz.

Intérpretes: Pat Healy, Ethan Embry, Sara Paxton, David Koechner, Amanda Fuller, Laura Covelli, Brighton Sharbino, Claudia Salinas, Ruben Pla, Eric Neil Gutiérrez.

Género: comedia. Estados Unidos, 2013.

Duración: 88 minutos.

Colaborador habitual de Adam Wingard -autor de la notable Tú eres el siguiente (2011)- en calidad de guionista, E. L. Katz debuta en la dirección enmarcándose en ese nuevo terror indie que desbroza el lenguaje del género de viejas retóricas y desorientados intentos de emular modelos orientales. Aquí el humor negro pone en marcha una dinámica que no se queda en la escalada de golpes de efecto, sino que gradúa con tino la lógica de una perversión anímica contemplada casi en tiempo real. No es una obra redonda, pero sí enérgica, retorcida y alentadora, donde se confirma que este relevo generacional en el género está sirviendo para algo.

Baja marea

Como en El sueño del perro, su primer largometraje, Paulo Pécora cuenta la historia de un hombre parco que escapa de la ciudad y del pasado, y se instala en el delta del Tigre. Utiliza ese mismo puntapié inicial de su debut pero, como si cruzara de orilla, lleva esa premisa hacia el lado opuesto. El camino de redención del film anterior poco tiene que ver con este descenso a las oscuridades. El punto en común de las dos películas, está en los silencios que marcan las personalidades.
Germán de Silva es un tipo de muy pocas palabras y Pécora aprovecha ese rasgo de su protagonista para escatimarle información al espectador  y dejar que los datos fluyan con naturalidad a medida que avanza el relato. La historia puede resumirse en que un ladrón se esconde unos días y, hasta que lo encuentran, vive en paz con dos mujeres, porque el cine de Pécora está mucho más centrado en los climas que en las acciones. El director se reclina apenas sobre el género, una mezcla del forastero típico del western y el policial negro, con su malhechor que se encamina a un destino inevitable aunque busque enderezar su vida, para que sean los climas quienes se apoderen de la película. Susana Varela y Mónica Lairana también tienen tan pocas pulgas como palabras. Llama la atención el anclaje en las imágenes y el desinterés por la palabra para un cineasta cuya principal actividad es el periodismo, como si Pécora buscara dejar bien claro que puede diferenciar las dos actividades y, sobre todo, permitir que las imágenes sean las que hablan por él.

Nunca es demasiado tarde/Still Life

Impecable realización feliniana de Uberto Pasolini, (Machan) sobrino de Visconti, con desmesurado final y secundado por el entrañable Eddie Marsan en quien recae todo el film impregnándolo de tristeza. Música de la pareja el director, Rachel Portman y ganadora del Oscar por la BSO  de Emma. Film neo realista entre la comedia negra y el costumbrismo dramático, o sea inclasificable. Un protagonista, un objetivo y un archivo de fallecidos consiguen mantener el tono del film. Primer protagonista que puede aspirar al Oscar en el papel de funcionario londinense cuyo trabajo consiste en localizar a los familiares de los muertos. Detective de la muerte, meticuloso, pulcro y aplicado se deja la piel para que todos puedan tener una ceremonia digna y suple todas las carencias del acto fúnebre. Acudirán a sus entierros Joanne Froggatt, Karen Drury y Michel Elkin a los que permite reconstruir un pasado que tenían olvidado. Solo la muerte lo puede cambiar todo. 

Los juegos del hambre Sinsajo Parte 1

Es la tercera película de la saga "Los juego del Hambre", primera parte del tercer libro de la trilogía de aventuras y ciencia-ficción de la escritora Suzanne Collins,en el acaba la historia. Convertido en un fenómeno mundial adolescente, El director Francis Lawrence (Constantine), que ya se encargó de "Los Juegos del Hambre: En llamas, repite en la dirección nuevamente con el penúltimo asalto sobre el presente y futuro de Katniss que aqui es convertida en una campanya de marketing viviente con los riesgos que ello comporta, Teleralidad, poder ed los gobiernos y aqui analisis politico de la propaganda.  Peeta y los habitantes de Panem en su definitiva revuelta contra la opresión del Capitolio. El film transcurre practicamente todo encerrado en un bunker, sin aportar demasiado al debate dels historias inventadas por los medios. Habrá que esperar al 20 de Noviembre de 2015 para conocer el desenlace. Todo ello, siguiendo los ajustes realizados por la escritora y el guion de Danny Strong (El mayordomo) y Peter Craig (The Town: Ciudad de ladrones). La oscarizada Jennifer Lawrence (El lado buenos de las cosas), a la que hemos visto recientemente con "Serena", vuelve a ponerse en la piel de la heroína. Josh Hutcherson (Polar Express) es la piel del panadero enamoradizo Peeta Mellark, que vive prisionero en el capitolio. Mientras Donald Sutherland (Caza al terrorista) sigue conservando su prestigioso porte de dictador como el presidente Snow. Además encontramos a participantes en anteriores entregas como Liam Hemsworth (Los mercenarios 2), Stanley Tucci (Rumores y mentiras), el fallecido Philip Seymour Hoffman (Capote) o Woody Harrelson (True Detective) y tambiéna Julianne Moore (Hannibal) o Tobey Jones

John muere al final

Otra locura serie B de Don Coscrelli (El señor de las bestias, Bubba ho tep) con indiscutible sentido del humor. Un exorcista ingiere una sustancia tipo vinagre y con ello se enfrenta a un ser configurado de bistecs, salchichas y pollo con bigote. Terror delirante en una parodia nada indispensable. Acción interespacial que convierte a los que vuelven después de haber tomado la pócima y viajado en el tiempo en una cosa que no es muy humana. Chase Williamson, Rob Mayes, Paul Giamttim Clabgy Brown y Doug Jones se prestan como pueden a esta ...no se como llamarla.

Jimmy's hall

No debería Ken Loach (El viento que mece la cebada) terminar su carrera como anunció. Esta historia de Jimmy Gralton, un activista cultural que se refugia en EEUU durante la década 22/32 de las tensiones independentistas en Irlanda después de la guerra civil, y primer comunista deportado de su país, empieza el día de su retorno. Pero la cerrazón irlandesa sigue en su punto fascista y Loach defiende con vehemencia el baile, la música, la canción y la risa en las verdes campiñas. Y lo hace con denuncia, con las mejores intenciones e impecablemente en el apartado técnico. Pero lejos quizá de otros films suyos mas crudos. Enfrenta los fenómenos sociales y políticos con sutileza y llenando de matices  a sus personajes. Irlanda, sometida también al poder de la Iglesia  retrógrada y conservadora y a los clásicos poderes burgueses, intenta rehacerse de la guerra civil. Quizá, como en otros films, hay un exceso de didactismo, pedagogía, (Tierra y libertad) pero nunca hay demasiada historia, ni demasiada sensatez. Barry Ward, Jim Norton, Brian F.O'Byrne, Simone Kirby y Andrew Scott son los atemperados interpretes de esta nueva lección de cine histórico social de la filmografia de Loach.

El tiempo de los amantes/Le temps de l'aventure

Maduro le ha salido a Jerome Bonnel (Les yeux clairs), esta relación entre dos personajes por encima del estándar actual de la calle. El breve pero intenso enamoramiento sucede en el trayecto Londres- París y se sube como en otras ocasiones a un tren. Un profesor irlandés que va a un funeral, se fija en una actriz que acude a un casting. Las ganas de que suceda y la imaginacion del espectador hacen el resto porque en general, por breve, la situación es poco convincente. Primeros planos, largos y sostenidos son imprescindibles para captar las sensacionales interpretaciones de Gabriel Byrne, Emmanuelle Devos, Aurelia Petit y Gilles Privat, inmersos en la rueda de la vida moderna sentimientos encontrados y necesidad de amar aunque sea fugazmente, unas horas, como aquí.

‘Valley Uprising’, Flor de Neu d’Or al Festival BBVA de Cinema de Muntanya

_‘Cerro Torre – a snowballs chance in hell’ s’emporta el segon gran premi: el BBVA i la Flor de Neu de Plata al millor film de muntanya

El gran premi Vila de Torelló i Flor de Neu d’Or del Festival BBVA de Cinema de Muntanya recau als realitzadors nord-americans Peter Mortimer i Nick Rosen, amb la pel·lícula ‘Valley Uprising’, un documental que repassa en 98 minuts la història de la vall més emblemàtica per als escaladors, Yosemite. Grans referents de l’escalada com Robbins, Harding, Bachar, Bridwell i Hill són alguns dels protagonistes d’aquest documental que retrata de forma exhaustiva el que s’ha convertit en llar i fita de l’escalada  moderna. La cinta s’emporta també elpremi Boreal i Flor de Neu de plata al millor guió.

La segona gran premiada és ‘Cerro Torre – a snowballs chance in hell’, que s’emporta el premi BBVA i la Flor de Neu de Plata al millor film de muntanya. El realitzador austríac Thomas Dirnhofer capta amb imatges espectaculars una de les darreres gestes en escalada: el jove David Lama escala per primera vegada en lliure la mítica agulla de la Patagònia.

I la tercera gran premiada de la nit és ‘Mission Antarctic’ , del suís Guido Perrini, que s’endú el premi GrandValira i Flor de Neu de Plata al millor film d’esports de muntanya; una proposta de navegació, muntanyisme, snowboard i natura salvatge que descobreix el vertiginosos pendissos nevats de les muntanyes que moren a l’oceà Antàrtic. 

A més, Mathieu Le Lay amb ‘American Loneliness’ és qui recull el premi al millor film de cultura de muntanya i l’alemany Niko Jäger, elpremi FEDME especial del jurat per ‘The cave connection’. El premi FEEC a la millor fotografia és pel també francès Gilles Chappaz, amb‘Guides & Cie’; mentre que la catalana ‘Pioners’, de Miquel Pérez i Miquel Vilaplana, rep una menció especial del jurat per la tasca de recerca del patrimoni històric de l’escalada a Catalunya. El premi Cervesa del Montseny, escollit en votació popular pel públic, reconeix ‘Epecuén’, de Dave Sowerby, i la pel·lícula que millor ressalta la defensa dels espais naturals  amb el premi Mountain Wilderness és per ‘Vigia’, Marcel Barelli.

En periodisme, el millor blog és per a David Domingo per NKO Canyoning - Equipo de barranquismo y descenso de cañones; mentre que el millor treball en periodisme escrit és per a José Manuel Velázquez-Gaztelu per 75 años de la vía Heckmair al Eiger, publicat a la revista Desnive. 

El Festival BBVA de Cinema de Muntanya, de Torelló, és un dels més importants del món en aquest gènere. Exhibeix i posa en competició cada any els millors films del món sobre muntanya i natura durant deu dies. D’aquesta manera i des de fa més de trenta anys, el Festival promou el respecte a la natura amb imatges d’alta definició i al mateix temps catapulta un esport minoritari, portant a Torelló les figures més rellevants de l’alpinisme. El Festival BBVA de Cinema de Muntanya està coorganitzat per la Fundació Festival de Cinema de Muntanya, la Fundació Antigues Caixes Catalanes i el BBVA. Enguany es va renovar el conveni de coorganització i patrocini, un pas que aferma la continuïtat d’un certamen de renom internacional.

Dos a la carta

Familia, mafia, amor los mezcla Robert Bellsola en un film sitcom con personajes muy característicos pero a veces divertidos. Un avispado corredor de bolsa, aparenta vivir una existencia de ensueño junto a su esposa en un irreal clímax de lujo y caprichos. Pero el dinero escasea y recibe la sorprendente herencia de su padre: hacerse cargo de un restaurante rural en el idílico Ampurdán junto a su hermano, un campesino rudo y bobalicón, del que desconocía su existencia. El nuevo destino ofrece un buen sitio para ocultarse de unos peligrosos rumanos que quieren recuperar su dinero de una mala inversión. Comedia de colegas o "buddy movie" que explota los contrastes entre el mundo rural y el de la gran ciudad, siempre desde un punto de vista cínico y humorístico, representados por los dos protagonistas principales (y hermanos) de la película.Robert Bellsolà (Passi el que passi), director, coguionista y productor, forma tándem creativo con Manel Casabó, que debuta como guionista cuenta con varios rostros conocidos del cine y la televisión nacional como Adriá Collado, actor catalán con gran recorrido profesional. Su compañero de es Andoni Agirregomezkorta, un habitual en la parrilla de la ETB vasca gracias a los espacios de humor "Euskocolegas" o "Vaya semanita". El resto del reparto lo configuran Carolina Bang, actual pareja sentimental del director Álex de la Iglesia que ha intervenido en "Balada triste de trompeta" o "Las brujas de Zugarramurdi"; Sergi Gómez, ganador del Cesar francés y Melani Olivares.