Paso de ti o Forgetting Sarah Marshall

Existe en el film de Nicholas Stoller una sumisión femenina al genero opuesto que lastra el equilibrio del film dentro de lo políticamente correcto. Juega para disimular lo evidente con la vulgaridad y el sentimentalismo pretendiendo atraer y distraer a ambos tipos de publico. Arranca el film con comicidad extrema para derivar con el enamoramiento de Jason Segel (también guionista) y Mila Kunis hacia el dramatismo mas critico. La tópica historia de chico que consigue momentaneamente a chica inabastable moviendose entre la flacidez, la duda permanente, la pereza que da ligar y lo extraño que son los corazones idoneos.
Ni los desnudos, ni los atrevidos gags, hacen olvidar que el film es blanco y nos habla de buenas personas que solamente quieren querer, encontrar su amor eterno o no. O sea vendernos con un caramelo toda la tradición heredada de nuestros mayores mas bienpensantes que acaba con la consecución de la prole. Nos cuenta además el film que nadie es perdedor, mentira, y que cuando se convierten en ganadores, o sea lamen el éxito, aparecen como increíbles y ridículos lo que ofrecen al adolescente para su irreflexión. Querer y como olvidar al ser recientemente querido, la delgada linea del dolor, lo vulnerables que somos y como se viven los primeros ataques del amor son algunas de las cosas que nos muestran los productores del film, (Judd Apatow) y también sus otros protagonistas Kristen Bell y Russelll Brand.

Rivales

Hoy este blog ha de estar tiznado de fútbol. Por la final de la Eurocopa y por el último filme del prolífico Fernando Colomo que suma su obra coral sobre el análisis de la rivalidad futbolistica a sus obras como La linea del cielo , Los años bárbaros, Tigres de papel, Al sur de Granada, Alegre ma non tropo , Bajarse al moro, Cuarteto de la habana, El efecto mariposa, El proximo oriente, Eso, La vida alegre, Miss Caribe y Rosa, rosae. Diferentes puntos de vista sobre las mismas cosas superando el caracter de anecdota. En el filme las peripecias de Ernesto Alterio superan dos pueblos las de Santi Millan,-que por cierto tiene que replantear su carrera-, y que aquí es un empresario de cava catalán enamorado perdidamente como siempre de una violenta azafata de vuelo - Kira Miro-, capaz de noquear a la guardia civil.
Abundan pues los chistes anticatalanes soportados estoicamente en representacion la gran actriz Rosa María Sarda en contraposicion a Alterio, padre superviviente con hijo camino de Sevilla y Jorge Sanz, simpático y moderno como siempre cuando interpreta el papel mas retrogrado de la función.
Para Colomo el resultado del match es lo de menos. Lo único que le interesa es mostrar los mecanismos y las pautas de comportamiento que mueven a los aficionados y algunos exacerbados espectadores sin pretender inducir al análisis sociológico del tema. Con estilo irónico, escritura fluida y buena dirección de actores (Gonzalo de Castro, Juanjo Puigcorbe y MAria Pujalte), nos presenta este partido de juveniles con punto de encuentro de las españas en Sevilla y centro de reunión generacional de hooligans patrios. Un refuerzo de la teoría de que las guerras bélicas, económicas, sociales, políticas, idiomáticas y culturales se juegan ahora en un cuadrilátero de césped con balón. Por suerte, esta noche con Alemania se juega en este terreno, porque cuando fue en la guerra de verdad, ya se sabe como nos fue.

Naufragos, vengo de un avion que cayo en las montañas

Junto a los grandes magnicidios norteamericanos del siglo pasado, el accidente de los Andes ha sido uno de los hechos que mas me han impresionado en mi vida. Ese trabajo de Gonzalo Arijon es equilibrado a pesar de un cierto efectismo musical en la reconstrucción de ciertos pasajes. Los protagonistas supervivientes se sinceran frente a la cámara que cuida con gran delicadeza los inevitables momentos antropofagicos. Esta revisión de la historia que ya se produjo en Viven!, con la sobriedad de Frank Marshall y que ya deja muy claro que para aquellos muchachos, hoy representados por sus hijos, significo el final de la inocencia. Lo que para muchos era el primer viaje en avión, fue también el primer contacto con la nieve. Tuvieron que dar valor comestible y todavía lo valoran con ansiedad, a las galletas Arden, la pasta de dientes o el vino bebido en un tapón de desodorante, antes de comer carne humana. Un tema y asunto que ya parece no dividir a la sociedad uruguayana. Fotografías propias y de los equipos de rescate cobran una fuerza descomunal en medio de las escenas de evocacion reconstruidas. Existe entre ellas una diferencia imperceptible que se basa en al fuerza de voluntad y la obstinación de algunos por sobrevivir.
Muchas entrevistas de los protagonistas jalonan el documental. Uno de los peores momentos fue saber por radio que los habian dejado de buscar. Los hechos, los aludes, que mataron a unos cuantos mas, el frió y el hambre, se resumen en la visita que hicieron algunos de ellos el verano pasado con sus hijos al lugar del accidente, ocurrido en octubre de1972.
Esta redición de la historia de los 16 jóvenes de un equipo de rugby que sobrevivieron 72 días en la cordillera andina, rescatados después de que dos de ellos se lanzaran montaña abajo en busca de ayuda, tiene un matiz importante. Ha contado con el testimonio vivo de aquellos muchachos, hoy hombres, que todavía se saben pertenecientes a un grupo. Aquello tan difícil al hacerse mayor.

3:19

DAny Saadia pensaba que tenia algo mas que decir que un corto sobre una historia de dos amigos, uno con cancer y otro un matemático francés. El protagonista es Miguel Ángel Silvestre, el duque y hasta aquí puedo leer. Su éxito se comprobo en el festival de Málaga, donde recibió la Biznaga de plata a la mejor dirección en la sección Zonazine, espacio que premia las apuestas mas arriesgadas y alargadas diría yo. El protagonista con 26 años se ve obligado a despedirse de su familia, su música, sus amigas y sus amigos. Y Saadia lo cuenta pero poco. Su mezcla de narrativa con viñetas, deja muy claro que la casualidad domina todo en la vida y que la amistad es de las pocas cosas puras en la vida o casi. Por lo visto también en el cine, al menos en este en el que aparecen también Félix Gomez y Barbara Goenaga.

Andalucia

El largometraje “Andalucía”, de Alain Gomis, coproducción hispano-francesa, salió airoso de su encuentro del público francés. La crítica elogió la nueva cinta del director francés-senegalés, Le Monde le otorga un “Excellent”. Tras su recorrido por festivales tan prestigiosos como la Mostra de Venecia, Chicago, Tánger o el Festival de Cine Europeo de Sevilla, la película que han coproducido Mille et Une Productions (París), Mallerich Films (Barcelona) y MLK Producciones (Málaga) se estrenó en Francia, y en España. La cinta ‘Andalucía’, segundo largometraje del director francés de origen senegalés Alain Gomis, habla de la búsqueda de identidad de un joven francés de raíces magrebies, que encuentra en el sur de España. El protagonista, el inmigrante magrebí Yacine de Paris, vive un momento difícil. Está atrapado en la vida de los suburbios de la caótica y estresante capital francesa y en sus propias inquietudes. En este caos, Yacine descubre que está a la búsqueda de algo. Poco a poco este ‘algo’ se convierte en un sitio concreto: en Andalucía. La película acompaña a Yacine en su viaje a Al-Andalus, que es al mismo tiempo un viaje a su propio interior. Llega a lugares con mucha tranquilidad y magia. En los jardines de la Alhambra, en el Sacromonte y en el desierto de Almería encuentra su identidad entre el mundo europeo y el árabe. Los diferentes paisajes de Andalucía son claves para el roadmovie hispano-francés. MLK Producciones ha coproducido esta cinta con la productora catalana Mallerich (productora de “La leyenda del tiempo”, entre muchas películas de prestigio y riesgo en el panorama internacional) y con la francesa Mille et une Productions (responsable del exitoso documental ‘La pesadilla de Darwin’, una dura crítica de la globalización). Alain Gomis demuestra en sus largometrajes, igual que en los cortos y en los reportajes, su preocupación por los inmigrantes y los desarraigados en nuestra sociedad. Con su anterior trabajo, ‘L’Afrance’, Gomis se presentó no sólo en el prestigioso festival Sundance en Estados Unidos, sino también en las muestras de cine en Toronto, Locarno y Berlín. Con su nueva obra, el guionista y director reanuda al éxito y a la temática de ‘L’Afrance’. ‘Andalucía’ compitió el pasado otoño en la sección ‘Giornati degli Autori’ de la Mostra de Cine de Venecia y en el Festival de Cine Europeo de Sevilla, además de ser presentada en otros festivales de prestigio como Toronto, Chicago o Tánger, entre otros. La coproducción ‘Andalucía’ tiene un presupuesto de más de dos millones de euros. Se rodó entre París, Toledo, Granada y el desierto de Almería. Los actores Xavier Serrat, Marc Martínez e Irene Montalá interpretan los papeles secundarios, el francés Samir Guesmi es el protagonista Yacine. El montaje y la mezcla de sonido se realizaron en los estudios de Arte Sonora en Alcalá de Guadaira bajo la dirección de Jorge Marín. El español Xavier Capellas compuso la música original de la cinta.

L'aneguet lleig i jo/Dem drimme aelling og mig

Del popular cuento de Hans Christian Andersen, KArsten Kiilerich y Michael Hegner, han conseguido un largometraje muy libre, animado por ordenador. De esta peculiar adaptacion, destacan dos notables secuencias, el prologo y el recorrido por la casa del terror, en una especie de parodia del genero western. Desaprovecha pero del libreto los escenarios tan magicos como pueden ser los de una feria con decenas de elementos surrealistas que cualquiera con ganas de jugar puede adivinar. La libre inadaptación pasa por poner senos a algunos animales o emparentar razas tradicionalmente en lucha ancestral.
Se condensa la historia en las vicisitudes de un pobre ratón, feo a morir, que debe adoptar al patito menos feo para intentar triunfar en un circo ambulante. Todo muy alejado de la realidad cuentista, pero sobre todo de la filosofía de Andersen, pero mas todavía del espíritu francés y danés, de su tradición de largometrajes animados para menores. Porque si Andersen ya no se lleva, ¿porque lo traumatizan, destrozan, referencian y escarnian presentándolo de esta manera a nuestros chavales?

The princess of Nebraska

Recordemos alguna de las grandes, pequeñas, intimas a ritmo de humano con que ya nos ha obsequiado Wayne Wang, -cuyo nombre responde como sabréis al gran actor conservador. Blue in the face, A cualquier otro lugar , El club de la buena estrella , La caja china , Slam dance, Smoke, Sucedió en Manhattan y The last holyday. Film este algo mas ligero que la reciente Mil años de oración, rodadas casi al unísono, pero también dramática y protestona. Bellas imagenes ilustran esta puesta en escena tranquila, remarcando la distancia misma que toma el protagonista. En cambio el movimiento inquieto de la cámara responde al estado de animo de la chica, tanto es así que muchos de los planos del film se han grabado con el teléfono móvil, instrumento cada vez mas utilizado por los tiempos que corren pero que cobra un relato impersonal, de paso de cualquiera por la calle. Producción independiente, actores desconocidos, Ling Li, Pamelyn Chee, Briana Danforth o Lin Quing, que interpretan partiendo de los relatos de la escritora Yiyun Li y que conforma con el film anterior un disciplinado díptico.
El film se centra en esta ocasión en la llegada de una joven china a San Francisco procedente de Nebraska con la intención de abortar y los avatares por los que debe pasar. En esta ocasión se desenvuelve mejor en la sociedad americana por que aparentemente si que esta integrada. Imagenes bellisimas, severas e hipnóticas a veces las que nos muestran a esta delicada princesa.

Wonderful town

La cámara de Aditya Assarat avanza por entre los restos del tsunami de 2004 en el pueblo tailandes de Pakua Pak, absolutamente desvastado y en el que 8000 personas perdieron la vida. Languidamente circula por los espacios destruidos, medio reconstruidos, abandonados, inertes, de los que supuran como de las heridas gloriosas una extraña belleza, que no se esconden y se muestran con toda su crudeza, pero no consigue hacernos llegar, con todo, la tristeza inmensa, el volumen de la perdida, la secuencia de los hechos, y la tensión interna que soportan los pocos habitantes que han sobrevivido.
El mar, ladrón de la vida y la poderosa energía de este bello lugar, solo ha dejado resonancias ciclicas de mal fario. En este universo, se reunen el gran amor por las cosas pequeñas y el cotidiano realismo social. Una amalgama que produce un efecto curativo en las almas supervivientes de una población que lucha por reconstruirse así misma y por ir borrando sin medios los recuerdos físicos y fotográficos del desastre. Para tanto trauma instruye Assarat una pasión sin limite, un erotismo de alto voltaje, el peligro de ser amante y una violencia latente que estallara como un tsunami en las vidas de Anchelee SAisoontorn y Suppahasit KAnsen.

Sexo en Nueva York

Porque le llaman sexo si son unas pautas de comportamiento muy determinadas de un grupo de señoras en una ciudad. Y porque en Nueva York si ocurre en una ciudad. O sea que ni el sexo ni NY son protagonistas de este pedante capitulo alargado de la famosa serie. Poco mas que añadir a lo que parece una reflexion bien intencionada y critica sobre lo que significa para una mujer cumplir o acercarse a los 40. Y a lo que parece lo mas importante a esta edad es gozar del magnifico apartamento que te ha comprado un señor, hacerse fotografías para una importante revista y conseguir ser siempre el centro de la atención que lo logra gracias al guión, Sarah Jessica Parker. El centro de la circumferencia que componen muy bien elegidas Kim CAtrall, Kristin Davis y Cynthia NIxon. Dos horas y media de sexo insinuado, que no nos engañemos, es el que a la larga funciona sin ser explosivo ni explicito, en lo que podría ser un programa piloto de la serie, rellenado con vestuarios diversos, musicales a lo bonzo, histerias nupciales y demás vacuidades humanas y que las actrices excelentes nos ayudan a soportar, al menos a los varones. Michael PAtrick KIng ha destinado su producto directamente al lado femenino de la población. Su tesis es que los diseñadores de moda gobiernan el mundo y que han trasformado el hedonismo materialista en la nueva mística de lo femenino. Convertir en definitiva la sofisticacion, el buen gusto y la clase, en una farsa comercial. Todo muy americano. Debe ser el new deal de ahora mismo.

Margot y la boda

Hace diez años Noah Baumbach, nos obsequiaba con Mr. Celos. También con Una historia de Brooklyn. Hoy se centra en un drama complejo sobre una familia disfuncional donde se reune nada mas ni menos que a Nicole Kidman, Jennifer Jason Leigh, de la que es esposo el director y guionista tambien de Life aquatic, o John Turturro. La reunión de la familia es a causa de la boda de la hermana de la protagonista que servirá para liberar las tensiones acumuladas y mal llevadas en las relaciones familiares domesticas. Todo con una puesta en escena alocada, nada rígida, agitada hasta el mareo y tan desequilibrada como sus interpretes.
Producción independiente que sera mas valorada por la critica que por el gran publico, que solamente la apoyara por el gran e insólito carisma que mantiene la actriz con su popularidad. Margot, escritora neurótica y madre de un niño de12 años, esta casada con un maestro y enamorada de otro escritor y la Kidman supera todo este entourage y se fagocita a si misma.
A Baumbach, a pesar de esta boda, se le tiene que seguir siguiendo como hacemos a veces con otros singulares y discontinuos cineastas actuales.

Caos calmo

Antonio Grimaldi no podía estropear, criticas haylas, un film con guión, interpretación y producción de Nanni Moretti, el Allen italiano dicen algunos. Como en Abril , caro diario , La habitación del hijo, La misa è finita y Palombella rosa, el discurso de Moretti es severo, vomitando sus fobias, acentuando el dramatismo, haciendo soportable el dolor con la ironía, actuando sin parecerlo y sin renunciar ni un solo momento a su ideario libertario. La gestion del dolor es uno de los temas preferidos del autor. Aquí, un ejecutivo de audiovisuales pierde a su esposa y desde aquel momento sumido en el caos interior, abandona el lugar de trabajo, telefonea desde el coche y permanece sentado en un banco del parque frente al colegio de su hija de 10 años, a que esta salga de clase para ir a casas y hacer vida normal. Mientras resuelve el dolor de la perdida, Moretti, instalado en el caos sentimental, vive la parte mas tranquila, calmada de su vida. Visiona desde su banco compañeros de trabajo, gente con perro, deportistas, familiares que le visitan y intentan hacerle entrar en razón, mamas del colegio, profesores y toda su retahíla de cuentas por ajustar con una sociedad, la mundial, que no le gusta. Y la combate con buenas historias, inteligentes, sensibles y manifestando todas las formas posibles del amor. Hoy le ayudan Valeria Golino, Isabella Ferrari y Alessandro Gassman entre otros. Y los otros estrenos de este inicio de verano son: 3:19- Andalucía- Caos Calmo- El increíble Hulk- La leyenda del DJ. Frankie Wilde- Margot y la boda- El patito feo- The Princess of Nebraska- Sexo en Nueva York y Wonderful Town.

Madre e hijo

Hace poco hablamos de Aleksandr SOkurow con motivo de su Aleksandra. Ahora, el director de El arca rusa nos presenta la primera de su trilogía sobre el exceso de amor como la define. Madre e hijo llega antes que Padre e hijo (en DVD) y en ella intenta diluir la frontera entre el cine y la pintura. Concentra en un lienzo practicamente estático y blanco, el amor,el sacrificio, la incondicionalidad y la grandeza espiritual que se profesan una madre enferma y el hijo que la cuida. Silencioso filme que sabe transmitir con los gestos y las palabras mínimas el sufrimiento provocado por el dolor de la enfermedad que narra y describe.
Unas poderosas imagenes sin limite que soportan estilisticamente todo el peso de su significado.
Sokurow pretende y consigue contarnos como es de complicado y duro amar a alguien mas de la cuenta, alguien dirá que nunca se quiere bastante, y sin medida alguna. Su film consigue enseñar nos la otra del amor, capturado, desbocado, nada romántico, intenso, doloroso, pero en todo su esplendo, mostrando, que pocas veces ocurre ni se sabe ver, toda su belleza, espiritual y artística.

Cyd Charisse, bailando bajo la lluvia

Adios a otro recuerdo del cine de barrio. Cuando salia esta mujer en pantalla, las suelas se perdian entre la butacas. Durante unos años, sus gráciles piernas fueron las más valiosas del mundo, aseguradas en millones de dólares. En la edad de oro de los musicales de Hollywood, en los 50, su cuerpo danzó elegante y sinuoso junto a los de Fred Astaire y Gene Kelly en clásicos vibrantes y majestuosos. Era Cyd Charisse, una belleza de Tejas que ayer murió de un aparente ataque cardiaco en un hospital de Nueva York. Tenía 86 años y en mayo había celebrado su 60 aniversario de boda con el cantante Tony Martin. Nacida en Amarillo (Tejas) como Tula Ellice Finklea, la actriz había sido una niña frágil a la que apuntaron a clases de baile para fortalecer un cuerpo debilitado por la polio. Su talento le llevó a la compañía Ballet Ruses, con la que hizo giras por Europa,donde conoció a su primer marido, Nico Charisse. El estallido de la segunda guerra mundial forzó su regreso a Hollywood. Y un favor a su amigo el bailarín David Lichine le dio su primer papel en el cine. Aunque ese musical de su debut fracasó, el número de Charisse impulsó una lluvia de ofertas, y acabó firmando un contrato con la Metro en pleno apogeo del cine musical. Su primer baile con Astaire, que años más tarde definiría a Charisse como "bella dinamita", llegó en Ziegfeld follies y siguió en Melodías de Broadway y La bella de Moscú. Con Kelly bailó en cuatro ocasiones, la más memorable en Cantando bajo la lluvia. Cuando el cine musical empezó a hacerse demasiado costoso para los estudios, Charisse se volcó en algunos dramas, pero no tardó mucho en dejar el cine con obras como The Harvey girls, 1946, Hasta que las nubes pasen, 1946, Norte salvaje, 1952 , Brigadoon, 1954, Cita en las Vegas, 1956 , El crepúsculo de los audaces, 1958, Dos semanas en otra ciudad, 1962, Los silenciadores, 1966, Siempre hace buen tiempo y Los conquistadores de Atlantis, 1978.
Actuó en números en Las Vegas con Martin, su segundo esposo; editó un vídeo de ejercicios para mayores activos en 1990, hizo algunos trabajos en televisión y debutó en Broadway en 1992. En el 2006 recibió la Medalla Nacional de Artes y Humanidades. En la verbena, me gustaria bailar una pieza contigo, Cyd.

An american crime

Otra película cruda, truculenta y no se si necesaria. Parece que su intención es prevenir, No se sabe tampoco si su director quiere denunciar un caso real o servir placer al personal enfermo de experiencias fuertes, Todo menos esto, es demasiado explicito. Justifica lo atroz disimulando la poca cabeza, es concisa en lo cruel que explica y intenta delimitarnos las demencias que dan coartada a las salvajadas mas diagnosticadas de una sociedad definitivamente enferma y mal educada.
Aunque la acción se sitúa hace 40 años en Indiana, podría suceder aquí y ahora. Las crónicas negras están infectadas de las mismas miserias, vilezas y violencias gratuitas. Se filma gratuitamente la locura, la incultura como activadores de la maldad y el instinto criminal. Reconstruido el caso sumarialmente por Tommy O'Haver, narra a partir del juicio las terribles acciones de una madre con seis hijos profundamente religiosa que acaba ensañándose con una chica abandonada en su casa por sus padres en la que proyecta sus miedos y obsesiones. Otra crónica el lado oscuro humano, de sus miserias económicas, de sus fe religiosa como subterfugio. ¿Hace falta entrar en un cine para seguir viendo la descomposición de nuestra sociedad?. Es que ni para ver a Catherine Keener, ni a Jesús Franco. ni a Ellen Page, ni a Nick Searcy, ni...

12 razgnevannyt muzhchin

Que debe ser Doce hombres sin piedad, pero como que no sabemos ruso le ponemos 12 y tira que te vas. Lo estrenos de la semana, esta me he dormido, son: 12- An American Crime- El incidente- La vida de Grace- Naturaleza a lo bestia- Pretextos- Ritmos del barrio. Y hablemos hoy de 12, el remake de la obra de Sidney Lumet, bastante alto dejo el listón en 1957, quien si lo hubiera realizado el mismo estaría bastante cerca del resultado, quizá con otra dirección de actores, jurado buena gente que debe decidir si un hombre es culpable o no de un asesinato.
De Mijalkov Nikita, destacamos entre otras: 5 tardes , Algunos día en la vida, Amics entre els enemics , El barbero de Siberia , La esclava del amor , Los parientes, Ojos negros , Pieza incompleta , Quemado por el sol, Sin testigos y Urga donde sus personajes no habían alcanzado el nivel de histrionismo de la presente, desde el productor televisivo hasta el medico lanzador de cuchillos, todos menos el papel reservado al si mismo el director que aparece potentemente al final. Escucha, cuenta votos, conduce y dirige la escenificación del proceso justiciero. El verdadero protagonista varía ligeramente el discurso de Lumet, moral y geograficamente. Se trata de un joven txetxetno acusado de homicidio voluntario de su padrastro, un militar ruso. El conflicto entre los pueblos vecinos aparece en la cinta constantemente, exagerando la tensión dramática, elevando el tono patriótico que enfrentado, se cuestiona. Por estas razones, los doce se enfrentan entre ellos, mas allá del asunto que deben dilucidar, reflejando perfectamente las clases sociales de las repúblicas sovieticas actuales. Un film que además de vosotros deberían verla con buenos ojos y humildes, los Putin's de turno.

La vida sin Grace o Grace is gone

Mal traducido parece un titulo de Coixet. Pero es de James C. Strouse. Critica expresa a la guerra de Irak y implícitamente a todas las actuaciones de los EEUU fuera de su territorio natural. La causa del duelo familiar, cruel e inútil como todos los de este signo, del que nos quiere hacer participar Strouse, es la perdida de una madre y esposa en la susodicha guerra. La deplorable desaparición propicia el acercamiento de un padre (John Cusack) y sus dos hijas, Sheelan O'Keefe y Gracie Bednarcyk, como en otro viaje iniciatico al seno de la familia y la relación de la consanguinidad. El arco que recorren sus encuentros durante el film van desde los afectos desaboridos a la ternura mas empalagosa, siempre dentro del lógico dramatismo, pero con falta de oficio del responsable.
Un hombre de la calle, no aceptado por el ejercito por su miopía, ve como la vida patriótica le hace pagar su cuota con la vida de su esposa, pegándole donde mas duele que es en su autoestima. La dificultad para dar la noticia a sus hijas centra la acción sentimental, aunque el lugar mas indicado no fuera seguramente un parque temático como el elegido. En los peores momentos del film, la música compuesta por Clint Eastwood, nos redime de los recortes presupuestarios y otras menudencias de las que trufan el film. Como Marisa Tomei, que sale también.

Pretextos

Nueva película de esta actriz realizadora catalana sobre la cara oculta del teatro, su dureza lejos de los focos, sin glamour ni concesiones y que la autora y su marido e interprete del filme Ramón MAdaula, trasladan con toda su angustia y ansiedad. Para ello utilizan un actor alcohólico y una actriz fuera de si, al limite de la histeria y de la capacidad interpretativa. Film de riesgo, mas que su ultima propuesta Gala, en la que brillan un guión de hierro y unas interpretaciones de libro. Tanto es el riesgo que tiene, que no es recomendable conducir ni llevar maquinaria pesada después de verla, pues hay riesgo de depresión artística irrecuperable.
No sera el caso de esta pareja que pueden son todo, mas crudas las han visto, que afrontan con entusiasmo, con Laia Marull, Francesc GArrido, Merce LLorens, Manuel Alexandre y Alex Brendermuhl entre otros, la soledad destructiva de la gran ciudad y las valientes y complicadas relaciones de pareja. Y lo hacen a través de un matrimonio de actriz y medico, una enfermera y los abuelos que cuida y mas gente de la farándula. Discusiones, problemas y egoísmos, jalonan el relato llevándonos de la mano y con besos a la esperanza. Todo en medio de una infinita tristeza que ya sabemos que es solo un pretexto para contarnos.

El incidente

Ni The village, ni El protegido,ni El sexto sentido de Shyalaman M. Nigth y tampoco Els primers amics me han gustado, Creo que es un bluff del cine paranoico de terror en el que busca la complicidad que había en el cine de serie B de hace 50 años, solamente que nuestra credibilidad ha crecido lo suyo. Tal vez sea otra señal más el hecho de que hayan desaparecido las abejas de algunos lugares de Estados Unidos pero a Night, suena a marca de zapatillas deportivas, nos cuenta que lo natural y lo sobrenatural pesan prácticamente lo mismo. Alguna extraña circunstancia del entorno del ser humano hace que lo empuje a suicidarse, en masa. Las primeras escenas de «El incidente» te dejan, en un Central Park inerte, con la pavorosa visión de personas suicidándose del modo más atroz en una tosca pero eficacísima metáfora del hombre y sus afanes autodestructivos. De un modo inocente, iluso y descepcionante, Shyamalan deja reposar todas las claves del enigma en el viento. Con trucos sencillos consigue fácilmente distinguir la gran amenaza para la supervivencia de la especie humana: viento en las copas de los árboles. Ridículo. Para colmo, no consigue ni apuntarnos porque desparecen las abejas norteamericanas. ¿Y las nuestras, qué pasa con nuestras abejas?. ¿Es Mark Walhberg la nueva abeja maya?

El incidente

Tal vez sea otra señal más el hecho de que hayan desaparecido las abejas de algunos lugares de Estados Unidos. Al director M. Night Shyamalan esa noticia le ha zumbado tanto en la cabeza que ha hecho «El incidente», película en la que lo natural y lo sobrenatural pesan prácticamente lo mismo. Lo natural es que vivamos rodeados de vegetación y lo sobrenatural es que alguna extraña circunstancia del entorno del ser humano lo empuje a suicidarse; no a uno, o a dos..., en hilera, en masa, con un desprecio absoluto al dolor y a sí mismo. Las primeras escenas de «El incidente» te dejan petrificado, en un Central Park inerte, como de final de película: pero es ahí donde empieza, con la pavorosa visión de personas suicidándose del modo más atroz en una tosca pero eficacísima metáfora del hombre y sus afanes autodestructivos. Lo que ya no es tan tosco, en cambio, es su vocación alegórica en ese juego de imágenes repetido de una pistola que es «transmitida» como un virus de un suicida al siguiente...
De un modo elegante, juicioso y hasta sorprendente, Shyamalan deja reposar todas las claves del enigma en el viento. Así de sencillo, sin trucos ni piruetas, el ojo del espectador consigue fácilmente distinguir la gran amenaza para la supervivencia de la especie humana: viento en las copas de los árboles. Ridículo. Y más ridículo aún confesar que esa idea consigue aterrorizar sin el menor atisbo de susto. Simple terror. Hasta ese punto consigue el cineasta Shyamalan estilizar el miedo: despojado de monstruo, despojado de susto, despojado de cualquier efecto...
Por tamaño, por sencillez, por visión apocalíptica y probablemente por gusto de su director, esta película conecta en espíritu con aquel esquema de «serie B» de hace medio siglo, aunque esté rodada con un estilo y un aplomo que no solían tener aquéllas. Sorprende, incluso, el no-truco final en este cineasta tan propenso al ardid y la cabriola. Película, pues, sofisticadamente sencilla, que resulta arrebatadora o asombrosa mientras se está viendo, y muy aguda, mística y emocional en cuanto respira un poco en la cabeza. Pero, el enigma sigue ahí zumbando: ¿qué pasa con las abejas?

Hanna Montana &Miley Cyrus: best of both worlds concert

Estos 74 minutos de Bruce Hendricks en 3D hara las delicias de las jovenes admiradoras de este producto de la Disney Chanel. Ha filmado la gira de las dos por 92 ciudades seguramente con mas teen y fans de las cantantes por metro cuadrado. Ofrece ademas la posibilidad, a traves del uso del backstage, de entrar en los sueños de pubertad de la protagonista.
Es sin duda, todo y su carga de fresa americana, el mejor film rodado de este modo y con esta tecnica. Es como estar en cualquier estadio como el de SAlt LAke City, pero no sentado, sino saltando como un loco enfervorecido. Es como si las cantantes nos hubieran invitado en la mejor localidad y nos dedicaran cada pieza, cada gesto, cada sonrisa empalagosa y alegre. Limitada solamente una semana su exhibicion en EEUU, habra sido una gozada para los que nunca han podido conseguir una entrada y querian conocer de cerca en su salsa, a sus idolos. Si se puede superar la realidad, esta es una oportunidad musical.

Encarnacion

Como se que me leéis en la Argentina, no dejemos esta semana en el olvido la segunda película de Anahí Berneri en la sigue buscando nuevos caminos de expresión intimista. Cuenta para ello una pseudonarracion autobiográfica de la vedete de television y revistas Ernie Levier, que se llama en realidad Encarnacion y que interpreta Silvia Perez, ya en el declive de su carrera y bajo cuya apariencia decadente, oculta su perdida progresiva de consciencia. Esta valiente interpretación sostiene el film en busca de un destino personal, en una búsqueda de una salida sin control ya y que lo encuentra en el proceso educativo sentimental que ejerce sobre una sobrina adolescente y que acabara dando sentido al final de su vida. Un film que también pretende dar sentido a otra forma de hacer cine en Argentina, un cine rico y contemporáneo que produce Daniel Burman y que como la historia que cuenta sintetiza el paso del tiempo y el miedo a envejecer. Otros actores de gran nivel son en el film Ines Saavedra, Omar Nuñez y Martina Juncadella.

A la soletat

Otra vez alguien se ha ido. Lo ha hecho esta vez Joseph Pevney, magnifico realizador televisivo con 13 capítulos de Star Trek , otros de Bonanza, etc, del que además os recomiendo reviséis como homenaje El crepúsculo de los audaces, El último torpedo , La legión del desierto, Tierra de alimañas y Vuelta a la vida, Tengo que empezar a pensar lo que preconiza Eduard Punset, síntesis de mil entrevistas de gran nivel científico, que la vida, la muerte y la inteligencia son lo mismo, Y cabria aquí el retorno, nunca se ha ido de un fondista del cine limpio, intelectual y rompedor: Jose Maria NUnes. En su ultimo cine propuesta nos seduce con alguna secuencias como la disertacion de SAlvat sobre las estatuas, la paginas en blanco de la Hinteligencia militar o el juego en la banda sonora con los pensamientos de Irazoqui en lo que podríamos denominar puro cine contemplativo. Un espacio de creación para lograr acercarnos a la capacidad cerebral del chimpance, muy superior a nosotros los homínidos, según los investigadores de Punset. Un cineasta vocacional que nos aporta de vez en cuando cine con ideas como las había en Amigogima, Biotaxia, Noches de vino tinto o en Sexperiencies.
Juego de palabras habitual en el titulo que hace referencia a la soledad y a la edad del sol sobre la que reflexiona con narrativa libertaria y diferentes escenarios para alcanzar a través de diferentes personajes, como se forma parte de ella, como se entra en ella como se es ella. 50 años desde aquella Mañana de 1957 sin doblar el espinazo, rodando lo que te da la gana, pasando del comercio cultural. Personalidad, agobio, asfixia, filosofía e investigación dejaron huella en su breve paso por la Escuela de Barcelona. Todas sus películas son puntas, pero por citar otra nada vista, Gritos...a ritmo fuerte, al desorbitado ritmo de Nunes,( a veces nonas).

Uno de los dos no puede estar equivocado

Titulo maldito, estreno maldito como su director Pablo LLorca. Aquel que tenia por musa a Leonor Watling en Los jardines colgantes, La cicatriz, La espalda de Dios o Todas Hieren visualiza ahora una nueva ficción. Pablo Llorca es un genuino solitario del cine español, quizá por eso se le reconoce más fuera que aquí; a ver si rompe su involuntaria condición de marginal con esta película con bonito título de bolero, una de las más ligeras y accesibles que ha filmado. De hecho, su estilo sorprende por su relativa transparencia como si fuera un cómic, si bien el despojamiento y la libertad de su forma de narrar revela una inequívoca impronta modernista, fruto de los ajustados presupuestos que maneja.
Ésta es una pieza que cabe calificar de meta-ficción: cuenta una historia pero al mismo tiempo alude sin cesar a resortes narrativos, los que pone en marcha ella misma y los que mueven todo relato. Un paciente de un asilo mental que escribe en las paredes por falta de papel, recibe la visita del diablo en persona, que no es otro que Luis Miguel Cintra, nada menos, el inefable cómplice de Manoel De Oliveira. Las historias que le cuenta son mejores que las fantasías del recluso sobre eróticas diablesas y ajustes de cuentas con sus guardianes. En particular, la historia de amor que vivió con una mortal y zoológica Mónica López,- no confundir con la del tiempo-, y en la que se pone en escena tanto el libre albedrío como la tentación de la ubicuidad.
Al final la historia es triste, intensa y hermosa como una canción en la de nada sirve saber más por viejo que por diablo y está contada con tal originalidad que el espectador la sigue con el mismo interés que el recluso que luego podrá escribirla, según comenta en su crónica otro magnifico, Antonio Weinrichter.

La ultima escapada de Dino Risi

Otra vez. Otro grande que se va. Y esparcimos sus cenizas del recuerdo en este blog. Dino Risi, (Milán, 1916-2008), escapo de la II guerra en Suiza donde aprendió de la mano de Jacques Freyder. Escapo de la critica cinematografía con Lattuada que lo eligió como ayudante de dirección Debuto después de algunos cortos en el 52 y escapo luego de su esposa para vivir solo en un aparthotel de Roma donde murió ayer y ser un prolífico director con mas de 60 títulos. Con Scola, Comencini, revoluciono la comedia italiana. Reivindico los temas sociales, denuncio vicios y actitudes italianas y sus obras son frescos sobre las limitaciones y privaciones de los italianos. Ninguno de sus filmes escapan con final feliz. Escapo de la psiquiatria para realizar Vacanze del gangster y injustamente escapo de los Oscars a pesar del Perfume de mujer.
Su filmografia elemental para mi es Alma perdida , El parasol , El viudo ,Fantasma de amor , Giovani e belli , Guapas pero pobres, I mostri , La carrera de una doncella , La chica del atardecer, La mujer del cura , No molestes mas, Perfume de mujer, Querido papa, Rebregam pero omplem de petons, Sábado inesperado, Sabela, Un tigre en la red, Una vida difícil , un capitulo de Los complejos y otro de Que viva Italia!. Nos deja dos hijos cineastas.

Aritmetica emocional

El tema del nazismo sigue dando que pensar, que decir y sobre todo que preguntar, como hace el film de Paolo Barzman. ¿Se puede ser feliz si se ha sobrevivido a tanta crueldad y brutalidad? ¿Se puede seguir después de haber conocido el lado mas oscuro y tenebroso de la condición humana? ¿Puede una sencilla relación de obediencia causar tanto dolor y daño?. Tres supervivientes, Susan Saradon ,Gabriel Byrne y Max Von SYdow, que trio genial, se encuentran, cansados, 40 años después de la barbarie para intentar responderse.
Lo hacen en una granja canadiense, propiedad de la mujer en un momento complicado para su unidad familiar. Este encuentro entre los restos de la memoria, permite al televisivo director valorar el paso del tiempo en los personajes, contar algunas de sus experiencias traumáticas y contrastar el dolor que en ellos han dejado las terribles secuelas.
Cuenta la historia del menos conocido campo de Drancy, situado en las afueras de París, donde eran encerrados los considerados un peligro para el régimen nazi, a la espera de ser deportados a Auschwitz para su exterminio. Allí se dibujan los tres personajes: mujer americana judía ya sin padres, joven ingles retenido por error y un disidente polaco, mas mayor, que les acoge como puede bajo su protección.
Pasado y presente de una ignominia atroz. Un film que nos hace pensar que todavía hoy , cerca de nosotros hay humillaciones, inhóspitas prisiones con alambre de espino y cámaras de tortura. Una aritmética mal estudiada que produce aún bajas y repulsivas pasiones y que encarna en la pelicula un magnifico Christopher Plummer.

Leatherheads, aqui Ella es el partido

Los estrenos de esta semana son A la soledad- Aritmética emociona- Ella es el partido- Ellos robaron la picha de Hitler- Encarnación- Hannah Montana in concert: the best of both worlds. Y quizá la mas interesante a priori es la este personaje interesante de lafarnadula hollywodiense que es George Clooney, aquí dirigiendo de nuevo. Estas películas de béisbol, en este caso la fundacion de un equipo, quizá no tengan gran predicamento entre nosotros pero esta es de las de antes, "como" las de antes. Clooney solo utiliza la excusa para describirnos los años de la depresión. ahora nos viene bien, en un tono de comedia que parece tomado de O'brother!. Como en Buenas noches, buena suerte escoge un conjunto de situaciones y replicas escénicas que le remiten a los grandes. Deporte y prensa escrita se unen en el film en el sentido mas literario de las palabras. A quien cuesta mas encajar en al obra es a Renne Zellweger, ella que empezó con Cruise de manager secretaria, y a la que se le detecta cierta incompatibilidad química con el cafetero Clooney.
Film de homenajes (Sturges o Hawks) y una especial fijación en el periodo histórico de entreguerras, marcan los intereses de nuestro interesante autor que debutaba con Confidencias de una mente peligrosa.
Devoción y personalidad la de este director y excelente actor Newton Thomas Sigel, mas conocido como George Clooney.

Made of honor o La boda de mi novia

Todo sea por hacer coincidir su estreno con la devaluada pasarela Gaudi Pro novias. El cambio de titulo se comenta otra vez por si solo y la novia importante es Michelle Monaghan que es capaz de levantar a su personaje de la nada. En el mundo en que nos la sitúa Paul Weiland, que ya hizo Por amor a Rossana, solo tiene dos opciones: recluirse en un castillo escoces o vivir con un superficial imbécil porque como todas las películas de bodas,-ayer visione Algo nuevo, los negros también se casan- el destino de la hembra es casarse haya llegado a encontrar o no a su principe azul o sapo de secano. Nos gustaría saber que harían con este guión, Katherine Hepburn, Rosalind Russell o Lauren Bacall si tuvieran oportunidad. Dos minutos para contar que un hombre descubre el amor con su mejor amiga, cuando esta le anuncia que se casa con otro, momento en que le expresa su enamoramiento oculto. Tontea después el guión sobre como se conocieron en la escuela, como el joven jugaba a basquet y tenia conversaciones "instructivas" de sexo, con las que Patrick Dempsey consigue y logra hacer el ridículo. Un refrito de La boda de mi mejor amigo, que no merecía tener en su elenco el ultimo trabajo como actor de Sydney Pollack. Como extrañamos ya su cine!.

Elsa

El titulo original del filme de Gonzalo Calzada es Luisa. Ojos a cuadros frente a este cambio, originado y original como todos en las cabezas pensantes de los distribuidores, pero podían haberle puesto Leonor Manso que es directamente el nombre de la actriz protagonista, que es quien mantiene el interés junto con Jean Pierre Regueraz, nombre con el que también podían haber titulado. En su contenido la cinta se desarrolla con mas rudeza todavía que el cambio de titulo. Como la autoparodia de la veterana diva del teatro Ethel Rojo que esta divina de verdad.
Unas tristes circunstancias de una mujer , Elsa?, la perdida del trabajo y de su gato, le hacen replantearse la vida, volver a relacionarse con el mundo y encontrar una nueva forma de ganarse el sustento. A diferencia de otros films ejemplares con desgracia que propicia el cambio de vida, Elsa no nos descubre nada ingenioso pero si nos muestra los distintos caminos que antes llevaban a Roma y ahora por extraños designios nos ayudan a desvelar una nueva situación en la vida.
Es importante que un cine maduro se fije en las mujeres y hombres de la segunda edad a los que las fiestas y desmadres del instituto les quedan lejos o nunca han ido. Seres que además de físico, belleza o ingenuidad tienen recuerdos y han de vivir con ellos y gestionarlos. Eso hace Elsa o Luisa. Y muy bien.

The dead girl

Karen Moncrieff se esfuerza en su ultimo film en ser violenta, emocionalmente dura y desértica. En todos y cada uno de los cinco relatos de jóvenes, incluida el de la muerta se demuestra que aunque parezca imposible con las partes no se compone el todo. En primer lugar porque los relatos son pobres y ninguno consigue ir mas allá de su propio ruido y por tanto llegar al espectador. Efecto conseguido que no implica dramaticamente al espectador.
Si que hay que agradecer a KAren que mantenga el hilo narrativo a partir de historias distintas y deslabazadas, cosa que frecuentmente no vemos en otros filmes de fantasias raciales que no están conectados entre si y menos con vocación dramática o de investigación policíaca.
Porque el film es como un comic con cinco historietas, todas ellas afectadas directamente por el mismo asesinato de una de ellas. Lo que es el segundo filme de la autora da la sensacion de que ha querido hacer mas un estudio de personajes (Brittany Murphy, Rose Byrne, Toni Collette, MArcia Gay HArden entre ellas) que un thriller al uso. Para demostrar de que de alguna manera, emocional, espiritual, o animicamente, todas las jóvenes protagonistas están también muertas.

16a Mostra Internacional de Films de Dones de Barcelona

El taller de documental dirigido por Sally Gutiérrez dará inicio a la 16ª Mostra Internacional de Films de Dones de Barcelona. La Mostra llega, un año más, con la mejor selección de obras de ficción y documental dirigidas por mujeres de todo el mundo. Más de cincuenta películas, muchas no estrenadas en nuestro país, y la programación de actividades paralelas llenarán durante diez días la Filmoteca de Catalunya, el Espai Francesca Bonnemaison, el Centre de Cultura Contemporània de Barcelona (CCCB) y el Centre de Cultura de Dones Francesca Bonnemaison.
Aunque la Mostra se celebrará entre el 6 y el 15 de junio, dos días antes ya se calentarán motores con el inicio del Taller documental “Narratives audiovisuals de gènere”, dirigido por Sally Gutiérrez, que se llevará a cabo en el Centre de Cultura de Dones Francesca Bonnemaison entre el 4 y el 6 de junio. Esta artista audiovisual ha participado en numerosas exposiciones en Europa y Estados Unidos, y sus cortos documentales se han proyectado en múltiples festivales internacionales. Actualmente vive entre Madrid, Berlín y Nueva York, imparte clases y seminarios y participa en proyectos colectivos como Scene of the Crime, Your View y GO!.
Para más información sobre el taller podéis contactar con:administracio@bonnemaison-ccd.org o al teléfono 93 268 42 18 (plazas limitadas).
La inauguración de la 16a edición se celebrará al aire libre en la Plaça de la Virreina el viernes 6 de junio, con la proyección de la película Vogliamo anche le rose (También queremos las rosas, Italia, 2007), donde estarà presente la directora Alina Marazzi. La clausura también será al aire libre, en el Espacio Francesca Bonnemaison el domingo 15 de junio, con el visionado del documental de la realizadora Guo Xiaolu We Went to Wonderland (Fuimos al pais de las Maravillas, China/Gran Bretaña, 2008).
Treinta realizadoras invitadas a la Mostra presentarán sus films y dinamizarán los talleres y actos alrededor de la creación cinematográfica femenina y el debate sobre la realidad de las mujeres en el mundo actual. La participación de Anna Biller (EE.UU.), Gaëlle Vu (Francia), Carmen Castillo (Chile) o Diana Saqeb (Afganistán) mostrará la variedad de perspectivas, temáticas y estéticas que ofrece el imaginario audiovisual femenino.
Actrices (Valeria Bruni Tedeschi, Francia, 2007), Viva (Anna Biller, EE.UU., 2007) y Calle Santa Fé (Carmen Castillo, Chile/Bélgica, 2007) son algunas de las películas destacadas de la presente edición de la Mostra. Actrices, dirigida por Valeria Bruni, cineasta de renombre y hermana de Carla Bruni, narra la historia de una actriz atrapada en un personaje que interpreta y que tendrá que enfrentarse a los fantasmas familiares para encontrarle sentido a su existencia. Viva, de la extravagante realizadora norteamericana Anna Biller, que estará presente en la Mostra, es una provocadora comedia kitsch que satiriza sobre los estereotipos eróticos y la liberación sexual con una estética setentera llena de color. Y Calle Santa Fé, dirigida por la chilena Carmen Castillo, es un documental que contribuye a la recuperación de la memoria histórica del país y de la propia historia de la directora, que tuvo que exiliarse tras sufrir el ataque de los militares y la muerte de su compañero Miguel Enríquez, también miembro de la resistencia contra Pinochet.
Excepto las proyecciones en la Filmoteca de Catalunya, el resto de pases de películas son de acceso gratuito.
Encontraréis la programación completa de la Mostra en mostra.dracmagic.catPer a més informació: Mostra Internacional de Films de Dones de Barcelona - Drac MàgicC/Sant Pere Mitjà, 66 - 08003 Barcelonatel.: 93 2156859 - fax: 93 215 3519mostra@dracmagic.cat