CSNY: deja vu

No es un film concierto típico, que son los que a mi me gustan como el excelso de Emerson, LAke and Palmer. El cuarteto de Neil Young, rehecho con el paso del tiempo y ahora filmado por Bernard Sharkey, su seudónimo cuando rueda, dieron lo mejor de su carrera al principio. Ahora, DAvid Crosby, Stephen Stills y Graham NAsh ruedan el Deja vu y el directo 4 way street de los 70. En el documusical, documenta la gira reciente y una reunión en el 2006 para explicar también el clima político que las rodeo. En la obra es tan importante las canciones interpretadas como el clima que se vivió entre los espectadores. Irak, libertades y las elecciones flotan en el pentágrama como unas notas mas.
Los mas aficionados podrán juzgar además el cambio de estilo del trio en contacto con Young perdiendo parte de su personalidad dicen los mas, evolucionando hacia un grupo eléctrico dicen los menos. Es bueno recuperarlos aunque solo sea en parte.

Tropic Thunder

¿Que hubiera dicho Paul Newman de este film?. El, que siempre ironizo un poco con sus personajes en el cine, entre los que escojo el de Dos hombres y un destino. Siempre cantare gotas de lluvia que caen sobre mi cabeza en bicicleta dando vueltas a la morada de mi amada mientras esta con otro y me lanzare al rió sujeto a el con una canana. De Ben Stiller quizá hubiera recordado que rodó Reality Bites y Un loco a domicilio. Y no se si esta atrapa como puedas la guerra. La estructura adoptada por el film de como se rodo, permite trailers y apariciones de encomiable prestigio y gracejo. A saber el personaje incorporado por Downey Jr. que de interpretar a un actor de color se convierte en él,(Jack Black) llegando incluso a pensar igual, la historia gay entre monjes franciscanos, una parodia de Nick Nolte de si mismo y un Cruise irreconocible y parece dirigir el mundo y no un rodaje. El gran gag es que un grupo de actores creen que están rodando una película del Vietnam, cuando en realidad de están enfrentando a unos bandoleros de verdad. Inteligencia en la confusión, buena organizacion del guión y buena escenificación de la alocada comedia. Quizá Newman pensaría que Ben Stiller puede reactivar su carrera, pero nunca ocupar su espacio en la historiad el cine. El Paul que nos ha dejado, quizá socarrón, agradecería que entendiéramos sus 50 años de matrimonio en una cama de un prostíbulo, donde había estudiado el efecto de los rayos gamma sobre las margaritas y enseñaría a los jóvenes que un actor nunca ha de ser egocéntrico para ser querido ni triunfar. Cine sobre cine en definitiva. Cuando Paul rodó el anuncio de Freixenet, una de las anécdotas que se contaban es que no entendia que cuando brindaba con la actriz, chocando las burbujas, tuviera que hacerlo corriendo que es lo que exige el tempo de la publicidad. Newman en el momento de escribir esto, estará viendo la Formula 1 de Singapur con su hijo, al que perdió hace años y al que rindió homenaje en Harry e hijo. Casta invencible, amigo.

Passengers

Una de las cosas que nos diría Rodrigo Garcia con solo mirarnos, es que no ha estado inspirado ni ha sabido dar solidez a un guión de Ronnie Christensen, que nos narra aleatoriamente y con superficialidad, las potentes emociones que deben sentir los supervivientes a un accidente aéreo. Drama que como sabéis hemos vivido recientemente con mucha proximidad por lo que no se si es muy atractivo ir a ver el film ahora. Todo ello ha pesar de tener un casting muy equilibrado e impecable y que cuenta con Anne Hataway. Patrick Wilson, David Morse, Clea Duvall, Dianne West y Andre Braugher.
Como en Nueve vidas, Rodrigo, muestra sus buenas maneras televisivas, entre las que tiene un buen currículum de series y capítulos como la cancelada Seis grados. Hijo como sabéis de Garcia Marquez, Rodrigo desarrolla un historia muy diferente al típico análisis de como sigue la vida de los que la han salvado en el accidente, como superan el trauma, como se adecuan a explicar la tragedia y como afrontan la existencia tocada ligeramente por el destino.
Entre el melo y la intriga con toques sobrenaturales las vidas cruzadas de este film son cinco. Todos protagonistas a los pies de una psiquiatra, Hataway, que llevara el peso de la terapia con los cinco a la vez. El porque se descubre al final de 100 minutos de sofá y butaca respectivamente.

El niño con el pijama de rayas

Si, ya se. Que ya habéis leído el libro de John Boyne . Que el film es oportunista y rodado con prisas. Que la vida ya era bella. Que son increíbles ciertas situaciones ni que sean con niños. Que ciertos túneles son imposibles. Pienso que el dolor y la mala hostia en las situaciones de exterminio que estamos referenciando que toda posibilidad de denuncia sirve. Aunque hieran nuestra mala conciencia y en el fondo no lo podamos soportar aunque miremos a otra lado, o sea hacia películas mas idiotas, de palomitas que llaman. Mark Herman que ya convenció en su día con Tocando el viento y Hope springs nos lleva a lo mas profundo del horror como en un juego, únicas maneras de aguantar la bestialidad histórica de aquel nazismo. Hay otros. A pocas horas de la muerte anunciada la imaginacion debe ir a mil revoluciones, el sueño de la huida debe parecer real y un juego o una merienda, una imagen del paraíso. Frente a este tremebundo drama, la inteligencia conoce sus limites y nos queda poco mas que la inocencia que siempre esta en el niño interior. Con un fondo de Adiós compañeros de Louis Malle, repito, cualquier argucia o argumento es bueno y perfecto para señalar una vez mas la barbarie y quien no sienta emoción y vergüenza hará bien en contactar con un grupo neo.
Habría que conseguir que la alambrada, protagonista del film, no existiera entre los que solo admiran el libro y los que creen que un joven adolescente no puede entender el mundo bélico, que puede atisbar que no haya esperanza, que el mundo es una ruina y que el dolor ha de ser muy vivo en nuestro interior para que nunca olvidemos su reflejo.
Nada del holocausto es banal. Y este si que es un film de familia. Me gustaría que el blog tuviera tantas entradas como tuvo Carlitos. Que siempre se recuerde Auschwitz-Bikernau y que se sepa que un hijo de nazi y uno de judio (Asa Buttterfield y David Thewlis) pueden ser amigos y compartir valores positivos. Y que las diferentes ideologías y religiones puedan atravesar la alambrada sin rasgarse. Ni las vestiduras.
Hay mas estrenos: Babylon- CSNY Déjà Vu- El niño con el pijama de rayas- El patio de mi cárcel- La desconocida- Passengers- Tropic Thunder ¡Una guerra muy perra!- Viajeros y Magos

Los extraños

Lo extraño es que el cine ahonde mas y mas en el espectáculo del terror cuando en cualquier telediario se superan las atrocidades mas inimaginables. Pero ahí esta otro debutante, Bryan Bertino, suponemos que sin nada mas que hacer, que sin metafisica de ningún tipo nos suelta a bocajarro lo que se llama un tiro seco para descerebrar. Desnudo, sin comedia, sin casi efectos especiales a parte de una música de miles de decibelios y algún que otro UUUHHH!! fuera de sitio, nos deja aterrorizados de lo que puede llegar a hacerse o filmarse sin casi recursos, en la mejor linea Corman.
Sobrevivimos a la espera de ver a Liv Tayler y también al resultado de la acción como si de un resultado de fútbol se tratara. Conocido el final desde el principio, siempre es una apuesta, uno puede dejar jugar la imaginacion sobre la pareja protagonista que pudo haber sido y no fue. Demasiados minutos, aunque pocos, brutales, para tan poco contenido e insulso. Demasiado pan para tan poco queso. Y que no sea el principio del declive de una estrella que en su día fue musa de Bertolucci.

Meet Dave, aqui Atrapado por un pirado

Odio directamente estos títulos ni siquiera traducidos ni bien ni mal. No hemos de confundir a Brian Robbins con Tim, como podeis imaginar no tiene nada que ver. Pero Eddie Murphy, no me digáis porque, me cae bien. Aquí se mete en una nave espacial con forma humana en la que hay un ínfimo capitán que pese a su estatura la comanda. Muchas referencias al Star Trek, con explícitos homenajes entre los que el preludio de nave va entendiendo y conociendo las bondades de ser humana y nuestra perpleja y arruinada especie (algunos).
Mi querido Eddie en franco declive por culpa de sus guiones mal elegidos que no citare, resistiendose aser una caricatura de si mismo en un programa de imitaciones de television. Ya peinso que debe complicado dirigirlo por su histrionismo, pero si que todo proyecto tiene que tener una mínima estructura y entidad la historia. Han pasado 10 años desde su Bowfinger y aunque ya ha sido sustituido en el mundo de la comedia de color, pronto no le querrán acompañarle ni Elisabeth BAnks ni Gabrielle Union. De todas manera hay que conocer a Eddie, aquel divertido superagente en Hollywood.

1:1 o Ojo por ojo

Un hospitalizado, su madre, su abuela y el guardia de seguridad de planta del hospital radiografian esta sociedad nuestra globalizada, deshumanizada y aspera como una piedra pomez a base de tanto sedimentar odios y miserias, pobreza y esclavitud en cualquiera de sus formas y acepciones. Esto es el tercer film de Annette K Olesen, de la que ya vimos En tus manos, otro duro alegato contra el racismo pasado por el mareo del estilo Dogma. A pesar de ello su cine, si no vomitas no es nada despreciable. Únicamente que no se puede acudir desprevenido, sin gafas ni mascarilla, sin chaleco antibalas, ni gorro de natación. Es una película dura, resistible, pero hay que ser un buen encajador de tristes realidades. Es mejor tener un bar cerca de la salida para darse un respiro.
Todo sucede en un barrio residencial danés, aburrido y correcto como todos, donde un joven blanco esta en coma por la agresión de dos palestinos, uno de ellos violento boxeador y a la sazón, el agresor, siendo el otro. novio de su hermana.
Desesperanza frente a una problematica de hondo calado y en cuyos reflejos en la superficie se observa que las caricaturas del frió norte, todavía colean.

Cuatro vidas

Vidas, vidas, ya las habían cruzado Hitchock y Altman en su momento. El mecanismo puede ser de puzzle o de continuidad segun el azar, solo que el pobre Jieho Lee, se cree el campeón del mundo de ajedrez y tampoco lo es. Los cruces. la moyoria sin el menor interes, pueden distraer según sea su actor favorito. El apadrinado Andy Garcia, el matón Brendan Fraser, el resulton y completo Forrest Whitaker, la excelente Julie Delphy o el todo corazón Kevin Bacon. Quizá el titulo original nos diga algo mas: The air I breathe, de este análisis del comportamiento y contenido psicológico de la especie humana. Es difícil tal y como esta expuesto el film, ponerse trascendente o simplemente dar una vuelta de tuerca mas a cualquier pensamiento o criterio que sobre la vida misma ya tengamos. Futuro incerto, musica di vento, rezaba una canción de Tonino en Me cago en el amor. Desencanto y soledad de un film que nos sume aun mas en la tan cacareada perplejidad el espectador del siglo XXI.
Para mi y para dar un toque intelectual oriental al film, el placer, la felicidad y el amor del que nos pretende hablar lo dividiria entre Sarah Michelle Gellar y Emile Hirsh. Ah!, y sin dolor.

Beyond the sea

A veces, las televisiones publicas suelen dar una sorpresa. Así fue con la proyección inédita del biopic de Kevin Spacey , su segundo film después de La trampa del caimán, sobre la breve vida de Bobby Darin. Un croner con mas swing que Sinatra pero que falleció en 1973 a los 37 años en una operación de válvulas del corazón. Interpretado por el mismo Spacey, Walden Robert Cassatto, hijo de una humilde familia italoamericana, tuvo su primer éxito en una juventud complicada y enfermiza con Splish Splash, para ganar luego dos Grammy. Fue nominado al Oscar como mejor actor de reparto por Capitán Newman que no consiguió. Este relativo fracaso y conocer en realidad a su verdadera madre, precipitaron su divorcio con Sandra Dee, de quien se había enamorado y casado durante el rodaje de Cuando llegue septiembre, de la que compuso la banda sonora y con la que tuvo un hijo. Sandra Dee es interpretada por Kate Bosworth en este biopic de culto. Darin rompió con su estilo y frecuento el folk. También apoyo la campaña de Bob Kennedy hasta su asesinato y se posiciono contra la guerra del Vietnam. Y Spacey además de todo en el film, interpreta las canciones de Darin incluida la que da titulo al film y que es la versión inglesa del mundialmente conocido tema de Charles Trenet, La mer. Sandra Dee no se volvió a casar.

Palabra que vienen del mar

Y si por alguien considera el film de Woody Allen un documental sobre Barcelona, aquí tenéis uno de estupendo de Angel Amigo sobre el país vasco que trata de los siguiente: En el verano de 2007, el velero "Urdaneta" navega por aguas del Golfo de Bizkaia con un grupo de pasajeros singular. A bordo de la goleta se ha puesto en marcha una experiencia de reinserción de jóvenes problemáticos en cuyo tratamiento se incluye el mar como terapia.
A lo largo del documental los propios jóvenes, la tripulación y el equipo directivo y de terapeutas desgranan cada uno desde su perspectiva los sentimientos y experiencias surgidas de una convivencia forzada tan gratificante como, a veces, insoportable.
Condicionados por el espacio y el entorno que les rodea las características que definen a estos grupos se diluyen y pierden sus límites. Así, marineros formados profesionalmente en la pesca en terranova o el Indico deben olvidar la estricta disciplina que impera en los barcos para enfrentarse con los terapeutas a problemas que requieren unas habilidades que tienen más que ver con el manejo de la paciencia y los afectos que con los nudos.
Algo semejante ocurre con los responsables de la formación y de la terapia que deben asumir un marco de trabajo que no se parece en nada a los centros en los que habitualmente desarrollan sus actividades.
"Palabras que vienen del mar" recoge todas estas vivencias desarrolladas a bordo del "Urdaneta" entre los veranos del dos mil siete y el ocho. Lo dicho, Angel Urdaneta Bizkaia.

Vicky Cristina Barcelona

Que decir de nuevo y de bueno sobre el film barcelonés de Woody Allen. Que Penelope no es ni Vicky ni Cristina, que sale hacia la hora de film y se lo come. Que Allen incide en la problematica sexual rebajando gracias al helenco el nivel generacional. Que una vez mas las musas eróticas de Allen no son las mías si exceptuamos a Mira Sorvino. Que debido a que los protagonistas son dos turistas norteamericanas y dos pintores españoles queda poco espacio en el no su mejor guión para los gags clásicos del maestro. Que un año mas el prolífico director, intenta evaluar las relaciones personales complicadas y las dificultades sentimentales. Que su humor inmenso y socarrón nos hace olvidar pequeños olvidos por las prisas, alguna irregularidad de universo personal alleniano y nada manchara su increíble trayectoria como artista.
Que su cámara ha recorrido sin pausa su Barcelona y que la ha añadido a su Londres, París y Florencia. Que el film funcionara en todo el mundo incluidos Japón y EEUU, quizá con la mejora taquilla de sus éxitos. Que la mejor del reparto es sin duda Rebecca Hall. Y que a su lado, el Bardem y la Scarlett, parecen la estatua de Gaudi del Paseo Manuel Girona. Celebremos que por una vez, el titulo del director se haya impuesto al del productor, que es lo que pasaba en las películas buenas de antes. Como esta.
Pero había mas estrenos y eran: 1:1 (ojo por ojo)- Atrapado en un pirado- Cuatro vidas- Los extraños- Vicky Cristina Barcelona

Wanted

Nuevo director, Timur Bekmambetov, que no debe haber oído ni hablar del Festival de San Sebastian, insufla movimiento al viejo comic de Mark Millar, con un estilo alocado, con acción desenfrenada y con mas balas que bolas en navidad. Ellas son las únicas, porque me recuerda esto a MAtrix y Blade?, que entran y salen del cerebro a cámara lenta. Lo demás aire, vacío, carambolas inútiles y ver como el buen cine de acción se nos pierde por el hoyo y nos preparamos para pagar la siguiente entrada o dvd en vídeo club. Un film donde la igualdad de malicia e idiotez entre géneros humanos queda de manifiesto, los trenes vuelan, los coches van por railes y los aviones corren sin flaps, tan de moda hoy. Un genero denostable, con mas agujeros que referencias cinéfilas, pero donde se podrían incluir para que no se diga, a Raimi o Woo.
Frente a estos tiroteos, los del viejo far west, eran secos, certeros, falsos en sus tomas pero siempre sangrando lo justo o a veces nada, sin tomate, como un suicidio en la sien y saliendo de distintos cañones que daban sentido y origen a la venganza, a la afrenta o a la lucha por la supervivencia. Frente a James McAvoy, Angelina Jolie, Morgan Freeman o Terence Stamp de Wanted, Rock Hudson, James Stewart o Gary Cooper son los auténticos señores de las armas. Y caballeros del cine por supuesto.

Un verano en la Provenza

El film de Eric Guirado no es un domingo en el campo porque es en realidad Le fils de l'epicier. Procedente de la television, director de documentales de tenderos, panaderos y fotógrafos ambulantes, muestra en este film costumbrista su buen hacer documentalista. El bucólico titulo del verano es porque un joven , durante el periodo estival, sustituye en la furgoneta ambulante a su padre enfermo y reparte ultramarinos por la bella región del sur de Francia. Belleza que aumenta cuando se suma al guión, Clotilde Hesme y que ayudara y mucho a que el joven Nicolas Cazale, conozca e incluso intime algo mas con los lugareños tan imprecisos en la cinematográfica luz del film como los personajes protagonistas. Un canto a la libertad de la tierra, a las raíces de los pueblos, al orgullo que sienten sus habitantes y la nobleza del campo, a la humildad que da gratuitamente la aridez del paisaje a veces.
Daniel Duval demuestra que la alegría esta en el campo, también los sueños y que se pueden cultivar los campos y las relaciones salvajes. Del verano francés, Rohmer nos había contado un cuento y también el cine francés, que tanto ama la campiña, nos hizo pasar uno en la Goulette. Ahora es Guirado quien nos transporta este paraíso cercano.

El rey de la montaña

Gonzalo Lopez Gallego, sigue con sus Nómadas. Leonardo Sbaraglia corre como si fuera a las olimpiadas pero solo quiere recuperar a su novia. Pero se encuentra a María Valverde en una gasolinera, le roba la cartera y casi la viola. Sus torcidos caminos se volverán a cruzar en lo profundo del bosque donde se convertirán en presas de un misterioso cazador, Pablo Menasanch, que los seguirá haciendo correr casi desnudos, en una alocada carrera hacia el claro de la supervivencia.
Con la humedad como único decorado, con una lacónica amenaza por toda persecución, donde hemos visto otras persecuciones iguales y mejores?, Lopez Gallego intenta crear terror realista y horror encomiable. Con demasiados referentes, muchas evocaciones y mas que parecidos, Lopez Gallego intenta con su acertada ambientacion sumergirnos en el terror abstracto, creado por nosotros mismos en nuestro interior, haciéndonos surcar paramos infinitos y filmando una angustia artificial de videojuego. Entre el rey de la montaña, el del río, de NY, de las mascaras, de Siam, el de la comedia, o el del tabaco y el de la colina, nos quedamos con este film de Soderberg.

Love wrecket o Mi ligue en apuros

Vamos a reconocer que con el cine de Randall Kleiser, Cariño he agrandado al niño, Colmillo blanco , El llac blau, El vuelo del navegante, Grease y Sombras de sospecha, lo podemos haber pasado bien. Vuelve ahora por encargo a su lago azul, utilizando la presencia de Amanda Bynes como los hizo con la figura de Brooke Shields en su momento. Repite en todo momento cliches, formas, resabiados romanticismos, aproximaciones a slapstick y el mismo chiste mil veces repetido hasta hastiar. Kleiser que merece un respeto por Grease, que dirigió por ser amigo de Travolta, y a quien su productor odia, desaprovecha entre otras cosas el potencial cómico de Bynes, en quien intuimos algo mas que un pedazo de carne dispuesto para solaz de quinceañeros. Un film que debería no recomendarse a mayores de 16 años, y donde se podran identificar además a Chris Carmack, Jonathan Bennett y Jamie Lynn SIgler.
La belleza citada, una prostituta y una estrella de rock se veran abandonados, cual programa de television de supervivencia, y deberán luchar por sus necesidades mas básicas entre las que se incluye curiosamente también el sexo. Randall, que admiraba a Elvis, quien murió mientras rodaba la canción Look at me, I'm Sandra Dee, ha rodado un film que podría ser porno y solamente es estúpido

Cien clavos

Ermanno Olmi, siempre me ha cautivado con su cine denso e intimista como El árbol de los zuecos, El empleo , Génesis la Biblia o La leyenda del santo bebedor. En Centochiodi, instala a su protagonista, esta vez no es Rutger Hauer, sino Raz Degan, en el incierto camino entre la mística y el edén donde se desarrolla la metamorfosis del ser. Es exactamente donde Olmi quiere situar la digamos acción del film. Desde que abre con una secuencia mas que inquietante, en la que un vigilante de la biblioteca de la universidad de Bolonia descubre gran cantidad de libros religiosos o sagrados, clavados en el suelo, Olmi divaga en la cuerda floja de la reflexion y el misticismo. Este acto vandálico hace replantear a un profesor del centro, su futuro como maestro. Tanto es así que decide instalarse en una casa semiderruida a las orillas del río Po iniciando una lucha junto a los habitantes del lugar para evitar una expropiacion masiva.
Agradezco a Olmi que haya olvidado el discurso de El oficio delas armas y juegue sus piezas con parábolas como esta sobre la libertad individual. Ponen también su registro magnifico a este empeño Andrea Lafendri, Luna Bendandi. Amina Syed y Carlo Faroni.

El espiritu del bosque

David Rubin y Juan Carlos Peña, han dirigido para Dygra y Manga Films que ya llevaron a la pantalla El bosque animado en 3D, este film ecológico y ejemplar. Con muchos homenajes por descubrir sobre todo musicales, y algunos excesos verbales de Luis Merlo, María Adanez y sobre todo Trancas y Barrancas, es una fabula precisa sobre el mundo animal, mucho mas humano que el nuestro, y la solidaridad.
Con influencias disneydianas en el topo, el ratón y el clan de los gatos, con gato argentino reflexivo incluido, el film esta planteado como una coral y las tribulaciones de los habitantes del bosque en paralelo, como el ataque al buey o las moscas atrapadas en un estomago, en imaginativas y bien resueltas secuencias.
Una perversa dueña de un bosque ve la oportunidad de vender y arrasarlo con la sierra mecánica para abrir camino a otros negocios, ignorando la máxima de Washington Irving sobre el cultivo heroico de los arboles. Esta especie de Cruela de Vil en cuero negro, contempla como los arboles centenarios impotentes ven su destino implacable pero se vera enfrentada a la rebelión de los roedores.
También el dibujo animado se niega a desaparecer en su faceta educadora y aunque acepta que seres horribles quieran salvar al mundo, también cobija como un bosque animado la lucha por los que no viven sus mejores tiempos. Desafío al que se han enfrentado con matricula Beatriz ISo Soto la guionista y el animador Julio Diez. Han actualizado cuentos infantiles contra la manufacturación americana consiguiendo que los presuntos adultos no los menosprecien. Y en ello esta el espíritu de este bosque subversivo y grandioso, cuyos arboles nos lo dejan ver.

El tren de las 3.10 a Yuma

Remake de Delmes Daves, Sam Fuller també es va acostar a Yuma (un secundari es diu així) i John Sturges va perdre el de Gun Hill, fan ara que James Mangold ens presenti la modernitat de les estacions, ¡recordem a Sergio Leone, Hasta que llego su hora!, amb una nova perspectiva però autenticant l’ADN del western de sempre amb un enfoc encertat com va fer Eastwood sense perdo. Serà difícil tornar a veure caure amb camara lenta les gotes sobre l’Steton o engarjolar una mosca amb el canó de 45. L’autor diu que va descobrir el film de Daves als 17 anys i que com es veurà definitivament el va marcar.
De Mangold recordem com a visibles Cop Lan, En la cuerda floja, Inocencia interrumpida i Kate & Leopold. Cap d’elles tan vibrant com aquesta heroica historia, potser Solo ante el peligro la supera amb tren pel mig, amb uns villans execrables i que qui s’en surt se li fa suar de valent la cansalada i la consciència. Un món decadent com ara el nostre on començar a buscar justícia fa que possiblement et matin a tu, corrupció com avui mateix i en el que dos homes moralment oposats i contradictoris poden fer com vulgarment es diu que els seus extrems ètics es toquin, embrutin-se i netejant-se al mateix temps, en una connexió inesperada. Com si les vies del tren que mai es troben, aquesta vegada ho fessin en una estació que a les 3.10 sortirà cap Yuma.
Per una vegada un western, no deixa la moralina en una cartutxera de revòlver, en la recambra d’una pistola o en el carregador d’un rifle. Els intèrprets, aquesta vegada també si, no tenen tot el camp Open Range per campar, sinó que abans de arribar a la parada i reposar aigua han de saber que hi ha en el fons del seu cor, que si cuina en el profund del seu cervell encara no esberlat.
Mangold ha aconseguit el que no es veu mai en un remake: intel·ligència i anar mes enllà. Sense canviar d’època, ni d’entorn, ni de valors, ni de les eternes diferencies entre el be i el mal. El masover enfonsat en la misèria i el seu fill tuberculós veuen la possibilitat de fer uns diners, (200 dolars), vigilant i fent pujar al tren a un atracador molt perillós a qui la seva banda vol alliberar de totes totes. Impressionant la relació establerta entre els dos homes que es necessiten i molt superior a la de Ford-Van Heflin. Per no citar el principal ajudant de Wade, Ben Foster fins al límit de la fidelitat i l’amistat. També cal destacar la relació del protagonista amb el seu fill, plena de matisos, de gran progressió dramàtica segons avança el viatge interior i exterior amb un gran equilibri entre l’acció física, (trets, baralles,...) i el desenvolupament dels personatges. Brillants diàlegs, mirades i una gestualitat continguda i entenedora perfila un film excel·lent.
Basat en un relat curt de Elmore Leonard es un duel de titans amb dos actors de calat, que interpreten amb profunditat, antològics, expressant les deixalles interiors humanes i que semblen aprofitar l’oportunitat davant d’altres papers d’estrassa com batmans i coses per l’estil.
Pocs elements negatius en la pel·lícula. Potser les secuencies forçades mes cap el final, quan ja el viatge ha mostrat tots els seus paral·lelismes i significats. També hi posaríem aquí, en aquest apartat alguns efectes deutors del cine modern ,allò que el productor creu imprescindible per que, Oh error!, el film passi a ser prepotent, engolat i presumptuós, desprès d’haver exhibit una disciplina d’imatge i concepte quasi esparta. Però tot sigui per el crescendo final, que de fet ve per una altre banda. Tot això no fa que el film de Mangold deixi de ser equilibrat, una mica a contracorrent del cinema actual i absolutament solvent.
Notable film que esdevindrà un clàssic. Aquí i a Yuma.

Che, el argentino

Steven Soderbergh va rodar en realitat quatre hores i mitja de cinta sobre la figura del Che, on inclou imatges en blanc i negre del seu discurs a les Nacions Unides el 64. Per necessitats de distribució es presenta ara la primera part on parla de la seva introducció en la política i per la segona, Che: la guerrilla ens hi explicaran la seva part belica i posterior empresonament i mort. Filmada amb la precisa camera digital RED, Soderbergh filma sobre el sentiment de l’abstracció. Fascinat per la figura del guerriller argenti, el seu film mantén una distancia intel·lectual, sense caure en devocions malaltisses, ni biopics benpensants. Es manté en la línia respectuosa de Diarios de motocicleta de Walter Sayles el 2004 per citar la perfecte El Che de Dugowson Martine el 1997 on pràcticament localitzava les seves restes i revelava per fi amb molt detall el seu arrest, ja cansat i derrotat i el seu posterior assassinat.
La sinopsi d’aquesta primera part es la següent: en 1952, el General Fulgencio Batista va orquestra un cop d’ estat a Cuba, va prendre el control del govern del país i va suspendre les eleccions democràtiques. La seva corrupta dictadura estava respatllada per un exercit de 40.000 homes, però un jove advocat anomenat Fidel Castro va intentar incitar a la rebel·lió popular assaltant el cuarter Moncada el 26 de juliol de 1953. L’atac no va tenir èxit i Castro va passar dos anys a la presso abans d’anar a l’exili a Mèxic.Mentrestant un jove idealista argenti anomenat Ernesto Guevara s’ havia involucrat en l’activitat política de Guatemala. En 1954, quan el govern legítim de Jacobo Álvarez fou derrocat per una operació militar organitzada per la CIA, Guevara va escapar a Mèxic. Un conegut de Guatemala el va posar en contacte amb un grup de revolucionaris cubans a l’exili. El 13 de juliol de 1955 va tenir lloc un esdeveniment silenciós però amb grans repercussions en la historia de la Revolució Cubana. En un humil apartament de la ciutat de Mèxic, es varen conèixer Ernesto Guevara y Fidel Castro, presentats per Raúl Castro, el germà petit de Fidel. Guevara s’apunta immediatament en una missió de guerrilla destinada a enderrocar al dictador cubà. Els cubans posaren de sobrenom al jove rebel, Che, una coneguda i popular expressió argentina.
El sempre innovador Steven Soderbergh estrena en España el biopic del Che, l’icona mes important de la revolució llatinoamericana. Aquest personatge ha estat ídol de mobilitzacions lliberals i "hippies", esdevenir imatge del rock de la ma dels Red Hot Chili Peppers i per tot això la seva vertadera historia queda obsoleta per les noves generacions. La intenció del director de Bajos fondos, El rey de la colina, Erin Bronkovich, La verdad oculta, Ocean’s eleven, Ocean’s twelve, Sexo,mentiras i cintas de video, Solaris,Traffic,Un romance peligroso i El buen aleman es clara: mostrar al mon sencer un personatge que va significar un gran canvi en els ideals i moviments de Llatinoamèrica. Si ja has vist "Diarios de una motocicleta" tens una avantatja. El film protagonitzat per Gael García Bernal serveix per conèixer l’adolescent i el seu viatge al centre del continent. Ara pren el relleu Benicio del Toro, també productor del film, que personifica al Che d’una manera espectacular, no només en la seva semblança física, sinó també en la magistral interpretació que li va fer guanyar la Palma en el passat Festival de cine de Cannes. Rodada en castellà i amb actors de tots els països, Soderbergh demostra que accepta qualsevol repte. Es nota que a del Toro li costa treballar l’accent, però en la selva acaba passant desapercebut. La instrucció dels voluntaris reclutats, la manera de repartir justícia, la duresa del terreny o les estratègies i els emplaçaments, tot condueix a La Havana. Aquesta primera part no presenta sentiments èpics, encara que narra una victòria. Explicada com un documental, pas a pas en la vida del Che des de la seva primera trobada amb Fidel Castro i el seu moviment guerriller alliberant poc a poc Cuba del regim de Baptista, la pel·lícula es intensa e interessant. Una historia que necessitava ser contada.

Uranya

Queda lejos a Costas Kapakas el verano del 42. La presencia de María Gracia Cuccinotta como prostituta lugareña en la Grecia que nos muestran, es solamente la que vertebra una historia de iniciación sexual estival al uso. Cinco adolescentes (Aris TSapis, Yorgos Liatis,...) en edad de merecer solamente la percibiran cuatro veces en toda la cinta, pero engendrara sueños y deseos a 200 por hora. Luego la cinta pasara por Amarcord, se recreara en el primer televisor de la época, incidirá hasta el rubor en la primera masturbación, donde el cine al aire libre es una gran oportunidad para los contactos, las salas oscuras también lo son, y acompañara a nuestros protagonistas la seductora y caliente música de Serge Gainsbourg .
Educacion sentimental según las costumbres autóctonas, con la tristeza y sinsabores que a veces produce la experiencia, todo trasladado al verano del 69, que también ha llovido desde entonces, en el entorno de un pueblo limitado en extensión, donde se puede focalizar mas la problematica, todo ello bajo la opresión de la dictadura militar tan permisiva con ella misma como estricta y castradora con sus dictados. Fellini planea sobre el film, aunque el autor se acerca mas a directores italianos menos consagrados o que ya no se consagraran.

Viaje al centro de la tierra

Un film de Eric Brevig de ciencia ficción, que no tiene ciencia ni ficción. Porque?. Porque no tiene efectos especiales dotados ni de ingenio ni de pecunio ni de decencia y hay que imaginar cada uno a su aire lo que le hubiera gustado ver por el mismo precio de la entrada. Porque esta interpretada por un simpático y creo que buen actor, Brendan Fraser, que en vez de un plato, lo ha situado como un solitario hombre el tiempo de television, perdiendo por tanto toda referencia con el resto de los interpretes Johs Hutcherson y Anita Briem, y por tanto lo que se llama interactuar o minimamente, darse el pie. Porque es además un film que pierde todo su sentido y su dimensión y nunca mejor dicho si no se proyecta en 3D. Elemento tridimensional este que inventado para revitalizar el cine puede que sea su talón de Aquiles y acabe con el. Pero este es otro debate de un viaje al centro del cine. Porque el cine no es un parque temático aunque algunos lo quieran convertir en una atracción de feria.

La isla de Nim

Dirigida por Jennifer Flackett y Mark Levin en base al relato de la escritora Wendy Orr, La isla de Nim cuenta con la interpretación de Gerald Butler, Jodie Foster y Abigail Breslin, a quien la mayoría recordará por su interpretación en Pequeña Miss Sunshine.La película narra las aventuras de Nim y su padre, Jack, los únicos habitantes de una apartada y exótica isla del pacífico sur. Aunque no acude a ningún colegio, Nim ayuda a su padre a realizar diariamente anotaciones científicas, se ocupa de cuidar el huerto y de que el panel solar alimente su ordenador, a través del cual Jack se comunica con el mundo. Un buen día, y tras la repentina desaparición de su padre, Nim entrará en contacto con una famosa escritora de novelas de aventura, que decidirá superar sus miedos e ir en ayuda de la joven.
Saturados como estamos desde hace ya algunos años de inacabables sagas fantásticas enfocadas al público más infantil, La isla de Nim se nos presenta como un suspuesto soplo de aire fresco bajo la forma de película de aventuras en clave familiar que retoma diversos elementos y recursos eminentemente clásicos, con Robinson Crusoe. De este modo, Jennifer Flackett y Mark Levin firman una historia atractiva en líneas generales, si bien la edulcoración excesiva y el abuso de elementos infantiles prescindibles acaban haciendo mella en un producto que comienza aparentando ser una versión comercial para terminar convirtiéndose en una suerte de Solo en casa isleño.
La isla de Nim se divide en tres historias paralelas, cada una de las cuales sigue su propio camino hasta llegar a un destino común, focalizando cada cual diferentes rasgos y moralinas: de este modo, Abigail Breslin se erige como principal protagonista del grueso del relato, oscilando entre el género infantil más pueril y el género de aventuras, mientras que que una agorafóbica e hipocondríaca Jodie Foster es la encargada de protagonizar la bis más cómica de la película, quedando relegado Gerald Butler a un doble papel de aventurero algo difuso. Así pues, mensajes como la autosuperación, el poder de la imaginación, la madurez o la familia impregnan todo el metraje de La isla de Nim, algunos de ellos con más acierto que otros, colapsando finalmente una película que pretende abarcar demasiados estilos, y que resulta cada vez más cargante a medida que el tiempo avanza y los diferentes elementos se solapan. El descubrimiento de la heroicidad interior se convierte como principal baluarte de una cinta que entretetiene pero que se olvida con facilidad, debido tanto a la ya citada saturación de elementos como a la obviedad de una historia y unos diálogos que convierten a Gerald Butler y Jodie Foster en dos meros anzuelos comerciales carentes de fuerza interpretativa.

La conjura el Escorial y otros Estrenos "venecianos"

Los de hoy son Che, el Argentino- El tren de las 3:10- La conjura del Escorial- La isla de Nim- Uranya y Viaje al centro de la Tierra. Uno de ellos, la conjura esta dirigida por Antonio del Real, esta superproducción española ha contado con un gran elenco internacional y nacional con conocidísimos nombres como Julia Ormond, Jason Isaacs, Jürgen Prochnow, Jordi Mollá, Joaquim de Almeida, Juanjo Puigcorbé, Blanca Jara, Fabio Testi, Rosana Pastor, Pablo Puyol, Concha Cuetos y Anthony Peck.
La Conjura de El Escorial es un trepidante thriller de època con intrigas políticas y policíacas, encuadrado en las luchas y disputas entre la Casa de Alba y sus fieles por un lado y la Casa de los Mendoza con Antonio Pérez y la Princesa de Éboli por otro. La noche del lunes de Pascua de 1578, unos asesinos a sueldo emboscan a Juan de Escobedo, dándole muerte....
La Conjura de El Escorial es una película histórica basada en hechos reales, donde el poder y la muerte conspiran en la Corte de Felipe II. Conjurados estais.

Hellboy 2

En el año 2004 Guillermo del Toro irrumpió con ‘Hellboy’, una película que adaptaba con bastante fidelidad la conocida serie de cómics de Mike Mignola. Fue antes de que la crítica aplaudiera con unanimidad ‘El laberinto del fauno’, pero desde luego en esta película ya demostró que su personal estilo en títulos anteriores como ‘El espinazo del diablo’ o ‘Blade II’ no era casualidad. Del Toro, más que un director de cine, es un esteta, un amante incondicional de la imagen.
Hellboy II: el ejército dorado es que una previsible secuela de las aventuras de este “chico del infierno”, en la que repiten protagonismo Ron Perlman y la anodina Selma Blair. Los cambios desde la primera parte hasta esta segunda son más que evidentes: Del Toro ha sido consciente de que, por el tono de la historia y por venir de un cómic, le podía exprimir un carácter de blockbuster que no tenía la primera, y que, en esta continuación se han acentuado hasta hacer recordar otras sagas.
Tras una torpe presentación de personajes, se muestra a Hellboy (Ron Perlman), su amiga Liz (Selma Blair), y el amigo de ambos, Abe (Doug Jones), tres seres paranormales que no encajan en una sociedad puramente humana, pero que aún así prestan sus poderes al servicio de ésta. En un mundo subterráneo y paralelo, el príncipe Nuada (Luke Goss) traiciona a su padre, el rey de los primeros hijos de la Tierra, para tener mayor poder y así derrocar de su hegemonía a los seres humanos, a los que odia. Hellboy, se mete en la investigación para neutralizar la amenaza. Es curioso que se ofrezca a echar una mano de una manera tan altruista, cuando en realidad el dilema moral que se plantea es mucho más profundo y complejo. Es esto un acierto de la película, que inicia como una aventura vacía y plana, y que poco a poco mete al espectador en un mensaje demoledor: los humanos despreciamos todo lo que es diferente. Nos da envidia, asco, miedo o todo a la vez. Por mucho que nos ayude, el diferente siempre será un bicho raro, un paria, una molestia. Una reflexión que sin duda tiene analogías con la nueva propuesta de Christopher Nolan en su reinvención de Batman.
Nuada es el villano, un trangresor que no duda en matar a todo el que se oponga a sus planes, pero seguramente es un ser en una situación prácticamente igual a la de Hellboy, su antagonista. Son individuos condenados a ser extraños para el resto, a ser incomprendidos y sufrir la falta de aceptación del populacho. En la primera escena vemos cómo Hellboy es educado pacientemente por su padre adoptivo, el profesor Trevor Bruttenholm (John Hurt).
Se nota mucho que Guillermo del Toro, además de ser el director, también es el guionista. Y es que en muchas ocasiones rechaza un argumento más consistente con tal de exponer su extensísimo repertorio visual, su constante imaginería que en ciertos momentos, hace que ‘Hellboy II: El ejército dorado’ parezca la segunda parte no ya de ‘Hellboy’, sino también de ‘El laberinto del fauno’. Su gama de colores, criaturas, escenarios; sus batallas, movimientos de los personajes, explosiones, persecucciones… todo en esta película está realizado con minuciosa maestría. El aspecto gótico, o al menos oscuro, es digno del mejor Tim Burton. Y lo siento, es inevitable comparar a Del Toro con Burton porque son los únicos que pueden combinar la penumbra que invade a sus personajes con una belleza poética que aparece cuando uno menos se lo espera. No es casualidad, por supuesto, que la banda sonora sea del experto Danny Elfman, que ha compuesto melodías portentosas aunque algo impersonales.
La película mejora en su segunda mitad, donde trasciende su condición de cine de consumo para dar una estocada casi imprevista, que genera debate moral: Hellboy es una especie de superhéroe a su pesar, que lucha contra el príncipe Nuada sin darse cuenta de que está combatiendo contra su propia condición, haciéndole un flaco favor a los “suyos” y un desinteresado regalito a los seres humanos que tanto le denostan.
Prácticamente todo en ‘Hellboy II: el ejército dorado’ mejora a su predecesora. Tiene mayor cantidad de dosis de humor, más espectacularidad, mayor claridad visual y narrativa. En contra, tiene el resultar demasiado larga pese a que no dura más de dos horas, y es porque los efectos visuales revelan que el argumento está considerablemente hinchado, y turbia la relación entre Hellboy y Liz.
En conclusión, una buena película en el apartado técnico, que sin embargo deja algo frío al espectador por las intermitencias y la escasa solidez de su guión y unas actuaciones aceptables pero no entregadas, fruto de una dirección de actores bastante floja. La tendencia al exceso de Guillermo del Toro es esta vez un punto a favor con mucho mérito. Es, a todas luces, una dirección artística ejemplar, con una iluminación, fotografía, vestuario y maquillaje rebosantes de frescura, brillantez y talento. Y pocas veces la omnipresencia de los efectos digitales ha estado tan bien llevada, ha sido tan bonita y estimulante.

Zohan

Dennis Dugan tiene licencia para todo después de Escapate como puedas y un papa genial. Ahora a traves otra vez de Adam Sandler busca el equilibrio entre la denuncia, la burla a ambos lados de la franja de Gaza. Mostrar al mismo tiempo mediante un peluquero afectado, simpatía por ambos bandos es de gran atrevimiento. Simplificar un conflicto tanto religioso, etnico, personal y político no era fácil y era arriesgado. Sin ofrecer además ninguna solución o propuesta diplomatica, avanza la tesis de árabes y judíos han aprendido a convivir juntos en Nueva York.
Sandler, miembro del Mossad, viaja a NY con el firme propósito de convertirse en estilista de peluquería. Consigue aprender en Brooklin, donde se saca absolutamente de contexto la crisis interminable del Próximo Oriente, entrenado por una bella palestina. Sandler tapa con sus propias gracias los errores narrativos, algunos de brocha gorda.
Adam Sandler se autoparodia con gracia indiscutible y se trabaja tan duramente sus gags que merece que el film dirigido por Dugan sea de momento lo que el viento se llevo de la baqueteada franja manchada de sangre e injusticia internacional.

Star Wars: the clone

George Lucas ha agotado su filón. Sin nuevo argumento, sin hilo conductor, sin innovación, sin peculiaridades, sin la proyección infografica superada, esta clonacion absurda se resuelve en miles de batallas pesadisimas con aquellas en otro tiempo espadas fluorescentes, hoy lasers de feria.
Para exprimir la serie al modelo limón, ahora Lucas se imagina una historia situada cronológicamente entre El ataque de los clones y La venganza de los Sith que no Debian conocer la realidad digital. El genio, ya mayor, omite rodar con personajes reales y completa o rellena su saga con muñecos de artificio con los pretende, sino ya no aumentar su prestigio personal, si su fortuna, ahora superior a su ingenio. Aunque este lo demuestra riéndose de los incondicionales fans de la serie que todavía sobreviven entre tanto láser de colores.

Bobby Z

Película olvidable. Inofensiva de tan mema e imposible de encontrarle algun sentido. Sin excusa dramática, john Herfeld, ordena una munición de fotogramas inconsistentes, con menos argumentos que el agujero de ozono y con una sarta de mentidas o imposibilidades que arruina totalmente los pocos momentos de divertimento que intentan asomar, ahogados como no por un sexo, una violencia y un exceso de planos inconvenientes facilmente identificables.
Si a ello añadimos la pésima actuación de Paul Walker, marioneta de la interpretación que intentado huir cada vez se mete mas y mas en embrollos. Bobby, ZZZZZZZZZZZZ....