Mysterious object at noon

Opera prima restaurada digitalment del realitzador tailandès Apichatpong Weerasethakul. Setze anys després de l’estrena que va permetre al director posicionar-se com un habitual dels festivals més prestigiosos, arriba a les nostres pantalles. Basat lliurement en el joc del cadàver exquisit, concebut originalment pels surrealistes, en el qual els participants prenen els torns del joc per fer avançar una trama suposadament narrativa, el film ens mostra, en rude blanc i negre, el realitzador i el seu equip viatjant a través de la Tailàndia rural i urbana, recollint testimonis a l'atzar. La història en la pel·lícula comença amb un nen amb incapacitat física que un dia veu rodolar un objecte de sota la faldilla de la seva mestra, que després es transforma en un nen místic amb certs poders. A partir d’aquí, el film desplega tots els trets que esdevindran característics en el cinema de Weerasethakul. Personatges reencarnats que encavalquen juganers les fronteres de l’aquí i l’allà, múltiples línies narratives que conviuen en paral·lel i que ens recorden que la categorització real/ficció és d’una puerilitat vergonyant. Més a prop del somni lúcid que de la fantasia moralitzant, mosaic de visionat privilegiat per a qui vulgui aproximar-se al director amb plena familiaritat domèstica.

Los Andersson en la nieve

La familia Andersson continúa muy unida después de su viaje por las tierras italianas, pero cuando su hijo adolescente, ve que, su compañera de clase y su gran amor, se va a esquiar con otro compañero, hará todo lo posible para ir él también a la nieve. Para conseguirlo, convencerá a su familia de que el viaje está pagado, pero lo que parecía un desplazamiento agradable, pronto se convertirá en una pesadilla en la que la propia unidad familiar podría correr peligro. El realizador debutante Gustaf Åkerblom toma el relevo de Hannes Holm (Los Andersson Road Movie), que en esta ocasión sólo se encarga del guión, para relatar una nueva aventura de la familia. Tercera entrega, de la familia favorita de Suecia en la que el realizador nos muestra el valor de la familia como apoyo incondicional y la importancia de luchar por lo que se desea. El joven actor William Ringström vuelve a ponerse por tercera vez en la piel de Sune para meterse en un nuevo embrollo. Para esta tercera película, el realizador también mantiene al resto de los actores capitaneados por Kajsa Halldén, Frida Hallgren (Los Andersson: Road movie) y algunos personajes nuevos que se unen, como Manuel Dubra (El abuelo que saltó por la ventana y se largó) o Malte Gårdinger, que se inicia en el mundo de la interpretación.

Ratchet & Clank

La galaxia Solana se encuentra en peligro, ya que el malvado alienígena Chairman Drek y su banda planean destruirlo todo. Por suerte, Ratchet y Clank están cerca para salvar la situación. Ratchet es el último Lombax que queda y un mecánico amante de la acción cuyo amigo Clank es un robot con una inteligencia privilegiada. Estos dos compañeros tendrán que unirse a una banda de héroes y usar su ingenio y habilidades para impedir que Chairman use una potente arma que amenaza la paz interplanetaria. Los realizadores Kevin Munroe (Dylan Dog: Los muertos de la noche) y la debutante en la dirección Jericca Cleland traen a nuestras pantallas la película de animación Ratchet y Clank. Estos personajes, que vieron la luz en el juego multiplataforma Ratchet and Clank para la PS2 y extendieron su fama a lo largo de las evoluciones de las videoconsolas de Sony, dan el salto a la gran pantalla en una vertiginosa aventura de acción para toda la familia. A través de estos simpáticos extraterrestres, los realizadores hablan de la amistad, el valor y la familia. James Arnold Taylor (Ultimate Spider-Man) y David Kaye (Ben 10 Omniverse) ponen su experiencia como dobladores y se unen al film Rachet y Clank para prestar su voz a los dos protagonistas como ya hicieran en los videojuegos. Por su parte, el nominado al Oscar Paul Giammati (San Andrés) se convierte en el antagonista de la historia que pretende destruir la galaxia. Los realizadores también cuentan para el elenco vocal con algunos actores conocidos internacionalmente, como Rosario Dawson (Trance), Bella Thorne (Alexander y el día terrible, horrible, espantoso, horroroso), el también nominado a un premio de la Academia Sylvester Stallone (Rocky Balboa) o John Goodman.

Backtrack

Después de perder a su hija en un trágico accidente, el psicólogo Peter Bower vive atormentado por pesadillas y extrañas visiones. Sin embargo, lo que hará que se cuestione su cordura será el descubrimiento de que todos los pacientes que ha tratado desde la muerte de su pequeña son fantasmas, personas que murieron en 1987. En busca de respuestas, Peter volverá a su antiguo pueblo natal, donde deberá esclarecer un terrorífico misterio de años de antigüedad que sería el origen de sus delirios. Michael Petroni, guionista de, Las crónicas de Narnia: La travesía del viajero del alba o La ladrona de libros, dirige Backtrack, thriller de terror que, en la línea de clásicos del género como El sexto sentido, juega con la integración entre el mundo de los vivos y el de los muertos. En este caso, la conexión entre la realidad y el más allá será un psicólogo atormentado por la pérdida de su hija que deberá resolver un misterio oculto durante décadas. A través de él, el director conforma una historia de suspense y tensión dramática en torno a la muerte, la culpabilidad y los recuerdos del pasado. Para dar vida a la intrigante historia de Backtrack, el director recurre al ganador del Oscar Adrien Brody (Predators) para que interprete a Peter, el psicólogo al borde de la locura que protagoniza la cinta. En esta terrorífica investigación le acompañan rostros conocidos en el cine de suspense o terror, como Sam Neill.

Ma poupee

Fara un parell d'anys, l'Adriana Lopez Asensio va voler fer un curt, dura 3'29", i el resultat és aquest Ma pouppe que promet forces coses. Una d'elles, es que s'ha convertit en una promesa del cinema si mes no d'animació. Un curt magnific que agrada a petits i grans, en part per la seva lleugeresa pero també per ser una història rellevant i imaginativa. Un guió on hi ha poesia visual en les imatges, que alimentades pel blanc i negre, tenen art, bellesa i pot competir, malgrat la escadussera producció, amb qualsevol. Ni un centímetre de metratge esta cedit a la cridòria, tan habitual en els curts infantils, es net, no hi ha impertinència ni arribes a plorar estúpidament, sinó que tracta de forma intel·lectual i narrativa, el dolor, les pèrdues de sers estimats i la mort. Amb textura de màgia y fantasia, l'autora sublima la depressió infantil, la col·loca al costat de les deixalles i ens passeja per l'amistad y l'acceptació d'un mateix amb una imaginació força interessant. Gràcies per aquest bell curt i també als actors amateurs que hi han col.laborat per la seva obedient i acertada tasca, Adriana Lopez. Aquest curtmetratge es va crear l'any 2014 per un projecte de la

classe d'Audiovisuals al Batxillerat. La idea del guio la va compartir

amb la seva mare Mercè Asensio. Les disfresses utilitzades són

familiars i el vestit de la nina dissenyat per l'àvia. Tots els espais

exteriors són a Bigues i Riells. La música es de les Andrew Sisters.

Entre els actors destaca el germà que va fer del personatge de l'Ós.

Fotografia a càrrec de Mercè Asensio. Direccio i Muntatge: Adriana

Lopez.

La història: Els nens que viuen a la casa han crescut i hi ha molts

peluxos i nines que ja no hi caben a les habitacions. La dona de fer

feines les recull totes per llençar-les però al voler tirar-les a la

paperera li sap greu i en treu dues per a que algun nen o nena que

passi pel carrer se les emporti i els hi doni una nova vida plena

d'amor i d'alegries. Però quan la dona treu a un òs i a una nina amb

la seva cadira de la paperera aquests cobren vida durant una

estona i aprofitaràn aquest temps per passar-ho bé i divertir-se. Quan tornin a ser ninots seràn trobats per un nen (qui "salvarà" a

l'òs) i una nena (salvarà a la nina) i aquests se'ls emportaràn..

Romance en Tokyo/Tokyo fiancee

Si esto es la herencia milenaria de la tradición geisha, yo soy batman's return. Convertir una de las máximas expresiones del respeto, la educación y la cultura, (si con todos los peros) en un manual de complicaciones por ser extranjero, malentendidos por el idioma.(el protagonista nipon Taich Inoue francofilo y primer y único alumno) y dobles sentidos jugando con la baza exotica de lo oriental, es un flaco favor al mito del servilismo como expresión máxima el amor completo.  Demasiadas dudas por desconocer el tema llegando a hacerlo extraño al  espectador. Basado parcialmente en las experiencias de Amel Nothomb (noveladas en "Ni de Eva ni de Adan" anagrama) y debía pensarse como la reina belga (Paulinne Etienne) del mundo, y mas al enamorarse del joven. La joven regresa al país de  su infancia y sobrevive enseñando francés. Digamos que el problema de Stefan Liberski, (Baby Balloon y Bunker Paradise pueda ser la producción belga, francesa, canadiense, pero en realidad su handicap es él, que esta por los huesos de la otra Amelie, la de Jeunet. Así mismo piensan, por lo que dicen en el film Julie Lebreton y Aimi Ota. Cubriéndolo todo la espesa comercialidad turistica de la capital japonesa.

Los recuerdos/Les souvenirs

Jean Paul Rouve,(El solitario) también interprete, es capaz de empezar su film en un entierro, con silencio, recogimiento, mientras la cámara recorre y presenta ya a los protagonistas, alternando planos con un joven que corre desesperadamente hacia el cementerio. Esta declaración de intenciones ya presagia dos cosas: un respeto integro por los actores y un humor negro suave como guión de transmisión. Es una manera de presentar sin dramas, una historia de jubilacion y de residencias, lugares a los que ya solo te acompañan los recuerdos. Basado el film en la novela, mas bien libro de autoayuda, de David Foentinos, tiene en la abuela octogenaria, Annie Cordy, el epicentro de la memoria de paisajes, personas y lugares que ayudara a revivir su nieto, el que corría, Mathieu Spinosi. Cansada de esperar, se fuga y habrá que buscarla. Interesante también y en boga en el cine francesa actual, la conexion y relaciones entre las ultimas tres generaciones cuando la vida mayor ya esta en los 80's. Recuerda también Chantal Lauby.

Generacion Z

No se si es una buena idea lo de Steve Baker de convertir a los dinosaurios en zombies. Ni tan solo si es buena o si es idea. Un film de tipo serie abecedario hacia la Z, en el que una pandemia (y van...) ha convertido en zombies a los habitantes de una isla paradisiaca. Los avezados proceres del turismo han ideado un resort, llamado "Rezort"donde los que pueden pagarse el guetto, pueden cazar zombies además de tomar el sol y caipirinhas. Dougray Scott, con cara de enfadado todo el film, Jessica de Gouw, Martin McCann y Claire Goose son los afortunados cazadores de vivos ya muertos, a los que vencidos y recluidos, matan otra vez, para regocijo de las cuentas fiscales. El síndrome de cromógeno A, es el causante de todo, también debe ser lo del guión del guionista Paul Gerstenberger (Bad meat), apasionado de los zombis. Con el objetivo de hacer su aportación al género, se puso en contacto con el realizador de Outpost, que ha sido el encargado de llevar a  esta comedia terrorífica. Es la historia de la humanidad que, después de haber sobrevivido a un apocalipsis zombi, vuelve a encontrarse con que el problema, convertido en parque temático, todavía no está resuelto. Jessica De Gouw (Las últimas horas) encarna a Melanie cuando tiene que enfrentarse a su mayor miedo: los zombis. En la cinta que ha sido rodada en localizaciones de la isla de Mallorca, aparecen también, Shane Zaza (Amenaza terrorista), o Rebecca James,

El niño y la bestia/ Bakemono no ko

Dos mundos se enfrentan pero con la peculiaridad de que sus habitantes coinciden en ser unos inadaptados. La madurez del film juvenil  en algunos momentos hara que see una para luchar contra otro enemigo comun.  Mamoro Hosoda estaa particularmente inspirado en la primera parte del film.In cluso el dibujo se muestra excelson en el trato de laciudad, sus movimientos, la iluminacion y los flujos de circulacion.Las masas rugen y se rcogen incluso imagenes,  siempre en dubujos de la s camaras de vigilancia en  un alarde de guion de animacion. Aventurero en el dominio Digimon, el director une a estos dos seres solitarios en un Toquio, actual y mas moderno si cabe.Y aqui cada no puede hacer volar su imaginacion y buscar los referentes en el anime, que quiera. En su noveno film, Hosoda, (La chica que saltaba traves del tiempo, Summers wars, y Wolf children)llega a la conclusion de que las razas animal y humana, sobreviven mejor si colaboran. Una dulce mezcla de Killer Bill y Karate kill. aunque dos horas de arte marcial acumulado es demasiado aunque sean de dibujos. Un niño solitario de la ciudad de Shibuya entra sin querer en el mundo de las bestias, donde conoce a Kamatetsu, una de sus criaturas más fuertes. Este ser de carácter altanero termina por aceptar al pequeño como aprendiz y le da el nombre de Kyuta. Cuando crece, sin querer volverá al mundo humano, donde coincidirá con Kaede, una joven que le enseñará cómo ha cambiado la tierra de los hombres y descubrirá que ambos mundos están en peligro, por lo que tratará de hacer lo imposible por salvarlas. Hosoda, que retoma la dirección tres años después de su último film, nos habla de las relaciones familiares entre padres e hijos, y la importancia que tienen en el crecimiento y la enseñanza de los valores. Además, combina lo mejor del cine de anime con los films de acción japoneses. Luci Christian (Hombres, mujeres y niños) demuestra su experiencia en el doblaje de anime y pone su voz al joven Kyuta en su camino de aprendizaje. Junto a ella, John Swasey (Full Metal Alchemist) da vida a Kamatetsu, la poderosa criatura. Con un lenguaje vocal en inglés, ha contado tambien con Monica Rial (Dragon Ball Z: La resurrección de F), Steve Powell (Foiled) o Momoka Ohno.

Cegados por el sol / A bigger splash

Director extraño este Luca Guadagnino (Yo soy el amor, Melissa P, y ahora viene Suspiria). Compone su gran planchazo alrededor de una figura del rock. Cuando ya decae la historia aparece una Ralph Fiennes en proceso de innovación y que volviendo loco a sus torturadores con su sonrisa de botox y que representa a los que creen tanto en si mismo que por si mismos son una obra de arte. Le surge, porque es un surgir y no una aparición estelar, Dakota Johnson, juvenil, sin miedos y testimonio nada indiferente por cierto. Fidelidad y libertad es el eje central de este film que imaginan que sera el remake de La piscina (Deray 69) Otro film de promoción turística, en este caso la costa medierranea, A la paradisíaca isla de Pantelleria, situada entre Sicilia y Turquia.  Su pacífico retiro vacacional se convertirá en un polvorín cuando aparezcan su antiguo amante y manager, y su atractiva hija. Cuando Paul intente seducir a la joven, entre los cuatro surgirá una siniestra espiral de celos y sospechas cuyas consecuencias podrían ser irreversibles. El realizador nos propone un tenso e intrigante thriller. En este cuadrilátero amoroso, el director introduce temas como el deseo, la belleza, el sexo o la sensualidad, así como la aparición de un viejo amor cuya única presencia basta para remover el pasado y disparar todo tipo de comportamientos impulsivos o autodestructivo, y donde se baña Tilda Swinton, rockera también que ha perdido la voz y quiere recuperarla al lado de su estirada pareja, Mathias Schoenaerts. El merito lo encontramos en el equilibrio entre drama  y tragedia que desatan bajo un sol africano, la pasión y el deseo. 

Toro

Eva tenia alma y por eso gano en Sitges. Toro no. Kike Maillo sabe perfectamente como aprovechar la estetica bellisima del noble animal, pero posiblemente por encargo, ha olvidado que sus manadas están en declive, su figura ya no vende ni coñac y su sombra en las praderas solamente da cobijo a obreros sedientos. Los grandes directores que se acercaron a la bestia lo hicieron con la leyenda viva, sangrienta y glosada por aventureros escritores que practicamente describian el guion visual de impacto y epica. El alma pero se la ponen los actores. Este Jose Sacristan, magnifico en su papel mafioso-religioso que cuenta con cinismo como se enriquece el mundillo de los toros. El otro vértice toril es Luis Tosar que tanto nos convence de que es un hermano mayor atracador mediocre como de que no todas las cervezas son iguales. Y cierra el redil, el Toro, apodo de Mario Casas, que además de las corridas de sus congéneres, debe enfrentarse y cerrar su pasado. Sale del corral prisión dos meses antes de cumplir los cinco años y  no hay burladero que lo separe del mundo hostil, clasista y maldito, que lo encerró.  Cansa y hace sudar, tanta acción de cara al verano. Vuelve el cine a promocionar la costa del sol, lugar propicio sin quererlo, para la corrupción mas fresca, las inmobiliarias mas inmorales, y la continuidad del postfranquismo económico, ya despojado de toda ideología visible. Un film rabiosamente aspero, lujoso de revista, sucia, casposa y decididamente hortera. En cien minutos. Maillo, el premiado autor catalán, no permite que se le "cove" el arroz, ni que aparezca Bisbal, ni que desconecten de las 48 horas de  tiempo real, Claudia Vega ni Ingrid Garcia Jonsonn tampoco.

Bienvenidos a Grecia/Highway to Hellas

Comenzada la temporada de turismo se recomienda en títulos de películas populares como la que no nos ocupa destinos como Grecia o Tokyo. Aron Lehmann nos desconcierta otra vez como hizo con su anterior e único film, asaltando el status griego y germánico con toda clase de estereotipos tipo apellidos catalanes, pero defendiendo a pesar de ello  la amistad y confraternizacion entre los pueblos. Gags gruesos, conceptos manidos dos y contrastes culturales cogidos por las hojas,  no dicen que podremos ser bienvenidos a cualquier parte, especialmente si no somos Merkel  o Tsipras. Christoph Maria Herbst, Adam Bousdoukos y Panagos Loakeim ,a pie o en burro, como el guión, tiran del carro el film que para ello son profesionales. La isla griega de Padaliki , en realidad Santoriini, se encuentra en un punto crítico de su economía por culpa de la crisis. Para construir un hospital y una planta energética, la población pide un préstamo a un banco alemán. La entidad financiera, que no se fía de los griegos, envía a Jorg, un empleado, para que controle cómo se utiliza el dinero. Cuando llega a Padaliki y descubre que no hay nada construido, este banquero aprenderá que no todo es lo que parece y que los griegos no son tan terribles como se imaginaba. El realizador y guionista Aron Lehmann (Kohlhaas oder die Verhältnismäßigkeit der Mittel), aprovecha el panorama actual y los constantes enfrentamientos dialécticos entre la prensa de Grecia y Alemania para, de una manera amena y desenfadada, tratar el tema de la desconfianza. Para ello, se sirve de tópicos y prejuicios que, personificados en las idas y venidas de la relación de sus dos protagonistas, son tratados con humor e ironía. Para el papel protagonista, el actor alemán Christoph Maria Herbst (Ha vuelto) se pone en la piel de Jörg, el desconfiado banquero alemán que viajará hasta Grecia para vigilar sus inversiones.

Rumba tres de ida y vuelta

Rumba Tres, uno de los grupos pioneros de la rumba junto a Peret o Los Amaya, cuenta con una trayectoria profesional de más de 55 años en la música. Un documental analiza la vida y obra de esta emblemática formación, y explica toda su historia tanto dentro como fuera de los escenarios, lo que ayudará al espectador a comprender los motivos que llevaron a este grupo de encabezar las listas de éxitos nacionales e internacionales a caer en el más absoluto de los olvidos. Los debutantes David Casademunty Joan Capdevila, éste último hijo de uno de los miembros de Rumba Tres, son los encargados de dirigir esta cinta que rinde homenaje a esta mítica banda musical. Docudrama que nos invita a hacer un recorrido por la historia de la formación, a través del cual seremos testigos del ascenso y caída de estos pioneros de la rumba, desde sus años dorados hasta la actualidad, cuando son prácticamente unos desconocidos. En este proceso de desmitificación, en el que a medida que cae el mito aumenta la empatía con sus protagonistas, encontramos un nutrido grupo de personalidades de la música y el espectáculo, como José Mota, Lolita Flores o Estopa, que cuentan anécdotas y leyendas sobre la formación. Junto a ellos, Rumba Tres: De ida y vuelta también recoge los testimonios de sus más directos protagonistas, José Sardaña y los hermanos Pedro y Juan Capdevila, integrantes de la banda, que relatan su lucha personal hasta el éxito y la influencia de la música en sus vidas.

Los milagros del cielo

La misma directora de La misma luna, Patricia Riggen, nos cuenta vida de una mujer que es perfecta. Es feliz con su marido, tiene tres hijas preciosas y todo le van bien. Sin embargo, su hija Anne manifiesta unos síntomas que le impiden alimentarse. Después de que los médicos diagnostiquen su enfermedad como incurable, esta madre coraje hará lo imposible para salvarla. Sus plegarias serán atendidas cuando, después de un accidente, la dolencia de la pequeña desaparezca milagrosamente, lo que hará que Christy y su familia vean la vida de otra manera. La realizadora de Los 33 narra  una dramática historia basada en los hechos vividos por la familia Beam, que fueron contados por la propia Christy en el libro del mismo nombre. La escritora ha prestado sus servicios como asesora para esta película que, en la línea de la última remesa de películas con un importante componente religioso, se ha convertido en todo un fenómeno de taquilla en EE.UU. En ella, este drama familiar incide en el poder de la fe y en la existencia de los milagros, que premian a personas que luchan y nunca se rinden. La conocida actriz Jennifer Garner (Nunca es tarde (Danny Collins)) da vida a Christy Beam en el momento de mayor amargura cuando su hija es diagnosticada con una enfermedad intratable y de mayor alegría con la posterior recuperación milagrosa. Por su parte, Kylie Rogers (De padres a hijas) se pone en la piel de la pequeña Anna durante su terrible convalecencia  con Martin Henderson (Everest), Queen Latifah (Infiltrados en la Universidad) o Eugenio Derbez.

Victor Frankenstein

Para empezar diciendo algo, citare el nuevo intento fallido de ascenso al estrellato maduro de Daniel Ratcliffe, (Igor), en este film parodia de fiesta de fuego artificiales y que en 109 minutos no decide Paul McGuigan que nos va a contar. Igor es quien nos pretende explicar la vida de Frankesntein que busca la eternidad. El famoso hombre reconstruido, tiene aquí mas problemas de los habituales. No son solo físicos, ya conocidos por el cirujano montaje, sino que además arrastra fantasmas familiares, es humillado por su padre, es vulnerable como monstruo y esta obsesionado por los secretos de la existencia. La novela de Mary Shelley, tocada otra vez con distinta música solo  se podrá recordar por su estética punk y las ingentes cantidades de humo que tapan todo lo que se sabe explicar. Tocar mal los mitos (que grande es Mel Brooks)  es peligroso y arriesgado. Tan complejo como proponer este Igor infantil y contrahecho, James Mcavoy melancólico, Jessica Brown Findlay contemplativa,y Mark Gatts disfrazado. Lo mejor es que Frankenstein y  su espíritu indomable de la colmena resiste entre los clásicos al cumplir sus 87 años. Por ello quizá el dr. Frankenstein sigue mas enloquecido todavía porque su ayudante a base de anfetaminas, no es que ayude mucho en esta su 76 version.

tHE LADY IN THE VAN

Porque los films que no empiezan con bofetadas en los títulos de crédito nunca sacan mas de 2 estrellas?. Aunque sea una historia real, complaciente con la cámara y sus imagenes, en la anécdota de que una señora, muy señora Maggie Smith decide instalarse en el patio de su casa. Un texto autobiográfico del dramaturgo Alan Bennett sustentado en un acontecimiento antiguo y la relación que mantuvo con una indigente, que se habia instalado con su furgoneta delante de sus casa. Una relacions que duro 15 años y una verdadera amistad. Un texto pues de calidad como  corresponde a un hombre de teatro y que Nicholas Hytner (El crisol , Mucho mas que amigos y La locura del rey George)  ha adaptado con ironía al modo de vida británico y que recitan con categoria Alex Jennings y Jim Broadbent y Dominic Cooper.

mi amor/mon roi

Una historia de amor histérica, a veces insoportable en la que cuesta entender el papel sumiso de la fémina. Después de sufrir un terrible accidente de esquí, una mujer ingresa en un centro de rehabilitación. Inmovilizada y dependiente del personal médico y los sedantes, esta mujer empezará a rememorar la difícil historia de amor que vivió con su anterior amor. Mientras busca respuestas y los motivos por los que sucumbió a una pasión tan sofocante, iniciará un proceso de redescubrimiento y reconstrucción que, a través del trabajo físico, quizá le permita liberarse completamente del pasado y empezar una nueva vida. La actriz y directora francesa Maiwenn (Polisse) con esta comedia dramática, estudia una turbulenta relación sentimental. Se sirve de personajes básicos y simples con conductas que son mas gregales y de grupo o masa que humanos, educados y sociales. A lo largo de los diez años que dura este amor, Maiwenn vertebra una historia llena de altibajos, en los que la emotividad y el humor aparecen sin querer lo,   producto de las risas falsas, las peleas, los gritos sin respeto y la rotura de objetos que colaboran a la historia emocional de esta pareja. Un tira y afloja que revela un proceso de romance constructivo de una pareja enamorada hasta su final por solo 134 min.. La complejidad de la relación queda expresada en el titulo original del film como siempre, "Mon roi". que es lo que lleva dentro el hiper enamoradizo y con sentimientos encontrados Vincnet Cassel.  Para descubrirnos los momentos más importantes de esta pareja la realizadora se apoya en una puesta en escena con numerosos flashbacks y una impecable dirección de actores. Con 8 nominaciones a los Premios César, cuenta con Vincent Cassel (El cuento de los cuentos) y Emmanuelle Bercot (que repite con Maiwenn tras Polisse) como protagonistas de esta devastadora relación sentimental. Junto a Bercot (que consiguió el Premio a Mejor actriz en el Festival de Cannes por este papel) también encontramos a Louis Garrel (Un verano ardiente) e Isild Le Besco, hija de la directora.

Secret in their eyes/El secreto de una obsesion

No entiendo esta computación de buscar remakes donde no debería haberlos y que  creo perjudican mas al film nuevo que a los anteriores. Esta en concreto me parece mas el Juez(El armiño) que al ultimo Campanella. Pero bien, grúas aparte el film de Billy Ray(El espía, El precio de la verdad), se deja ver y entretiene. Tampoco es mejor no haber visto la anterior siempre a mi entender. Unos protagonistas de lujo, Nicole Kidman, Julia Roberts, Chiwetel Ejiofor, Dean Norris o Alfred Molina, ofrecen unas replicas emotivas, emocionantes, virtuosas en ocasiones. Lejos quedan las pretty's woman's. El film de poco calado político, da unas coces leves al FBI y otras a la  lucha antiterrorista, por darle excesiva importancia en relación a otras problematicas que habría que tratar mas en su origen. Erase una vez, una joven que fue hallada muerta en un container...

El llibro de la selva

Tenebroso. Así definiria el film de Jon Favreau, ceñido a un guión de supervivencia, y que siempre tendrá el imposible reto de superar la versión Disney de 1967. Aquí, Baloo y Baghera son menos cariñosos y protectores, Shere Khan es un malo, malo y Kaa, siniestra en el paraíso. Mowgli esta solo todo el tiempo buscando amigos entre los lobos y los monos, disfrutando de verdad la única vez en el templo. Versión de imagen real con el don de la producción digital y que con esta técnica por cierto nada colorista recupera ligeramente la parte oscura que si tiene el cuento original sometido a la dictadura del 3D, El libro de las tierras negras de Rudyard Kipling. En manos de un director versátil que ha pasado por Chef, Revolution, Cowboys&Aliens, Iron Man o Elf, el simpático y listo Mowgli se adapta, como ha hecho siempre a las nuevas tecnologías. Zoltan Korda 1942, Wolfang Reithman 1967, Fumio Kurokawa 1989 tv, Stephen Sommers 1994, Duncan McLachland 1997, Jmmy Hibbert 2010 tv, Steve Trenberth 2003, Jun Flankenstein 2013.

Race/El heroe de Barlin

Otro biopic de Stephen Hopkins (Llamame  Peter Sellers), sobre la llegada y triunfo de James Cleveland "Jesse" Owens, de la universidad de Ohio, el gran atleta, pero dedicado mas a ridiculizar y hundir el nazismo boyante de la época que profundizar en el tema del racismo también candente en EEUU y Alemania, dejando a nuestro protagonista, Stephen James en un simple corredor de color norteamericano. Como historia esta bien estructurada y manifiesta talento descriptivo no habitual, partiendo de la época de la Gran depresión. Se centra en la cuarta medalla de oro que gano el 9 de agosto de 1936, en 100m. pero también en 200m. longitud y 4x400 m., ante la humillacion de la plana mayor nazi de la tribuna del estadio olímpico de Berlin (podría haber sido Montjuich). Corren con el o le entrenan Jason Sudekis, Jeremy Irons, Carice Van Outen y William Hurt

Cantinflas

Que buen actor, Oscar Jaenada y que plomo de director, Sebastian el Amo, con un material tan sensible, aunque no lo parezca, como el biopic de Cantinflas y como lo hubiera sido el de Keaton o Charlot que le alabo publicamente. El personaje, que tuvo y tiene un peso especifico importante para una parte del mundo, se queda en una mueca  de club de la comedia. El guión se centra en el rodaje de la "La vuelta la mundo en 80 días", ganadora del oscar a la mejor película  y cuatro mas en 1956 y que le abrió a Cantinflas, brevemente, las puertas de Hollywood. Si algo tenia Mario Fortino Alfonso Moreno Reyes, Cantinflas, era conciencia social, critica politica, espíritu interior y una complejidad psicológica de aquí te espero. De acuerdo era difícil captarlo en 106 minutos, pero es que todo intento en el film a pesar de Jaenada, es baldío. El director (El fantástico mundo de Juan Orol, productor mexicano de ínfima calidad)) ha querido hacer su film americano desde Mexico. Y esto todavía es imposible por aquello a veces tan menospreciado que son las señas de identidad y personalidad de una nación, o hemisferio. El guión, relleno de flash backs, no logra captar la atención, como en la realidad, hasta el sexto film del protagonista y algunos cortos," Ahí esta el detalle", donde ya los pantalones sin tirantes del charlatán se caían constantemente, hasta sus 48 películas. Parodiando la verborrea del Gran Cantinflas diría. El cine es el cuerno de la abundancia, pues el director se ha llevado la abundancia y ha dejado el cuerno. Y con el a Michael Imperioli, Ilse Salas, Barbara Mori, Luis gerardo Mendez, Ximana Gonzalez Rubio yAna Layevska. También dijo, como dijo un poeta que nunca dijo nada, o empezamos como empezamos o como caballeros. Realmente tenias que tener el diccionario al lado para entenderlo.

Redencion Los casos del departamento Q

Después de Misericordia y Profanación, llega a nuestras pantallas Redención (Los casos del Departamento Q), tercera entrega de la exitosa saga policíaca danesa que adapta la serie de novelas superventas de Jussi Adler-Olsen. En este caso, Hans Petter Moland (Uno tras otro) recoge el testigo dejado por Mikkel Norgaard y dirige esta cinta que continúa la historia de sus dos personajes protagonistas que, tras el traumático desenlace de la cinta anterior, intentarán liberarse de sus demonios con el caso más importante y complicado hasta la fecha. A través de diferentes tramas paralelas a la investigación principal, Moland estructura un aseado thriller que regala al espectador altas dosis de intriga. Nkolaj Lie Kaas (El niño 44) y Fares Fares (El invitado) vuelven por tercera vez a interpretar a los torturados detectives y protagonistas de Redención (Los casos del Departamento Q). Les acompañan Johanne Louise Schmidt (que repite en la saga tras Profanación), Jakob Oftebro (Cuando despierta la bestia) y Pal Sverre Hagen (Kon-Tiki), éste último como el peor villano al que jamás se han enfrentado estos investigadores, envueltos en una profunda crisis existencial.Olvidado en una recóndita comisaría de Escocia se encuentra un misterioso mensaje, un papel dentro de una botella cuya primera palabra, escrita en danés y con sangre, dice "socorro". La misiva llegará a manos del detective Carl Morck y el Departamento Q de Copenhague, que se encarga de casos especiales. Descubrirán que pertenecía a dos hermanos secuestrados, pero deberán averiguar, con todas las pruebas prácticamente desaparecidas, por qué nunca se denunció su desaparición y si siguen con vida. 

Madrid above the moon

Un fotógrafo entrado en la treintena se encuentra en paro. Un día le proponen cuidar de una casa y él, muy avispado, decide usarla para conseguir ligues con mujeres extranjeras mientras utiliza su profesión como tapadera. Así conoce a Susan, una hermosa joven de la que no se siente atraído al principio pero que poco a poco irá calando en su corazón. Sin embargo, las cosas se complicarán de tal manera para estos nuevos enamorados que tendrán que poner a prueba sus sentimientos. El realizador Miguel Santamaneses (La fuente amarilla) escribe, dirige y produce este film low cost financiado a través de una campaña de crowdfunding. Para dar vida a esta historia, Santamaneses dirigió un rodaje que avanzaba a medida que lo hacía la redacción del guión (también firmado por él), y que adaptaba el casting y las localizaciones (la principal, su propia casa) en función de la trama. Después de un proceso que se ha alargado más de un año y medio con un presupuesto de sólo 15.000 euros, esta cinta nos trae una comedia romántica auto consciente de su naturaleza fílmica. Víctor Vidal (Vampyres) consigue su primer papel protagonista en la gran pantalla e interpreta a Ernesto en esta experiencia cinematográfica nada convencional. Helena Sanchís debuta en la gran pantalla y lo hace como el otro elemento protagónico de la cinta, encarnando a Susan, el principal interés romántico de Ernesto. Santamaneses ha utilizado a pocas personas tanto para la producción como en la interpretación que acentúan el carácter personal e independiente de un film atípico en sus formas, pero con un gran trasfondo sentimental.

fan

Fan es una Indian película de suspens de 2016 dirigida por Maneesh Sharma y con Shah Rukh Khan en el papel principal.Está producida por Aditya Chopra bajo la bandera de Yash Raj Films , y cuenta la historia de un fan obsesivo de una estrella. La banda sonora y partitura original están compuestos por Vishal-Shekhar y Andrea Guerra , respectivamente.En la película estrenada el 15 de abril de 2016.Gaurav, un joven de 20 años, es el mayor fan de la estrella del cine indio Aryan Khanna; incluso ganó el premio al mejor doble del actor de esta Lookalike. Gaurav decide ir a conocer a su ídolo y entregarle el trofeo en su cumpleaños. Después de mil y un obstáculos, Gaurav logra su propósito. Él se enfrenta cara a su ídolo, su mundo, su Dios, como él le llama. Pero las cosas no salen según lo planeado. 

el incnedio

Juan Schnitman (Buenos Aires, 1980) estudió dirección de cine en la Universidad del cine (FUC). Después de graduarse coescribe y codirige Amor (Primera parte) con Santiago Mitre, Alejandro Fadel y Martín Mauregui en 2005. Después también coescribe y codirigeGrande para la ciudad en 2007. El incendio, que ya se ha proyectado en Berlín, Bafici y Málaga, supone su debut en la ficción en solitario. El estreno en Berlín fue apabullante. Las salas son muy grandes. La gente está muy interesada. La película es muy áspera, muy ardua. Siento que hay una suerte de identificación en todos los puntos.

 La idea era hacer una película de las últimas veinticuatro horas de una pareja. Hay en esta idea otra idea de subgénero tipo “un día de furia”, como explorar el pequeño fracaso del día. Esta película, de alguna manera, se adscribe a este subgénero, todo ocurre en un solo día, y cuando todo sale mal, los problemas que estaban debajo de la alfombra ponen en duda a la pareja. Pero sí que hay historias nuestras o de amigos que hemos consultado para adaptar a estos personajes, pero no hay nada puntual que yo haya utilizado en esta historia en particular. Afortunadamente, si existe no lo conozco, con este nivel de violencia entre mis amigos, creo que no ocurre.

Trabajamos mucho juntos con Agustina. Escribimos varias versiones. Muchas de las ideas de las escenas son de ella. Muchos actores participaron en ello. Como en la escena con su hermano. El guion fue bastante permeable.

La verdad es que todos los elementos que están en la película son el fruto acertado o erróneo del pensamiento y la reflexión de Agustina. De un trabajo muy largo que hicimos con Agustina. Tratamos de contar dos cosas al mismo tiempo con cada una de las escenas. En este sentido, te diría que sí, que las cosas que mencionas son cosas que nosotros pensamos, que analizamos y que tratamos de dosificar con algún grado de conciencia a lo largo de la película, con una mayor o menor efectividad a la hora de plasmarlo en la película.

Hay algunas cosas de los personajes, en general, y del personaje de Marcelo, en particular, que sí que venían de ideas iniciales. Como idea general teníamos personajes con dificultades para comunicarse y hablar de sus problemas. La comunicación es el gran problema de la película y de las parejas, en general. En Marcelo se hace mucho más patente, porque cuando deja de poder comunicarse surge la violencia y está a flor de piel. En ese sentido, el personaje de Lucía es un poco más artero, porque de alguna manera, ella está buscando esa violencia de él, mientras le teme, pero a la vez trata de abstraerla de alguna forma con su actitud.

Hay un comentario que nos han hecho a la hora de construir el guion y a la hora de filmar. En la primera parte hay una identificación más clara con ella y él es un personaje más amenazante y físicamente muy peligroso. En la segunda mitad, eso va mutando bastante y te das cuenta que él tiene unos problemas bastante grandes con este tema y es consciente de ello. Querría solucionarlos, pero no lo logra y, a la vez, está muy enamorado de ella, cosa que ella no parece corresponder. Ella parece estar más afuera de la relación y ser mucho más fría, y a la vez mucho más manipuladora. En la segunda mitad, se invierten esos papeles y la identificación pasa un poco más hacia el lado de Marcelo.

Julieta

40 años después, vuelve Pedro Almodovar a dar un nombre propio a su película. Pepi, Lucy y Boom , quedan en el 78, como inicio de un tipo hispano de nueva ola, Con estos cine autores, como Allen, pasan algunas cosas comunes. Todo el mundo quiere trabajar con ellos. Hasta se transforman unos en otros para demostrar su versatilidad con efectos especiales. Adriana Ugarte (Julieta joven) es Emma Suarez(Julieta mayor), pero esta podría ser Imma Cuesta y Daniel Gao,  Dario Grandinetti, Michelle Jemmer o la mismisima Rossy de Palma presentando Gaudis. Siendo la mayoría adolescentes, habla Almodovar de la dificultad de saber todo sobre su madre, de porque salen los pescadores en plena tempestad, porque a los artistas les gusta el mar, todo captado por una extraña luz de Claude Larrieu, que unos interiores de tren o de automovil, indefinibles, coloreados nos remiten a una mas que incierta ciencia ficción. Dueño de los abrazos partidos, parte de tres relatos de la nobel Alice Munro, por ello son tan acertados los relatos femeninos, a los que describe desde los gases y detritus estomacales para con esta materia embellecer el corazón de la mujer. La crisis de la industria ha reprimido las veleidades del artista, quedando limitada su extrovertida y aparatosa estética a sus coloristas decorados, haciéndole  por otra parte un favor, abrazando esta otra escueta y ascética imagen del ciervo en la nieve. Una breve referencia al cine de mujeres de los 40 y decir que es un melodrama correcto, sin necesidad de convertir este blog en un Cahiers de Cinema por el solo hecho de ser Almodovar. Por una vez un Almodovar medido, sin risas ni concesiones a la elección de sexo, un ejercicio de buen cine maduro. Por un momento, solo he encontrado a faltar la figura de Chus Lampreave, barriendo el ascensor o saliendo de la  cocina anunciando que el pollo ya esta.

una cineclubista jurat a friburg

AIDA ANTONINO ENS EXPLICA EL SEU PAS PEL FESTIVAL DE FRIBOURG

Diumenge 10 Abril 2016

Quan l’aprenentatge del cinema es converteix en experiència vital.

El dia de Reis vaig rebre el missatge de Julio Lamaña comunicant-me que havia estat seleccionada per formar part del Jurat de la Federació Internacional de Cineclubs en la 30 edició del Festival Internacional de Cinema de Friburg, FIFF. Temps enrere el meu germà i jo érem la mainada a casa i per a nosaltres el dia de Reis era infinitament màgic. El temps passa, ens fem grans i aquest dia acaba sent un més amb la família, però Julio amb el seu missatge em va fer reviure l’emoció i l’alegria que experimentava de petita. 

El Festival Internacional de Cinema de Friburg ve celebrant-se per trenta anys en aquesta petita localitat a l’Oest de Suïssa, a una hora de Ginebra en direcció a Berna. El riu Sarine travessa aquesta acollidora i tranquil·la ciutat de cases baixes i cuidat casc antic: la catedral de Sant Nicolàs d’estil gòtic i l’abadia de Maigrauge. No obstant el fet de tenir una universitat pròpia i una estació de tren a ple rendiment fan de Friburg una ciutat molt dinàmic i oberta a culturalment.

En tot moment m’he sentit afortunada d’haver sortit escollida i recolzada per Julio i Olga en nom de la Federació Catalana de Cineclubs, FCCC. A més vaig contar amb l’experiència i consell del company Juan Manuel García Ferrer que em va posar en antecedents del que seria el FIFF.

He de reconèixer que més enllà de la informació prèvia que vaig poder consultar al web del Festival així com de la sensació personal de Juan Manuel, vaig voler deixar-me portar i fascinar pel que aniria coneixent. Amb els anys he après que no és bo crear-se moltes expectatives sobre un esdeveniment, el que haja de ser serà.

Així és com el divendres 10 de març vaig arribar a l’estació de Friburg. Les primeres companyes que vaig conèixer van ser Nirmala Shrestha Gonjagu, realitzadora i representant de la Federació de Cineclubs de Nepal i per això membre del jurat FICC. Eithne O’Neill col·laboradora de la revista Positif, revista mensual de cinema i Djia Mambou periodista i crític cinematogràfic a Africulture, totes dues jurat FIPRESCI. I Majda Zimmerman, productora de Aquí no ha pasado nada (Alejandro Fernández Almendra, Xile, 2016) presidenta del Jurat de la Secció Oficial de Llargmetratges. Després vindrien Bernadette Meier responsable de QTOPIA, cineclub a Uster a Suïssa i Irena Genhart, crític cinematogràfic també de Suïssa.

Una de les qualitats per les que destaca el FIFF és pel tracte familiar i proper entre tots els i les assistents i treballadors. Membres del jurat, realitzadors, espectadors, personal del Festival... ens trobàvem diàriament a l’Ancienne Gare a les hores de menjar i als cinemes Rex o Arena pel que l’intercanvi d’idees i experiències va ser en tot moment molt fluid. Destaca la calidesa i professionalitat de Catalina i Jeanne les dues noies encarregades d’ajudar-nos en el dia a dia

La 30 edició del FIFF es va pensar com l’edició consagrada al cinema de dones. Realitzat, produït, protagonitzat... per dones, artífexs de 75 dels 127 filmes que es projectaren, i és que els seus responsables Thierry Jobin, director artístic i Giovanna Garghentini Python, directora administrativa, són conscients de la necessitat per seguir parlant de dones en el cinema perquè tot i semblar que hem aconseguit més protagonisme que anys enrere, no podem parlar d’igualtat en aquest àmbit ni en la resta de facetes socials i polítiques.

La gal·la d’inauguració va tenir lloc al Teatre Equilibre de Friburg amb la projecció dels curtmetratges d’Alice Guy La Fée aux choux (1896) i Les Résultats du feminisme (1906) i The Kid (Charles Chaplin, 1921) amb l’acompanyament de l’Orquestra de Cambra de la ciutat. Aquest film va ser un dels escollits per l’actriu Geraldine Chaplin que actuava, de manera online, com a madrina del festival en la seua carta blanca. Amb l’elecció de Chaplin s’assentava així el propòsit principal dels directors del FIFF de consagrar la trentena edició a la representació de la condició femenina en el cinema.

Com a membres del Jurat del premi Quixot, la meva obligació consistia en veure els tretze llargmetratges que competien per aconseguir el premi Regard d’Or. En el temps restant podíem acudir a la projecció de qualsevol film de les seccions paral·leles. Tot i que intentaré ser el més objectiva possible a l’hora d’informar-vos disculpeu que finalment remarque algun film sobre d’altres.

La Secció Oficial de Llargmetratges es composava de:

- Alias Maria, José Luis Rugeles (Colòmbia, Argentina, França, 2015).
- The Black Hein de Min Bahadur Bham ( Nepal, Suïssa, Alemanya, França, 2015).
- Blanka de Kohl Hassel ( Itàlia, Filipines, Japó, 2015).
- Hair de Mahoud Ghaffari ( Iran, 2016).
- La luz incidente de Ariel Rotter ( Argentina, França Uruguai, 2015).
- Madonna de Shin Su-won ( Corea del Sud, 2015).
- Un monstruo de cien cabezas de Rodrigo Plá (Mèxic, 2015).
- Mountain de Yaelle Kayam ( Israel, Dinamarca, 2015).
- Roundabout in My Head de Hassen Farhani (Algèria, Líban, Qatar, França, Països Baixos, 2015).
- Semana Santa de Alejandra Márquez Abella ( Mèxic, 2016).
- Siti de Eddie Cahyono (Indonèsia, 2014).
- Song of Songs de Eva Neymann ( Ucraïna, 2015).
- Yo de Matías Meyer (Mèxic, Suïssa, Canadà 2015).

I com sempre una part molt interessant, a la vegada que atractiva, són les Seccions Paral·leles, enteses com un exercici que intenta descobrir a vegades, altres reivindicar i /o rescatar treballs en que les dones han estat les grans artífexs. És el cas de la Secció Cinema de genre: Plus féroces que les males (Cinema de gènere: més feroces que els homes) on van tenir cita filmes que mostren la diversitat de lluites a que les dones hem hagut de fer front així com el ventall de feminismes que protagonitzem, en paraules de Jean-Philippe Bernard responsable de la secció. Els únics treballs espanyols presents al Festival es troben en aquesta secció són: Boxing for Freedom (Silvia Venegas i Juan Antonio Moreno Amador, 2015), Tiempo sin aire (Samuel Martin Mateos i Andrés Luque, 2015) i Lobos Sucios (Simón Casal de Miguel, 2015). També He Named Me Malala (Davis Guggenheim,EUA, 2015) i Obama Mama (Vivian Norris, França, Polònia, Suïssa, Regne Unit, 2014).

Una altra Secció Paral·lela és Décryptage: Et la femme créa le cinema (Descripció: i la dona va crear el cinema) que en un intent per donar resposta a les preguntes sobre quin és el millor film realitzat per dones i quin el personatge femení de la Història del cinema, es projectaren pel·lícules d’Agnés Vardá (Sans Toit ni Loi, França, 1985 i Les Plages d’Angès, França 2008, entre d’altres) i de Jane Campion (An Angel at My Table, Nova Zelanda, Austràlia, Regne Unit, 1990). D’altres protagonitzades per actrius com Anna Magnani (Roma Città Aperta, Roberto Rossellini, Itàlia, 1945) o Gena Rowlands (A Woman Under The Influence, John Cassavettes, EUA, 1974) o es feia tribut al carismàtic personatge de Vivien Leight d’Scarlett O’Hara en Gone with the Wind (Víctor Fleming, 1939).

En la secció de clàssics el FIFF ha rendit homenatge a la injustament oblidada Ida Lupino (Hommage à… Ida Lupino, par Pierre Rissient) amb un gran nombre de films que va protagonitzar a la dècada dels quaranta i cinquanta com The Man I Love (Raoul Walsh, 1947) o While the City Sleeps (Fritz Lang, 1956) i que va dirigir Outrage (1950), The Hitch-Hiker (1953) o The Bigamist ( 1953).

A la secció Diapora: Mira Nair et l’Indie, la carta blanca es escrita per Mira Nair que escull tres de les obres mestres del cinema indià a més de dues obres pròpies The Reclutant Fundamentalist (Qatar, EUA, Regne Unit, 2012) i Salaam Bombay! (India, Regne Unit i França, 1988).

I Nouveau territorie: Etre réalisatrice en Afrique, secció dedica a fer una retrospectiva a la cinematografia del continent veí des dels 1970 fins 2010.

Una secció molt interessant és la dedicada als treballs dels membres del jurat internacional (Films du Jury International) i que ens donà l’oportunitat de conèixer de primera mà en quin àmbit es mouen i quins són els interessos d’aquestes professionals. Flapping in the Middle of Nowhere de la vietnamita Diep Hoang Nguyen (2014, premi Eucumènic a la 29 edició del FIFF), Aquí no ha pasado nada, produïda per Majda Zimmermann (Much Ado About Nothing, Alejandro Fernández Almendras, Chile, 2016) o The Summer of Sangaile dirigida per la companya Alanté Kavaïté (Lituània, França, Paisos Baixos, 2015).

I finalment la Secció Projecció de mitjanit (Scéances de minuit) més propera al públic habitual dels cinemes Arena per l’horari (22h) i per estar composada d’un conjunt de pel·lícules menys denses –per dir-ho d’alguna manera- que seguint amb la línia general del festival permetien baixar el nivell de concentració requerit en l’anàlisi de les pel·lícules a concurs. Films com Into the Forest (Patricia Rozema, Canadà, 2015), Janis Little Girl Blue (Amy Berg, EUA, 2015) i Knock Knock ( Eli Roth, EUA, 2015).

Pel que fa a la tasca com a membre del Jurat del premie Quixot de la Federació Internacional de Cineclubs, no tinc més que paraules d’agraïment a la FICC així com a les companyes amb qui vaig compartir la tasca. El bon enteniment entre totes tres ha sigut la qualitat a destacar els dies de treball conjunt. Tot i que Bernadette es va incorporar uns dies més tard, a la primera reunió de treball vam acordar el criteri per escollir la pel·lícula mereixedora del premi Quixot: la seua viabilitat dins el circuit cineclubista. Òbviament valorant tots els aspectes tècnics intrínsecs a l’obra així com la dimensió social i de debat que aquesta tindria en ser projectada a una de les nostres sales.

Recorde amb especial estima el dia de la deliberació. Va ser el matí anterior a la clausura del festival. Amb totes les formalitats i comoditats derivades de la nostra condició com a jurat –una sala en l’edifici de l’Ancien Gare i material per a l’escriptura- vam començar la nostra reflexió. Tenint en compte el criteri descrit, un a un vam anar analitzant la validesa de cada un dels films per distribuir-los en tres columnes -descartat, possible candidat i candidat al premi-. La mateixa tasca havia fet jo prèviament a nivell personal.

Al finalitzar la primera ronda teníem una selecció de 4 films, dels quals 2 descartàrem de seguida per no considerar-los tècnicament tant acurats com la resta. Així que el nostre dilema es debatia entre dues pel·lícules pel que decidirem analitzar els factors en contra.

La primera d’elles és Hair, de Mahoud Gaffari, la història de tres joves iranianes sordmudes que es dediquen professionalment al karate. Motivades per assistir als campionats del món en Alemanya es troben amb el rigorós protocol d’ús del hijab en Teheran en xoc amb les directrius europees.

De la manera en que està concebuda vam trobar un element que adquiria connotacions masclistes, i és que no hi havia subtítols per a que l’espectador entengués els diàlegs en llenguatge de símbols que mantenien les tres joves protagonistes. La qual cosa vam interpretar com una falta d’empatia del director cap a la problemàtica descrita deixant entreveure la seua mirada masculina cap a una situació d’abús en que conflueixen mirades de gènere, política i religió.

I la segona Mountain, de Yaelle Kayam, és la història de Tzivia, una jove jueva-ortodoxa, que viu a una casa als peus del cementeri del Monte de los Olivos. Dedicada a la cura dels seus fills i la llar desenvolupa un sentiment de frustració que l’empenta a prendre una decisió transcendental per a la seua vida.

L’únic punt de conflicte podia trobar-se en el desenllaç de la mateix pel·lícula, però de seguida ens adonarem que no podia convertir-se en un obstacle per al públic cineclubista donat a tot tipus de narratives i llenguatges audiovisuals.

Així que vam decidir atorgar el premi Quixot de la FICC a Mountain de Yaelle Kayam per la dimensió universal que adquireix la interpretació de la parella protagonista. Pel simbolisme derivat del context i el mode en que el personatge protagonista, una dona jueva ortodoxa, confronta dit marc espacial-temporal.

L’encert de la nostra elecció es va confirmar amb l’entrega del gran premi Regard d’Or a aquesta pel·lícula. Yo Menció Especial del Jurat. I Semana Santa premi especial del Jurat. Blanka, premi del públic. Alias Maria, Premi Jurat Ecumènic, Song of Songs, premi FIPRESCI, Hair, premi Jurat Jove. Iceberg, Premi millor curtmetratge i Mr. Alfredo, Premi Xarxa Cinema Suís.

No voldria acabar aquestes línies sense explicar breument un debat que va nàixer com a personal però que es vaig compartir amb la resta de companyes dels diferents jurats.

Durant una setmana hem acudit a la projecció de 12 pel·lícules –deixant fora Roundabout in my head, a més de les que hem pogut veure a les Seccions paral·leles- on per regla general l’arquetip femení ha sigut una dona que sofria una situació d’abús -físic i/o psicològic- per part del sistema patriarcal en que vivia.

Des d’Argentina, Mèxic i Colòmbia a Corea del Sud i Japó, passant per Ucraïna, Iran, Israel, Nepal o Indonèsia els realitzadors i realitzadores presentaven films de dones víctimes: menyspreades, perseguides, abusades, violades i/o assassinades pels personatges masculins del seu entorn. Víctimes directes que en alguns casos esdevenien receptores passives de la ira o incompetència del seu entorn polític i religiós, i d’altres en la mesura de les seues possibilitats s’alçaven per intentar fer escoltar la seua veu, sense repercussió suficient. Mapa de la situació de no igualtat que en ple 2016 sofrim les dones arreu del món.

Amb aquest conjunt de films el FIFF es suma a la denuncia que els diferents moviments i plataformes en pro de la igualtat de sexes venim demanant històricament. Ara bé, tot fet en la vida té una doble lectura, i la segona dimensió que adquireix aquesta selecció de films comporta una reflexió sobre què significa contribuir a la lluita per un estat igualitari avui en dia.

Sense anar molt lluny, només m’agradaria llançar una sèrie d’idees com a testimonis ètics en que les meues companyes i jo s’hem convertit en aquesta 30 edició del FIFF. Com a espectadora, colpejada pel trauma de veure tres pel·lícules diàries en que els personatges femenins eren brutalment assetjats i ultratjats pels homes, rebutge categòricament la visió que es dóna d’uns arquetips extrems de víctima i maltractador. Començant pel simple fet que jo com a dona no m’he pogut sentir identificada en cap dels personatges femenins dels films participants.

L’impacte social i polític que assoleix la plataforma d’un Festival de cinema de llarga trajectòria i prestigi com és aquest de Friburg requereix d’una consciència i compromís previ amb, aquest cas, la imatge de la dona que es vol recolzar. En cap moment fique en dubte les bones intencions del comitè seleccionador dels films a competició, no obstant analitzant la recepció espectatorial del resultat final lluny de reparar el fet de vulnerabilització de la figura femenina, el FIFF com a artefacte cultural falla aconseguint tot el contrari. No s’ha aconseguit crear un nou marc reflexiu sobre la problemàtica de desigualtat de gèneres. I és que bona mostra va ser la presentació del film de clausura Parched de Leena Yadav (India, 2015) com una comèdia. Una història de tres dones: una d’elles maltractada físicament pel seu marit, l’altra violada de manera múltiple en el seu lloc de treball i la tercera ningunejada i abusada econòmicament pel seu fill.

És molt difícil definir que és i com es du a terme el compromís polític d’un individu o d’una institució cultural, en aquest cas, en vers a la problemàtica de la desigualtat de gèneres. El que és clar és que no és suficient mostrar-ho en l’àgora pública sinó s’acompanya de fets i accions. En aquest cas haver obert el ventall de possibilitats en quant a mostrar arquetips femenins més variats, lluny de la dicotomia: dona-mare, dona-esposa. Ser dona és molt més.

Per tot açò considere el meu pas pel Festival Internacional de Cinema de Friburg un aprenentatge cinèfil-cinematogràfic que es converteix en experiència vital. I anime a tots aquells cineclubistes que tingueu l’oportunitat a llançar-se a l’aventura de conèixer nous països, noves cultures i noves experiències cinematogràfiques. La Federació Internacional de Cineclubs i la Federació Catalana de Cineclubs ens donen l’oportunitat, de vegades pequem de modèstia, dubtem de les nostres capacitats per desenvolupar-nos en un àmbit desconegut on creguem que només van els especialistes, els grans realitzadors, els grans crítics de cinema... I ens equivoquem, al FIFF és igual d’important l’opinió del seu director, com la del realitzador o protagonista d’un film, del treballador del certamen, de la crític experimentada com la nostra.

Gràcies a la FICC i a la FCCC per fer-ho tant fàcil, per trencar distàncies i per fer-me sentir part d’aquesta gran família de cineclubistes.

Almenara, 10 d’abril de 2016.
Aïda Antonino i Queralt. 

Més, sobre...: aida antonino , fribourg

lobos sucios

Espionaje, Galicia, minas de wolframio, Segunda Guerra Mundial, política, triángulo amoroso, nazismo y aun elementos fantásticos (lobos, brujas, bosques encnatados), es lo que mezcla Simon Casals (El faro). Un buen material historico que hubiera merecido un poco mas de detalle. El origen de la historia es la explotacion de las minas de volframio gallegas, en los labores de 1944. Con el los alemanes construían sus armas. Un grupo de lugareños se jugaron la vida para evitarlo Cuenta la narración filmica con una paisaje con una fuerza demoledora y en el que encajan con absoluta naturalidad y convicción Marian Alvarez, Mnauel Velles, Pierre Kiwitt, Sam Louwyck, Isak Ferriz, Thomas Coumans o Ricardo Barrero  Otro melodrama rural bélico en tierra de meigas..

LOS PREMIOS PLATINOS

CADA VEZ MÁS CERCA DE LA LECTURA DE LA 'SHORT LIST' DE LA III EDICIÓN
Edward James Olmos, Eduardo Noriega, Manny Pérez, Inma Cuesta, Mercedes
Morán y Marlon Moreno, entre otros, participarán en el anuncio de las 20 candidaturas

Este próximo jueves 14 de abril en República Dominicana, se presentarán las
veinte candidaturas de todas las categorías de la tercera edición de los
PREMIOS PLATINO DEL CINE IBEROAMERICANO <http://www.premiosplatino.com/> .
En el acto, que será conducido por el periodista, Juan Carlos Arciniegas, se anunciará
(que se celebrará el 24 de julio en Punta del Este, UruguAY, se desvelaráN
los presentadores de la misma y la composición del Jurado Internacional.

Los Platino son los primeros premios cinematográficos que engloban a toda la
industria audiovisual iberoamericana: 23 países unidos en un proyecto común.
Nacieron en 2014 con la intención de ser en uno de los más
importantes instrumentos de fomento y apoyo del cine iberoamericano.
La primera edición de los Premios Platino se celebró el 5 de abril de 2014
en Ciudad de Panamá y la segunda el 18 de julio en Marbella, España.