Bella durmiente

Ado Arrieta vuelve a contarnos el cuento con las variantes de buen humor,,un poco de aventuras, una pizca de pimienta y un calenton romántico para que haya de todo. Los pajaros pueden morir en el cielo y quedarse ahi, el cuento de al aldo recorre miles de kilómetros para besar a la princesa y tu crees que puedes hacer lo mismo pero con un coche eléctrico sin batería y afortunadamente, los actores ha entendido el juego de Arrieta. Estamos en una Letonia especializada en cuentos, conquistada ya por Asterix y cuyas hadas encantadoras, que lo son y pueden encantarte, ya utilizan mobil desde1900. El príncipe Egon,loco por tocar la bateria se dirige a todo gas al reino de Kentz para reescribir la independencia de esta apartado lugar del mundo que no conoce turismo. Compite con Disney en la humanizacion y encarnizamiento (hacer dibujos de carne y hueso) con un resultado sorpendente.. Egon está convencido de que debe ser él quien la despierte y, a pesar de la oposición del rey, se embarcará en una aventura, con la ayuda de una arqueóloga de la UNESCO, en la que intentará alcanzar su destino. Ado Arrietta (Merlín) vuelve a dirigir un largometraje después de 25 años. Al igual que con su film anterior, reinventa un cuento clásico, en esta ocasión el de la Bella durmiente, para lo que se inspira en la versión del relato de C. S. Evans que, sin embargo, ambienta en la época actual. De este modo, compone un film en que el concepto de la distorsión del tiempo juega un papel de gran importancia y en el que sus jóvenes protagonistas sienten como los adolescentes de hoy en día. Con el amor como tema principal, Arrietta establece numerosos triángulos amorosos, si bien estos son tratados de manera más sutil y menos erotizada que en sus anteriores películas. Al frente del reparto encontramos a Niels Schneider (Primavera en Normandía) y la debutante Tatiana Verstraeten, enamorados en esta fábula moderna en la que también se encuentran Mathieu Amalric (Grandes familias) y Agathe Bonit.En el recuento salen por lo menos una docena  de versiones que otro día podemos analizar.

Cantabrico

Al norte de la Península Ibérica se levanta una cordillera que recorre en paralelo la costa Cantábrica. En su otra vertiente, cuenta con un ecosistema único, lleno de cañones y bosques de exuberante vegetación. En este entorno único cohabitan todo tipo de criaturas, que comparten el lugar desde tiempos inmemoriales, y donde el oso pardo cantábrico, uno de los animales más formidables del hemisferio norte, es el rey. Precisamente él será el guía en este recorrido por sus impresionantes paisajes. Joaquín Gutiérrez Acha (Guadalquivir) dirige Cantábrico, documental en el que propone al espectador adentrarse en uno de los más importantes (y salvajes) ecosistemas de la Península Ibérica: los valles, bosques y sierras de la cordillera Cantábrica. Dentro de este entorno único, favorecido por la humedad y la temperatura templada que provoca su cercanía al mar y su relativamente baja altura, conviven multitud de especies de lobos, salmones y osos que encuentran aquí su mejor refugio. De este modo, Gutiérrez Acha intenta redescubrir la gran biodiversidad de esta zona y poner en valor su patrimonio a través de espectaculares imágenes rodadas con cámaras y tecnologías de última generación capaces de capturar momentos de la vida animal como nunca antes se había conseguido.

Un hombre llamado Ove

Ove no es uno de esos vecinos encantadores a los que todo el mundo adora, al contrario. Es un hombre cascarrabias que lleva hasta el extremo su pasión por el orden y la disciplina. A sus 60 años, Ove es un resentido solitario al que el destino no ha tratado bien. Sin embargo, una serie de circunstancias fortuitas empezarán a devolverle la fe en el género humano, a la vez que el resto del barrio se dará cuenta de la importancia que tiene Ove en la comunidad. Y es que nada sería igual sin él. El film se rellena con historias de sus vecinos, la forma de decirles la verdad y sus diferentes intentos de suicidio para reunirse con su esposa fallecida. Gran Torino planea sobre el film del sueco Hannes Holm (Los Andersson Road Movie) que vuelve a la cartelera con su película más aplaudida, Un hombre llamado Ove, comedia con medidas dosis de drama que sigue a un anciano y solitario cascarrabias que, poco a poco, se convertirá en un pilar fundamental de su comunidad de vecinos. La cinta llega a nuestras pantallas convertida en uno de los films revelación del año, avalada por el éxito en su país y por ser la película europea más taquillera del año en EE. UU. A ello se suman las excelentes críticas que destacan su carácter divertido, conmovedor y emotivo y las dos nominaciones al Oscar a Mejor maquillaje y peluquería y a Mejor película de habla no inglesa. Al frente del reparto de la película, que adapta la novela homónima de Fredrik Backman, encontramos a Rolf Lassgard (Después de la boda), Bahar Pars (Zon 261) y Filip Berg.

Rara

Pepa San Martin nos aproxima a la xenofobia pero no desde un punto de vista de telediario, mostrando el entorno social y las reacciones sino como una joven adolescente lo vive en su fuero interno. . Excepcional aquí la interpretación de las adolescentes del film. También castiga el guión a una juez por una relación amorosa lesbiana externa y pierde la custodia de su hijas en esta modesta pero sensible historia. .  Sutileza y tacto es el manjar de San Martin. que arriesga mucho en su primer largo. La vida y el cuerpo de Sara no paran de cambiar. Se enfrenta a los problemas habituales de una niña de 13 años, como que le gusten los chicos a la vez que piensa que son estúpidos, tener una relación cercana con su mejor amiga a pesar de no contarle sus secretos, que sus padres separados sean aburridos o que el colegio se haga pesado. A esto se une que la relación que su madre tiene con su nueva novia disgusta a su padre, que quiere pedir su custodia y la de su hermana. Un drama basado libremente en un caso judicial real, en el que entre tribunales y declaraciones surge la discriminación y los prejuicios, cuando un padre, llevado por sus ideales conservadores, decide solicitar la custodia de sus hijas porque éstas viven junto a su madre y la novia de ésta. Sin embargo, San Martín se aleja de reivindicaciones políticas y eslógans para componer una historia tierna y conmovedora sobre la familia moderna, así como el amor, la ingenuidad y la búsqueda de la propia identidad de una niña de 13 años, interpretada por Julia Lübbert (Bareta). Junto a ella, Rara completa su reparto con actores chilenos como Mariana Loyola (Aurora), Daniel Muñoz (Allende en su laberinto) o la debutante Emilia Ossandon.

Redencion

Antoine Fuqua es un director que  necesita un superesfuerzo de los actores porque sus guiones son de aprobado justito, sino mirad sus ultimas obras. Por suerte, aquí el magnifico a redimir solo es uno y no siete. Jake Gyllenhaal debe borrar toda al culpa de haber sido boxeador, cuidando de una hija que ese encuentra por ahi. Un crotchet a la mandíbula, termina con una sarta de inexactitudes pugilisticas que marea y  tirarías el pañuelo la toalla o lo que tuvieras a mano para limpiarte lsangre. Naturalmente sin pensar en el VHI. Todas las películas de boxeo o lucha encarnizada, deberían llamarse buscando a Rocky, siempre presente en el cuadrilátero y no como Charlot precisamente. A la salida te ponen un titulo mundial de fajador veterano.. Los 124 minutos dan para casi 40 asaltos o mas y Jake, hoy nuestro toro salvaje, gana unos cuantos, casi siempre cuando emplea la derecha que para el es la limitada inteligencia, la primitividez y el salvajismo ancestral del hombre superviviente. La historia finalmente pierde a los puntos La redencion que antes se obtenía en las iglesias, ahora son carne de gimnasio y lucha nada libre. Billy Hope lo tiene todo: una exitosa carrera como boxeador, una preciosa mujer de la que está enamorado y una hija adorable. Viven con todo tipo de lujos hasta que la tragedia se ceba con ellos. A partir de ahí, Billy caerá en una espiral autodestructiva que le hará tocar fondo. Sin embargo, intentará volver a levantarse junto a un entrenador de un gimnasio local, y se preparará para su pelea más dura, la que tendrá que afrontar para conseguir la redención y recuperar la confianza de los suyos. Ferviente aficionado al boxeo, el director Antoine Fuqua (Los siete magníficos) intenta dar una vuelta de tuerca al género pugilístico y dirige esta película en la que Jake Gyllenhaal (Animales nocturnos) se convierte en un campeón del mundo de los pesos semipesados. A través de esta historia, Fuqua conforma en Redención una oda realista a este deporte (Gyllenhaal no usa dobles durante los combates), así como un complejo e intenso drama tanto personal como familiar. Completan el reparto el ganador del Oscar Forest Whitaker (La llegada), las nominadas a un premio de la Academia Rachel McAdams (Spotlight) y Naomie Harris (Moonlight) y el actor y cantante Curtis "50 Cent" Jackson.

Una historia de locos

Largo panegirico historico y excesivamente didactico para ser pelicula, le ha quedado a Robert Guediguian esta película cuyo eje central es Turquia Armenia. Rodada en Marsella, de raices armenia el director, sumo otro correcto filme a su ya dilatada trayectoria, dando la batuta protagonista otra vez a su mujer, Ariane Ascaride que no vuelve a infundir su facilidad interpretativa, esta vez dudando de que  el precio de la politica sea la muerte de los contrarios, o sea el terrorismo.Una cronica de la realidad dice el director que es capaz de retrasar un atentado, incluso de perdonar. Su cine social parte de las memorias del periodista  Jose Antonio Gurriaran, herido en un atentado, en diciembre de 1980 en Madrid y que narra la huella dejada en las generaciones posteriores a los hechos de Ararat y otros.  Atentados basados en el odio de victimas inocentes es lo que narra la novela La bomba, que empieza con el juicio al terrorista Talat Paisa en 1921, cerebro del genocidio armenio. Ya en color pasamos a los 80 donde vuelve   exponer su vida para conocer a los autores de su paralisis y poder los entender. En el París de 1981 un joven marsellés de origen armenio que explota una bomba en el coche del embajador de Turquía. Un periodista que pasaba en bicicleta por el lugar del atentado, queda gravemente herido. El asesino  huye a Beirut para enrolarse en el Ejército de Liberación de Armenia, su madre visita a Gilles en el hospital para pedirle perdón. Pero Gilles quiere conocer a un Aram que ha perdido la fe en su causa, y al final acabará convirtiéndose en su portavoz. Francés de origen armenio, el veterano Robert Guédiguian (El cumpleaños de Ariane) dirige este drama en el que el eje central es el genocidio armenio y las consecuencias que ha tenido en varias generaciones. Para ello, se inspira en la historia real de José Gurriarán, un joven periodista que quedó gravemente herido después de un atentado en Madrid del Ejército Secreto para la Liberación de Armenia y que, desconocedor de la causa por la que luchaban, se documentó para entenderla y, a la postre, incluso considerarla justa. Este caso es sólo el punto de partida, un film sobre la familia y una cultura desarraigada durante un siglo que aún hoy es testigo de cómo esta terrible matanza es todavía negada por muchos gobiernos. Al frente de este relato sobre la venganza, la justicia y el perdón encontramos a Syrus Shahidi (Reencontrar el amor), Grégoire Leprince-Ringuet (Las nieves del Kilimanjaro), Simon Abkarian (Gett: El divorcio de Viviane Amsalem), Ariane Ascaride (La profesora de historia) y Razane Jammal .

blogos de oro 2107

ejor Actriz en una serie
Aura Garrido por “El ministerio del tiempo”
Evan Rachel Wood por “Westworld”
Lena Headey por “Juego de tronos”
Millie Bobby Brown por “Stranger Things”
Winona Ryder por “Stranger Things”

Mejor Actor en una serie
Benedict Cumberbatch por “Sherlock”
Kevin Spacey por “House of Cards”
Jude Law por “The Young Pope”
Wagner Moura por “Narcos”
Brays Efe por “Paquita Salas”

Mejor Serie española
Águila Roja
Cuéntame cómo pasó
El ministerio del tiempo
Paquita Salas
Vis a vis

Mejor Serie
Juego de tronos
Narcos
Stranger Things
The Young Pope
Westworld

Mejor Banda sonora Taste of America
Cliff Martinez por “The Neon Demon”
Fernando Velázquez por “Un monstruo viene a verme”
Jóhann Jóhannsson por “La llegada”
Justin Hurwitz por “La ciudad de las estrellas (La La Land)”
Varios artistas por “Sing Street”

Mejor Película de animación Cuernavilla
¡Canta!
Buscando a Dory
Kubo y las dos cuerdas mágicas
La tortuga roja
Zootrópolis

Mejor Actor de reparto
Aaron Taylor-Johnson por “Animales nocturnos”
Carlos Santos por “El hombre de las mil caras”
Javier Pereira por “Qué Dios nos perdone”
Jeff Bridges por “Comanchería”
Mahershala Ali por “Moonlight”

Mejor Actriz de reparto
Felicity Jones por “Un monstruo viene a verme”
Jena Malone por “The Neon Demon”
Michelle Williams por “Manchester frente al mar”
Ruth Díaz por “Tarde para la ira”
Viola Davis por “Fences”

Mejor Actor principal
Antonio de la Torre por “Tarde para la ira”
Casey Affleck por “Manchester frente al mar”
Jake Gyllenhaal por “Animales nocturnos”
Roberto Álamo por “Qué Dios nos perdone”
Ryan Gosling por “La ciudad de las estrellas (La La Land)”

Mejor Actriz principal
Amy Adams por “La llegada”
Carmen Machi por “La puerta abierta”
Emma Stone por “La ciudad de las estrellas (La La Land)”
Isabelle Huppert por “Elle”
Natalie Portman por “Jackie”

Mejor Guión
Damien Chazelle por “La ciudad de las estrellas (La La Land)”
David Pulido y Raúl Arévalo por “Tarde para la ira”
Eric Heisserer por “La llegada”
Taylor Sheridan por “Comanchería”
Tom Ford por “Animales nocturnos”

Mejor Película española
Kiki, el amor se hace
La propera pell (La próxima piel)
Qué Dios nos perdone
Tarde para la ira
Un monstruo viene a verme

Mejor Cortometraje Estrella
Leica story
Mañana
Sputnik
You’re Gonna Die Tonight
Zona-84

Mejor Director
Damien Chazelle por “La ciudad de las estrellas (La La Land)”
Denis Villeneuve por “La llegada”
J. A. Bayona por “Un monstruo viene a verme”
Park Chan-wook por “La doncella (The Handmaiden)”
Raúl Arévalo por “Tarde para la ira”

Mejor Baratometraje
Bienvenido Mr. Heston – Mención especial
Julie
Madrid, Above the Moon
La madriguera
Seis y medio

Mejor Película
Animales nocturnos
La ciudad de las estrellas (La La Land)
La doncella (The Handmaiden)
La llegada
Tarde para la ira

la cura del bienstar/A cure for wellness

Baños acuíferos, bellas imagenes de vapor, una trama enrevesada como la carretera de llegada al balneario suizo y casi tres horas de arquitectura casi gótica también. Sobrada de metraje y de imagen es absurdas e inútiles, si hunieran metido en el pack un poco mas de Alpes. Para respirar mejor mas que nada. Un prometedor broker de Wall Street es enviado por su empresa a un balneario en los Alpes suizos. Allí tiene la misión de encontrar a Pembroke, su jefe y paciente del exclusivo spa, y traerlo de vuelta a pesar de sus negativas. Cuando llegue al idílico lugar, y empiece a indagar en los secretos que esconde, le será diagnosticada la misma enfermedad que al resto de pacientes, quedando recluido como todos ellos para iniciar su tratamiento con una supuesta cura milagrosa. 14 años después de aterrar a millones de espectadores con el remake de The Ring, el oscarizado Gore Verbinski (El llanero solitario) vuelve al género de terror con La cura del bienestar, escalofriante thriller psicológico en el que un aparentemente paradisíaco balneario se convertirá en una pesadilla para un joven agente de bolsa interpretado por Dane DeHaan (Life). Con un potente estilo visual y una atmósfera insana, el realizador reflexiona sobre los males de la sociedad actual, como la codicia y el ansia de poder, y cómo la búsqueda del éxito y la obsesión, casi hipocondríaca, por una salud perfecta se convierten en una cura tan rápida como transitoria e inadecuada. Junto a DeHaan, completan el reparto principal Mia Goth (Everest), Jason Isaacs (Infiltrado), Harry Groener (El Instituto Atticus) y Celia Imrie.

El bar

Un bar escandaloso como el propio director.Un film que tiene fibra, músculo, si se entretiene con algunos de los interesantes a priori personajes, seduce en el propio caos de la  personalidad de la dirección desaforada.  Los diálogos, las secuencias en este bar son como los vasos y las copas no se rompen por accidente sino por una despreocupación manifiesta por un bar casi normal. Después el guión cambia literalmente y se va al sotano. Allá pierde totalmente el poco humor que quedaba, y también el poco interés  del espectador que había empatizado con los protagonistas. Allá en la oscuridad todo sera supervivencia rara. Una discusion sobre los pajaros seria el hilo conductor del film si lo buscamos. De la Iglesia ha querido reducir grandes bancos o las corporaciones a un espacio reducido podria haber sido un estanco o un kiosco, pero ha preferido un lugar donde la caña y las aceitunas tambien  fueran protagonistas. Unos comestibles en otras ocasiones para el reposo el dialogo y la paz y que aqui solo sirven para acelerar el miedo antiterrorista y  la poca capacidad de aguante o valor que tienen algunos. En su 13a película, De la Iglesia juega con 12  personajes mas o menos a los que somete a tensiones sea cual sea su condicion. El que aguanta, bien, y el que no se tendra que comer mezclado, chocolate con churros y tortilla de patatas.. Teatro absurdo y esperpentico, que da entender que el guionista habitual Jorge Guerricaechevarria solo pudo llegar a la mitad del rodaje. Como cada día, un bar del centro de Madrid abre sus puertas. Son las 9 de la mañana y el establecimiento se llena de personas de lo más variopinto. Una de ellas sale con prisa, pero al pisar la calle recibe un certero disparo en la cabeza. Ninguno del resto de clientes se atreve a socorrerle ni a huir. Atrapados en El bar, empezarán a confesar sus pecados. Mientras la tensión y el miedo les hace revelar su verdadera personalidad, empezará a surgir una pregunta: ¿y si el asesino es uno de ellos? Álex de la Iglesia (Mi gran noche) vuelve com un thriller coral en el que reúne a algunos de sus actores fetiche, como Mario Casas (Contratiempo) o Terele Pávez (Incierta gloria) en una tasca que se convertirá en su prisión cuando la mira de un peligroso francotirador apunte directamente a la cabeza de cualquiera que sale del establecimiento. Con este punto de partida, el realizador construye la tensión, que va in crescendo a medida que avanza la película, a través de sus personajes que, presos del miedo, sacarán a relucir sus instintos más violentos y primarios. En la cinta también encontramos las señas de identidad del director bilbaíno, como el humor negro y las situaciones absurdas y grotescas que contribuyen a aumentar el caos en pantalla. Completan el elenco de clientes, Carmen Machi o Secun de la Rosa, Jaime Ordóñez, Alejandro Awada, Joaquín Climent, Jordi Aguilar, Diego Braguinsky,Mamen García.

unclee howard

Howard Brookner murió de sida en 1989 con sólo 35 años. Homosexual, consumidor de heroína, bohemio, y uno de los directores más prometedores de Hollywood, despareció cuando su carrera estaba a punto de dar el gran salto al estrellato. 23 años después, su sobrino Aaron Brookner recupera del refugio del novelista William S. Burroughs el legado de su tío, que en este documental muestra al mundo para que uno de los grandes retratistas de la revolución cultural de los 70 y 80 no caiga en el olvido. Tan sólo siete años tenía Aaron Brookner (The Silver Goat) cuando su tío, el malogrado Howard Brookner (Noches de Broadway) murió víctima del sida. Convertido en un autor de culto por su habilidad para plasmar en la gran pantalla la revolución cultural de los 70, la obra de Brookner ha caído prácticamente en el olvido en nuestros días. Para hacer justicia con su tío, el realizador rescata más de dos décadas después de su muerte cientos de horas de material inédito y en Uncle Howard las muestra para que el espectador pueda componer un retrato tanto profesional como personal de la turbulenta y misteriosa vida del cineasta. A su vez, los testimonios de familiares y amigos del artista, entre ellos Jim Jarmusch (Paterson), Tom DiCillo (Vivir rodando) o Sara Driver (Sleepwalk), ayudan a rememorar los años de efervescencia de Howard Brookner en una Nueva York de movimientos políticos, sexo y drogas marcada por el estallido de la plaga del sida.

locas de alegria

Lo peor de una cosa sensiblera es que no conmueva Si el entorno es un maremagnum social, peor. Y a Valeria Bruni la hermanissima es lo que le pasa en el film. Añade a su discurso que los enfermos mentales son los representantes mas libres de la humanidad, porque no tienen moral conocida y su unico refugio es su hogar familiar. Una bellisima Beatrice se mueve a sus anchas en su burguesia de elite. Su fisico es el que supera la vacilante road movie improvisada que realiza con su  amiga en una reedicion de Thelma i Louise.Todo el mundo de la psiquiatria puesto en tela de juicio en un centro en el que la hija del director tambien llega a ser digams alegre. Paolo Virzi, que sigue navegando bajo bandera de cine italiano neoclasico,encara, con histrionisno pero con la alegria del titulo la alegria y la renovacion de dicho clixe historico del cine italo. Bruni Tedeschi tiene el poder.Una condesa charlatana y millonaria que está convencida de formar parte de los círculos íntimos de los grandes líderes mundiales. Por su parte, Donatella es una joven tatuada, vulnerable e introvertida envuelta en su propio halo de misterio. Ambas son pacientes de una peculiar institución psiquiátrica, de la que escaparán para vivir una gran aventura. Su atípica amistad sacará a relucir ese otro manicomio, el de las personas aparentemente cuerdas que viven más allá de los muros. Después de El capital humano, Paolo Virzi cambia completamente de género y dirige una alocada comedia protagonizada por dos pacientes de una institución psiquiátrica que, a pesar de sus dos personalidades completamente diferentes, escaparán del manicomio en el que residen, desarrollarán una profunda amistad y vivirán una aventura en el mundo exterior. A través de sus delirantes andanzas, Locas de alegría propone un viaje psicodélico en esta comedia divertida y humana que cuenta, con un agridulce sentido del humor, el sufrimiento de dos mujeres encerradas y estigmatizadas por su enfermedad mental. Al frente del reparto encontramos a Valeria Bruni Tedeschi (La comunidad de los corazones rotos), que repite con Virzi tras El capital humano, y a Micaela Ramazzotti (El nombre del bambino), a las que secundan Valentina Carnelutti (Rocco tiene tu nombre), Tommaso Ragno (Tú y yo) y Bob Messini.

Safari/Auf safari

Como puedes matar un animal, exponerlo delante de la camara para immortalizar el asesinato, dando explicaciones para immortaltizarte a ti. Para hacerlo mas indignante y asqueroso, al fondo aparecen razas de otros colores desmenuzando, descuartizando, haciendo trizas ensangrentadas las piezas capturadas, como si hablaramos de las esculturas del Louvre. El durisimo alegato del director austiaco Ulrich Seild (trilogia Paradiso), arremete cntra sus tambien turistas austriacos, abusando en una desigualdad de armas total de la fauna africana, la poca que queda.

Documental con, Gerald Eichinger, Eva Hoffman, Manuel Heichinger, Tina Hoffman,Manfred Ellinger, Inge Ellinger, Marita Neeman, Volker Neeman. Markoff Schmidt,Eric MüllerUlrich Seidl sigue a turistas austriacos que viajan a África para cazar cebras y jirafas. Seidl divide en "temas" su investigación, tratando de entender y hacernos entender qué pasa por la cabeza de esta gente, por qué matan animales como una jirafa: las armas más eficaces de usar, las tarifas por animal abatido, las extraordinarias emociones que se experimentan al matar, las relaciones con el personal local que se ocupa del turismo armado.

Incerta gloria

La reconocida obra de Juan Sales sobre el 1937 en el frente de Aragon, al cine. Con su poder descriptivo, Agusti Villaronga añade el odio entre contendientes, los bombardeos de Barcelona y como el estratega dictador alargaba la guerra sabiendose vencedor. Con gritos de animo guerreros, el  film presagia el silencio posterior de los 40 años de paz. Vacia y loca como es la guerra, naufraga  en ella emocionalmente el conocido trio de el descreido Soleras, enamorado de la Trini y su marido el Lluis, el antiheroe. Filme belico, con una guerra filmada sin ver la, presentirla sin notarla y bucear en el drama real y sangriento sin saber donde esta. La irrespirable y maldita mil veces guerra civil española es aqui especial.1937 en el Frente de Aragón. Lluís, un joven oficial republicano, es enviado a un puesto temporalmente inactivo. Allí conoce a una viuda de la que se enamora y que consigue embaucarlo para falsificar unos documentos. Pero el mejor amigo de Lluís descubre el amaño, y para no delatarlo, exige que aleje de los bombardeos de Barcelona a su hijo y a su mujer, a la que ama en secreto. La llegada de Trini al pueblo, y el descubrimiento de la traición de Lluís, pondrá a prueba sus cimientos morales. El ganador del Goya Agustí Villaronga (El rey de La Habana) vuelve, después de Pa negre, a reflexionar sobre la devastación moral que produce la guerra sobre los seres humanos. En esta ocasión, lo hace directamente en los años de la Guerra Civil española en una zona del Frente de Aragón en la que el conflicto bélico permanece inactivo, pero a la que, sin embargo, sí llegan las consecuencias de lo que ocurre en el campo de batalla. Incierta gloria adapta el clásico imprescindible de Joan Sales, aunque deja en el tintero su lado más filosófico y religioso para centrarse en los sentimientos de sus personajes, protagonistas de un laberinto amoroso en el que dos hombres aman a las mismas mujeres y dos mujeres se sienten atraídas por los mismos hombres. Núria Prims (Historias del Kronen), Marcel Borrás (Ahora o nunca), Bruna Cusí (Pulseras rojas) y Oriol Pla (Truman) interpretan este cuadrado amoroso secundado por Terele Pávez. Ganadora de los Gaudi con 6 estauillas del apartado tenico.

La bella y la bestia

Hay mas belleza en los objetos que en los humanos?. Hay mas bestialidad en los hombres y mujeres que en una tetera,un piano, un armario o una lampara? . Es mas humano el dibujo animado que la representacion real de los seres vivos? Estas  cosas parencen ser lo que quiere demostrar Bill Condon aventajado discipulo de la escuela Burton. con un inicio diferente a las creo que cerca de 20 versiones de la obra magica. El reloj y la escena del baile, que es otro paso hacia el musical, escalando posiciones en el ranking particular de estos. Otro modelo de tenacidad de un modelo cinematografico que gracias a la repeticion se vuelve universal, cuando esta a punto de ser centenaria en su representacion. . Aqui recuperan las canciones entonces dirigida por Alan Menken., congelando en definitva a Disney otra vez.. No se pretende cambiar el film, sino modelarlo, para hacerlo mas atractivo al nuevo joven y viejo espectado. Esplendorosa la intencion y el resultado.Había un príncipe que vivía en un castillo, donde daba grandes fiestas para las jóvenes más guapas hasta que un día se negó a ayudar a una anciana. Era una hechicera, que como castigo le convirtió en una horrible bestia. Para deshacer el encantamiento, el príncipe tendría que aprender a amar y a ser amado. Durante años estará maldito hasta que aparezca Bella en busca de su padre. En los días que permanezca en el castillo, su relación con la arisca Bestia dará paso a una hermosa historia de amor. Siguiendo la tónica de los últimos años, en los que ha adaptado algunos de sus grandes clásicos a imagen real, Disney recupera una de sus películas más recordadas, La bella y la bestia, y la convierte en una colorida cinta en la que el espectador se podrá reencontrar con los míticos personajes de la original, interpretados en esta ocasión por actores de carne y hueso como Emma Watson (Colonia), Dan Stevens (The Guest) o Luke Evans (La chica del tren), así como animados por ordenador con las voces de la oscarizada Emma Thompson (Bridget Jones Baby), el nominado al Oscar Ian McKellen (Mr Holmes) y Ewan McGregor (T2 Trainspotting), entre otros. A los mandos de la cinta encontramos a Bill Condon (La saga Crepúsculo: Amanecer - Parte 2), director experimentado en el musical tanto como guionista (Chicago) como en la faceta de realizador (Dreamgirls) y que en este film recupera las inolvidables canciones de la versión de 1991, que vuelven a cobrar vida en decorados recreados al detalle.

Imperium

Daniel Ragussis ha querido con la siempre interesante y peligrosa misión de infiltrarse en un grupo delictivo, captar nuestra atención, sin conseguirlo. Seguramente por el desgaste del tema, (entorno nazi), la muestra  cuidadosa sin pasare de la imagineria o generando tensión pero sin llegar a molestar a la bestia dormida. También a la violencia neonazi le pone limites. El grupo analizado,poco ,en esta ocasión es una entidad blanca y machista en representacion de los últimos derechismos ultras de los EEUU.  Convertir a Harry Poter en un nazi artificial creado desde dentro a partir de su incursión de incógnito en la organizacion no era tarea facil. Sus arengas, sus discursos, sus dictámenes y oratoria racista se dan de frente sino con un error de casting, si con una dirección blanda. No se como introducir un elemento espia en un grupo peligroso. pero como lo hace este gente del FBI , desde luego no. Un idealista analista del FBI que trabaja investigando tramas de terrorismo islamista. Sin embargo, la mayoría de éstas resultan ser engaños para aumentar la paranoia de la opinión pública. Una agente descubre que un grupo de supremacistas blancos estaría preparando una bomba sucia para desatar una guerra de raza. Para evitarlo,  se infiltrará un topo en una comunidad de neo nazis, mucho más sofisticada de lo que se imaginaba, para encontrar a los terroristas. Inspirado en las verdaderas vivencias del agente del FBI Mike German, un hombre que durante 12 años de su carrera estuvo infiltrado en pequeñas comunidades de supremacistas blancos de todo EE.UU. con el objetivo de prevenir ataques terroristas, Daniel Ragussis escribe y dirige su ópera prima en la tensa misión de un joven analista federal que se adentrará en el universo de la ultraderecha estadounidense, un movimiento estereotipado por los seguidores del aún vigente Ku Klux Klan y los grupos neonazis, pero que conforma una compleja estructura con su propia mitología, filosofía y maquinaria adoctrinadora. Con dosis de tensión, este thriller humaniza la labor de los agentes del FBI, y muestra una visión más realista de su labor, en la que no se comportan como superhéroes invencibles que recurren a la violencia espectacular para salir de los apuros, sino que ponen su vida en manos de su ingenio y sus habilidades sociales para ganarse la confianza de los criminales. Daniel Radcliffe (Ahora me ves 2) cambia de registro una vez más y lidera un reparto en el que también encontramos a la nominada al Oscar Toni Colette (xXx: Reactivated), Tracy Letts (La gran apuesta), Sam Trammell (Bajo la misma estrella) y Nestor Carbonell.

el balcon de las mujeres/Ismach Halani

DESCUBRIMOS EN EMIL BEN-SHIMON un cine rítmico y que arranca la convicción de sus actrices. La critica certera sobre el papel de la mujer en la sociedad de Iran,  nos lo trae el director con ligereza, cuestionando todo lo que podemos de momento imaginar. El protagonista, un balcón derribado por ser el unico  lugar desde donde se podían expresar las mujeres encima de una sinagoga en la polipolis de Jerusalén. En la sinagoga de una comunidad ortodoxa de Jerusalén ocurre un terrible accidente. El balcón desde el que las mujeres presencian las celebraciones religiosas se derrumba, dejando a la esposa del rabino en coma y a su marido en estado de shock. Un sustituto llega para salvar a los feligreses tras el suceso, pero no tardará en descubrirse como un hombre conservador y misógino. Esto hará que las mujeres se pongan en pie de guerra, aunque eso suponga enfrentarse a los hombres de la congregación. Inspirada por su propia historia familiar y del barrio en el que creció, una comunidad viva y agradable que con el paso de los años fue presa del extremismo religioso, la guionista Shlomit Nehama cuenta, en clave de comedia con medidas dosis dramáticas, la historia de un grupo de mujeres que tendrán que luchar por su lugar, tanto en su barrio como en su familia, contra un misógino y radical rabino, que aprovechará un desafortunado incidente para infiltrarse en esta congregación ortodoxa de Jerusalén. A través de esta conmovedora historia, el director novel Emil Ben-Shimon habla en El balcón de las mujeres sobre los distintos caminos de la fe y las consecuencias del fanatismo religioso. Evelin Hagoel (Gett: El divorcio de Viviane Amsalem), Igal Naor (300: El origen de un imperio) o la debutante Einat Saruf, entre otros, lideran el reparto de esta cinta que también demuestra que las comunidades religiosas pueden ser racionales y albergar compasión y amor. Esta caída del aparador de la voces femeninas, anula sus armas revolucionarias frente al fanatismo masculino ancestralmente instalado.Otra coz israeli al sistema islamista de vida y represión. No hay nuevas ideas sobre las religiones fundamentalistas , pues.  

Antoni Llorens +

El productor, distribuidor y exhibidor de cine Antoni Llorens (Cambrils, 1940), uno de los personajes más importantes del cine catalán del último cuarto del siglo pasado, falleció el sábado en Reus, a los 76 años. La noticia se ha conocido este domingo.

En un afinado retrato que la periodista Teresa Cendrós escribió en 1999, explicaba que la de Antoni Llorens fue una vocación temprana: “Con apenas 6 años, viendo en un cine de su pueblo, ‘El signo de la cruz’, de Cecil B. DeMille, supo que quería dedicarse al cine”.

Antoni Llorens, presidente de Lauren Films.

Después de la escuela, llegó a estudiar arte dramático, pero pronto entró a trabajar en la industria del cine, básicamente en la distribuidora CB Films, donde aprendió lo suficiente para fundar su propia empresa, Lauren Films, en 1980.

Durante 20 años, hasta el inicio del nuevo siglo, por Lauren Films pasaron cientos de películas, especialmente la obra de Woody Allen. "Entre él y yo hay algo especial", llegó a decir Llorens, que mantenía una buena amistad con el cineasta. "Woody Allen es judío y yo catalán, lo que significa que tengo algo de judío y algo de fenicio. Así que eso es una ventaja a la hora de comunicarnos", le confesaría a Cendrós.

Uno de los éxitos de su empresa fue lograr la distribución en exclusiva de la productora Orion, que le facilitó taquillazos de la talla de 'Terminator', 'La mujer de rojo', 'Platoon' y lo mejorcito de Woody Allen, con 'La rosa púrpura del Cairo' y 'Hannah y sus hermanas'.

En 1997, la Generalitat le galardonó con el Premi Nacional de Cinema, por “su continuada labor en la promoción de la industria del cine, la creación de una red de salas en Catalunya y la difusión del cine catalán y del cine doblado en catalán”.

OLFATO PARA LOS TAQUILLAZOS

Gracias a su olfato, su distribuidora, íntegramente catalana, llevó a las pantallas españolas desde el mejor cine de EEUU, como el de Allen o Quentin Tarantino (‘Pulp fiction’), hasta filmes europeos de gran prestigio y éxito de público, como 'Ojos negros', 'Adiós muchachos', 'Cinema Paradiso', 'Como agua para chocolate', 'El paciente inglés' y 'La vida es bella', entre muchos otros.

LAURA GUERRERO

Antoni Llorens y el director Antonio Chavarrías, en la firma de un acuerdo entre ambos, el año 2000.

Menos conocida es su labor como coproductor de algunos de los primeros  trabajos de Pedro Almodóvar, como 'Mujeres al borde de un ataque de nervios' y 'La ley del deseo'. Llorens fue también presidente de los productores de cine, y ayudó a impulsar y difundir películas españolas y catalanas, como las de los directores Antonio Chavarrías, Marc Recha, Francesc Bellmunt y Ventura Pons.

Sin embargo, la crisis del nuevo siglo, la piratería y otras formas de consumir cine iniciaron un progresivo declive de la empresa, el cierre de numerosas salas de la cadena y diversas suspensiones de pagos, algunas, como la primera, en el 2004, con polémica política incluida, y la última, a inicios de esta década.

Su amistad con Woody Allen se vio también tocada cuando, tras haber previsto el rodaje de un proyecto con Llorens, que inicialmente se titulaba ‘Midnight in Barcelona’, del que se hablaba en el 2004, pero que ya a finales del 2005 pasó a gestarse bajo el amparo de Jaume Roures y su empresa Mediapro, dando lugar a 'Vicky Cristina Barcelona', tres años más tarde.

Crudo/Grave

Canibalismo? Donantes de sangre?Un dedo para merendar?.Son los temas que parecen interesar al estilizado y sorprendente personaje que debe ser la nueva Cronenberg francesa, Julie Ducournau, para que después hablemos desigualdad de genero. De facto creo haber entendido del film que puedes conseguir la libertad, abandonar el regazo materno, el nido de los psicologos sin rumbo, buscando en lo desconocido del efecto canibal, nuevos estimulos y limtes. Film de Tesis, de estudiantes, cn innumerables impactos controlados. Lo que podríamos denominar el subgénero del cine nausea. Era la película que Sitges estaba esperando. La que llegaba con una aureola de cine extremo, y hype añadido, desde que en su proyección en el pasado Festival de Toronto saltó la noticia de que más de un espectador se desmayó ante la crudeza de alguna de sus escenas. Crudo (Grave) es el debut en el largometraje de la directora francesa Julia Ducournau

Su escenario principal es una facultad de veterinaria con las novatadas que deben aguantar los nuevos alumnos, y la crudeza de algunos de los vídeos que se graban impasiblemente a través de móviles. Aparentemente el telón de fondo de la historia principal, pero es lo que realmente da más miedo. Transmite la crueldad, la parte animal de los seres humanos y las relaciones de sometimiento de unos y otros, sea en la escuela o en otros ámbitos de la vida. La supeditación a unas normas establecidas y al poder. En todo ello, el canibalismo, un tema tabú, acaba siendo más una metáfora sobre transgredir imposiciones y reglas. Eso sí, a lo bruto.

Julia Ducournau, cineasta que ha declarado en más de una ocasión su obsesión por el cuerpo, expone unas imágenes artísticas, muy cuidadas, impresionistas y sin escatimar momentos morbosos, desde una depilación brasileña a otras escenas asquerosillas relacionadas con las prácticas de los aspirantes a veterinarios. Luego está su protagonista, la tímida Justine (Garance Marillier), y la historia de su despertar a la edad adulta y sexual. Sus padres la han convertido en una devota seguidora de las dietas vegetarianas, pero todo cambiará cuando, en uno de esos actos de iniciación de los veteranos, es prácticamente obligada a comerse un trozo de riñón crudo de conejo.

( ‘Crudo’ ©Universal )

Las consecuencias, sarpullidos y una incontrolable sensación de voracidad, de atracción hacia la carne y si es la humana mucho mejor. El apetito sexual, un deseo materializado hacia uno de sus compañeros, un joven magrebí homosexual, se junta con las ganas de comer en una película en la que la sensación de desazón difícilmente abandona al espectador. Inevitable pensar en títulos como En mi piel (2002) de Marina de Van, la mexicana Somos lo que hay, (2010), Trouble Every Day con Béatrice Dalle o la canadiense Ginger Snaps (2000).

La joven actriz Garance Marillier es un fantástico descubrimiento (a la altura de Adèle Exarchopoulos en La vida de Adèle) , y tampoco se queda atrás Ella Rumpf que interpreta a su desinhibida y desatada hermana Alexia. La película de Ducournau podría funcionar perfectamente sin necesidad de sus escenas de shock, de morbo añadido, de las que pueden mantener al espectador al borde de la butaca o de un ataque de ansiedad.

Y, ¿qué hay de las escenas de mayor impacto? Las dos principales están situadas la una en mitad de su metraje, una consecuencia inesperada de esa depilación íntima; la otra hacia el final, no mostrando “la acción” sino un hecho consumado. Ayudan, y mucho, los soberbios efectos de maquillaje, tremendamente realistas en sus detalles.

La fábula que exhibe Crudo no es apta para todos los estómagos, ni va a gustar a todos los “estómagos” que la soporten. Lo que sí es innegable es que su directora ha elevado el listón demasiado alto de cara a futuros largometrajes. Sobre posibles desmayos en Sitges y ambulancias en el exterior. Pero, lo dicho, sería una buena película incluso sin sus escenas más gore.

Los Hollar

No en todas, solo en algunas de las emotivas escenas, en las que se aplican e implican unos magníficos actores, logra John Krasinski, no manipular al espectador. Con esto hace que la sociedad americana, siempre conservadora parezca regirse por un manual de urbanidad y de correcion y que parece solo darse en las clases altas o pequeña burguesia. Como el cine es el gran espot del systen life americano, no descubre nada el director con su blanda comedia dramatica. Cuando recibe la noticia de que su madre está enferma, un artista neoyorkino que pasa por dificultades, se ve obligado a volver a su pueblo natal. Allí tendrá que adaptarse de nuevo a las costumbres de esta pequeña localidad en el centro de EE.UU. y a las cosas que dejó atrás para irse a la Gran Manzana, entre ellas su disfuncional familia, sus compañeros de instituto y su efusiva ex novia. También llegará al lugar la pareja actual, con la que está a punto de tener un bebé. En su segunda incursión detrás de las cámaras, el actor John Krasinski (13 horas: Los soldados secretos de Bengasi) dirige una comedia con toques de drama familiar. En la cinta, Krasinski maneja tanto el humor como la tragedia para componer una historia cargada de emoción y humanidad sobre los vínculos familiares y la amistad con la que cualquier espectador puede sentirse identificado. Para ello, se rodea de un reparto de auténtico lujo formado por los nominados al Oscar Richard Jenkins (Kong: La Isla Calavera) y Anna Kendrick (El contable), Margo Martindale (Feliz día de la madre), Sharlto Copley (Hardcore Henry) y Mary Elzabeth Winstead.

Bajo la arena/land mine

La Segunda Guerra Mundial ha terminado. Sin embargo, n para un grupo de jóvenes soldados alemanes, La guerra, cualquiera, es igual de salvaje y cruel cuando dicen que ha terminado. La humanidad va cogiendo terreno tan lentamente como se desactivan las minas a cargo de este grupo de prisioneros, más muchachos que hombres y que Zandvliet intenta explicarlo a traves de la compasion y la belleza del paisaje danes, con tragedias que no a todo el mundo conmueven. Porque quierase o no sigue la rabia que provoco el conflicto, seas vencedor o no, sigue latente.. Otro error de calculo aleman, que creian que seria Normadia. Pero su hijos y jovenes fueron los condenados a saltar por los aires, convirtiendo las bellas playas en plazas de toros ensangrentadas.Los supervivientes son obligados por el ejército danés a desempeñar una tarea casi suicida: desactivar y retirar todas las minas de tierra dispuestas a lo largo de la costa. Bajo la atenta mirada del sargento Rasmussen, estos chicos con escasa o nula experiencia vivirán una tensa ruleta rusa, y sufrirán en sus carnes el último y sangriento capítulo que le queda a la guerra. Nominada al Oscar a Mejor película de habla no inglesa y una de las cintas más laureadas del año en el panorama europeo, la tercera película del director y guionista Martin Zandvliet (Dirch) aborda uno de los capítulos más oscuros de la historia moderna de Dinamarca. Habia que encontrar y encontrar y desactivar los más de dos millones de minas que los nazis habían colocado en las playas del país nórdico. A través de este brutal relato real, Zandvliet conforma un film sobre las consecuencias del conflicto armado en el que se entremezclan el odio, la venganza, el amor o la reconciliación. Roland Moller (Una segunda oportunidad) lidera, como el implacable sargento Rasmussen, esta historia de humanidad, camaradería y supervivencia en la que también aparecen Louis Hofmann (Tom Sawyer), Joel Basman.

 

zona hostil

Con personajes sin acabar de perfilar y situaciones bélicas mas ambiciosas que resueltas,  es el terreno resbaladizo por donde pasea Adolfo Martinez en su debut a sus  soldados españoles. Su utilizacion como si fueran Legos, es tan rígida como a disciplina que pretenden honrar. Con una producción  de tanta calidad que no querems saber quien la ha pagado, esta parte técnica ponen el film a nivel de premio. Otra cosa es que sepamos que se iba a hacer a Afganistan un grupo de militares en helicóptero, ahora atrapados por insurgentes cuya superioridad no se habia previsto.  Desierto y rescate una sinopsis que vende ultimamente. La Legión española escolta un convoy americano en Afganistán. Durante el viaje les estalla una mina, y el inexperto Teniente Conte se responsabiliza de los heridos hasta que sean evacuados. A la ayuda acude un helicóptero médico en el que va la doctora Varela, pero sufre un accidente al intentar aterrizar en la zona. Para llevarse a los heridos y el aparato, el Capitán Ledesma idea un audaz plan. Pero la noche cae y el enemigo se acerca, y sólo podrán conseguirlo si sobreviven hasta el amanecer. Curtido en Hollywood en el departamento de arte de películas como Terminator Salvation o El libro de la selva, el español Adolfo Martínez Pérez hace su debut como director con Zona hostil, cinta bélica que se basa en hechos reales que ocurrieron en el norte de Afganistán en 2012. En la película, el realizador evita hacer cualquier tipo de análisis del conflicto y, a cambio, ofrece una tensa visión en primera persona de los hombres y mujeres que se juegan la vida sobre el terreno, personas con defectos y virtudes que son retratadas con la mayor humanidad posible. Para dar más veracidad a este film, se cuenta con el apoyo del Ejército Español, que no sólo permitió al equipo de la película grabar auténticos helicópteros y vehículos militares, sino que también dio instrucción al elenco principal, entre los que se encuentran los ganadores del Goya Ariadna Gil (Murieron por encima de sus posibilidades) y Roberto Álamo (Que Dios nos perdone), Raúl Mérida (La corona partida), Antonio Garrido (La playa de los ahogados) o Ingrid García Jonsson.

Yo no soy Madame Bovary

Madame Bovary es un mito occidental. Lo que no suponía es que lo fuera también para los orientales con tradiciones mas arraigadas y ancestrales. Ganadora en el ultimo San Sebastian,  Feng Xuiaogang sube al mito en un balancin y lo mueve entre la ironía y el drama para pasar por encima de la critica de algunas aun rígidas leyes que  dominan el gran país chino.Plasticamente admirable, con una luz y un color perfectos, como si buscara el cine en sus orígenes sin otros elementos tecnicos que los iniciales o básicos. Con la intención de lograr un segundo apartamento, que sólo se otorga a personas solteras, el matrimonio formado por Lin Xuelian y Qin Yuhe finge un falso divorcio. Sin embargo, seis meses después, Qin se casa por sorpresa con otra mujer. Furiosa, Lin interpone una demanda ante la Corte del Condado, pero pierde. A partir de ahí, empezará una peregrinación de 10 años en la que Lin luchará por lograr justicia y limpiar su reputación. Pero pasado este tiempo todavía no ha conseguido que se arregle. Entre la sátira y el melodrama, Feng Xiaogang (Back to 1942) dirige esta cinta basada en la novela de Liu Zhenyun en la que, con humor e ironía, habla sobre los conflictos en una sociedad, la china, en la que su antiguo sistema, basado en deudas y favores, choca con el nuevo, que se apoya en un estado de derecho sistematizado. En medio de esta confrontación se encuentra la protagonista, interpretada por Fan Bingbing (X-Men: Días del futuro pasado), una mujer que, durante años, apelará a todos los medios posibles para defenderse de las calumnias de su ex marido que han dañado su reputación. Con una estética revolucionaria, en la que la imagen queda enmarcada en un círculo, y un tono absurdo y sarcástico, Yo no soy Madame Bovary esconde tras su comicidad un poso de crítica social. Completan el reparto Guo Tao (Regreso a casa), Dong Chenpeng (See You Tomorrow) y Zhang Jiay. 

Kong la isla calavera

Kong crece con los años y las secuelas desde aquel primer folletín romántico del 33 donde se juntaron 3 films dos del padre y uno del hijo. Desde no se que montículo o astro del universo estará el mítico Kong estará contemplando quizá con las 12 expresiones del Kong de john Guillermin y que le producirán mas chispitas que la Lange y serán los magnificas escenas de helicópteros con el corazón destrozado y el cerebro digitalizado. Esperando el film de Kong Lego King es uno de los pocos actores que no se pueden establecer parecidos. Y también el exceso técnico puede ser agobiante al mismo tiempo que gratificante.El otro protagonista, la isla. Con mundos misteriosos, dinosaurios que nunca se casan de pelear para evitar ser digitalizados cómo todo bicho viviente o no que aparece en pantalla.   La noticia es que de la mano de literatos y eminentes dlrecotres de cine ha  vuelto la aventura. El capitán James Conrad lidera una expedición formada por científicos, soldados y aventureros que viajan hasta una recóndita isla del Pacífico rodeada de leyendas y supersticiones. Allí descubrirán que los mitos son ciertos, y que acaban de adentrarse en un mundo primigenio en el que están aislados de todo lo que conocen, un lugar en el que Kong es el rey y en el que se libra una batalla entre el hombre y la naturaleza que transformará su misión de descubrimiento en una lucha por sobrevivir. Jordan Vogt-Roberts (The Kings of Summer) se pone a los mandos de su primer blockbuster, nada más y nada menos que una aventura en la isla natal del mítico King Kong. Desde ese insólito lugar, Kong: La Isla Calavera reimagina los orígenes del gorila gigante a través de una película llena de aventuras (y en algunos pasajes, incluso terror) en la que una misión capitaneada por Tom Hiddleston (La cumbre escarlata), la oscarizada Brie Larson (La habitación), el nominado a un premio de la Academia Samuel L. Jackson (Los odiosos ocho) y John Goodman (Calle Cloverfield 10), entre otros, se verá atrapada en una isla en la que Kong no es el único, ni el más mortífero, de los monstruos. Por su parte, el nominado al Oscar John C. Reilly (Langosta) aporta los toques de humor a esta cinta que, rodada en tres continentes, no sólo se inspira en el clásico de 1933.

Goldla gran estafa

Matthew McConaughey es un hombre desequilibrado que busca imposibless y acaba engañado. Un filon para el cine esto del sueño americano. Cada uno es un guion.Un actor que gordo y mal afeitad en la cabeza vuelve para el deleite de fans despues de El bosque de los sueños. Pretende Gagham demostrar que el capitalismo produce deterioro fisico. Como tambien desgasta mucho el bruscar oro en segun que condiciones. No aquello de ir limpiando la arena del fondo del rio..Aqui tambien el director y guonista es demasiado parecido a otros de nueva generacion en su segundo largo despues de Syriana. Un hombre criado en la industria minera que, al igual que su padre, no tiene miedo de excavar la montaña hasta encontrar su fortuna. Pero en un negocio en el que la suerte juega un factor clave, ésta nunca le ha sonreído. Sin embargo, no se rinde, y vende sus últimas posesiones para marcharse hasta la selva de Borneo a encontrar oro. Tras hacer el mayor hallazgo de la historia, tendrá que lidiar con políticos corruptos, traidores y banqueros hipócritas dispuestos a robarle. El guionista ganador de un Oscar Stephen Gaghan dirige este film, entre el género de aventuras y el thriller, en el que aborda el lado más corrosivo del ambicioso ser humana. Para ello se basa en el conocido escándalo Bre-X, una estafa a gran escala en la que un elaborado engaño orquestado por una industria minera, que aseguraba haber encontrado el mayor yacimiento de oro en una zona de la selva de Borneo, sirvió para adulterar el mercado bursátil y engordar significativamente la cotización de la compañía en Wall Street. Esta historia se convierte, a través de Gold (La gran estafa) en una épica sobre el fracaso, personificada en su protagonista, interpretado por Matthew McConaughey (Los hombres libres de Jones), que tuvo que engordar 20 kilos a base de cerveza y hamburguesas para dar vida a este humilde minero que, junto a su socio, al que da vida Edgar Ramírez (Joy), y su novia con el rostro de Bryce Dallas Howard (Jurassic World) consigue timar a gobiernos y mercados. Completan el reparto Corey Stoll (Ant-Man), Toby Kebbell (Kong: La Isla Calavera) y Craig T. Nelson.

el fundador

Crudo filme biografico del creador del imperio McDonald's. Cadena a la que actualmente no le habrá hecho mucha gracia este biopic descarnado. Mostrado sin escrúpulos, se empeña ,mas en construir el imperio del fast-food, que en elevar la idea a nivel de gran ayuda a la humanidad., a diferencia de otros creadores de beneficios mundiales, como Tucker (Coches y neveras) u otros ambiciosos de Wall Street. Siempre, quiza en los 50 mas han habido emprendedores sin escrupulos. Esta es la historia de uno de los grandes. Ray Kroc es un vendedor de Illinois que, en 1950, conoce a los hermanos Mac y Dick McDonalds, propietarios de una hamburguesería en San Bernardino, al sur de California. Impresionado por la velocidad de su sistema de cocina, Ray no tarda en ver el potencial de convertir el restaurante en una franquicia, y con habilidad se posicionó para arrebatar el control a los hermanos y crear lo que hoy en día es el gigante de la comida rápida McDonalds, una multinacional que factura al año miles de millones. A pesar de ser el hombre que creó McDonalds tal y como lo conocemos hoy en día, la figura del genio de los negocios Ray Kroc apenas se ha dejado ver en el cine. Para hacer justicia con el personaje, John Lee Hancock (Al encuentro de Mr. Banks) dirige este biopic en el que Michael Keaton (Spotlight) se pone en la piel de Kroc desde su etapa como vendedor ambulante de batidoras para restaurantes, hasta el momento en el que se convirtió en el presidente de la conocida cadena de hamburgueserías. Entre ambos momentos, El fundador relata las maniobras y artimañas que Kroc llevó a cabo para arrebatar el control de la franquicia a los hermanos McDonald en una historia en la que se habla sobre la persecución sin respiro del sueño americano en sus diferentes formas, desde el capitalismo sostenible hasta el corporativismo sin escrúpulos. Junto a Keaton encontramos a intérpretes de la talla de Nick Offerman (Yo, él y Raquel) y John Carroll Lynch (Jackie) como los McDonald, además de a Laura Dern (Bajo la misma estrella) y Patrick Wilson.

Premonicion Mennan Yapo

Título original

Premonitionaka 

Año

2007

Duración

110 min.

País

 Estados Unidos

Director

Mennan Yapo

Guion

Bill Kelly

Música

Klaus Badelt

Fotografía

Torsten Lippstock

Reparto

Sandra Bullock, Julian McMahon, Nia Long, Amber Valletta, Peter Stormare, Jason Douglas, Kate Nelligan, Shyann McClure, Courtney Taylor Burness

Productora

MGM / Hyde Park Entertainment

Género

Thriller. Drama | Sobrenatural

Web oficial

http://www.sonypictures.com/movies/premonition/

Sinopsis

Linda Hanson (Sandra Bullock) tiene una casa preciosa, un marido que la quiere y dos hijas adorables. Su vida es perfecta, hasta que recibe una devastadora noticia: su esposo Jim (Julian McMahon) ha fallecido en un accidente de coche. Es lo peor que le podía pasar a esta amante esposa y madre. Pero, ¿se lo ha imaginado? Al despertarse a la mañana siguiente, Linda descubre que su marido sigue vivo. En un principio, Linda cree que el accidente ha debido de ser una pesadilla... hasta que ocurre de nuevo. Algunos días Jim sigue a su lado cuando se despierta, pero otros debe enfrentarse a la realidad de haberse quedado viuda. Por alguna razón inexplicable, los días están desordenados. La traumática premonición de Linda desencadena una serie de extraños sucesos que alteran el tiempo. Su mundo está patas arriba y estas circunstancias surrealistas hacen que descubra que su vida quizá no era tan idílica como parecía. En un intento desesperado por salvar a su familia, Linda lucha furiosamente contra el tiempo y el destino para intentar conservar todo lo que ella y Jim han construido juntos.