Maudie el color del vida

Aisling Walsh se centra en su relacion de maltrato con un vendedor de pescado. Excentricidades de la pareja  que va cediendo terreno a la sensibleria. Podia haber sido un fantastico estudio sobre las relaciones de largo recorrido. Se olvida con ello el arte y el amor. Y no es una hsitoria de superacion personal. Contra quien lucha Maud Lewis es contra una severa artritis reuatoide pintando pajaros, caballos, gatos, arboles y barcas.  Pequeña y fragil siempre tuvo grandes clientes como el propio NIxon. Lo unico importante para ella era poder sostener un pincel en la mano. Maud Dowley es una alegre y vivaz mujer cuyo mayor deseo es independizarse de su sobreprotectora familia. Encontrará la forma de hacerlo cuando se entere de que Everett Lewis, un huraño pescador de la zona, busca una asistenta. Tras responder a su anuncio, Maud no tarda en trasladarse a la casa de Everett, aislada y pequeña, donde comenzará una difícil convivencia llena de encontronazos entre estos dos polos opuestos que, sin embargo, se convertirá poco a poco en una hermosa historia de amor. La directora Aisling Walsh (The Daisy Chain) se adentra en la vida de la pintora canadiense Maud Lewis, cuyos sencillos cuadros la convirtieron en una de las artistas folk más reconocidas de su país. Walsh nos cuenta el inicio de la relación entre Maud y el que se convertiría en su inseparable compañero y marido durante toda su vida, Everett Lewis. De este modo, la película se centra en este romance, protagonizado por dos personajes situados en márgenes opuestos de la sociedad que se encuentran y, juntos, descubren el amor. Los nominados al Oscar Ethan Hawke (Los siete magníficos) y Sally Hawkins (Paddington) encabezan el reparto de esta cinta que da una gran importancia a la visión naif y colorista que la pintora tiene del mundo, y que es reflejada a través de la transformación de una cabaña de 3x4 metros en un festival de colores que, hoy en día, es considerada como su obra maestra.

Wonder woman

Disparate incongruente. El Gru 3 sin valores. Comparsa de superheroes. Insensible y sin revolucion. Exagerada en su castigo al mal. El amor y el enamoramiento armas letales. Masoquista en aras de la justicia. Admirada por sus piernas su verdadera arma. Ausencia de pudor en Gal Gadot. Vulnerable mujer de afilado candor. Poderoso cinismo masculino de Chris Pine. Heredera de Ripley, Croft y Connor. Una nueva mirada hipertrofica genero. Seduccion y artes marciales al unisono. Exceso de efectos especiales para tantos superecursos atacantes. Mas carbon para salvar al mundo otra vez. Antes de ser conocida como Wonder Woman, era Diana de Temiscira, princesa de las Amazonas. Criada en una remota isla y educada para ser una guerrera invencible, Diana decide abandonar su hogar para ayudar a Steve Trevor, un piloto que, tras sufrir un accidente, le cuenta la gran guerra que sacude el mundo. Mientras lucha junto a otros soldados, Diana, convencida de que puede neutralizar la amenaza, descubrirá su verdadero potencial y el destino para el que, desde niña, se ha estado preparando. La superheroína más conocida del mundo cómic también se convierte en la primera que protagoniza, en solitario, un film del universo cinematográfico de Warner y DC. Después de su celebrada participación en Batman v Superman: El amanecer de la justicia, Wonder Woman nos cuenta los orígenes de la Mujer Maravilla en una épica cinta llena de aventuras y acción que se ambienta en los últimos días de la Primera Guerra Mundial, y en la que los valores de igualdad que siempre ha defendido el personaje convergen con los inicios del movimiento sufragista. A las escenas de batallas se añade una relación romántica entre sus dos protagonistas, que completa un conjunto que llega a nuestras pantallas tras cosechar críticas en EE.UU. Gal Gadot (Triple 9) se enfunda de nuevo el traje de la princesa de Temiscira y es acompañada por, entre otros, Chris Pine (Star Trek: Más allá), Connie Nielsen (Las confesiones), Robin Wright (Everest) y Danny Huston (Big Eyes) como el villano de una función dirigida por Patty Jenkins.

La pelicula de nuestra vida

Enrique Baro Uriach exhibe sus viejos films caseros y los mezcla con los actuales. Fotografo debutante como realizador, nos presenta su biopic familiar, en el que emerge la figura de su padreTeodoro Baro Rey. Solo para cinefilos aunque los aficionados tambien les agrada una sorpresa alocada de vez en cuando. Una vetusta casa de veraneo, cuya historia empezó en 1953 y en la que ha transcurrido la vida de varias generaciones, es el escenario en el que sucede un relato que, en un día, rememorará las experiencias vividas allí a través de tres personas (un anciano, un adulto y un joven), quizá de la misma familia, quizá la misma persona, en etapas diferentes de su existencia. Grabaciones domésticas y canciones forman un todo que es a la vez película sobre una vida y a la vez un making of de sí misma. Fotógrafo de escena en series, Enrique Baró hace su primera incursión en la dirección con este film de marcado carácter autobiográfico y plagado de guiños cinéfilos y mitómanos, el film hace un homenaje a la casa de veraneo de su familia, un lugar en el que durante décadas han vivido todo tipo de experiencias. Lo hace a través de una comedia dramática con influencias del documental protagonizada por sólo tres personajes, interpretados por Teodoro Baró (padre del realizador), Nao Albert (Incidencias) y Francesc Garrido (La adopción) que recuerdan, en un solo día, los veranos que pasaron en este hogar, conscientes de que en algún momento éste dejará de pertenecerles. Aunque la historia se centra en las vivencias de Baró, la película intenta convertir esas emociones en algo universal que conecte con cualquier espectador.

La casa de la esperanza

Telefilm de media tarde muy bien realizado como casi todos.  Explora la posible relacion entre la esposa del directora del zoologico del parque de Varsovia y el zoologo personal de Hitler, Jessica Chastain  y Daniel Bruhl.  Pero el guion no tiene suficiente empaque dramatico a pesar de que  el zoo se llamo humano. El matrimonio Zabrinski, novelado por Diane Akerman, llego a ocultar como si un Schindler se tratara, primero a amigos comunes y mas tarde a familias enteras del guetto en los sotanos del zoologico. Del mundo harmonico de las bestias salvajes al  horror salvaje de las hordas nazis que rompieron la placida Varsovia del 1939. Heroicidad anonima en la invasion alemana de Polonia. En 1939, Antonina y Jan Zabinski tienen una vida perfecta. En lo profesional, el zoo de Varsovia prospera bajo la dirección de él y los cuidados que ella da a las fieras. Pero entonces el ejército nazi ocupa Polonia, y ellos deberán responder ante el zoólogo jefe del Reich, que tiene planeada una cría selectiva de animales. Entonces, los Zabisnki contactarán con la Resistencia y utilizarán las jaulas y los túneles del zoo para salvar vidas humanas, una decisión que pondrá en riesgo sus vidas. Niki Caro (En tierra de hombres) transporta al espectador a la II Guerra Mundial para contar la historia, escrita en los diarios escritos por la propia protagonista, Antonina Zabinski que aprovechó los lugares más recónditos de la casa de fieras para esconder a aquellos que eran perseguidos por el Tercer Reich. En su adaptación sitúa al matrimonio Zabinski en el núcleo de la resistencia polaca, y cuenta la lucha de esta heroína olvidada contra la opresión nazi, así como los esfuerzos de su familia por mantenerse unida en medio de la barbarie. La nominada al Oscar Jessica Chastain (El caso Sloane) y Johan Heldenbergh (Las confesiones) encabezan, como los Zabinski, un reparto internacional que también cuenta con Daniel Bruhl (Capitán América: Civil War) y Michael McElhatton .

Hermanos del viento

Analogias biblicas en este film sobre la amistad entre un niño y una cria de aguila  a la que llama Abel. Y que tiene un hermano-cria malo. Rechina la pelicula cuando se quiere forzar l a ficcion, el drama. Los bellos y libres animales salvajes no dan para mas. Espectaculares las vistas de los Alpes que contemplan a su vez la biologica progresion de la vida animal. Gerardo Olivares, cordobes,   y Otman Penker aman la natraleza. Y tienen paciencia. Como la excesiva voz en off, (Jean Reno) que nutre la narracion, las imagenes, y la metafora de la propia existencia. Lukas se ha convertido en víctima de la depresión de su padre, encerrado en sí mismo desde la muerte de su madre, fallecida mientras rescataba a un Lukas recién nacido. El pequeño, que lleva sobre sus hombros la carga de esta dura pérdida, encuentra un día un polluelo arrojado del nido por su hermano, una cría más fuerte. Lukas decide cuidar del ave, encontrando el amor y cariño que no tiene en casa, pero en el momento de tener que soltarla, Lukas deberá encontrar también su propia liberación. Gerardo Olivares y el debutante Otmar Penker dirigen esta emocionante película, entre el drama familiar y un film de aventuras, que narra la improbable relación de amistad entre un desatendido niño y una igualmente descuidada cría de águila. A través de esta tierna historia, Olivares y Penker componen una cinta basada en silencios y en la belleza de la naturaleza. De este modo, el realizador español completa su trilogía en la que profundiza en la relación entre el hombre y los animales, que conforman Hermanos del viento con El faro de las orcas y Entrelobos. El joven Manuel Camacho (Entrelobos) se convierte en el protagonista de esta película que, además, cuenta con partes heredadas del género documental en la que también participan Jean Reno (La promesa), Tobias Moretti (El valle oscuro) y Eva Kuen. 

Julia Ist

Pequeños cambios para lograr mayor distancia y generalidad sobre los hechos contados, como el cambio de comunicacion audiovisual a arquitectura. Una generacion marcada por la inestabilidad del censo en Barcelona y la mobilidad de sus habitantes  que por diferentes motivos pasan de una ciudad a otra. Magnifica descripcion de Elena Martin, sin excesos que ya lo son bastante de por si, y que narran las infinitas formas  vivir bajo techo hoy en dia, de una joven estudiante de arquitectura que, a pesar de sus 21 años, tiene una idea bastante clara de qué le depara el futuro. Sin embargo, un Erasmus en Berlín cambiará por completo sus prioridades. Por primera vez viviendo sola, Júlia se dará cuenta de que no se conoce tan bien a sí misma como ella creía y que, en realidad, no sabe qué quiere hacer realmente con su vida. En una ciudad enorme y llena de gente, Júlia deberá empezar de cero un camino que, hasta entonces, parecía andado. Elena Martín (Las amigas de Ágata) no sólo debuta como directora y guionista, también se pone delante de las cámaras como protagonista de Júlia ist, un drama que sigue a una joven veinteañera por una ciudad que desconoce y en la que iniciará un proceso de autodescubrimiento en el que pondrá en duda todo lo que sabe sobre sí misma y las certezas que tenía sobre su futuro. A través de escenas sin artificios y con una carga dramática que va en aumento, la cinta sirve a Martín como su propio diario en el que cuenta sus vivencias en primera persona, lo que experimentó cuando, por primera vez, salió de la zona de confort que le proporcionaba el hogar familiar y la ciudad en la que siempre vivió. Acompañan a la protagonista en esta cinta premiada en el Festival de Málaga los debutantes Jakob D'Aprile y Laura Weissmahr, Oriol Puig (Los inocentes) y Carla Linares, con la que ya trabajó en Las amigas de Ágata.

Paris puede esperar/Bonjour Anne

Los films sobre Paris ya no tienen aquel componente magico y cultural que buscaban los productores americanos el siglo pasado, como si fuera el no va mas del new deal. Ahora, que todo ha sido rebajado, suelen ser panfletos turisticos disfrazados, aunque siguen contando con monstruos de la presencia como son el Baldwin y la Lane.  Ejercicio familiar de depuracion de culpas  y resentimientos como en una cancion de Quijano. Baldwin, tambien productor es marido de Eleanor Coppola, verdadera esposa de Francis Ford el padrino del clan que invita Viard a coordinar el psicothriller, las premoniciones o predicciones, asi como los dobles sentidos que solo van dirigidos a esta gran familia cinefila. Sin mas conexion que los bellos rincones del Sena, los vinos caros y la gastronomia mas deliciosa, Paris se espera a que se complete un triangulo con el socio del marido. Y nosotros tambien de tanto oir los mismos dialogos de un film que podria llamarse, "Despues de Cannes". O Dos en la carretera que iba de Cannes a Paris patrocinado por la Guia Michelin. Con sus hijos ya criados, la vida de Anne se encuentra en una encrucijada. Lleva casada muchos años con Michael, un exitoso productor de Hollywood que, sin embargo, es un adicto al trabajo y, cada vez más, desatiende su relación. La percepción de Anne de ella misma cambiará y recuperará las ganas de vivir cuando emprenda un viaje por la campiña francesa junto al encantador socio de su marido, un bon vivant que la acompañará mientras disfrutan de visitas pintorescas, vinos, humor y mucho más. Inspirada por sus propias vivencias en un ajetreado trayecto en coche desde Cannes hasta París, Eleanor Coppola, esposa del mítico Francis Ford Coppola, dirige su primer largometraje de ficción. En él, compone una intimista road movie protagonizada por la nominada al Oscar Diane Lane (Batman v Superman: El amanecer de la justicia) y Arnaud Viard (Carole Matthieu), como una mujer en plena encrucijada vital y un hombre que bajo una fachada de seductor esconde sus propios problemas. Lo que en un principio es un desplazamiento de apenas 7 horas se convertirá en toda una experiencia reveladora para su protagonista, mientas que el espectador podrá presenciar los placeres y enojos de un atípico viaje. Completan el reparto el candidato a un premio de la Academia Alec Baldwin (La excepción a la regla) y Élodie Navarre.

Señor, dame paciencia

No permanecera en ningun cerebro cinefilo esta debil pero correcta, previsible pero bien interpretada obra de Diaz Lorenzo. Es la version española de aquella comedia francesa en la que los padres no aceptaban a los prometidos/as de sus hijos. Los dialogos de llamemosle humor, son manidos, reiterativos, estereotipados y deja oidos mil veces. Son sobre catalanes, homsexuales, anarquistas y razas. De formato televisivo y con actores de sobra reconocibles, se pierden 91 minutos que se podria haber hecho el mismo formato pero con resultados criticos, conscientes, literarios y sociales. 
A un banquero de ideas conservadoras y forofo del Real Madrid, un día, su mujer le fallece repentinamente, y él se ve obligado a cumplir su última voluntad: viajar junto a sus hijos y sus parejas hasta Sanlúcar de Barrameda para esparcir sus cenizas en el Guadalquivir. En el viaje se encontrará con los novios de sus hijas, un catalán muy culé y un hippie antisistema, y con el de su hijo, al que no ve desde que le confesó ser homosexual y que ahora aparecerá con Eneko, un vasco-senegalés. Álvaro Díaz Lorenzo (La despedida) dirige esta comedia protagonizada por una peculiar familia y el viaje multicultural que, durante un fin de semana, cambiará su manera de ver las cosas. A través de la contraposición de tópicos y clichés geográficos protagonizados por el patriarca de ideas conservadoras y sus yernos, de pensamiento radicalmente opuesto, se desatan situaciones de lo más hilarante bajo las que se halla un llamamiento hacia la tolerancia, la capacidad de perdonar y la aceptación de los defectos de unos y otros. Jordi Sánchez (Cuerpo de élite) se pone al frente de este clan de divertidas disfuncionalidades en el que también se encuentran Eduardo Casanova.

Mientras ellas duermen

Javier Marias publico en 2007 una historia, entre otros relatos,  en la que un escritor se obsessiona con una pareja heterosexual, en la que el hombre es mayor que la muchacha. Como en la novela Wayne Wang, intenta preguntarse el porque de este enamoramiento acercamiento, generacional, pero se queda a poco de conseguirlo quedandonos con la impresion  de ser una buena copia japonesa del voyerismo de Hitchcok, unas reflexiones orientals sobre al infidelidad y los ancestrales deseos sexuales eternamente reprimidos. Un matrimonio pasa unos días en un hotel de la costa. Mientras ella se dedica a mejorar sus relaciones laborales, él busca la manera de salir del bloqueo que le impide terminar su novela. Pronto encontrará inspiración en la pareja formada por un hombre de avanzada edad, y su jovencísima acompañante. Tras conocer la fascinación por grabar a la muchacha mientras duerme, nuestro autor conseguirá empezar a escribir, aunque a cambio entrará en una espiral de peligros y misterios. Cinco años después de su último largometraje de ficción, Wayne Wang (Sucedió en Manhattan) dirige este thriller psicológico en el que las ensoñaciones paranoides de su protagonista, encarnado por Hidetoshi Nishijima (El viento se levanta), un escritor en pleno bloqueo creativo, conforman un film que difumina la línea entre realidad y ficción.Un peligroso juego de obsesiones y anhelos, dirigido por la intuición, en el que es inevitable la atracción hacia lo desconocido y la necesidad de encajar las piezas de un enrevesado puzzle. Completan el reparto el incombustible Takeshi Kitano (Ghost in the Shell: El alma de la máquina), Sayuri Oyamada (Karuto) y Shioli Kutsuna.

i am not a serial killer

El irlandes Billy O'Brien se inspira en la novela de Dan Wells. En ella se narra la relacion entre un joven psicopata y un asesino que siembra el terror en una tranquila comunidad en la que ademas Christopher Lloyd nos ofrece un gran papel. La vida de John en la pequeña localidad de Clayton está llena de problemas. Trabaja en la funeraria familiar y está obsesionado con los asesinos en serie, sobre todo en cómo no convertirse en uno de ellos. Con el acosador de la escuela y su atractiva vecina como víctimas potenciales, John se ha marcado una serie de pautas para mantenerse en el buen camino, pero cuando una serie de muertes asolen el pueblo, el joven tendrá que abandonarse a su lado oscuro para capturar al homicida. Billy O'Brien (Experimento mortal) dirige este thriller de terror, con dosis de humor negro, que sigue a un particular protagonista, un joven interpretado por Max Records (Donde viven los monstruos) que, diagnosticado con tendencias sociópatas y obsesionado con los asesinos en serie, se esfuerza por no convertirse en uno de ellos. Sus intentos serán puestos a prueba cuando un sanguinario homicida siembre de muertes la localidad en la que vive, obligándole a protagonizar un tenso juego del gato y el ratón en el que nada es lo que parece. Premiada en el Festival de Sitges por su importante componente sobrenatural, y ofrece un interesante mano a mano intergeneracional, repleto de sorprendentes giros de guion, entre dos caras de la misma moneda. Junto a Records, completan el reparto Christopher Lloyd (Un golpe con estilo), Laura Fraser (Better Call Saul) y Karl Geary.

Chavela

Una frase en el documental de Chavela sonoptiza y espoilorea lo que sera este  segundo documental de la solitaria cantante. "No hay nadie que aguante la libertad del otro.Si eres libre has de pagar el precio de la soledad"Fallecida en agosto de 2012 a los 93 años, esta costaricuense de nacimiento , mexicana de adopcion, revela entre otras cosas que una mañana en una fiesta se habia despertado a la mañana siguente. Después de 12 años de alcoholismo y tras una dolorosa ruptura con el amor de su vida, Chavela Vargas concede en 1991 una entrevista justo antes de viajar a España, donde resurgiría de sus cenizas para recuperar el lugar que la música le tenía reservado. Esta entrevista servirá como hilo conductor para repasar la inconfundible figura de una mujer que siempre defendió su condición de lesbiana, y que fue la primera mujer en convertirse, con su inconfundible voz, en gran leyenda de las rancheras. Carismática, inconfundible y verdadero mito de la música mexicana, Chavela Vargas se convierte en estrella de este documental dirigido por Catherine Gund (Born to Fly: Elizabeth Streb vs. Gravity) y la debutante Dareshka Kyi que repasa la figura pública y el lado más personal de la cantante, una mujer de personalidad rebelde y espíritu libre, que luchaba contra los prejuicios y protagonizaba todo tipo de rumores que ella misma ayudaba a alimentar. Una reveladora entrevista en 1991 es el eje sobre el que gira Chavela, un cariñoso retrato de la artista que, a través de material inédito y comentarios de su familia y amigos más cercanos, también aborda aspectos no tan brillantes de su vida. Pedro Almodóvar o Miguel Bosé, entre muchos otros, valoran el impacto que Vargas provocó en aquellos que tuvieron la suerte de conocerla.

cartas de la guerra

Nostalgico film narrado en voz en off y con nas bellas imagenes de la Angola portuguesa. En un conflicto belico que es tan estresante que produce lo siguiente. las cartas se cruzan y cuando una las lee se ve en pantalla al que las escribe y al reves. El blanco y negro quiere expresar ell hastio que siente nuestro protagonista por su guerra africana. Debutante este sensible Ivo Ferreira. En 1971, la vida de António Lobo Antunes cambia por completo. De repente, es reclutado por el ejército portugués como médico en una de las peores zonas de la guerra colonial: el Este de Angola. Desde allí, António escribe cartas a su joven esposa bajo un ambiente de violencia creciente. Entretanto, cambian los destinos, y el doctor empieza a enamorarse de África y a madurar políticamente, mientras continúa anhelando su regreso a casa. La correspondencia se convertirá en su tabla de salvación. Inspirado por el libro de António Lobo Antunes, en el que éste recogía las cartas que escribió a su mujer durante su servicio en los años más difíciles de las guerras coloniales portuguesas, el director Ivo Ferreira (Águas Mil) lleva su historia a la gran pantalla en una película que, desde una perspectiva de intimidad, relata los duros días y noches de este médico y su batallón en las trincheras de Angola. A través de ellos, el film muestra cómo estos soldados, encerrados en la brutalidad de una guerra que no entienden, lidian con el dolor y el deseo de regresar a casa y recuperar sus vidas. A su vez, habla sobre la amistad y fraternidad que surgió entre estos hombres, y que les ayudó a sobrevivir ante condiciones físicas y psicológicas infrahumanas. Al frente del reparto de esta cinta de carácter antibelicista, en el que también hay hueco para el amor, encontramos a Miguel Nunes (Cisne), Margarida Vila-Nova (Filme del desasosiego) y Ricardo Pereira.

Baywatch, los vigilantes de la playa

Ocasion perdida por Aeth Gordon para demostrar que los vigilantes de la play es un material de primera para filmar peliculas porno, otros lo han hecho. Y en definitva tomrrselo un poco mas a la risa, de vacaciones, resaltando las limitaciones interpretativas y no dejando en la pantalla permanentemente expuestos decenas de pectorales que asustan y deben costar un paston en alimentacion de gimnasio.  Sin gracia ni creatividad ni ideas lo mejor seria aprovechar estos musculos, todos, apunto de reventar. Si al menos hubiera intentado una parodia de la autentica, pero lo unico que ha guionado es el burlarse de la  serie. Se limita a ver correr los pechos turgentes por la playa a camara lenta, horribles referencias  a los organos sexuales para rematarlo con los diferentes fluidos del cuerpo humano, concretando ya definitivamente el caracter sexista de la baywatch.  La californiana playa de Santa Mónica es el territorio de Mitch Buchannon, un socorrista de la vieja escuela. A su equipo llega un novato, Matt Brody, un ex nadador olímpico caído en desgracia que busca poner sus habilidades acuáticas al servicio de las personas. Aunque en un principio el estilo estricto de Buchannon chocará con el carácter rebelde de Brody, no tardarán en unir sus fuerzas para detener los planes de un magnate del petróleo y salvar la bahía de una trama de drogas y asesinos. En la línea de otras adaptaciones de clásicos de la televisión de los 90 como Infiltrados en clase y secuela, Baywatch: Los vigilantes de la playa lleva a las nuevas generaciones las peripecias de este grupo de socorristas de la playa de Santa Mónica. Con un elenco principal formado por Dwayne Johnson (Fast and Furious 8), que releva a David Hasselhoff como líder del grupo, Zac Effron (Malditos vecinos 2), Alexandra Daddario (San Andrés) o la modelo Kelly Rohrbach (Café Society), la película traslada a la gran pantalla las carreras a cámara lenta de físicos de infarto en bañador rojo marca de la casa dentro de una comedia de acción con una trama de tráfico de drogas como telón de fondo. Además, la cinta dirigida por Seth Gordon (Por la cara) completa la propuesta con cameos de emblemas de la serie como el propio Hasselhoff o Pamela Anderson. 

Animal de compañia

Thriller y terror es lo que propone visualizar este director catalan afincado en NY. Pero mas que ofrecer asesinos en serie al uso, se implica mas en demostrar las semblanzas entre victima y verdugo. Director de filme pulso, se desmorona un poca al acercarse al obligado final. Otro solitario que es capaz de encerrar a su amada enen una jaula de la perrera donde trabaja. Obsession psicologica la de este individuo que domina el drama, Monagham. Perdido pero inofensivo,  Seth es un empleado de un refugio de animales que, por casualidad, se encuentra un día con Holly, una antigua compañera del instituto de la que estuvo enamorado y que ahora trabaja como camarera. Seth ve una oportunidad para conseguir lo que no pudo años atrás, pero cuando ésta le rechaza, decide secuestrarla y encerrarla en una jaula para animales del recinto. Sin embargo, Holly guarda más de un secreto, y no tardará en demostrar a Seth que el peligro acecha a ambos lados de los barrotes. Ganadora del Premio a Mejor guion en el Festival de Sitges, este thriller psicológico dirigido por Carles Torrens (Emergo) examina los límites (o la ausencia de ellos) que existen a la hora de hacer algo por amor a través de un enfrentamiento entre sus dos protagonistas, interpretados por Dominic Monaghan (X-Men Orígenes: Lobezno) y Ksenia Solo (Cisne negro), en el que las fronteras entre víctima y verdugo no se delimitan por los barrotes de una jaula. A su vez, Animal de compañía propone una tensa batalla de sexos con dos personajes al límite, bajo la que se esconde una particular visión sobre la co-dependencia y la dominación, y cómo esta trasciende la dimensión física para pasar a la mental. Completan el reparto de esta montaña rusa de misterios, emociones y risas nerviosas Jennette McCurdy (Los superhéroes), Nathan Parsons (True Blood) y Sean Blakemore.

Tubelight

 Una película india cuya acción transcurre en 1962. En una ciudad singular del norte del país, Laxman (interpretado por la polémica estrella de Bollywood Salman Khan) vive una vida tranquila con su hermano pequeño, Bharat (Sohail Khan, hermano pequeño también en la vida real de Salman). Ambos están muy unidos dado que no tienen ninguna otra familia. Laxman es un chico humilde con una forma ingenua de percibir el mundo que le rodea. Sin embargo, Bharat acostumbra a protegerlo de la insensibilidad de la gente. El mundo de Laxman se desmorona cuando la tensión en la frontera con China estalla y Bharat es reclutado por el ejército, viéndose forzado a dejar desamparado a su hermano. La situación en la frontera empeora y la violencia incrementa. Es entonces cuando Laxman, preocupado por Bharat, tomará la decisión de acabar con el conflicto y traer a su hermano de vuelta a casa.

DURACIÓN: 154 min

PAIS: India

GÉNERO: Aventuras, Bélico, Drama

ESTRENO: 23/06/2017

DIRECTOR: Kabir Khan

REPARTO: Mohammed Zeeshan Ayyub, Om Puri, Raghuvir Yadav, Salman Khan, Shah Rukh Khan, Sohail Khan, Tushar Tyagi, Yashpal Sharma, Zhu Zhu

GUIÓN: Kabir Khan, Manurishi Chadha, Parveez Sheikh

Robby y Toby el viaje fantastico

Toby es un aspirante a inventor de 11 años con una creatividad fuera de lo normal. Un día, llega a su vida, un robot extraterrestre que, tras un accidente, se separó de sus padres y ahora está intentando encontrarles. No tardarán en convertirse en inseparables amigos y, trabajando en equipo, lograrán construir una fantástica nave que vuela, flota y hasta circula por carretera. En su búsqueda, tendrán que enfrentarse al malvado señor Josh, que quiere usar a Robby para sus perversos planes. El alemán Wolfgang Groos (Las hermanas vampiras) dirige esta cinta de aventuras para toda la familia que relata la sorprendente aventura de un niño con una gran capacidad inventiva y un robot alienígena a bordo del increíble vehículo que han inventado entre los dos. Adaptación de la novela infantil de Boy Lornsen, todo un clásico en su país de origen, Robby y Toby y el viaje fantástico lleva esta historia a la gran pantalla en un film de imagen real que destaca el valor de la amistad a través del periplo de esta pareja poco convencional que, mientras intentan encontrar a los padres del hombre mecánico, tendrán que enfrentarse con un malvado villano y el ejército de secuaces que le acompaña. El joven Arsseni Bultmann (Alles ist Liebe) protagoniza la película junto a Alexandra Maria Lara (Rush), Sam Riley (Orgullo + Prejuicio + Zombis) y el debutante Jonah Rausch, que pone voz a Robby

Mi vida entre las hormigas

Ilegales ha sido, durante más de 30 años, la banda que no querría que escucharan sus hijos. Letras ácidas y provocativas, gestos obscenos y peleas en cada concierto han acompañado a la formación con más actitud punk de nuestro país. Ahora el documental se detiene en estudiar al grupo a través de su líder, el carismático Jorge Martínez. Hablamos con él sobre una vida basada en la clásica tríada: sexo, drogas y rock & roll. Quien no se lo crea, puede comprobarlo en conciertos como el del 6 de julio en el festival Cultura Inquieta ¿Qué pensó cuando vio toda la gente que habla de usted en el documental? Pienso que empiezan hablando mal de mí desde el principio, y eso lo hace más interesante. No es mi visión ni la visión de Ilegales, pero es una buena fotografía  de la historia de la banda. ¿Ninguna declaración le hizo cabrearse? Bueno, que alguno se ande con cuidado, ya iré tomando venganza uno por uno [risas]. En el documental podemos ver la faceta punk que todo el mundo conoce de usted, pero también una visión más sentimental… Creo que es una exploración a fondo. Desde luego, la vida ha sido intensa en estos más de 30 años. Tener la posibilidad de cambiar de postura está bien, no puedes estar siempre rígido, sería muy aburrido. Incluso se dice al final que el personaje de Jorge Ilegal "se ha comido" a la persona. Yo creo que los dos son el mismo individuo, no hay grandes diferencias. En mi caso y en el de los demás miembros de Ilegales, la trampa es que no hay trampa. Alguna gente no se ha dado cuenta, porque es muy corta, del doble y el triple sentido de las cosas que decimos en las canciones. Pero creo que en general tenemos un público bastante inteligente. ¿Ese fue el secreto de su éxito, hablar de manera transparente sobre lo que vivían? Creo que sí, esa transparencia no es tan dañina como muchos se creen, y a la larga es mucho mejor que la mentira. Ahora, reconozco que la mentira es algo fascinante, porque no tiene limites. Siempre me han fascinado los mentirosos, pero a mí no se me da bien. ¿Nunca miente? No solo no tengo tendencia a la mentira sino, como dice Diego Manrique [periodista musical], el muy cabrón, en el documental: soy un bocazas. No solo digo la verdad sino que la digo cuando nadie me pregunta, con excesiva generosidad. Su relación con la prensa especializada ha sido de amor y odio... No es una mala relación, pero sí que nos hemos dicho siempre las cosas frontalmente. Creo que he estado poco equivocado. ¿En qué cree que tenía razón? Muchos grupos que sacralizaban eran una mierda. No voy a hacer un listado, no les quiero privar de la oportunidad de redimirse, pero han puesto como la quintaesencia del rock a una manada de gilipollas que no merecen más que mearse en su presencia. En el documental hablan de su  momento de mayor éxito y de cómo tuvieron que frenar. ¿Qué hubiera pasado si no lo hubieran hecho? Probablemente habríamos muerto.  Cuando te conviertes en una máquina de hacer dinero nadie quiere que pares. Lo que vas a tener que hacer es sabotear tu propia carrera, si no estás muerto. Somos realmente hábiles en sabotearnos. No es fácil, hay muchos intereses, pero cuando es necesario hay que hacerlo, ser valiente y autoagredirse. Y, cuando se vuelve a empezar, ¿es difícil volver a llamar a las puertas? No, puedes no llamar a nadie y acabas haciéndolo por ti mismo, que es más excitante. No estamos hechos para ser felices en una nube rosa, estamos hechos para un combate constante por la supervivencia. Por eso muchos animales  cuando están estables desarrollan enfermedades. La lucha es una constante que te mantiene sano, e Ilegales lo ha hecho siempre, a veces incluso contra sí mismos.

la vida de Anna/Anna's life

Una joven madre soltera que vive en su Georgia natal obligada a desempeñar varios trabajos para poder mantener a su hijo autista. Con el objetivo de mejorar la situación de los dos, Anna decide emigrar a EE.UU., por lo que vende la casa y entrega todo su dinero a un hombre que le ha prometido conseguirle ilegalmente un visado de la embajada. Sin embargo, la relación con éste se tuerce y Anna, nerviosa y desesperada, se encontrará haciendo cosas de las que nunca pensó que sería capaz. En su primer largometraje como directora y guionista, Nino Basilia compone un film realista que, con altas dosis de empatía y sentimentalismo, relata el espíritu luchador de una joven madre, interpretada por la debutante Ekaterine Demetradze, que se agarra a la esperanza para luchar a diario por salir adelante. La historia nace como un intento por mostrar la realidad de la juventud en Georgia y la forma en la que éstos se enfrentan a las dificultades que encuentran para mejorar sus condiciones de vida. A través del drama social y el naturalismo, Basilia también muestra una visión sin edulcorar de la persecución del sueño americano y el lado oscuro del capitalismo, en el que la mujer como personaje valiente y de gran fuerza interior es el elemento central.

Un policia en apuros

Nadie todavia ha pasado por encima  de Belmondo y su cine de policias franceses. Con criticas a la alta politica, y el poder eliseico, una entrenadora de  equipos deportivos, tomara la responsabilidad del propio director Boon y Michel Blanc.Es una agente de policía que, a pesar de su puntería prodigiosa, grandes habilidades en el cuerpo a cuerpo e intuición, es distraída y torpe, tanto que se ha convertido en una amenaza para los criminales, sus compañeros y la sociedad en general. Sin embargo, consigue entrar en el programa de formación del RAID DINGUE, la unidad de élite de la policía francesa, donde tendrá como compañero a un misógino agente. Juntos deberán detener a una peligrosa y eficiente banda de atracadores. El conocido cómico Dany Boon (Manual de un tacaño) escribe, dirige y se pone delante de las cámaras en esta comedia de acción. La verdadera protagonista es Alice Pol (Llévame a la Luna), que se convierte en una torpe y olvidadiza, a pesar de sus habilidades innatas, agente de policía. A través de sus esfuerzos por entrar en una unidad de élite y de la dinámica con su misógino compañero (Boon), la cinta desata todo tipo de situaciones hilarantes alrededor de la frenética persecución de una banda de atracadores de bancos profesionales. Siempre con sentido del humor, el realizador también se inspira en historias reales de los cuerpos especiales de la policía, a los que la película sirve como divertido homenaje. Completan el reparto Michel Blanc (Un viaje de diez metros), Sabine Azéma (Amar, beber y cantar) e Yvan Attal (Están por todas partes) como el villano de la función.

testigo

Un personaje solitario se ve implicado en un complot politico de espionaje de escuchas.Intento de calentar el cine nordico, de  Tomas Kruithof un director debutante.  Bien  tensionado el film demostrand o que la tension se puede hacer hervir desde el modo avion, las pausas, los travellings lentos, los silencios y la ingravidez casi espacial. Destruido por el alcohol y el paro, la suerte del film esta echada pero cuenta con un gran Clouzet y un buen ritmo de progresion  trhiller. Dos años después de ser despedido, Duval sigue en paro. Su destino parece cambiar cuando un enigmático hombre de negocios se acerca a él y le ofrece un trabajo aparentemente sencillo y muy bien remunerado: transcribir escuchas telefónicas. Desesperado por su estado financiero Duval acepta sin tan siquiera preguntar el contenido de las conversaciones, lo que hará que, sin darse cuenta, se vea inmerso en la parte oculta del misterioso mundo de los servicios secretos. Los clásicos han influido en la ópera prima de Thomas Kruithof, que escribe y dirige este thriller protagonizado por un hombre solitario y corriente que pasa de testigo a figura clave de una gran conspiración. Con las habituales (e ingentes) dosis de tensión y los precisos giros en la trama habituales en el género, propone un juego de sombras y colores fríos narrado con inteligencia y aroma a los grandes clásicos en el que hay espacio para una reflexión sobre el estado de sumisión existente en el ámbito laboral contemporáneo y la instrumentalización de los servicios secretos para fines políticos. François Cluzet (Un doctor en la campiña) interpreta al protagonista de este film que también cuenta con la participación de Denis Podalydes (Monsieur Chocolat), Sami Bouajila (La tormenta interior) y Simon Abkaria.

Pieles

Nos introduce Eduardo Casanova en una galeria de horrores y miserias humanas o no, superficial, enfermizo, como un corta y pega de cortos y un humor que de ser asi todo no habria genero. Algunos actores se suma al evento, pero no trasladan el mensaje de que la felicidad siempre es posible pero no dicen a que precio. La cosa va de sketchs como la joven sin ojos obligada a prostituirse, los efectos de tener el sistema  digestivo al reves ni los cito, o el ser que quiere perder las piernas, todos ocultandose de la mirada del  mundo cotidiano en un camino parece que imparable hacia el suicidio. Film abierto estereotipado, disonante, carne de festivales que ha venido de la mano de aquel niño de la serie auda, esperemos que no para quedarse. Nadie elige los atributos con los que nace, pero aun así la sociedad condiciona a todos en función de su forma física. La gente diferente, la que no se adapta al canon, se ve obligada a esconderse, recluirse o reunirse entre ellos. Es el caso de Samantha, que tiene el aparato digestivo al revés; Laura, una niña sin ojos o Ana, una mujer con la cara mal formada. Estos son sólo tres ejemplos de personajes solitarios que luchan por su lugar en una sociedad que excluye y maltrata al diferente. Con el apoyo de Alex de la Iglesia desde la producción, el actor Eduardo Casanova (Mi gran noche), dirige su ópera prima detrás de las cámaras despues de 8 cortos. Escrita por Casanova, la película sigue varias historias de personas con atributos físicos diferentes, que se salen del estereotipo marcado por las convenciones sociales, y que precisamente por estos rasgos son despreciados por el conjunto de la sociedad y relegados a una vida clandestina. A través de estos relatos, que amplían el que ya contó Casanova en su cortometraje Eat My Shit, se reflexiona sobre la importancia de la apariencia física y la manera en que ésta nos condiciona en la esfera pública. Entre el reparto coral de esta cinta, que ha pasado por los festivales de Málaga o Berlín, se encuentran Ana Polvorosa (Mi gran noche), que repite en su papel de Eat My Shit, Jon Kortajarena (Acantilado), las ganadoras del Goya Carmen Machi (Villaviciosa de al lado) y Candela Peña (Kiki, el amor se hace) y la nominada a un premio de la Academia española Macarena Gómez.

Patria, la legenda d'Otger

Me recuerda el film por su titulo aquel viejo chiste en que  tre aviadores de la segunda guerra mundial, un frances, un ingles y un aleman se tiran de sus aparatos al grito de por la patria. El piloto español lo hace al grito de "por la escalera"!. Pues es lo que hace con la leyenda de este Excalibur catalan desconocido, pero con una mala utilizacion de la voz en off, una excesiva camara lenta exenta de pomposidad y epica y sin ritmo alguno a lo que contribuyen una pesima direccion de actores. Porque Miquel Sitjar o Joan Masotkleiner no tienen ya nada que demostrar. O sea, has sido tu Joan Frank Charansonnet. Sin presupuesto ni ayudas oficiales no se puede acometer un film de esta embergadura, a no ser que se trate de un suicidio politico industrial.

Pàtria, la llegenda d'Otger Cataló i els 9 barons de la fama llega a los cines con un objetivo bien definido: "Pàtria son nuestras raíces, nuestros orígenes, nuestra identidad", anuncia el trailer. "La primera película épica catalana de la historia", como se presenta, ha sido dirigida por el ampurdanés Joan Frank Charansonnet y ha sido producida por Dejavu Films i Capaneida Films.

El reparto cuenta con Boris Ruiz, Miquel Sitjar, Miquel Gelabert, Joan Massotkleiner, Àngels Bassas, Ali El Aziz y el propio director Joan Frank Charansonnet. La película se ha rodado en lengua catalana. La editorial La Vocal de Lis ha publicado, en forma de libro, el guion de la película. La película catalana ha participado en el Festival Internacional de Cine de Niza, donde ha ganado el Premio a la Mejor Película Extranjera por unanimidad del jurado. Pàtria no ha recibido financiación oficial, aunque varios municipios catalanes han colaborado con la logística del rodaje. En total sólo ha costado 250.000 euros, pero a pesar de todo su director se muestra muy satisfecho, asegurando que el cine catalán "puede competir en dignidad aunque no en presupuesto" con el cine europeo. Charansonnet afirma que "al cine catalán le faltan muchos ceros". Pues ya tiene otro. El director explica que desde joven tiene el sueño de hacer un Braveheart a la catalana y afirma que esta película no lo ha podido ser, por carencias del presupuesto, pero que intenta transmitir el mismo mensaje.

Pàtria se define como "cine de aventuras que te llevará a los orígenes de Catalunya", pero a pesar de todo no renuncia a la fantasía. La película transcurre en dos momentos históricos: en el siglo XV, cuando el noble Climent de Vallcebre explica al monje benedictino Pere Tòmic la historia de Otger Cataló que se ha transmitido oralmente, para que este la transcriba, y en el siglo VIII, en el que los hechos relatados suceden: Otger Cataló, con el apoyo de sus 9 barones de la fama, se enfrenta a los sarracenos. Pero no todo son victorias. La película también tiene dosis de amor, solidaridad, intriga, celos, fraternidad... De hecho, es una historia trágica, que acaba con la muerte de Cataló, un fallecimiento que se presenta como la semilla para la liberación futuro de un país que duró su nombre, Catalunya.

"Lucharemos ahora por una tierra libre" grita Otger Cataló antes de entrar en combate, y sus ayudantes aseguran: "Sembraremos esta tierra de libertad". En sus cargas contra los musulmanes, Cataló y sus guerreros luchan "por nuestra patria". Charansonnet no esconde que esta película es, en el fondo, una metáfora de la lucha actual del país: "Si 9 caballeros con la ayuda de Otger Cataló consiguieron echar a los enemigos, ¿qué no podrán hacer millones de catalanes con la firme voluntad de hacer libre a este país"?, se pregunta el director. Otger Cataló es un personaje mítico que habría vivido en el siglo VIII. En realidad, la primera referencia a él la encontramos en el Libre dels reis, muy posterior a los hechos. El mito se refiere a un noble procedente de Gascuña, y en algún caso considerado capitán, que habría cruzado el Pirineo con 9 o 12 asistentes (según algunos autores, iban agrupados en grupos de tres: Montcada, Pinos y Mataplana; Cervera, Cervellt y Alemany; y Anglesola, Ribelles y Erill). Cataló habría luchado en Catalunya antes de Carlomagno y habría muerto de enfermedad en el asedio en Empúries. Sus compañeros se habrían refugiado en Francia y habrían vuelto a Catalunya con Carlomagno, que los habría nombrado barones. Y Catalunya habría tomado el nombre del héroe muerto. Hay varias versiones contradictorias, sobre el mito, que fueron analizadas al detalle por Miquel Coll i Alentorn: en algunos de los documentos más antiguos, Cataló lucha contra los godos; en la mayoría de las versiones, contra los sarracenos. Además hay contradicciones geográficas: mientras por una parte se asocia el término Catalunya al topónimo Campi Catalaunici (Châlons), en realidad, Châlons está en el norte de Francia y la Gascuña está en el sur. En realidad, hay algunos estudiosos que consideran que la leyenda de Cataló es sencillamente una deformación de la leyenda de Roldán (en la que se hace referencia a uno de sus lugartenientes, Otger de Normandía, también muerto en Empúries). Y se cree que los nueve barones, repartidos en grupos de tres, son una adaptación catalana del mito francés de los Neuf Preux, unos caballeros míticos muy populares en toda Europa en la Edad Media. Es probable que la creación del mito de Otger Cataló fuera financiada y estimulada por el rey Pedro el Cerimonioso, en un intento de reforzar la monarquía catalano-aragonesa y establecer una tradición histórica local alejada de la de los países vecinos (los intelectuales oficiales son un viejo invento). En este caso, la tradición catalana ocultaba el protagonismo de los viejos reyes aragoneses y reforzaba el papel del condes catalanes en la formación del reino. Pere Tomic, el personaje secundario de Pàtria, existió en realidad y publicó en 1438 un libro, Històries e conquestes, en que mencionaba a Otger Cataló. Pero no se inspiró en leyendas orales, ni en las explicaciones de Climent de Vallcebre, sino en varias versiones escritas de la leyenda que ya circulaban en la época, (como la de Rodrigo de Toledo, un autor castellano que hizo muchas referencias a Catalo).

Pàtria nos ofrece una lectura muy simplista del origen de Catalunya, que es deudora en las lecturas más reaccionarias sobre la Reconquista. Los "sarracenos" son presentados como "opresores" que "maltratan la tierra". Una tierra "que" los cristianos consiguen "liberar a sangre y hierro" pese a su pacifismo. Los cristianos se presentan como los verdaderos amos del territorio, que tienen que "liberar cada palmo del suelo de manos forasteras". Evidentemente, eso tiene poco que ver con la historia medieval de Catalunya, en que las relaciones entre árabes y cristianos fueron mucho más estrechas y mucho más complejas de lo que deja ver la película. Y es que en la época, tan arraigados a la tierra estaban los cristianos como los árabes. Catalunya, como Castilla, se construyó sobre la destrucción del otro: el musulmán y el judío, principalmente, pero también el gitano. Esta película acaba reforzando los tópicos más clásicos de la historia del país. 
"Esta es una historia que toda la gente de esta tierra tienen que recordar", explica Climent de Vallcebre hacia el fin del filme, dirigiéndose a su auditorio, pero también a todos los espectadores de la película. Y, en una escena paralela, Otger Cataló llama a "liberar cada palmo del suelo de las manos forasteras". Parece que Cataló imagina la nación incluso antes de crearse. Pero obviamente, los habitantes del Pirineo, en el siglo VIII, no pensaban en términos de una ideología tan moderna como el nacionalismo. Tampoco pensaban que su lucha era para liberar a los desheredados de la tierra, como afirma un barón de la fama en el combate final contra los sarracenos, ya que estaban absolutamente impregnados en la creencia de la desigualdad entre los hombres (y los nobles no tenían el menor interés en luchar por la igualdad entre los seres humanos). Y tampoco pensaban, como uno de los caballeros, que "La guerra es un fracaso de la humanidad", porque el status superior de los caballeros se debía, justamente, a la omnipresencia de la guerra (tampoco defendían los derechos de las mujeres, como otro de los barones que rodean a Otger en la película). Pàtria se puede ver como una maravillosa historia de aventuras y de resistencia, pero, obviamente, difícilmente se puede interpretar en términos de historia de Catalunya. Pàtria forma parte, de lleno, del mundo de la leyenda.

La momia

Alex Kurtzman ha  logrado realizar la primera película momia de historia el cine. Como si la del Louvre se tratara, contempla impavida un discurso alocado, una accion desbocada, una confusion de fechas historicas, efectos de la epoca de Tutankamoon, y una oscuridad sacada del sotano de las piramides. La momia verdadera es Tom Cruise que parece mas una stock motion que un actor. Si su personaje hubiera sido una rata, un pajaro, un zombie o cualquier escarabajo del desierto, no hubiera pasado nada. Un mercenario se dedica junto a su compañero a saquear yacimientos arqueológicos y vender las antigüedades al mejor postor. Mientras son perseguidos por un grupo de insurgentes encuentran la tumba de Ahmanet, una antigua princesa egipcia que fue traicionada y enterrada viva. Ahora su momia ha sido liberada, y desatará su ira acumulada durante años sobre la Tierra. Sólo el vínculo que la une con Nick y la ayuda de una misteriosa organización podrán detenerla. En una cartelera de mundos superheroicos interconectados, Universal crea su propio microcosmos cinematográfico echando mano de su catálogo de monstruos clásicos. La primera en llegar a lo que se ha denominado como Dark Universe es esta La momia, que tras el clásico de 1932 y el remake de 1999 vuelve a reinventarse para las nuevas generaciones con una nueva aventura, la primera ambientada en la época contemporánea, que mezcla acción y terror. Desde las arenas de Oriente Medio hasta las catacumbas londinenses, la cinta dirigida por el guionista Alex Kurtzman (Star Trek: En la oscuridad) no prporciona el espectáculo prometidoen torno a este nuevo hábitat para dioses y monstruos. Tom Cruise (Jack Reacher: Nunca vuelvas atrás) lidera el reparto del film y forma equipo con Annabelle Wallis (Agente contrainteligente), Jake Johnson (Mike y Dave buscan rollo serio) y Russell Crowe.

El sueño de gabrielle/Mal de pierres

Una mujer sueña con alcanzar la vida plena en libertades, amores ,fantasias y como los codicionantes sociales se lo impiden. El sueño se va perdiendo en obsesion y la directora pierde el hilo de la narracion. La accion transcurre en los años de la segunda pòstguerra mundial, etapa en la que conoce a un veterano enfermo del riñon, de hecho el titulo habla de piedras, procedente de Indochina, se enamora en un sanatorio de la Provenza, de la señora ensoñada rayando la locura. Casado por interes de sus padres con un vecino campesino español, lucira la pareja todos los matices de los pueblos opresores y dominantes. Destacada la doble interpretacion de la Cotillard, el film presenta candidatura a ser la obra francesa con mas puestas de sol filmadas. En la Francia de los años 50 Gabrielle vive en un pueblo de la Provenza donde sueña con encontrar el verdadero amor. Sus planes se tuercen cuando sus padres la obligan a casarse con un granjero español del que no está enamorada. Encerrada en un matrimonio que la hace sentirse como enterrada viva, Gabrielle conoce a André, un veterano de la guerra de Indochina, que hará renacer en ella el deseo de amar y ser amada y la llevará a intentar huir de su vida anterior. En su octava película como realizadora, la actriz Nicole Garcia (Grandes familias) escribe y dirige la adaptación de la novela de Milena Agus que sigue la lucha de una mujer que se rebela contra el mediocre destino que tiene preparado para ella su familia y la sociedad en general, y que se esfuerza en perseguir a pesar de todo sus sueños y deseos. En el vértice de este triángulo amoroso se encuentra la oscarizada Marion Cotillard (Aliados), que interpreta a un personaje que se debate entre el mundo anticuado que representa su marido, encarnado por Alex Brendemuhl (Ma ma), y las grandes esperanzas y libertades que trae consigo su amante, al que da vida Louis Garrel (Mi amor). Completa el reparto Brigitte Rouan.

Capitan calzoncillos, si primer peliculos.

Elogio al ritmo de los films de dibujos animados y gamberradas adolescentes al mas puro estilo Simpson. Amistad, creatividad infantil, el sistema de educacion y la cualidad curadora del arte, son algunas de las cosas que los adorables personajes ponen en pantalla. Humillacion soportable para los mayores protagonistas,  algun detalle  escatologico tipo caca pedo, culo y comida asquerosa para tirar directamente.  Fantasias que hacen reir, y David Soren que dirige a un maestro llamado Pipicaca. Hipnosi y cuerpos de pera son llamados a luchar contra un malvado que logicamente sera nombrado Tirapedos. Entre batalla y batalla de cojines, se trata de salvar el humor amenazado del mundo.  Con todo consigue captar el  cerebro del niño espectador, en un film de animacion donde se desprecia olimpicamente las leyes de la fisica y la quimica, si las hubiera. Jorge y Berto son dos inseparables amigos. Creativos y traviesos niños de cuarto de primaria, estos muchachos se meterán en un lío cuando, por accidente, hipnoticen al director de su colegio y lo conviertan en el Capitán Calzoncillos, el superhéroe que ellos mismos han ideado en sus cómics. Juntos, harán un equipo invencible para detener los malvados planes del profesor Pipicaca, un científico loco que ha inventado una máquina que agranda y empequeñece y que lleva años planeando su venganza. Traducida a más de 20 idiomas y con más de 80 millones de ejemplares vendidos en todo el mundo, la serie de libros creada por Dav Pilkey da el salto a la gran pantalla en forma de película de animación. El humor ingenioso del material original se mantiene en esta divertida y loca aventura protagonizada por dos niños, con las voces de Kevin Hart (Un espía y medio) y Thomas Middleditch (Silicon Valley), que convierten al director de la escuela en un particular superhéroe. David Soren (Turbo) dirige esta cinta mientras ensalza los valores de la amistad y la libertad creativa. Entre el reparto vocal en su versión original se encuentran expertos cómicos como Ed Helms (R3sacon), Jordan Peele (Déjame salir) o Nick Kroll.

American pastoral

Donde se apoya el sentido comun americano? Con ironia y personalidad,ahoga el discurso filosofico y la posibilidad de profunda reflexion en un a comedia costumbrista familiar alla por los 60. En ella el padre descubre que es padecer por una hija y como Rita Cohen irrumpe en su vida intima como un cañon. Ewam Macgregor dirige con conviccion y ganas pero no esta en el rodaje acertado que a veces pasa. Atrevida traslacion del libro de Philip Roth, reduciendo de frma salvaje aalgunso episodios que se encuentran en falta. Un esportista de elite se casa con una reina de la belleza. Un deportista rico, judio, famoso, aristocrata el sueño americano al que llaman "el sueco". Al nacer la niña cambia su prespectiva  de la vida desde su jardin. Triunfo, fracaso, queda atrapado en la manguera de riego. La vida no podría ser más idílica para un atleta legendario en sus años de instituto que ahora es un exitoso hombre de negocios casado con una ex reina de la belleza. Sin embargo, su existencia se tuerce cuando su hija, que había sido acusada de un delito violento, desaparece. Desde ese momento, encontrarla y recomponer su familia será el principal objetivo de Seymour, que en su búsqueda verá el caos que envuelve el mundo y que cambiará a todas las familias americanas. Para su primer largometraje como director, Ewan McGregor (T2: Trainspotting) se atreve con la emblemática novela de Phillip Roth, galardonada con el Premio Pulitzer, que repasa las décadas más convulsas de unos EE.UU. post II Guerra Mundial a través de los ojos de una perfecta familia americana. Las revueltas sociales contra la Guerra de Vietnam son también una parte importante en American Pastoral, cuyo núcleo dramático es la búsqueda de un padre cuya idílica vida se derrumba cuando su hija, acusada de un delito violento, se da a la fuga. A través de los acontecimientos que rodean a la película, McGregor intercala los eventos históricos con momentos familiares más privados para intentar reflejar los cambios profundos de toda la sociedad norteamericana, que pasó del conformismo en la posguerra de los 40 hasta la agitación y perturbación de los 70. McGregor dobla funciones y también se pone al frente de un reparto que, además, cuenta con la oscarizada Jennifer Connelly (Noé), el nominado a un premio de la Academia David Strathairn (La deuda) y Dakota Fanning.

Norman, el hombre que lo conseguia todo

Seguramente la ocasion en qu Gere se ha acercado mas a Woody Allen. Experto en pelotazos, Joseph Cedar compensa su inseguridad directora. Cambia cuando pasa de narrar una historia de un hombre minimo a un profundo analisis que derivara casi al thriller politico. Fracasos sucesivos de un conseguidor hasta que tiene un golpe de suerte. El don nadie, que se dice de tener silla en la mesa de los CEO, es un hombre triste, organizador de reuniones y cenas de hombres poderosos, a modo de conseguir una posibilidad dee inversion en la que participar como pago a su trabajo de relacion. Su amistad con quien despues sera el maximo mandatario de Israel, ayudara mucho a mejorar su vida diletante en NY. Nunca tiene el poder pero se siente cerca de el.Norman Oppenheimer tiene una solitaria vida alrededor de los círculos de poder y dinero de Nueva York, pero siempre ha fracasado en sus intentos por entrar en ellos. Un día, se acerca a un joven político israelí en sus horas más bajas que, sin embargo, tres años después se convierte en Primer Ministro de su país. En este tiempo, no ha olvidado a Norman, que por fin podrá cumplir su sueño: importar. Sin embargo, la situación le superará y estará a punto de provocar una crisis internacional. Joseph Cedar (Pie de página) dirige este drama compasivo al que no le falta sentido del humor en torno a un solitario e irrelevante personaje, interpretado por Richard Gere (El nuevo exótico hotel Marigold), cuya ilusión siempre ha sido convertirse en alguien importante entre las altas esferas políticas y económicas de la Gran Manzana. En Norman: El hombre que lo conseguía todo, Cedar intenta revertir la infame figura literaria del "Judío de Corte", un personaje que se acerca a los dirigentes en horas bajas para, cuando éstos remonten el vuelo, convertirse en alguien influyente. Para ello se sirve de su protagonista, un experto en solucionar problemas y conseguir cosas a los más poderosos obsesionado con hacer contactos y caer bien a todo el mundo, que hace las funciones de guía del espectador por la red de afiliaciones políticas, religiosas y financieras que rigen el mundo. Completan el reparto Michael Sheen (Passengers), Charlotte Gainsbourg (Independence Day: Contraataque), Dan Stevens (La bella y la bestia), Steve Buscemi (Con la magia en los zapatos) y Lior Ashkenazi.

Marie Curie

El academicismo del biopic, pese a la gran actuacion de Karolina Gruzka, diluye escenas fuertes como la muerte de Pierre Curie, el marido, el enfrentamiento entre amantes, un gran amor fuera del matrimoio de tal manera que  aireado por la prensa, llego a obstaculizar su Nobel de Quimica, o el  rechazo social. La ciencia choca una vez mas con la unidad depensamiento, la libertad de ideas y el contexto duro en el poder. Biopic casi y exclusivamente cientifico que deja de lado un poco demasiado, la parte mas intima de la premio Nobel. Y olvida tambien el Nobel de fisica de las descubridora del radio. Viuda, enamorada y estudiosa de als ciencias. Después de que el matrimonio Curie reciba el Premio Nobel de Física, Pierre muere en un accidente. A sus treinta años y con dos niñas, Marie se refugia en sus estudios científicos en un mundo dominado por hombres, consiguiendo importantes logros y ser la primera mujer en obtener una cátedra en la Sorbona de París. En su camino hacia su segundo Nobel, encontrará el apoyo de Paul Langevin, un hombre casado con el que mantendrá un romance que hará que la prensa arrastre su nombre por el fango. Marie Noelle (La mujer del anarquista) escribe y dirige este biopic sobre Marie Curie, la prestigiosa física y química propietaria de dos Premios Nobel. En él, Karolina Gruszka (Inland Empire) se pone en la piel de esta pionera que, tras quedarse viuda de su marido Pierre y con dos hijos a su cargo, se enfrentó sola a un entorno de hombres en el que la presencia de una mujer no estaba bien vista.Marie Curie aborda los cinco años más turbulentos de la vida de la científica, que abarcan desde la muerte de su esposo hasta la consecución de su segundo Nobel, en los que su nombre fue puesto en entredicho y su figura difamada por la prensa a causa de su relación sentimental con Paul Langevin, otro experto en su campo, por estar éste casado. De este modo, Noelle compone un retrato humano de Curie y de sus luchas personales por el reconocimiento de sus logros en una comunidad científica machista y misógina. Completan el reparto Arieh Worthalter (Éternité), Charles Berling (Elle) e Izabella Kuna.

La promesa

Un trio de periodista americano mas dos armenios en plena crisis otomana de1941, provoca a Terry Jones que no encuentre un final mejor y que se entretenga demasiado en la decoracion de la epoca. Rodada en España cosa  facilmente reconocible por sus secundarios como Abel Folk, que por cierto, comentaba el mismo que este dia la fue a ver y solamente eran 4 espectadores. Su familia. Una pena se lamentaba,- porque el film se soporta. El amor en tiempos de guerra, siempre ha funcionado, y mas con genocidio
al fondo como es el caso El Imperio Otomano y su gran capital, Constantinopla, están al borde del colapso. Michael Boghosian, un estudiante, llega allí para llevar medicina moderna hasta su lugar natal en el sur de Turquía. Por su parte, Chris, un reportero, ha seguido a Ana, una artista armenia, hasta allí. Pero cuando ésta conozca a Michael, y surja entre ambos una atracción, se creará un triángulo amoroso que tendrá que luchar por sobrevivir cuando el Imperio se vuelva violentamente contra sus minorías étnicas. El imperio otomano convertido en un polvorín a punto de estallar en los albores de la Primera Guerra Mundial es el telón de fondo de La promesa, un drama romántico con alto componente histórico en el que el ganador del Oscar Terry George (Hotel Ruanda) sitúa un triángulo amoroso formado por el ganador del Oscar Christian Bale (La gran apuesta), Charlotte Le Bon (El desafío (The Walk)) y Oscar Isaac (Star Wars: El despertar de la fuerza). A través de este tormentoso romance, George se acerca, como en filmes pretéritos, a unos acontecimientos reales. En este caso es el genocidio armenio, una de las grandes y menos conocidas catástrofes del siglo XX, negado y escondido durante décadas por la conveniencia política. De este modo, la cinta busca cautivar al espectador tanto desde una historia de amor conmovedora como haciéndole partícipe del dolor, el miedo, el coraje y la redención por el que tuvo que pasar todo un pueblo durante aquellos aciagos años. Completan el reparto la nominada a un premio de la Academia Shohreh Aghdashloo (Star Trek: Más allá), Jean Reno (Diré tu nombre) y el español Daniel Giménez Cacho.

La cara oculta de la luna

Acerrima critica contra las multinacionales farmaceuticas. El suicidio de un potente industrial, desencadena una historia que parece  destinada a comedia y no le va nada el asunto. La intencion que quiere el director de thriler  concentra la atencion y se pierde el fondo `psicologico. El sobreactuado hombre lobo tambien sobra en esta proporcion para un guion demasiado obligado desde el principio. Un brillante y prometedor abogado que se ve atormentado por el suicidio de un hombre de negocios al que arruinó hace tiempo. En una huida hacia delante de sus remordimientos, Urs conoce a Lucille, una hippie, con la que se lanza a la búsqueda de nuevas experiencias, lo que le lleva a perder el control de su vida y abandonarse a su lado más salvaje. En esta situación comenzará su confrontación con el diablo, encarnado en un feroz e implacable ejecutivo de una empresa farmacéutica. El alemán Stephan Rick (El buen vecino) dirige, al igual que en su ópera prima, un largometraje lleno de angustias morales en clave de thriller psicológico. En esta ocasión, La cara oculta de la luna relata, a través de una historia realista revestida de cine negro y de intriga, la rebelión de la parte más salvaje de la personalidad, que quiebra la moral y eclipsa la conciencia, y que en la cinta está reflejada a través del viaje a sus propios infiernos de un ambicioso abogado que, torturado por las consecuencias de sus actos en el pasado, se embarcará en una experiencia lisérgica que le llevará a perder el control de su vida. Al frente del reparto se encuentran Moritz Bleitreuz y Jurguen Prochnow.

clash

Con las motivaciones politicas, por llamarlas de alguna manera, que se exponen  en el film, la primavera arabe nunca podia salir bien. Dialogos complicados los que se han de expresar en un epacio claustrofobico, lleno de odio, con obsesiones religiosas, miedos ancestrales y cerebros no muy dotados cubiertos por turbantes. El intento de utilizar las ventanillas de una furgoneta para observar el exterior y ventilar tensiones no funciona porque el exceso de todo lo imaginable ya se ha cometido. Mohamned Diab, siete años despùes es como si volviera a debutar. Lo que queria ser una denuncia de la vida sexual de la mujer en la ficcion del asedio sexual, deviene los sucesivos encierros de un periodista americano primero y  una serie de detenciones a causa del golpe de estado reciente contra Muris. El Cairo, 2013. Se cumplen dos años de la revolución egipcia y se consuma la destitución de Morsi como jefe de gobierno. Inmediatamente después de conocerse la noticia, decenas de manifestantes de convicciones políticas y religiosas radicalmente enfrentadas salen a la calle, provocando violentos disturbios. Muchos de ellos son detenidos e introducidos en furgones policiales sin distinción ideológica. En un espacio tan reducido, deberán ser capaces de superar sus diferencias para salir ilesos. En su segundo largometraje, Mohamed Diab (El Cairo 678) dirige una película sobre la revolución egipcia y la complicada situación actual por la que atraviesa el país norteafricano. Aunque las multitudinarias y violentas manifestaciones forman parte de Clash (Choque), lo que realmente compone el núcleo de la historia es el claustrofóbico espacio de ocho metros cuadrados de la parte trasera de un furgón policial en el que se encuentran dos facciones radicalmente enfrentadas de un mismo país. A pesar de ser conocido por su activismo en favor de la revolución de 2011, Diab retira las controversias menos importantes y compone un film que no toma partido en favor de ninguno de los dos bandos y que reivindica la vía de la reconciliación. Al frente del reparto se encuentra la egipcia Nelly Karim (que repite con el realizador tras El Cairo 678), a la que acompañan Hany Adel (Microphone (Micrófono)) y los debutantes El Sebaii Mohamed y Ahmed Abdelhamid Hefny.

Mil coses que faria per tu

El unico que podria hacer mil cosas mas es el actor Peter Vives, energico y vital. Sobre el pivotan los robos a joyerias  que pretenden que un joven recupere a su novia.  Comedia catalano valenciana, sin saberse que parte del guion corresponde a cada uno, donde entre utensilios muy caseros puluan policias y ladrones, mafiosos y provocadores sociales. La pérdida del reloj de lujo que Mónica regaló a su novio Dani por su cumpleaños ha sido la gota que ha colmado el vaso. Harta de ésta y otras decepciones, Mónica decide romper con él. Pero Dani no está dispuesto a rendirse y, aconsejado por su amigo aficionado a la psicología, hará lo imposible por recuperar el reloj. Sin embargo, lo que parecía una tarea relativamente sencilla se convertirá en una rocambolesca aventura que involucrará a la policía, unos mafiosos y un ladrón de poca monta. Un reloj perdido, una relación sentimental que pende de un hilo y una surrealista búsqueda son los elementos principales de Mil cosas que haría por ti, segundo largometraje de Dídac Cervera (Los inocentes), que a través de grandes dosis de humor reflexiona sobre las relaciones humanas y el concepto de amor eterno. Lo hace a través de una pareja estancada en la rutina en la que él, acomodado en la seguridad que le ofrece, ha descuidado su relación, y que para recuperar lo que ya tenía tendrá que sortear todo tipo de obstáculos a cuál más complicado, que le meterán de lleno en una trama criminal que se le escapará completamente de las manos. Peter Vives (Eva) e Iris Lezcano (Sin tetas no hay paraíso) dan vida a los protagonistas, secundados por Jordi Vilches (Murieron por encima de sus posibilidades), Carmina Barrios (Carmina y amén) y Cristina Brondo.

Como la espuma

En un furgon. Cabria todo el material de la pelicula. Tan amateur como el corto de examen de final  de carrera digamos que audiovisual. Cabria tambien en este furgon de cola conducido por Roberto Perez Toledo unas interpretaciones sin pulir  y unos dialogos que suenan a falsedad. Como complemento de su filmografia social, el director no cuenta una orgia imposible. Cruza para ello una vidas en que lo mas erotico es el lugar donde se proponen parodiar con sus juegos sexuales el mundo global que los contempla estupefacto. En una vieja mansión, 15 jóvenes se reúnen en un plan condenado a desmadrarse. Tanto, que termina en orgía improvisada. En un festival de sexo desenfrenado donde, a priori, no parece haber sitio para el amor, surgirán todo tipo de romances y desamores, reencuentros y descubrimientos que harán de esta experiencia sexual todo un viaje cargado de emociones que les cambiará la vida. Desde el amanecer hasta el atardecer, se darán cuenta de que el sexo espontáneo no está reñido con los sentimientos. Roberto Pérez Toledo (Al final todos mueren) escribe y dirige esta comedia romántica que busca, y encuentra, el amor en medio de un festival de sexo desenfrenado. Con romances de lo más variopinto, que aúna todo tipo de condiciones sexuales, esta historia coral también se acerca, sin entrar de lleno, en el tema de la homosexualidad, que integra en la película desde una perspectiva de normalidad. Al frente del reparto se encuentran Sara Sálamo (BandB, de boca en boca), Diego Martínez (Rabia), Nacho San José (Legionario) y María Cotiello.

bittersweet days

Marga Melia carga su film con una mochila de referencias cinefilas, la mayor parte demostrando su filia francesa que junto a su componente independiente, se hace perdonar esta hisotria de amor intercultural que no interesa demasiado. Film barato sobre la crisi de los treinteañeros pero sin pasarse a  libro de autoayuda de una pareja que sobrevive a la canicula veraniega en Barcelona. Película pequeña , con techo, sin pretensiones, barata como un cafe  con hielo en cualquiera de las plazas o terrazas de la capital catalana. Una pareja cuya situación económica les obliga a alquilar una de las habitaciones de su piso para pagar la hipoteca, el chico debe viajar una temporada a Londres por trabajo, lo que cambia la vida de Julia por completo. Mientras su novio está fuera, ella compartirá casa con Luuk, un extrovertido fotógrafo holandés. Su convivencia les llevará a plantearse si su vida es realmente como esperaban o si, por el contrario, han terminado acomodándose. Escrita y dirigida por la debutante Marga Melià, esta ópera prima refleja las inquietudes vitales en una Barcelona globalizada. La ausencia temporal del novio de una pareja será el desencadenante de una nueva etapa de su protagonista femenina en esta historia sobre la identidad, el amor, la amistad y el crecimiento personal en la que Melià entremezcla situaciones frescas y divertidas con silencios cargados de significado. Como estos tres personajes en plena transformación existencial, Bittersweet days cuenta con Joan Miquel Artigues (El secreto de Puente Viejo) y los debutantes Esther González y Brian Teuwe.

La mujer del animal

Tras ser descubierta disfrazándose de monja de su colegio, una niña  huye del internado en el que vive. Llega hasta un barrio marginado de Medellín, donde se refugia en casa de su hermana. Cuando su cuñado la presenta a la familia, uno de sus primos, apodado el Animal, la rapta y la obliga a casarse con él. Con todo el vecindario amedrentado por el Animal, Amparo no puede evitar tener una hija con él. Ahora, sólo espera que el amor y la templanza puedan evitar que la pequeña no pase su mismo calvario. Ganador del premio a Mejor dirección en el Festival de Málaga por esta película, Víctor Gaviria (La vendedora de rosas) escribe y dirige un crudo drama en el que se aborda las distintas formas en las que se manifiesta la violencia de género. Para componer un relato lo más real posible, La mujer del animal se apoya en técnicas del género documental y en auténticas historias de mujeres maltratadas de barrios populares de Colombia, cuyas terribles experiencias sirven para crear al Animal, un monstruo que se alimenta del silencio y el miedo de todos aquellos que son testigos de sus atrocidades y no hacen nada por evitarlo. Para dar vida a esta descarnada cinta de denuncia, Gaviria recurre a actores no profesionales como Natalia Polo, Tito Alexander Gómez o Jesús Vásquez,

La formula de la felicidad

Despertar de la invisibilidad, el hallar un hueco, el hacerse respetar, todo gracias a esa alzada de actitud y cabeza que otorgan la anestesia de la maravillosa y hallada química, más ese viaje a paraíso perdido donde todo vale nada, excepto la opinión y felicidad de uno.

Porque abren los ojos y dan coraje, ánimo y valentía de coger lo suyo y hacer realidad los sueños, puede que no todos, e incluso ninguno, pero la atrofiada y desganada vida se soporta y lleva con más apetencia y optimismo desde ese conformismo somnoliento y entumecido, sordo y pasota de quien vive para su querencia y que los demás se adapten a ella.

Porque se acabó ir a remolque, la humillación y vergüenza, la burla y pisoteo se desvanecen ante esa actitud chulesca de mancebo hecho adulto, cuya mayoría resuena en todos frentes y que Sam Rockwell sabe retratar con ese porte desgarbado y excedido, gamberro y bromista de perdedor que, a pesar de seguir perdiendo, encuentra acomodada ganancia que le vale para mejorar su existencia y la atención y admiración de quienes le rodean; no son los ideales pero ¡qué se va a hacer!, puede ser apto si se observa con la mirada atontada, dulce y distorsionada que ofrecen las fantásticas pastillas y el mundo que éstas ofrecen, hasta que el espabilado genio de la lámpara no necesite de más deseos edulcorados para afrontar su maltrecha realidad con positivismo de cambio.

Geoff Moore y David Posamentier escriben y dirigen un clásico envuelto en aires de disparate cómico, disfraz ingenuo para una nueva versión de paleto vuelto sabio y diestro gracias a esa deslumbrante amante y los planes de socorro que van tomando forma, belleza y sexo para encandilar al memo mandril y que realice la sucia maniobra de deshacerse de la molesta basura.

Propuesta independiente que no osa alcanzar grandes cuotas, vende modernidad y erotismo, base de un thriller, en el fondo, muy tradicional y casero de drama ausente y diversión ligera.

Vive de extremos personajes cuya absorción es tibia y mediocre, no involucra, ni atrapa o estimula, aporta una visión relajada y cómoda de presenciar el teatro sin excesivo esfuerzo y estando, con facilidad, al tanto de los pasos; agilidad de duración apropiada, sin complicado contenido, que se respira con trivialidad y descanso, devaneo oportuno para momentos de distensión donde no importa la delgadez y estrechez del argumento, la simpleza del contenido y la menudencia interpretativa, quieres pasar el rato y aliviar la mente, que el día ha sido duro y largo; y con esa función establece su horma con precisión y eficacia de consumirla sin indigestión y olvidarla tras su paso, para que no ocupe espacio en una mente saturada que brevemente dejó paso al esparcimiento plácido y moderada. “La clave para avanzar es empezar” a disfrutar la sensación de ir ganando; “ no se puede ayudar a todo el mundo, pero todo el mundo puede ayudar a alguien, y a veces, ese alguien eres tú”; empieza, avanza y medio gana.