Nikka Zaildar

Nikka Zaildar 2016 es una película de Punjabi dirigida por Simerjit Singh , escrito por Jagdeep Sidhu y protagonizada por Ammy Virk y Sonam Bajwacomoen  en  el reparto principal.  Es un romántico drama, una película en la que transcurre la vida de pueblo de un muchacho, Nikka ( Ammy Virk ) que estudia en la universidad Patiala, de pronto se enamora de Manraj ( Sonam Bajwa ).

Cigueñas

Si te gustó La Lego película, no puedes perderte el estreno de Cigüeñas, la nueva película de animación de Warner Bros. cuya historia te sorprenderá. Dirigen Nicholas Stoller (Malditos vecinos) y Doug Sweetland (Presto), a los que SensaCine ha podido entrevistar en Los Ángeles (EE.UU) junto a los actores que prestan sus voces a Junior y Tulip, Andy Samberg y Katie Crown. "Cuando haces una película de animación, puedes hacer comedia a una escala más grande que cuando la haces en una película de acción real", explica Nicholas Stoller sobre por qué decidió desarrollar el filme así. "Esta historia sucede alrededor de todo el mundo y tiene escenarios de acción gigantescos. También tenía la impresión de que solo podría funcionar en una película de animación". Aunque, al parecer, esa no fue la única razón. "Quería hacer una película que pudieran ir a ver y disfrutar mis hijas. No pueden verMalditos vecinos aún, así que esta parece una película perfecta".La historia transcurre en Montaña Cigüeña, una empresa que siempre se ha tomado muy en serio la entrega de bebés. Su sistema cuenta con nuevas y mejoradas instalaciones para la distribución de pequeños humanos, con una tecnología revolucionaria a prueba de errores. Sin embargo, los tiempos cambian y ahora sólo se dedica a la mensajería de una gran compañía que vende por Internet. Todo se complica cuando, accidentalmente, Junior (Andy Samberg), una cigüeña que está a punto de ser ascendida, reactiva la máquina de hacer bebés y produce una adorable niña de forma desautorizada. Con la ayuda de Tulip (Katie Crown), la única humana del lugar, comenzará un viaje salvaje y revelador con el objetivo de restaurar la verdadera tarea de las cigüeñas en el mundo.

Sing street

Un joven de 15 años que vive en el Dublín de los 80. En unos días complicados para él, debe afrontar los problemas matrimoniales de sus padres mientras lidia con el cambio de un colegio privado a un instituto público, razones que despiertan en el chico la necesidad de huir de casa. A su vez, escribe canciones para su recién formada banda como una forma de lucha. Mientras tanto, conocerá a una chica que cambiará su vida y junto a la que realizará controvertidos vídeos musicales. Después de los éxitos de crítica y público de Once y Begin Again, John Carney vuelve a unir música y cine en Sing Street, cinta ambientada en los ochenta, en la que vuelca sus propias experiencias como adolescente en Dublín. De este modo, Carney, también responsable del guion, compone una película honesta y emotiva sobre lo que significa ser quinceañero y vivir el primer amor, personificado en sus dos protagonistas, un joven que dentro de casa afronta problemas familiares y que fuera de ella intenta adaptarse a un cambio drástico de colegio, y que encuentra en la música la vía de escape y, a su vez, la herramienta perfecta para atraer la atención de la chica que le gusta. El debutante Ferdia Walsh-Peelo y Lucy Boynton (February) protagonizan este romance adolescente aderezado con los grandes éxitos de emblemáticas bandas de la época como The Cure, Duran Duran, A-Ha o The Clash. Completan el reparto Jack Reynor (Macbeth) o Aidan Gillen (El corredor del laberinto: Las pruebas),

M&S Dhoni the untold story/ la historia jamas contada

MS Dhoni: la historia no contada es una  película biográfica dirigida por Neeraj Pandey , basada en la vida del jugador de cricket indio y la corriente ODI y T20I capitán del equipo nacional de cricket indio , Mahendra Singh Dhoni . Fox Star Studios distribuye la película y la produjo junto con Inspired Entretenimiento y Arun Pandey, en asociación con el viernes film Works. La película cuenta con Sushant Singh Rajput como Dhoni y Disha Patani, Kiara Advani , y Anupam Kher en papeles secundarios.

• 
  La película sigue el viaje de Mahendra Singh Dhoni , un jugador de críquet en ciernes de Ranchi convertirse en el más exitoso capitán de la India equipo del grillo. Sushant Singh Rajput como Mahendra Singh Dhoni

• Herry Tangri como Yuvraj Singh , un jugador de críquet ascendente y amigo de Dhoni ^[11]
• Kiara Advani como Sakshi Dhoni, la esposa de Dhoni
• Disha Patani como Priyanka Jha, la ex novia de Dhoni ^[12]
• Anupam Kher como Pan Singh, el padre de Dhoni ^[13]
• Bhumika Chawla como Jayanti Gupta, la hermana de Dhoni
• Rajesh Sharma como entrenador .
• Amaal Mallik ha compuesto la banda sonora para MS Dhoni. ^[14]Rochak Kohli también ha compuesto una canción como compositor invitado. T-Series ha adquirido los derechos de la música para la película. El álbum consta de 8 canciones cuenta con las voces de los cantantes Armaan Malik , Arijit Singh , Siddharth Basrur , Rochak Kohli yPalak Muchhal álbum .El fue lanzado en tres versiones diferentes idiomas en Tamil, Telugu y marathi. Las letras de las canciones del Tamil son escritos por P. Vijay . Telugu canciones letras son escritas por Chaitanya Prasad y marathi letras de las canciones están encerradas porGuru Thakur . ^[15] Todas las letras escritas por Manoj Muntashir

Neruda

Desde el cartero de Radford, no habíamos tenido mas noticias de el. La memoria del agua aparte. Pablo Larrain (Jackie) se atreve a ordenar una parte del complejo pensamiento de Pablo Neruda desde Canto General a la mujer, la clandestinidad, la fiesta, la literatura, construido todo ello a través de la extraña relación establecida con el perfecto de policía que le sigue, Gabriel Garcia Bernal, persecución que a tenor de lo que sabemos por su biografía, "Confieso que he vivido", no consigue ninguna credibilidad. Demasidas historias esbozadas que acaba pareciendo mas un film político utilizando clave nerudianas que un film sobre el poeta. Larrain declaro en Cannes que nunca se hubiera atrevido a hacer un biopic y ha buscado este poema cinematográfico este sueño onírico e imaginario.En 1948, la Guerra Fría ha llegado a Chile y en el Congreso, el Senador Pablo Neruda acusa al gobierno de traicionar al Partido Comunista. Ante esto, el presidente Videla lo desafora y ordenar su detención, lo que obliga a Neruda a intentar huir del país junto a su esposa. Durante su fuga clandestina, escribe su épico Canto General mientras juega al gato y el ratón con el prefecto de la policía que le persigue. Será entonces cuando Neruda se convierta en símbolo de libertad y leyenda literaria. Después de encandilar a la crítica con El club, el chileno Pablo Larraín nos cuenta los días más aciagos de su compatriota, el Premio Nobel de Literatura Pablo Neruda, cuando se convirtió en enemigo del gobierno de Videla y tuvo que huir de la persecución policial. Sin embargo, Larraín no conforma un biopic de extrema fidelidad a los acontecimientos históricos, sino que emplea los momentos más conocidos de este período y los usa en una película que juega con la leyenda del escritor y permite al espectador disfrutar de su poesía, su memoria y sus ideales comunistas. De este modo, Larraín homenajea a Neruda con uno de los géneros favoritos del autor: el policial, y compone una road movie en la que sus personajes, ni el cazador ni el cazado, experimentan una evolución evidente. Luis Gnecco interpreta al legendario literato y vuelve a compartir reparto tras No con Gael García Bernal (Eva no duerme). Junto a ellos, encontramos otros rostros habituales del cine hispano parlante como Antonia Zegers (La memoria del agua) o Emilio Gutiérrez Caba.

Los siete magnificos diferencias

Adivine que comentario pertenece a qe film,  1960-2106.  Los humildes habitantes de un pueblo mexicano, que viven modestamente de la agricultura, se hallan a merced de una despiadada banda de forajidos que constantemente les exigen un pago por sus cosechas. Como ellos no saben defenderse, deciden contratar los servicios de siete pistoleros, siete implacables mercenarios cada uno con una habilidad especial en el manejo de las armas.

1960: Nominada al Oscar: Mejor Banda sonora de Elmer Berstein

• "Un soberbio y sobrio western de cita obligada y música muy silbable." 
• "Un western épico, Magnífica versión norteamericana de 'Los siete samuráis'. 
• "Sturges recoge la semilla de 'Los siete samuráis', de Kurosawa, y monta un western con reparto de rostros afilados y sangre roja como la pasión. Más entretenida que magistral, ha pasado a la historia por su banda sonora." 
• Libre remake -en clave de western- de "Los siete samuráis" (1954) de Akira Kurosawa. A pesar de su poco éxito en taquilla (sólo fue la 39ª con mayor recaudación del año en USA), se hizo famosa sobre todo por su popular banda sonora y por su conocido reparto, y con el paso de los años se convirtió en un título clave del western de los años sesenta.
• "Un film de acción brillante con una majestuosa dirección de John Sturges. 
• "Siempre merece la pena verse, principalmente por sus interpretaciones y escenas como la pelea a cuchillo de Coburn o los chistes de McQueen permanecen en la memoria." 
• • "Un caótico planteamiento de las escenas de acción que se hunde en lo indescifrable. Fuqua, pulverizando toda preocupación por la puesta en escena, sacrifica la legibilidad de su película en un clímax que es su losa." 
  • "Una de la gilipolleces más planas y absurdas que he visto en los últimos años. Es innecesario.
  • "Jovial,  desprejuiciada, entretiene con la misma velocidad que se olvida" 
  • "La traca final, una interminable ensalada de tiros de impecable fctura que empieza en realidad a la mitad del desmesurado metraje, acaba resultando agotadora por saturaci"Mucha bala, poca pólvora.. AntoineFuqua (...) da de lado la causa, las entrañas ocultas de cada personaje (también los del pueblo), y busca más el escandaloso ruido y el morder la bala. 
    

    "No hay nada particularmente negativo en la propuesta, pero tampoco algo que haga que merezca la pena pasar por taquilla por una historia que nos han contado antes con más gracia, intención y talento." 
  • "Un buen wéstern en un contexto favorable a la reivindicación.

Florence Foster Jenkins

Ya habian amenazado los americanos con hacer su biopic mas real que  la reciente version francesa Madame Marguerite, mas sensible, estetica y delicada. Conocida pues la historia de esta soprano que no llego a ser, los americanos, mas practicos, ponen a una gran Meryl Steeep en el disparadero y pese a ello la clava. Una mujer todo coraje que luchara por cantar opera que es su sueño, pero tambien dice el filme que con dinero se puede cantar todo menos bien. Dinero que tampoco le sirvio para manener una buen relacion con criticos y otros artistas. El bueno de Stephen Frears se aplica en la ambientacion operistica neoyorkina y nos aligera, espuma y da elegancia a lo que podria haber sido un pesado elemento de hormigon. Mas superficial que su version francesa, en 1944, Florence Foster Jenkins es una figura destacada de la sociedad neoyorkina y mecenas de la música. Apoyada por su marido, St Clair Blayfield, Florence toma clases de canto lírico y actúa ante un público entregado. Pero a pesar de considerarse un portento vocal, la acaudalada mujer apenas sabe cantar, y su público es elegido por su esposo entre amigos que alaban su entusiasmo. Cuando Florence pretenda dar un concierto público en el Carnegie Hall, la burbuja en la que vive correrá peligro. El dos veces nominado al Oscar Stephen Frears (Philomena) compone una historia conmovedora sobre el amor y la música que ahonda en la dualidad entre el concepto que Madame Florence tenía de sus habilidades artísticas (al que ayudaron las gestiones de su marido y manager, y un público fascinado por su pasión y entrega que acudía a los conciertos para comprobar si las críticas demoledoras que recibía eran justificadas) y la realidad. La ganadora del Oscar Meryl Streep (Sufragistas) se convierte en esta peculiar soprano, mientras que Hugh Grant (Operación U.N.C.L.E.), como su marido, y Simon Helberg (The Big Bang Theory), en el papel de su pianista, interpretan a sus dos fieles escuderos.

El porvenir/L'avenir

No recuerdo si Isabelle Huppert ya habia interpretado un papel de profesora de Filosofía en Instituto. Pero si que desde La hilandera no había estado tan integra personal y en la ficción como aquí. Desmenuza el tiempo apelotonado en los calendarios y asume el dolor de los cambios con la concesión de mas tiempo, lo mismo que hace la directora Mia Hansel love, con su madre, que ya se inspiro en su hermano para en Eden narrar la cultura de clubs en Francia. Sencillo film de calidez humana, que amontona estrellas sin rubor, con puntos para la comedia con escenas como el encuentro con el marido y su joven amante o las peleas con el gato. Consigue incluso detener el futuro y hacernos estar cómodos en el presente. Con una cariñoso escalofrío nos recuerda Hansel love que el porvenir a partir de los sesenta, es mas deseo que realidad, mas pensamiento que medida, que la cueva de Platón ya no esta, que la soledad ya la contaba Rosseau y que incluso Pascal ve las grietas en e l vacío que se produce cuando los seres que te acompañaban, ni tan siquiera que te querían, van abandonando su habitáculo para vivir plenamente su libertad y porvenir. 
Una mujer apasionada por su trabajo como profesora de Filosofía en un instituto de París y que disfruta de la reflexión. Casada y con dos hijos, reparte su tiempo entre su familia, antiguos alumnos y su posesiva madre. Sin embargo, su mundo se desmorona tras una sucesión de tragedias que culminan cuando su marido le deja por otra mujer, momento en el que deberá aplicarse a sí misma las lecciones que da a sus alumnos sobre la libertad y encontrar un nuevo rumbo para su vida. Mia Hansen-Love (Eden), la realizadora compone un sorprendente y elegante relato sobre el azar y el destino, así como su influencia en la felicidad, y esquiva los tópicos de la crisis de la edad madura para componer un personaje femenino, magníficamente interpretado por Isabelle Huppert (Luces de París), en una encrucijada vital. Completan el reparto de esta cinta premiada en el Festival de Berlin André Marcon (Madame Marguerite), Roman Kolinka (que repite con Hansen-Love tras Eden) o Edith Scob (Primavera en Normandía).

El hombre de las mil caras

Cada vez mas, el cine hispano se apoya en ideas hollywoodienses, como antes fue al revés. Eduard Fernandez- Fernando Paesa-, dice en el film que nadie ha dicho que hacerse rico fuera barato. Y yo añado, ni hacer buen cine. Con apariencia de documental económico sobre hechos recientes que no han llegado todavía a conocimiento del segmento joven de la población . A pesar de la depurada técnica de Alberto Rodriguez (La isla mínima) y las estupendas interpretaciones no queda claro si se nos explica que esto no debe funcionar así, o para que aprendamos como funciona. Ritmo de acción tortuoso que marca el film y que nos hace dudar de sus múltiples caras a pesar de su claridad meridiana en su exposición que no irreflexión.  Un estafador internacional que empezó en Guinea Ecuatorial del que no se sabe que es verdad o mentira y que ya es leyenda llego a ser portada de la sofisticada Vanity Fair sin el ser lo. Eran los escombros del franquismo donde todavía la extorsión, la corrupción y el ladroneo de este ex agente del GAL muerto en Paris el 1988, fue descubierto por el periodista Manuel Cerdan, libro de donde procede en parte el film Banquero, gigoló, traficante de armas, diplomático, estafador o espía, Francisco Paesa ha amasado una fortuna viviendo al margen del sistema. Pero un día, su gobierno le traiciona y le obliga a huir del país. A su regreso está arruinado, incapacitado para montar un negocio y con su pareja a punto de dejarle. La oferta del director de la Guardia Civil , que necesita desviar 1.500 millones de dinero público, le servirá para ganar un millón de dólares y también para vengarse de los que le dejaron en la estacada. Paesa y su inseparable socio Jesús Camoes (al que da vida otro ganador de un Goya, José Coronado (Secuestro), unico personaje ficticio de la historia, llevaron a cabo para que Roldán, interpretado por Carlos Santos (Miel de naranjas), robara 1.500 millones de pesetas de las arcas del Estado. Completan el reparto la también propietaria de un premio de la Academia española Marta Etura (Sexo fácil, películas tristes) y los nominados Pedro Casablanc (B) o Luis Callejo (Tarde para la ira),

Captain Fantastic

Por fin una película controvertida sobre educacion. Voces se alzan alabando el trabajo de la propuesta de Matt Ross de una escuela al aire libre y otras defendiendo el papel de la tradicional que defiende ferreamente el abuelo de una familia. Unos dicen que pasa por encima del tema sin molestar y otros que supera el dolor humano sin casi reflexion,  gracias a un nuevo modelo de convivcncia. Alguna situacion forzada, pero que el mas grande Viggo Mortensen hasta ahora lo hace todo creible. Unos creen que pondera la situacion y otro que da bandazos entre estereotipos educativos. Un film premiado en festivales indie,y que rezuma sabor de la costa de los mosquitos, con este padre idealista, autosuficiente , ingenioso y que lucha contra el mundo del consumo. Un modelo familiar que Ross no sabe expandir a la sociedad global. Un hombre y su mujer han creado un paraíso para su familia, situado en los bosques del Noroeste del Pacífico, donde enseñan a sus hijos todo tipo de habilidades para sobrevivir en la naturaleza, así como una estricta educación física e intelectual. Sin embargo, una tragedia familiar los obligará a volver a la civilización, donde las ideas sobre la paternidad serán siempre cuestionadas, hasta el punto de obligarle a afrontar el precio que sus hijos están pagando por su sueño. El actor Matt Ross (Silicon Valley) escribe y dirige su segundo largometraje donde vuelca buena parte de sus experiencias personales y reflexiona, poco,  sobre las decisiones que toman los padres por sus hijos, y sobre la medida en que éstas pueden ser correctas o equivocadas. El nominado al Oscar Viggo Mortensen (Lejos de los hombres) se convierte en el patriarca de esta familia formada por George MacKay (Amanece en Edimburgo) o Shree Cooks (Ray Donovan), el tambien nominado al Oscar Frank Langella (Grace de Mónaco), Kathryn Hahn (Malas madres) y Steve Zahn.

El gruñon/ Mielensäpahoittaja

Para nuestro protagonista, todo lo hecho después de 1953 es inútil e irritante. La vida de este irascible anciano cambia cuando, a causa de una caída en casa, debe ir a la casa de su hijo en Helsinki, para él una maldita ciudad moderna lejos de su hogar. Allí chocará con su nuera, una ejecutiva, y con su vástago, que nunca tuvo el afecto de su padre. Las cosas se complicarán cuando ayude a su nuera a cerrar un trato con unos inversores rusos mientras intenta mejorar la relación con su hijo. Divertida comedia dirigida por Dome Karukoski (Heart of a Lion), que narra los intentos de un anciano cascarrabias, para el que cualquier tiempo pasado fue mejor, por fortalecer los vínculos con su familia. La película se realizo después de una exitosa serie radiofónica y una obra de teatro que sigue las aventuras de este personaje de furia fácil, ambas interpretadas por el mismo actor, Antti Litja (Hella W), que, a pesar de algunas reticencias iniciales, también le da vida en el film. Le acompañan en el reparto Petra Frey (Kotirauha), Mari Perankosky (Kohta 18) e Iikka Forss (Helsingin Herra).

caballo dinero

Lentitud lusitana. De fado y de lamento. Un que abandonó hace décadas su Cabo Verde natal para intentar ganarse la vida en Lisboa, deambula por los largos pasillos de un hospital poseído por un sueño febril. Allí se encuentra con una mujer que viajó a Portugal para asistir al funeral de su esposo y que comparte sus recuerdos con él. En la mente de Ventura, al que la gente está buscando y que se encuentra perdido en el bosque, se abre un pasadizo secreto entre la Lisboa actual y la de la Revolución de los claveles. Después de su paso por algunos de los festivales más reconocidos a nivel internacional, y de cosechar premios en Locarno o Munich, llega la película de Pedro Costa (Centro Histórico), que una vez más se aproxima a la nutrida comunidad de inmigrantes caboverdianos de Lisboa. Lo hace con una historia real, la delprotagonista también de otro de sus films, Juventu de Em Marcha), que sin embargo es contada a través de un entorno fantástico lleno de claroscuros, que recuerda a las cintas clásicas de terror de serie B. Costa sitúa a Ventura como paradigma de la situación actual de su país, entre el tumultuoso pasado reciente de la Revolución de los claveles y el incierto futuro de la crisis económica. El resto del reparto también queda completado por actores amateur, como Vitalina Varela o Tito Furtado.

Blanka

Blanka es una niña que se gana la vida con pequeños robos y trucos callejeros en las calles de Manila. Sin embargo, se encuentra sola y sueña con ahorrar suficiente dinero como para comprarse una mamá. Un día conoce a Peter, un talentoso músico ciego que también vive en la calle, junto al que se une para hacer frente a la vida cotidiana. Además, Peter le ayudará a descubrir que tiene un don para el canto, pero sobre todo a darse cuenta de que el dinero jamás podrá comprar el amor de una persona. Después de un exitoso paso por festivales de todo el mundo, cosechando premios en los de Venecia o Friburgo, llega a nuestras pantallas Blanka, ópera prima del japonés Kokhi Hasei, que ofrece una conmovedora historia sobre la adopción y la esclavitud infantil contada desde la perspectiva de su joven protagonista, una niña criada en las calles de Manila. Con un reparto formado prácticamente en su totalidad por actores amateur, Hasei reposa el protagonismo de la película en la joven Cydel Gabutero, cuya interpretación de una canción de Celine Dion la hizo saltar a la fama tras conseguir más de cuatro millones de visitas en Youtube, y en el artista Peter Millari, viejo amigo del realizador, con el que ya trabajó en un cortometraje previo.

baskin

Una pareja de policías hace su ronda habitual por una olvidada zona de la Turquía rural. En plena noche y cuando está a punto de terminar su turno, reciben una llamada en la que unos compañeros solicitan refuerzos en un edificio cercano a su posición. Cuando los agentes de la ley llegan hasta el aislado lugar, se encuentran con una escena realmente aterradora: la celebración de una misa negra, practicada por una secta de tintes lovecraftianos, que intenta abrir una puerta directa al infierno. Can Evrenol debuta en la dirección de un largometraje con Baskin, cinta basada en su exitoso cortometraje de terror homónimo que lleva al espectador hasta el límite de lo espeluznante. Con una atmósfera irrespirable y tétrica, Evrenol compone una macabra fantasía, entre lo onírico y lo siniestro, que a pesar de no ser apta para públicos sensibles, sí que hará las delicias de los aficionados al gore más clásico. La cinta, premiada y proyectada en los festivales más prestigiosos del género, pone a un grupo de policías a las mismísimas puertas del infierno en una sangrienta orgía de violencia y ritos oscuros. Por su parte, el reparto queda conformado en su totalidad por actores turcos, tanto debutantes como Mehmet Cerrahoglu o Gorkem Kasal, como más experimentados como Ergun Kuyucu (Venganza: Conexión Estambul).

Suburra

Stefano Sollima, (Gomorra teleserie) hijo de Sergio, (2015+), uno de los grandes del spaghetti western, disecciona en el filme la corrupcion de la mafia romana, con una distancia de repotaje periodistico, una frialdad de  cirujano y una escasez de pasion como si todo no fuera politico. Con la unica ideologia del beneficio propio, es la continuacion de un subgenero que no avisa "tengo razones que no podra desestimar...", pero que constata la indignidad y poca sofisticacion de  las mafias actuales que son ya diferentes. En pequeños cuadros nos va explicando los diferentes estamentos de esbirros, de capos, de mercados para que sea el espectador que saque sus conclusiones sobre la podredumbre social de hoy. En las afueras de la  Roma del 2011, 5 dias antes de la dimision de Berlusconi y dos años antes de  de l  renuncia de Benet XVI, se prepara un gigantesco proyecto urbanístico que convertiría a la costa en un complejo similar a Las Vegas. Tras él está Samurái, un viejo mafioso, que consigue el beneplácito de la mayoría de las familias del crimen de Ostia para seguir adelante con su plan. Sin embargo, esto no resulta suficiente, y los intereses del hampa romano chocarán con los de políticos corruptos e, incluso, el Vaticano. Esto dará lugar a una guerra abierta que dejará a su paso ríos de sangre. Tras dirigir las series Roma criminal y Gomorra, Stefano Sollima (ACAB - All Cops Are Bastards), continúa con su radiografía de la delincuencia italiana en Suburra. Adaptación de la novela homónima de Giancarlo de Cataldo y Carlo Bonini, la cinta nos lleva hasta este problemático barrio de la capital transalpina, que ya desde la antigua Roma servía de lugar de encuentro entre políticos y criminales para el acuerdo de negocios turbios. De este modo, Suburra se convierte en un personaje en sí, y sirve como nexo de unión de dos mundos tan, a priori, antagónicos como el lujo del Vaticano y los palacios presidenciales y las áridas carreteras de la costa de Ostia, todos ellos poblados por seres oscuros y corruptos. Para darles vida, Sollima recurre a un actores comoClaudio Amendola (Noi e la Giulia), Greta Scarano (que repite con el realizador tras Roma criminal), Elio Germano (Bella y perdida) o Pierfrancesco Favino.

The Beatles eigth days a week

Acaba el film documental de Ron Howard conl concierto de The Beatles en el Shea Stadium (1965) llegando a los 130 minutos y pides por favor seguir escuchando su eterna  inconmensurable música. Por esto se alzan las voces nostálgicas pidiendo a gritos esta segunda parte de su carrera imprescindible  y que seguramente ya están preparando. Quizá sobra el relleno de adolescentes gritando pero también constata que 50 anos después siguen ahí, cosa que han conseguido muy pocas estrellas del rock. Ofrece testimonios de quality como Sigourney Weawer o Whoopi Goldberg por quien me entero de que por contrato exigian que no hubiera discriminación racial en sus conciertos. El documental con estos protagonistas no necesita nada mas. Es convencional, televisivo, centrado en sus periodo mas norteamericano y con valiosas declaraciones de archivo de los cuatro ídolos de Liverpool. El 9 de febrero de 1964, a las 20:12 de la tarde, The Beatles iniciaban su legendaria actuación en El Show de Ed Sullivan, que verían 73 millones de espectadores, y que sería el comienzo de una leyenda que perdura hasta nuestros días y que cambiaría la música para siempre. Este documental repasa el fenómeno Beatle a través de los conciertos (más de 250) que la banda de Liverpool dio en una maratoniana gira entre 1963 y 1966, desde pequeños clubs hasta los grandes estadios de Nueva York o Tokio.
El director de Cocoon, Una mente maravillosa o Willow, se hace a un lado para que nos empapemos todavía mas de la extraordinaria solidez de estos mitos de la música. Imagenes insólitas y aspectos que harán las delicias de los groupies del grupo. Dice la distribución que solamente se proyectara el  documental durante 8 días, no dependiendo del resultado de taquilla o sea que mañana es el ultimo día en nuestros lares. Curiosamente, donde se pide implícitamente que no haya discriminacion racial, hay una absurda y mercantilista discriminacion comercial y cultural. Pais!!!

Morgan

Mas terror futurista. Como el amor, el terror actual no se fija en personajes, tiene sorpresas previsibles al final, es de violencia contenida y podría pasar en el fondo del mar. Todo el mundo lleva dentro un alien, y mas estos científicos encerrados durante siete años para ver progresar su tercer intento de estudiar la vida evolutiva. Luke Scott, cansado de jugar con robots, decide pasar a  las escenas de accion y acabar como sea esta  tercera fase, como una serie B, ya sin ni inteligencia ni artificial. El hijo de Ridley tenia medios para hacernos mas importante este robot femenino que interpreta no sin penurias, Kate Mara. Lee Weathers es una experta en solucionar conflictos empresariales que se va a enfrentar al trabajo más inusual de su vida. Para ello se dirigirá a un inhóspito lugar en el que tendrá que evaluar un terrible accidente. Allí descubrirá que ha sido causado por Morgan, el siguiente paso en la evolución humana, un ser creado a partir de ADN sintético cuyas facultades se han desarrollado muy por encima de cualquier expectativa, hasta el punto de convertirse en una gran amenaza para sus creadores. El  debutante, Luke Scott, cuenta con una dilatada experiencia entre los bastidores de la industria como colaborador en varias películas de su padre, el legendario Ridley Scott. Por su parte, Kate Mara (Marte (The Martian)) se convierte en la protagonista de la cinta, que deberá lidiar tanto con un superdotado ente sintético con el rostro de Anya Taylor-Joy (La bruja), como con un grupo de científicos llenos de secretos, entre los que se encuentran Rose Leslie (El último cazador de brujas), Toby Jones (El hombre que conocía el infinito), Brian Cox (Mindscape) o los nominados al Oscar Jennifer Jason Leigh (Los odiosos ocho) y Paul Giamatti. 

Los hombres libres de Jones/Free state of Jones

Otro film sobre la esclavitud que no sabe, debe ser dificil, explicar la igualdad en la lucha por la libertad, donde siempre, aunque mueran por igual, sale mejor parado el hombre blanco, Debio ser asi. Gary Ross, que viene de los juegos del hambre ha intentado explicarlo sin asi epica, con rigor historica, sin nada  deslumbrante militarmente y como si se olvidara constantemente de algo, continuos saltos al pasado. La historia es de Newton Knight, un campesino del Mississipi, que desertando del ejercito confederado, formo un grupo armando que declaro la independencia de sus tierras. Personaje legendario murio en 1922 esta muy creiblemente interpertado por Mathew McConaughey. Con el ritmo decreciente de una serie televisiva, se encalla demasiadas veces en el devenir de la historia docta. El abolicionismo despues de Kunta Kinte, podria llamarse a este grupo de autores que poco a poco nos descubren hechos como han intentado Lee Daniels, McQueen, Spielberg y ahora el propio Ross. El genero podria definirse como un biopic western belico. Un simple granjero sureño, durante la Guerra Civil se convertirá en todo un héroe al liderar una revuelta armada contra el ejército confederado en su propio territorio. Aliándose con pequeños campesinos y esclavos fugitivos, Knight conseguirá que la región de Jones, en Mississippi, se subleve y proclame su independencia como el Estado libre de Jones. Después de la contienda, Knight seguirá dando de qué hablar, destacando como una fascinante y polémica figura agitadora. Con cuatro nominaciones al Oscar a sus espaldas (tres ellas en calidad de guionista y una como productor), Gary Ross (Los Juegos del Hambre) nos aproxima a uno de los episodios más polémicos de la Guerra de Secesión.  Después de una ardua labor de investigación para llevarlo a la gran pantalla, Ross (que también firma el guion) compone una película, llena de acción y momentos dramáticos, que sigue al líder, interpretado por el ganador del Oscar Matthew McConaughey (Interstellar), desde sus orígenes como médico del ejército confederado hasta su deserción y posterior liderazgo de la milicia de Los hombres libres de Jones. Acompaña a McConaughey un reparto formado por Gugu Mbatha-Raw (La verdad duele), Keri Russell (El amanecer del planeta de los simios) y Mahershala Ali.

El futuro ya no es lo que era/

Asco de guion, de dialogos, de ideas, de lenguaje, de estetica en este film de Pedro Barbero que para explicarnos que un superheroe al que se atreven a llamar Kar -El, tiene sus necesidades, recurren a un abanico de absurdidades que va desde el Regreso al Futuro a Eduardo Manostijeras Y esto que pareceria una halago no lo es. Le han dado el artefacto a Dani Rovira para que lo conduzca. Y solo le ha faltado ponerle aquellos puntos amarillos y negros que ponen a los muñecos cuando los coches simulan accidentes. Accidente que no es un momento, son 95 minutos de filosofia barata y como en la vida, esta distraccion de exceso de trabajo, le puede costar la vida artistica.Un hombre dividido por sus dos identidades. Por un lado, es un hombre normal que, sin embargo, es infeliz con su presente y no entiende ni a sus hijos, ni a su ex mujer ni a su madre. Por otro lado, es Kar-El, un futurólogo de una televisión local. Esta dualidad se acentuará cuando reciba una oferta para ser el adivino estrella de una cadena nacional. Ante esta oportunidad, deberá decidir si sigue con la farsa o si lo deja todo para luchar por su verdadero sueño: ser actor. Pedro L. Barbero (Tuno Negro) escribe y dirige esta comedia dramática que explora las dos caras de su protagonista, el ganador del Goya Dani Rovira (Ocho apellidos catalanes), con los ganadores del Goya Carmen Maura (Las brujas de Zugarramurdi) y José Corbacho (Incidencias) o la nominada a un premio de la Academia española Carolina Bang.

Bridget jones baby

QUe mejor que sustentar una película en la química de sus actores como Renee Zellweger y Colin Fith. Slapsptick irrepstuoso y cargado de chistes enmohecidos. Después de romper la pareja, la idea que tenía Bridget Jones del "y vivieron felices y comieron perdices" da un giro radical. Con cuarenta años y soltera, Bridget decide volcarse en su trabajo como productora y apoyarse en sus nuevos y viejos amigos para superar este trance. Todo parece irle bien, incluso ha conocido a un interesante estadounidense que tiene todo lo que no le daba, pero su vida cambia cuando descubre que está embarazada y no sabe con seguridad quién es el padre. Más de una década después de la última entrega de las aventuras y desventuras amorosas de esta peculiar soltera británica, llega la tercera película de la exitosa saga basada en los personajes de las novelas de Helen Fielding, que como en sus predecesoras también firma el guión del film. Después de dirigir la primera parte, Sharon Maguire (Indendiary) vuelve a la franquicia, mientras que los dos ganadores del Oscar Renée Zellweger (Expediente 39) y Colin Firth (Kingsman: Servicio secreto) repiten una vez más. Junto a ellos una nueva incorporación: Patrick Dempsey (Transformers: El lado oscuro de la luna), que en esta comedia romántica intentará ocupar el hueco dejado por Hugh Grant. También vuelven al universo Bridget Jones Gemma Jones (Harry Potter y las Reliquias de la Muerte - Parte 2) y el oscarizado Jim Broadbent (Brooklyn) como los padres de la protagonista, a los que se une la también ganadora de una estatuilla dorada Emma Thompson (Un paseo por el bosque), que además de participar como guionista, interpretará un personaje crucial en la trama. Pero cuandol as expectativas de un film no te interesan, ya puedes intentar plantar un cogollo frente a un conejo hambriento en plana locura ratonil.

Boi neon

Gabriel Mascaro ha conseguido una cosa tierna, cómica, con sexo explicito, extraña, poética a veces, sensual incluso bella a momentos, pero no es una película excepto en el soporte. Para ello parte de una idea básica que es que su protagonista quiere ser vaqueo y diseñar ropa de moda. Se mueve bien entre lineas se sumerge en su biografía con ingenuidad y sin pretensiones, y la observa con habilidad. Su protagonista se gana la vida en las Vaquejadas, los rodeos tradicionales del norte de Brasil. Su vida transcurre de feria en feria, mientras cuida y transporta el ganado. En sus viajes le acompañan siempre su amigo, la conductora de camiones y bailarina exótica y su hija. Sin embargo, el país está cambiando, y en la zona está empezando a emerger una potente industria textil. Esto hará que se planteé nuevos retos e intente alcanzar uno de sus grandes sueños: ser diseñador de moda. Gabriel Mascaro (Vientos de Agosto) escribe y dirige su segundo largometraje, una cinta en la que da rienda suelta a su faceta de artista visual para componer una especie de  film que sorprende por su capacidad narrativa. A pesar d ello la película viene avalada por grandes críticas, que destacan su belleza y sensualidad, y los premios cosechados en los festivales de Venecia y Toronto, entre otros, que han convertido a Mascaro en una de las figuras más destacadas de la nueva oleada del cine brasileño. El reparto lo forman actores contrastados como Juliano Cazarré (El lobo detrás de la puerta) o Maeve Jinkings (Aquarius) y debutantes como Carlos Pessoa o Alyne Santana, pero comodos en como ruedan sus personajes  que viven y nos cuentan desde los margenes del rio.

Robinson una aventura tropical

Mak es un guacamayo que, junto a sus amigos, vive en una isla tropical. Sin embargo, lo que para muchos podría ser el paraíso, para Mak es un lugar aburrido, falto de acción. Por eso, el pájaro sueña con encontrar un nuevo mundo. Sus deseos parecerán cumplirse con la llegada a la isla de un náufrago, Robinson Crusoe, que poco a poco irá ganándose la confianza de los animales. Juntos, deberán enfrentarse a un grupo de gatos, también llegados del naufragio, que intentarán conquistar el territorio. Vincent Kesteloot y Ben Stassen (La casa mágica), pesos pesados del emergente estudio de animación nWave, son los encargados de dirigiresta  revisión para los más pequeños del clásico de Daniel Defoe Robinson Crusoe. Lo innovador de esta propuesta es la perspectiva desde la que se narra el periplo del náufrago más famoso de la literatura, tomando como verdaderos protagonistas a los animales que poblaban la isla y que le ayudaron a sobrevivir. Junto al espíritu aventurero del relato original, Kesteloot y Stassen incluyen grandes dosis de emoción y humor, la cinta cuenta con actores tan reconocibles como Carlos Latre (Torrente 5. Operación Eurovegas), Alexandra Jiménez (Embarazados) o Joaquín Reyes (Cuerpo de élite) para poner voz a estos simpáticos personajes.

La revolucion cantada/Singing revolution

James Tusty y Maureen Castle Tusty son los autores en  el 2006 de este documental musical revolucionario. La mayoría de la gente no piensa en música cuando piensa en revoluciones. Pero fue la canción el arma elegida entre 1986 y 1991, cuando los estonios intentaron liberarse de décadas de ocupación soviética. Durante esos años, cientos de miles de personas se reunieron en público para cantar canciones patrióticas prohibidas, iniciando el camino a la independencia. "Los jóvenes, sin ningún partido político, y sin los políticos, nos juntamos... no sólo decenas de miles, sino a cientos de miles... a recordar y a cantar, y a darle a esta nación un nuevo espíritu", comenta Mart Laar, uno de los líderes de la revolución cantada que aparecen en la película y que fue Primer Ministro postsoviético de Estonia. "La Revolución Cantada" narra la conmovedora historia de cómo el pueblo estonio recuperó su libertad pacíficamente, ayudando a derrocar el Imperio Soviético. "Esta es una historia que no se ha contado fuera de Estonia", dijo el cineastaJames Tusty, que es de origen estonio. "Nos pareció que era el momento de que el resto del mundo supiera de los increíbles acontecimientos que sucedieron aquí".

Luces apagadas, todo el mundo en su asiento y acción. En el extenso reportaje realizado en 2006 y de más de una hora y media de duración se recuerda como entre 1987 y 1991, miles de estonios se reunieron públicamente para cantar canciones patrióticas prohibidas por el régimen de la URSS. Era su forma de luchar contra la ocupación soviética y reclamar su independencia sin necesidad de una guerra.

Estonia es el referente para el independentismo catalán y la película de los estadounidenses James Tusty y Maureen Castle Tusty reflejó el camino a seguir. “Revolución Cantada” es un término que utilizó el activista estonio Heinz Valk para titular un artículo sobre las manifestaciones espontáneas de junio de 1988 en el Campo de las Canciones (Lauluväljak) de Tallin. En ese emblemático espacio, donde los estonios se reunen desde 1869 para celebrar el Festival Estonio de la Canción (Laulupidu), miles de personas cantaron himnos y canciones nacionalistas. “Esta es la historia de cómo la cultura salvó a una nación”, dice la narradora del documental.

En 1944, el compositor Gustav Ernesaks puso una melodía nueva al poema Mu isamaa on minu arm (Mi patria es mi amor), escrito por Lydia Koidula. Esta canción se convirtió rápidamente en un himno nacional no oficial y, pese a estar prohibida por los soviéticos, se cantaba -en estonio, no en ruso- en los festivales de la canción de Tallin, en uno de los pocos actos de resistencia ante el férreo régimen.

Con la perestroika, los estonios empezaron a desafiar la ocupación por parte de la Unión Soviética. En junio de 1988, mientras se celebraban los ‘Días de la Ciudad Vieja’ de Tallin, el cantante Ivo Linna y su grupo comenzaron a cantar canciones patrióticas compuestas por Alo Mattisen. Centenares de personas les acompañaban en una plaza del centro de la capital. Con los soviéticos vigilando de cerca y cada vez más nerviosos ante lo que estaba sucediendo, Linna paró el concierto y dijo: “No podemos cantar ciertas canciones aquí. Vamos al Campo de las Canciones y continuamos allí”.

Alrededor de 100.000 personas (en un país de 1,3 millones de habitantes) le siguieron. Durante varias noches, los estonios se reunieron para cantar los himnos prohibidos y empezaron a aparecer banderas nacionales de Estonia (azul, negra y blanca), que habían estado guardadas en secreto durante casi medio siglo. La primera la mostraron unos chicos montados en una motocicleta que recorrió el perímetro del Lauluväljak. “Rápidamente la zona se llenó de banderas. Parecía que la primavera había llegado y que estaba floreciendo”, explica una de las protagonistas del documental.

Ese fue el combustible que necesitaba el movimiento independentista estonio. Incluso el Partido Comunista de Estonia comenzó a aceptar parte de las premisas nacionalistas e independentistas. El Frente Popular (Eesti Rahvarinne), creado el 1 de octubre de 1988, agrupaba las fuerzas nacionalistas.

En septiembre de 1988, el Soviet Supremo de Estonia proclamó que las leyes estonias estaban por encima de las soviéticas. Pese a las advertencias de Moscú, en mayo de 1990 se declaró la independencia, aunque manteniendo la Constitución soviética mientras no se redactase una nueva. Mientras los tanques soviéticos se acercaban -tal y como ya habían hecho en Lituania y Letonia- para dar un golpe de estado que acabara sofocando la Revolución Cantada, el 3 de marzo de 1991 se celebró un referéndum en el que el 77,8% de los votos apoyaba la declaración de independencia de la república báltica.

Catalunya ya se inspiró en la Cadena Báltica para la Via Catalana en 2013. La iniciativa se inspiró en la cadena que hicieron más de un millón y medio de ciudadanos de Estonia, Letonia y Lituania el 23 de agosto de 1989 para enlazar, a lo largo de 600 kilómetros, las capitales de los tres países (Tallin, Riga y Vilnius) para reivindicar su independencia de la Unión Soviética. Coincidió con los 50 años del pacto Mólotov-Ribbentrop, que se firmó nueve días antes de empezar la Segunda Guerra Mundial, por el que la Alemania nazi y la Rusia soviética se repartían la Europa Central y del Este.

el viaje de unai

Andoni Canela es fotógrafo de National Geographic, ha publica libros sobre animales como lobos, linces, águilas y osos. Y de uno de ellos, titulado La llamada del puma, ahora nos presenta un documental, El viaje de Unai, que recoge los 15 meses en los que recorrió, con su mujer y sus dos hijos y en un viaje de más de 100.000 km (63.000 km por aire, 36.000 km por tierra y 3.000 km por agua), diferentes continentes, con el objetivo de retratar la vida de un animal en cada uno de ellos.

En Europa se centró en el lobo ibérico, en América del Norte le siguió la pista al bisonte americano, en América del Sur se fijó en el puma de Patagonia, en la Antártida en el pingüino rey, en Australia convivió con el cocodrilo de agua salada, en Asia con el cálao bicorne y en África con el elefante del desierto.

Unai Canela, hijo mayor de Andoni, de 12 años, es quien ejerce de narrador del metraje, en el que han colaborado WWF y PAU Education (editorial que colabora con la UNESCO), y que sirve de reclamo de una mayor protección de la naturaleza, en particular de los hábitats de los animales con un mensaje adecuado para llegar a adultos y niños. Meritxell Margarit, periodista y escritora de literatura infantil, además de madre de Unai, se ha encargado del guión junto al propio Unai y Julio Mazarico.

el pincel magico

Un niño feliz que vive en el pueblo de Baihua, donde disfruta de su pasión: la pintura. Un día, recibe un regalo muy especial, un pincel mágico que le permite convertir en realidad cualquier cosa que dibuja, y con el que ayuda a sus vecinos. Entonces, su poder llega a oídos de un cruel y codicioso general, que lo convierte en su rehén y le obliga a dibujar una montaña de oro para él. Sin embargo, el pequeño recurrirá a todo su ingenio para detenerlo y salvar su aldea. Zhixing Zhong escribe y dirige esta cinta de animación china del recién creado estudio Part 3 que utiliza el estilo de animación occidental para contarnos uno de los cuentos más populares del país asiático. Para los más pequeños de la casa, actores como Haitian Hong, Xianglong Meng (Dragon Nest: Warrior's Dawn) o Shao Yichen ponen voces a sus simpáticos personajes

Tarde para la ira

Lo primero  que tendríamos que explicar es si es que no llegamos a la ira o que dedicamos una tarde, un espacio de tiempo de un día a la ira. Pero no, los comentarios en general se dedican a comentar lo buen actor que es o resulta Raul Arevalo, que ha dado el paso a la dirección, que ya estuvo en la Isla mínima, que su rostro ya es imprescindible en los thrillers españoles como el de Antonio de la Torre, que ha aprendido tanto de Alberto Rodriguez... , que es el único actor que todavía no ha pasado por prisión, etc. Cuando llegamos a las 50 lineas que como máximo y con suerte suele tener un comentario critico en un periódico, preguntamos pero y la película que. Ya suele ser tarde para ti tarde para ira. No hay lineas para  ti. Se esta creando un genero  de thriller español que podríamos llamar de costumbres. Narración próxima, no es que podamos ser cualquiera de estos policías protagonistas y de pequeñas corruptelas o si y que nos explica casi antropologicamente porque el miedo esta tan arraigado en nuestra sociedad y el peligro una constante de inquietud. Se ha presentado con notable impacto en Venecia. Si vale , pero y la película?, pues ahí va Después de pasar ocho años en prisión como el único detenido del atraco a una joyería, un hpmbre  vuelve a casa para reencontrarse con su familia e iniciar una nueva vida. Sin embargo, a su regreso se encontrará con una novia confundida y con un desconocido que en ese tiempo se ha integrado en su círculo social y familiar, y que le obligará a embarcarse juntos en un extraño y trepidante viaje de tres días que les llevará a enfrentarse a fantasmas del pasado y a caer en el abismo de la venganza. Raúl Arévalo que también escribe junto a David Pulido. En su ópera prima Arévalo nos propone un thriller sin respiro en el que explora temas como la violencia, el odio, la ira o la venganza desde una perspectiva cruda y realista,un viaje a los infiernos de una pareja de desconocidos, Luis Callejo (Cien años de perdón) y el ganador de un premio de la Academia española Antonio de la Torre (Grupo 7), Alicia Rubio (Primos) y Manolo Solo (B), Nunca es tarde para la ira, pero entonces hay que dedicarle mas de una tarde.

Sparrows/gorriones

El gorrion siempre se ha vinculado a la juventud. No me hagan decir porque. Recuerdo incluso alguna cancion romantica.Y ahora es el cine nordico, bajo la direccion de Runnar Runnarson y que aqui nos presenta el brutal cambio que representa para un adolescente de 16 años pasar de la confortable ciudad, Reikiavik donde habita con su madre a vivir con su padre en la zona inhospita de los Westfiords islandeses. Desubicado frente aun padre alcoholico y fracasado, nuestro protagonista intenta sostenerse con un antiguo amor de la infancia y una abuela, unico ser cuerdo del contorno.. Obra cruda, austera, fria y medida en sus encuadres, que nos lanza a nosotros y nuestras emociones contra la pared gris como la bronca soberana de la abuela al padre borracho o en una fiesta especialmente cruel. Segundo film ganador de la concha de oro de San Sebastian, nominado al oscar per un cortometraje The last farm, demuestra la solidez de este cine gris, triste y contador de frustaciones que se agrupa con Two birds, Anna y Volcan, cerrando , es un decir la trilogia de como el desamparo genera tension. Ambientada en los paisajes de Islandia en la que intenta hacer un retrato veraz del salto de la inocencia de la adolescencia a la edad adulta. Lo hace a través de Ari, interpretado por Atli Oskar Fjalarsson (Jitters), un joven cuya vida cambia drásticamente al mudarse de la capital a un remoto pueblo pesquero, y que además deberá lidiar con la problemática relación que mantiene con su padre, al que da vida Ingvar Eggert Sigurdsson (De caballos y hombres). En este emotivo drama, también encontramos a Palmi Gestsson (Albatross) y al mítico Rade Serbedzij.

Masaan

Cine tosco, rudo, rural, social e irregular pero que sirve a Neeraj Ghaywan para a acercarnos los valores morales y de justicia que ahogan todavía a un país enorme en transito a la modernidad. En su opera prima lo narra a través de algunas historias de amor que intentan sobrevivir en una sociedad de dudosa moral y llena de  corrupción hasta la orejas. Las castas, la diferencia de clases y las religiones marcan fuertemente una India anclada en los ancestros mas remotos. En la India actual un estudiante de un barrio pobre que se enamora de una chica de una casta superior. Una joven universitaria con un comportamiento nada convencional, luchará por superar la desaparición de su primer amor, mientras su padre se ve envuelto en una trama de corrupción policial que desafía su sentido moral. Por su parte un niño sin familia, buscará un lugar al que pertenecer. Los cuatro buscan un futuro mejor y, para conseguirlo, sus caminos tendrán que cruzarse. Personajes muy bien construidos, que giran alrededor de una juventud oprimida influenciada por la religión. A través de historias entrelazadas, en las que hay espacio para el romanticismo y la esperanza, Ghaywan hace una radiografía de la situación actual de los jóvenes indios, que viven un momento de cambio entre el crecimiento de la innovación en el país y los ritos ancestrales. El reparto de esta película premiada en el Festival de Cannes está formado por Richa Chadha (Benny and Babloo), Sanjay Mishra (Kick), Vicky Causal (Bombay Velvet) y Bhagwan Tiwari.

juego de armas/ war dogs

Hay temas que quieren tocar las películas, sobre todo americanas que si no lo hacen con ironía y amor, no lo haría. y este filme  ha tenido la suerte de que Todd Phillips y Jonah Hill , dos pilares del genero estan ahí. También es verdad que ahora ya se puede hablar del trafico de armas con el planteamiento actual, ya que tiende a desparecer al poderse comprar con mayor seguridad y privacidad por internet. El peligro es ahora la reacción tanto militar como mafiosa de los que pierden el control. Dos amigos viven en Miami durante la guerra de Irak. A sus oídos llega una iniciativa gubernamental que permite a pequeñas empresas firmar contratos con el ejército de EE.UU. A través de esto, empiezan a embolsarse grandes cantidades de dinero hasta el punto de conseguir un acuerdo de 300 millones de dólares para suministrar armas al ejército afgano, un trato que les llevará a codearse con personas poco recomendables, algunas de ellas de su propio gobierno. Todd Phillips (Salidos de cuentas) dirige está historia real, la de dos jóvenes fumetas de 20 años que, tras convertir una desconocida iniciativa gubernamental en un acuerdo de 300 millones de dólares, iniciaron su andadura como millonarios traficantes de armas.Historia sacada a la luz por el periodista de la Rolling Stone Guy Lawson en su artículo Arms and the Dudes), en un relato de personajes que toman malas decisiones. El nominado al Oscar Jonah Hill (El lobo de Wall Street) y Miles Teller (Whiplash) interpretan el auge y caída de Efraim y David, respectivamente, dos jóvenes en busca del sueño americano. Completan el reparto Ana de Armas (Toc toc), Kevin Pollack (Red State) y el también nominado a un premio de la Academia Bradley Cooper (El francotirador), que repite con Phillips.

Gernika

Quiza deberia ser el film del dia de la Diada Catalana. No lo fue. El film de Koldo Serra (Bosque de sombras) deberia ser un drama, dar a  conocer una gesta epica, didactico historicamente,  y tampoco lo es. Lo unico que logra Koldo es presentarnos una historia sangrienta como un triangulo amoroso con tintes de romanticismo y supervivencia y que de alguna manera la libertad siempre triunfa frente a las diferentes ideologias.Entre las cuales naufraga mas que navega un guion debil. con solo detalles, sin conocer parece demasiado los fanatismos y las democracias,amen de otros movimientos como el feminista. Sin encontrara la formula para hacer llegar al mundo el  bombardeo de 26 de abril de 1937 en la localidad vasca durante mas de tres horas  y centenares de victimas, Serra se refugia en sus actores, periodistas la mayoria, que si estaban en Bilbao y hicieron llegar la terrible masacre al mundo libre. Una joven apasionada trabaja en el Bilbao de 1937 como editora para el gobierno de la República. Lo hace junto a, un asesor ruso, con el que tuvo un romance y que ahora es su supervisor. Su mundo cambia al conocer a un corresponsal de guerra norteamericano al que admiraba, pero que ahora es un reportero cínico y carroñero desencantado de su profesión. Intentarán ganárselo para la causa, hasta el punto de enamorarse de él poco antes del bombardeo de Gernika. Diez años después de su primer film,Serra vuelve a dirigir un drama romántico con el bombardeo de la ciudad vasca, uno de los episodios más infames de la Guerra Civil española, como telón de fondo. El director estructura un triángulo amoroso protagonizado por la ganadora del Goya María Valverde (Ahora o nunca), Jack Davenport (Kingsman: Servicio secreto) y James D'Arcy (El destino de Júpiter). Además de ello, el realizador habla sobre la profesión periodística de la época, marcada por la censura, el auge de la propaganda, el idealismo de algunos reporteros y el cinismo de otros, como los nominados al Goya Ingrid García Jonsson (Sweet Home) y Víctor Clavijo (Sicarius: La noche y el silencio), además de la ganadora de un premio de la Academia Irene Escolar.