Un lugar tranquilo/A quiet place

Ansiedad y empatia es lo que consiguen los interpretes del espectador que es lo que deberia ser siempre. John Krasinski, reconocido director por su capacidad de acertar el encuadre, habilidad que con la tecnica de montaje le acerca a la perfeccion. Magnificas interpretaciones hacen añicos el silencio del film mientras buscan medidas de supervivencia en novedosas y mas eficaces sugerencias en su lucha contra los seres dragon, a los que mueve solo y precisamente el ruido. Les familias han de mantenir el silencio mas total posible. Cualquier desliz puede llevarles a la muerte. Por ello los dialogos casi inexistentes, los murmullos ,signos y mucha mimica. Como la musica de Young en la escena del baile que siempre son resultonas y suelen dejar huella. Terror brillante a quien lo considere, en esta ocasion paterno. El molde es el clasico, mezclando terror apocaliptico exterior, infecciones y contactos terrorificos, sitio a un edificio conocido o familiar. Una familia que vive en una aislada granja en EEUU donde están constantemente amenazados por la existencia de unas misteriosas y mortíferas criaturas que, guiadas por el sonido, aniquilan a los humanos al más mínimo ruido. El matrimonio y sus tres hijos han desarrollado una serie de estrictos hábitos y protocolos para mantener el más completo silencio en su día a día, ya que cualquier descuido en la tarea más rutinaria podría llevarles a su total extinción. Convertida en un verdadero fenómeno en su país de origen, EE.UU., la nueva película del actor John Krasinski (13 horas: Los soldados secretos de Bengasi), que en esta ocasión compagina las funciones de director, guionista y protagonista de una película que ya es considerada como nuevo clásico del cine de terror. Inspirado por el silencio tenso que inundaba su casa poco después de tener a su segunda hija, Krasinski hace en su tercera película como realizador un particular homenaje al cine mudo y a su capacidad para, a través de la imagen y el simple sonido de ambiente, despertar en el espectador sentimientos de emoción o puro miedo. De este modo, Un lugar tranquilo realiza un inteligente y sorprendente uso de los silencios, así como de una atmósfera que juega con la música, el sonido y una amenaza que permanece la mayor parte del tiempo en las sombras para crear un clima de tensión constante bajo el que se esconde una historia de amor familiar. Junto a Krasinski, que vuelca en la producción sus propios temores como padre, habitan este entorno claustrofóbico y postapocalíptico su esposa Emily Blunt (La chica del tren) y los jóvenes Millicent Simmonds (Wonderstruck. El museo de las maravillas), Noah Jupe.

Sergio & Sergei

Que  la radiofonia da tranquilidad, lo demuestra Ernesto Daranas, filmando una conversacion radiofonica, que si hubiera sido por la television que hubieran podido ver lo que ocurria en el exterior, el dialogo se habria cortado inmediatamente. Humor caustico con alguna sal gorda que sobra, para narrar el estado de descompòsicion de nuestra sociedad. Y lo hace conel guion de una amistad surgida entre un astronauta ruso y un radioaficionado cubano, profesor universitario. Los dos miran con melancolia sus respectivos espacios que habitan, el ingravido y la tierra, ambos rodados casi en su totalidad en Barcelona. Hechos reales ocurridos en el mundo ya sin el muro de Berlin en el que un cubano piensa que el suyo nunca caera y un cosmonauta de la nueva Rusia ve como su pais no tiene tiempo de ir a rescatarlo. La caída de la URSS en 1991 golpea duramente a Cuba, que entra en una grave crisis económica. Allí vive Sergio, un radioaficionado y profesor de marxismo que lucha para volver a orientar su vida y sacar adelante a su familia. A miles de kilómetros, en la estación espacial Mir, reside Sergei, el último cosmonauta ruso, casi olvidado por su país, al que faltan unos meses para volver del espacio. A través de la radio surgirá entre ambos una amistad que les ayudará a afrontar este traumático cambio. La caída del bloque socialista, del que Cuba dependía económicamente, dio paso a unos años difíciles que cambiaron radicalmente las vidas de los que vivían en la isla. Uno de ellos fue Ernesto Daranas (Conducta), director y guionista de este film en el que vuelca su propia experiencia durante el llamado periodo especial para contar el relato de un padre que se ve obligado a reciclarse profesionalmente para poder sacar adelante a su familia. Sin embargo, Sergio y Sergei va más allá, y el retrato social de la Cuba de aquella época, que se ve reflejado en la de hoy en día, convive con una defensa de las relaciones humanas como antídoto contra el dogmatismo o la intolerancia. De este modo, la inesperada gran amistad que se forja entre un profesor cubano en una situación límite y un cosmonauta ruso olvidado en el espacio, contadas con humor, sarcasmo y nostalgia, sirve a este film con alma de sátira para destacar a aquellos protagonistas anónimos que habitan los grandes acontecimientos de la historia. Tomás Cao y Héctor Noas repiten  y lideran un reparto que completan Ron Perlman (Animales fantásticos y dónde encontrarlos) y Camila Arteche.

9 dedos

El cineasta F.J. Ossang ha presentado su última película '9 dedos', un film noir, expresionista y post-apocalíptico que le valió el Leopardo de Oro al Mejor Director en la pasada edición del Festival de Cine de Locarno. El director francés participó en un debate, con Elvire, coguionista y actriz de la película. Cineasta, músico y escritor, el polifacético Ossang comienza su carrera artística en 1975 escribiendo poesía. En 1977 crea la revista Cée (Céeditions & Christian Bourgois) y en 1980 funda la banda de noise'n roll MKB Fraction Provisoire, responsables de la música de sus películas y de 9 álbumes de estudio. Estudia Cine en el Instituto de Estudios Cinematográfico de Francia (IDHEC, en sus siglas en francés) en París y rueda el cortometraje Le dérniere enigme (1982), un trabajo en el que fusiona sus dos grandes pasiones: el cine y la música. En su banda sonora participan algunos de los grandes del punk como Cabaret Voltaire, Killing Joe e incluso los españoles Esplendor Geométrico. Hasta hoy, ha rodado cinco cortometrajes y cinco largometrajes: L'Affaire des Divisions Morituri (1984); Le Trésor des Îles Chiennes (1991), ganador del Gran Premio del Festival de Belfort; Docteur Chance (1998); Dharma Guns (2010), y 9 Dedos (2017), Premio al Mejor Director en el Festival de Locarno. Ha publicado una decena de libros (novelas, antologías de poemas y ensayos), entre los que destacan Géneration néant (1993), W.S. Burroughs (2007) y un ensayo sobre la experiencia cinematográfica y el lenguaje fílmico en el mundo tecnológico actual, Mercure insolent (2013). Siete años después de su última película Dharma Guns (Mostra de Venecia) el artista multidisciplinar, poeta, escritor, músico y cineasta, F.J. Ossang participa en Locarno con su obra 9 dedos, una película oscura y misteriosa poblada de personajes seductores y ambiguos que recuerdan una improbable filiación entre Genesis y Marlene Dietrich. Es una película que cabría comparar con una sinfonía wagneriana donde el pesimismo y el heroísmo van de la mano. La oscuridad, el blanco y negro, domina todos los planos, como un manto que impide que la luz penetre. Es inútil buscar comodidad ni buena acogida en una cinta que, para ser sinceros, no busca en absoluto el consenso entre su público. El francés F.J. Ossang no hace cine; hace su cine, y esta posición radical, decididamente punk, debe respetarse.

Las atmósferas son las que le gustan al director: la noche envuelve a todos los personajes, tragados aparentemente por el abismo. Magloire, interpretado por un convincente Paul Hamy, escapa de un control de identidad policial. Su fuga es desesperada y desconocemos su meta. Magloire se topa casualmente con un hombre moribundo en la playa, al que roba una pequeña fortuna. Una banda de malhechores (increíble el reparto: Damien Bonnard, Gaspard Ulliel, Pascal Greggory y Lionel Tua) y dos femmes fatales (la medusa Elvire, musa y compañera del director, y la joven y prometedora Lisa Hartmann, quiere darle caza y, finalmente, con la presa exhausta, lo consigue. A partir de ese momento, Magloire es su rehén y, sobre todo, su cómplice. Tras un golpe fracasado, la comitiva se ve obligada a separarse y empieza un viaje a los infiernos a bordo de una nave que contiene un misterioso material radiactivo.

La cinematografía de F.J.Ossang se caracteriza por una pasión por el cine de género, el cine negro (Melville in primis), del cine mudo y del expresionismo alemán. La mezcla de estas influencias nunca es estéril, al contrario, el director consigue apropiarse de ella magistralmente. El resultado es apasionante y radical.

Film exigente tanto desde el punto de vista de la fotografía como desde el de los encuadres, elegantes y fríos pero nunca banales. Los personajes hablan poco y, cuando lo hacen, es para destilar líneas más que para comunicar realmente entre sí. Sus rostros parecen máscaras de cera y sus cuerpos, envoltorios vacíos. A pesar del oscuro universo que inunda atmósferas y personajes, no cabe duda de que late una esperanza sutil e inconstantemente a lo largo y ancho del metraje.

El tema del viaje, de la pérdida y, por último, de la deriva es dominante. Sin embargo, lo que cuenta siempre es el éxtasis final, perderlo todo). La música de M.K.B. (Fraction provisoire), grupo musical de Ossang, regala al film un substrato inquietante, seco y mecánico ,presentaNDO una humanidad corrompida que no cede a compromisos, como queriendo decir que la libertad se esconde con frecuencia en las tinieblas.

Las leyes de la termodinamica

Mateo Gil trata el amor como si fuera un documental de fisica quantica. Una cinta durisima en la forma de tratar el origen y limpieza de los sentimientos. Da tantos bandazos, se pierde tantas veces en los vericuetos de la comedia, que hace dificil determinar si es del siglo pasado o del proximo. En cuanto a la atraccion sexual, cae en los topicos de siempre o por el contrario le da la vuelta como un calcetin en la que es imposible entender nada sin tiempo para analizarlo. De esta forma las vias nunca se encontraran y la teoria de estudiar el amor mediante la fisica se estrellara en algun lugar del universo todavia por descubrir. Un físico prometedor y algo neurótico que se enamora perdidamente de una cotizada modelo que está a punto de triunfar como actriz. La relación termina siendo un completo desastre y el cientifico se propone demostrar que no ha sido por su culpa, sino porque ya estaba predeterminado así desde un principio por las mismísimas leyes de la física y la termodinámica. Pero, a medida que cuenta su propia historia, irá descubriendo que su exnovia se ha ido alejando de él por razones muy distintas. Mateo Gil (Proyecto Lázaro) dirige esta comedia romántica en formato de falso documental en la que se combina el relato narrado por el protagonista con entrevistas a supuestos expertos científicos sobre los factores que influyen en el amor. El brillante estudiante explica a los espectadores el fracaso de su relación como si fuese un hecho inevitable determinado por las leyes de la física cuántica y los principios de la termodinámica. Sin embargo, se dará cuenta de que hay espacio para el libre albedrío y de que sus propios miedos e inseguridades han jugado un papel importante en el desenlace de la historia. Una vez que haya reconocido sus errores, tendrá que valorar si no es demasiado tarde para recuperar a la chica de su vida. Junto a esta reflexión, en clave ligera y divertida, sobre los principios naturales que rigen el destino, los personajes secundarios protagonizan una trama secundaria en la que se habla sobre el eterno debate entre libertad o compromiso. El reparto está formado por Vito Sanz (Los exiliados románticos), Berta Vázquez (Palmeras en la nieve), Chino Darín (La reina de España), Vicky Luengo (Blue Rai) o Irene Escolar.

Isla de perros

No me gusta Anderson. No me gusta su dibujo. Mira. Anime que empeora respecto a "Mr.Fox " porque aqui ademas no adapta ninguna historia, sino que cultura y accion son totalmente personales. Anderson no es Roald Dahl. Sin epica, con una musica ensordecedora, imitando el cine negro, en medio de la corrupcion, narra la aventura de un niño y su perro. Tristeza infinita y apocalipsis como si quisiera interpretar la magnitud de Akira con el extraño niño Chin Chan. La isla se llama en realidad basura,  varios amigos del director son los guionistas que configuran otro Anderson, eso si,siempre diferente, meticuloso y paciente que habla de perros abandonados. Ellos son los unicos que en su desgracia, pueden llegar a los niños espectadores que tendran 20 años en el 2050. La ciudad de Megasaki vive su peor crisis. La superpoblación y una epidemia de fiebre canina ha provocado que el alcalde expulse a todos los perros, tanto callejeros como domésticos, a una isla vertedero. Meses después aterrizará en ese lugar una avioneta pilotada por un niño de 12 años, pupilo del alcalde que ha llegado para encontrar a su amigo de cuatro patas Spots. Con la ayuda de cinco hambrientos canes, destapará una conspiración que busca acabar con ellos para siempre. El seis veces nominado al Oscar Wes Anderson (El Gran Hotel Budapest) vuelve al género de animación, donde ya destacó con Sr. Fox, para contar una aventura en un Japón futurista. Anderson hace su particular homenaje al cine del país del sol naciente, especialmente a los grandes Kurosawa y el cine de monstruos de los 50, en un film de ambientación y animación por stop motion, donde el heroísmo, el honor, la naturaleza y la tecnología se dan la mano. La búsqueda de su perro por parte de un intrépido niño y el vínculo inquebrantable entre ambos se erige como tema central de una historia sobre la amistad, la familia y el futuro del ser humano, que es contada con humor y acción, pero en la que no falta una capa de denuncia social y crítica contra la intolerancia. La oscarizada Frances McDormand (Tres anuncios en las afueras), los nominados, Bill Murray (St. Vincent), Edward Norton (Belleza oculta) y Bryan Cranston (La última bandera) y Scarlett Johansson (Una noche fuera de control), prestan sus voces a este grupo de personajes olvidados que se enfrentarán a un enemigo muy superior a ellos.

Fireworks

Bello film de animacion de imagen real que firma el japones Nobuyuki Takeuchi sobre el destino, la juventud, con filtraciones de poesia y magia. Amor adolescente de fantasia a traves del espacio y el tiempo como si de una ciencia ficcion se tratara. Aventuras, inseguridades y sentimientos se visten con este nuevo estilo de dibujo nipon. Es verano en un pueblo costero, que se prepara para el día del castillo de fuegos artificiales. Allí vive un joven que está enamorado de una compañera que, debido al nuevo matrimonio de su madre, está a punto de cambiarse de instituto. Ante esta situación, le propone huir juntos, pero cuando éste se echa atrás por miedo, ve cómo la chica es obligada a volver a casa. Arrepentido, usará una misteriosa esfera para volver hasta aquel preciso momento. El veterano director de conocidos animes japoneses como Maho Shojo Madoka Magica Akiyuki Shimbo y el debutante Nobuyuki Takeuchi dirigen a cuatro manos esta película basada en la serie de televisión homónima creada por Shunji Iwai en los años 90, a la que añaden nuevos elementos. Fireworks ofrece una fantástica aventura, que transcurre en un día que se repite una y otra vez donde, en este caso, se cuenta una delicada y hermosa historia de amor rodeada por la magia. Convertida en una de las películas más exitosas del año en Japón, esta cinta combina el drama juvenil con elementos fantásticos en una emocionante historia donde sus entrañables y carismáticos personajes se desarrollan bajo las luces de los fuegos artificiales. Para ponerles voz, el film cuenta con actores experimentados en el anime, como Mamoru Miyano (Death Note) o Yûki Kaji (Ataque a los titanes), a los que se unen conocidos intérpretes como Suzu Hirose (Nuestra hermana pequeña) o Masaki Suda.

Custodia compartida/Jusqu a 'la garde

Película que justifica por si sola la existencia del cine como medio de difusion mundial de las ideas y los hechos para bien y para mal. Como Xavier Legrand filma el maltrato familiar, a la exmujer y al hijo comun, sentara catedra en la manera de tratar el tema desde la gran pantalla y las pequeñas tambien. La camara, juez y parte se suma a las extraordinarias interpretaciones siempre en su justo punto y situacion. Intencion, inteligencia y tacto se suman para ocuparse de una violencia algunas veces extrema. A a partir de las escenas del cumpleaños del chico, la tension sube a limites insostenibles como en el mejor de los thrillers. La semilla la habia puesto Legran en 2013 con "Antes de perderlo todo, con unos actores que ahora repiten. La partida, la sobriedad de un juzgado en el que ante el juez, un padre reclama la legal custodia que le corresponde. Una joven madre ha decidido dejar a su esposo y solicitar el divorcio para escapar de su comportamiento violento. Cuando pide la custodia de sus hijos para protegerlos de la ira de su marido, el juez del caso decide concederla compartida entre ambos cónyuges, lo que creará un conflicto de difícil solución. Consciente de que es víctima de un padre celoso y posesivo y de que debe proteger a su madre, el pequeño Julien vivirá una situación límite y hará todo lo que esté en su mano para que no ocurra lo peor. Escrita y dirigida por Xavier Legrand, logró el premio a mejor director y mejor ópera prima en el Festival de Venecia 2017. Con homenajes a títulosm diria yo, como Kramer contra Kramer o El resplandor, Legrand expresa la complejidad de una separación con hijos de por medio en un contexto donde la violencia doméstica aterroriza a personajes y espectadores, testigos directos de las dudas que la actitud del padre siembra en el juez, la presión a la que está sometido el hijo pequeño y el terror de la esposa acosada. A través de las perspectivas de los hijos, el film aborda las consecuencias de vivir en un ambiente tan asfixiante, que provocan que el pequeño quiera proteger a su madre, mientras la adolescente espera a ser mayor de edad para huir del conflicto familiar. El reparto está formado por Léa Drucker (El buen maestro), Denis Ménochet (María Magdalena) y los debutantes Thomas Gioria y Mathilde Auneveux.

Cada dia

Una adolescente de 16 años cambiará para siempre cuando se enamore de A, una misteriosa entidad sin forma física que, cada día, ocupa un cuerpo diferente. La atracción entre ambos es instantánea e irresistible, y les obliga a verse sin saber qué o quienes se encontrarán pasadas 24 horas. A medida que la intensidad de sus sentimientos aumente, las inusuales circunstancias que les rodean complicarán su relación cada vez más y les obligarán a tomar una decisión trascendental. Convertido en todo un fenómeno de ventas entre el público adolescente, el best seller Every Day, de David Levithan, se convierte en película de la mano del director Michael Sucsy (Todos los días de mi vida) y parte de esta novela para contar una emocionante historia sobre el primer amor que va más allá de la simple atracción física en una etapa vital, la adolescencia, en la que se prueban diferentes identidades para descubrir el verdadero yo. El romance juvenil convive con elementos más trascendentales, poco habituales en este tipo de cine, en una historia sobre el difícil salto a la madurez protagonizada por una chica cuya alma gemela es un espíritu. A través de esta premisa, el film se aproxima a aspectos modernos de la sexualidad mientras invita a mirar el interior de las personas y hacer reflexionar al espectador sobre quién es realmente cuando se elimina de la ecuación cualquier indicador externo de sexo, raza o apariencia física. Angourie Rice (Spider-Man: Homecoming) lidera el reparto de esta encantadora cinta que también cuenta con Justice Smith (Ciudades de papel), Owen Teague (It) y Maria Bello.

Bailando la vida/Finding your feet

Buscarse los pies es lo  que quiere hacer Richard Loncraine en este film bienintencionado de punta gruesa. El amor que no cuenta tambien puede ser asi de desordenado: florecer en otoño, verse afectado por alzheimer, o incluso conseguir hacer salir de una depresion a un personaje de serie de television. Buscarse los pies no es exactamente bailar con ellos aunque podria pasar como metafora. Con sus manazas, nos acerca un grupo de jubilados sexagenarios para conseguir que nos preocupemos un poco mas de sus problematicas y complicadas situaciones personales que parecen todos aguantar imperterritos. Para ello se ayudara de una clases de baile para los que en vez de ponerles autenticos hits de sus momentos vitales les deja escuchar mediocridades como para que se atrevan con sus notas menos exitosas. A punto de jubilarse, una mujer descubre que su marido, con el que lleva casada 40 años, tiene una aventura con su mejor amiga. La situación la lleva a refugiarse en la casa de su bohemia hermana, situada en un barrio empobrecido. Los primeros días de convivencia son complicados, pues las dos tienen personalidades muy distintas. Poco a poco, empezará a olvidar su acomodado estilo de vida y, a través de las clases de baile, a probar cosas nuevas y reencontrar el amor. El veterano Richard Loncraine (Ático sin ascensor), de más de 70 años, reflexiona en tono alegre y optimista sobre la vejez en esta comedia romántica de patente sello británico. Este punto de partida sirve al director para desatar todo tipo de  situaciones donde habla sobre la infidelidad, los lazos fraternales o volver a enamorarse pasados los 60. Con el simple y honesto objetivo de entretener, la película ofrece casi desconocidos números musicales, donde cada baile se convierte en cura y remedio contra los problemas y las decepciones de la vida. Estos personajes, que descubren que nunca es tarde para encontrarse a uno mismo, en este film, rebosante de energía y buenas vibraciones, cuenta en su reparto con destacados intérpretes como la nominada al Oscar Imelda Staunton (Maléfica), Timothy Spall (The Party), Celia Imrie (La cura del bienestar), David Hayman (El último virrey de la India) y Joanna Lumley.

Sanz, lo que fui es lo que soy

Con más de 20 años de carrera a sus espaldas, y 25 millones de discos vendidos, Alejandro Sanz es una referencia para la música latina a nivel internacional. Responsable de algunos de los álbumes más vendidos en la historia de la música española, y convertido en el artista patrio con más premios Grammy, sus labores filantrópicas y su producción musical le han hecho ganarse todo tipo de reconocimientos. Este documental repasa algunos de los momentos destacados en la vida del carismático músico. Gervasio Iglesias (Omega), Alexis Morante (El camino más largo), Mercedes Cantero y Óscar García Blesa intentan condensar en este documental los más de 20 años de carrera del prolífico y reconocido internacionalmente Alejandro Sanz, un hombre destacado en 2017 como Persona del Año por la Academia Latina de la Grabación por su producción artística y labores filantrópicas. El objetivo de Sanz: Lo que fui es lo que soy es ofrecer al espectador un retrato cercano e íntimo del artista, de su lado más personal y desconocido y de su mundo interior, a la vez que hace un repaso minucioso a una trayectoria profesional repleta de éxitos y premios a todos los niveles de la industria (entre ellos 20 premios Grammy Latinos y 3 Grammy). Material inédito riega un metraje que hace una cuenta atrás desde el pasado hasta los preparativos de un multitudinario concierto en el estadio Vicente Calderón en 2017. Además, la película cuenta con la participación de otros eminentes artistas, como Antonio Carmona, Miguel Bosé, Pastora soler o Shakira, que aportan sus propias anécdotas en su estrecha relación con Sanz, así como detalles sobre la personalidad del músico y compositor.

Nunca estamos solos

Un paranoico guardia de prisiones llega a un pequeño pueblo cuyos lugares estrella son el burdel y la cárcel. No tarda en entablar amistad con un hipocondríaco dependiente del supermercado, casado con una mujer que, infeliz en su matrimonio, se siente atraída por el portero del prostíbulo. A su vez, este hombre está enamorado de una stripper que trabaja allí que, sin embargo, espera a que el padre de su hijo salga de prisión. Cada uno de ellos intentará dar un nuevo sentido a sus tristes vidas. Premiada en el Festival de Berlín, la nueva película de Petr Václav (Cesta ven) transcurre en un convencional pueblo checo, donde se desarrollan las historias cruzadas de una serie de personajes, insatisfechos con sus vidas, que buscan desesperadamente algo que les haga salir del hastío en el que se encuentran. A través de ellos  se habla sobre de qué manera la interacción del ser humano con otros miembros de su misma especie define su propia personalidad, y del deseo irrefrenable por encontrar aquellas escasas relaciones que, realmente, marcan el carácter. En este drama coral con notas de humor amargo el realismo deja paso a la hipérbole para mostrar los diferentes destinos de unas personas atraídas por los extremos, algunas a la caza de una la libertad que se le resiste y otras nostálgicas de tiempos pasados más autoritarios, pero todas ellas cómplices de su propia infelicidad. Este relato sobre el estado actual de la República Checa cuenta con una mezcla de actores de gran prestigio en su país como Karel Roden (La huérfana) y Lenka Vlasáková (Lea) con semiprofesionales de orígenes humildes como Klaudia Dudová y Zdenek Godla, que ya trabajaron con el director en su anterior largometraje.

Matar a Jesus

Una estudiante de 22 años presencia el asesinato de su padre, un profesor de ciencias políticas de la universidad de Medellín. También es la única en verle el rostro al homicida, con el que se encontrará por casualidad meses después de que el caso haya sido archivado fruto de la indolencia de las autoridades. Tras conocer al verdugo, una víctima más de un sistema violento y corrupto, los sentimientos de la joven se debatirán entre lo moralmente correcto y su deseo de venganza. La directora Laura Mora Ortega (Pablo Escobar: El Patrón del Mal) consigue llevar a la gran pantalla su proyecto más personal y su segundo film, en el que vuelca las profundas y dolorosas reflexiones surgidas a raíz del asesinato de su propio padre. Un drama con grandes dosis de realismo que apunta directamente a la situación actual de Colombia, un país envuelto en un círculo vicioso que parece nutrirse de interminables actos de venganza. Este punto de vista es relatado por la realizadora a través de dos personas marcadas por la violencia, extrema en ocasiones, víctimas de ella cada uno a su manera, en un estado fallido que no ha sido capaz de proporcionarles la justicia que ahora buscan tomarse por su propia mano. Con el naturalismo alejado de artificios como seña de identidad, el film se apoya un reparto de intérpretes no profesionales sin fortuna algunos, encabezado por Natasha Jaramillo y Giovanny Rodríguez, que aportan su propia forma de relacionarse con la ciudad de Medellín para dar vida a estos dos protagonistas que se reconocerán al uno en el otro y se enfrentarán al desgarrador dilema moral de contribuir a la cadena infinita de muertes o, por el contrario, ponerle fin.

Gas the arabs

Un documental cuyo titulo nos da pistas de lo que vamos a ver y que no eran nada divertido. Este mediometraje documental de 56 minutos está producido por El Retorno Producciones y está dirigido por Carles Bover y Julio Pérez, la primera ópera prima de estos directores. Anteriormente habían trabajado juntos pero en cortometrajes como Camino ó Lezione y Galerias. Por la pelicula conocemos el horrible y constante conflicto árabe-israelí que ya lleva más de sesenta años y no cesa. Este documental es perfecto para volver a sacar el tema este año, ya que parece que como el conflicto ya está “olvidado” en los medios de comunicación, la gente no lo tiene tan presente. El trabajo de Bover y Pérez es una forma de devolver de alguna forma la presencia de este tema a la actualidad y “denunciar”este terrible hecho. El documental, no es nada agradable de ver, pues sus imágenes son muy duras. El comienzo es brutal y hará a la gran parte de los espectadores cerrar los ojos con la aparición de primeros planos de cadáveres, entre ellos de niños, que siempre es una situación que evitamos. Con un guion en forma de diario, vemos desde la visión de los palestinos todo lo que viven. Sí que es verdad que echamos en falta la otra parte (israelíes) para tener la versión de los dos lados.

Así, podremos ver su día a día lleno de prohibiciones para vivir en territorios como Cisjordania y la Franja de Gaza, los cuales el espectador visitará con diferentes personas lo que allí sucede de forma muy cercana. También se verán los constantes bombardeos y el miedo por parte de los palestinos, que nos dejarán agotados mentalmente. Una narración que si, por si no fuera ya potente por sí misma, está acompaña por una banda sonora de Pere Campaner.

Testimonios de palestinos que están afrontando como pueden el día a día en este entorno es lo que nos encontramos. Desde una madre que ha perdido a su hija en un bombardeo, pasando por pescadores que solamente intentan ganarse la vida y se la arrebatan, hasta niños que son brutalmente afectados por la situación que están viviendo.

Pensábamos que íbamos a ser capaces de ver esas imágenes tan reales, por que ya estamos “curados de espanto” con todo lo que nos ponen en los informativos. 

Esa escena final en la que van a visitar a un niño que está en el hospital. Ver esos ojos perdidos, asustados, abiertos como platos, y escuchar esos llantos de terror, nos hacen no querer mirar hacia un lado por un momento y ayudar a solventar esa catástrofe. Y es que nadie se merece vivir así, pero un niño menos.

El principe encantador

Una bruja maldijo a un príncipe con un encanto capaz de enamorar a cualquier mujer que le viera. El hechizo se rompería si, antes de cumplir los 21, éste encontraba el amor verdadero, pero si no, él y todo su reino jamás volverían a amar. A pocos días del fin del plazo, y tras acumular compromisos y el odio de muchos hombres, el príncipe se embarcará en un viaje para demostrar que es un digno heredero. Le acompañará un escudero que, en realidad, es una ladrona y la única mujer que le detesta. En una nueva interpretación de los cuentos clásicos, el director y guionista Ross Venokur (Get Squirrely), juega con la posibilidad de que el apuesto príncipe que enamora a Blancanieves, Cenicienta o La Bella Durmiente sea la misma persona. A través de esta premisa, propone una cinta de enredo en la que su protagonista, aquejado de una maldición que hace que todas las mujeres que se crucen en su camino se enamoren de él, acumula hasta tres compromisos de matrimonio, la ira del resto de hombres del reino (que lo quieren desterrar) y se embarca en una fantástica aventura para encontrar el amor verdadero que le libere del hechizo. En un universo poblado por algunos de los personajes más icónicos de los cuentos de hadas, el film habla sobre amor y saltos de fe a través de canciones y divertidos gags donde el protagonista compartirá viaje con un fuerte e independiente personaje femenino. La cinta cuenta con un elenco de voces, en el que participan Wilmer Valderrama (Retales de una vida), los nominados al Oscar Nia Vardalos (Mi gran boda griega 2) y John Cleese (Trolls), así como estrellas de la música como Demi Lovato (Los Pitufos: La aldea escondida), Sia (Peter Rabbit) o el DJ Steve Aoki.

Proyecto ramapge

Aventuras en una selva en la que posiblemente The Rock,el actor no el bial y yo seriamos incompatibles. Un gorila come malos comparte funcion con seres, es un decir, que harian las delicias de  una clinica dental sin dolor, y puede al mismo tiempo pilotar helicopteros y misilanear lobos gigantes voladores que no son preciasamente familia del simpatico Calcetines. Aventura fantasiosa que no fantastica que se liquida con 110', consciente de que el digital es agotador y cambian ademas el narrar por el gozar.La lucha del hombre contra la bestia no puede ser eterna y las catastrofes ya estan todas vistas y conceptuadas, por lo que el Peyton Brad de turno se muestra terriblemente eficaz para resolver escenas de  frenesi enloquecido. Cariño he agrandado a King kong seria un buen titulo, si el gorila no piense que pierde el glamour y vuelve a sus comportamientos origiales.  Las simpaticas pero limitaciones al fin y al cabo del protagonista se acaban trasladando a la ficcion, de buen rollo eso si, dado que es su tercera colaboracion. Un primatólogo que tiende a mantener la distancia con otras personas, pero que, sin embargo, tiene un estrecho vínculo con George, un inteligente gorila al que lleva cuidando desde que nació. Cuando un experimento genético salga mal, este simio crecerá sin control, arrasando todo a su paso. Davis descubrirá que George no es el único animal que ha mutado así, y junto a un científico desacreditado intentará frenar una catástrofe de enormes proporciones y salvar a su viejo amigo. Después de San Andrés, parece que el director Brad Peyton le ha cogido el gusto a eso de destruir grandes ciudades. En esta ocasión, no es una catástrofe natural la que amenaza con reducir los centros urbanos de EE.UU. a escombros, sino un grupo de animales que, tras un fallido experimento genético, alcanzarán unas dimensiones desproporcionadas y una furia descontrolada. El único humano capaz de hacerles frente será Dwayne Johnson (Jumanji: Bienvenidos a la jungla), convertido en un primatólogo que intentará rescatar a su mejor amigo: un gorila víctima de esta mutación. En Proyecto Rampage, Peyton combina acción, terror, emoción y aventuras en una gran superproducción de efectos especiales que traslada a la gran pantalla el emblemático videojuego homónimo que revolucionó las salas recreativas de los años 80. Junto a The Rock, la cinta cuenta en su reparto principal con rostros reconocibles como los de Jeffrey Dean Morgan (Premonición), Malin Akerman (Contrarreloj), Joe Manganiello (Magic Mike XXL) o la nominada al Oscar Naomie Harris.

Los hambrientos

De acuerdo que no remite a Corman como todas las peliculas de zombies. Y tiene el gran acierto para ser algo diferente, de sustituir la noche por la niebla densa. No por ser de dia se ve mas claro. Pero el film se esfuerza y no solo aplica su poca vision a criticar el mundo actual sino que ademas propone un plan de hada madrina que insufla un poco  de esperaza a esta humanidad zombie total. El fotografo/camara Steven Desrosiers tiene que adaptarse a que los zombies corran lo cual no es habitual, como no lo es que griten de dolor ellos que aparecen como seres insensibles y sin masa corporal. Imagenes poeticas como la niebla incipiente o la escultura de las sillas ponen algun interes mas en el plano guion que no pierde ni un segundo en explicar de donde procede la plaga  y se pone al frente de buscar las soluciones. Deudora de sus antepasadas queda clasificado claramente en el apartado epidemias. El mundo ha caído presa del hambre voraz de los muertos vivientes, mientras los pocos supervivientes que quedan hacen lo posible para no encontrarse en el camino de estos cadáveres andantes sedientos de carne humana. Sin embargo, la expansión de estas criaturas y la falta de recursos obliga a los vivos a desplazarse. En un pequeño pueblo de Quebec la subsistencia es complicada para los pocos que se resisten a la epidemia, que tienen que enfrentarse a los zombis y a sus propias crisis internas. En un género tan manido como el de zombis, en el que tanto la pequeña como la gran pantalla parecen haber andado casi todos sus senderos, de vez en cuando surgen propuestas que aportan una visión fresca y rejuvenecedora. Éste es el caso de Los hambrientos, quinto largometraje de Robin Aubert (Tuktuq) que viene de triunfar en el Festival de Toronto y en otras grandes citas del circuito fantástico. Con un estilo personal y de autor, Aubert vuelve a convertir a los muertos vivientes en criaturas terroríficas en un film que combina con acierto la tensión y el humor negro y donde el miedo lo provoca más aquello que no se ve que lo que se plasma en la gran pantalla. De tono apesadumbrado, surrealista e inteligente en sus escenas más aterradoras, la película, sorprendente y sugerente, presta menos atención a la violencia o el afán caníbal de los zombis que a la psicología de sus personajes, y en cómo luchan para adaptarse a la situación y encontrar (a la vez que el espectador) respuestas al por qué de la catástrofe. Marc-André Grondin (Una cenicienta de moda) y Monia Chokri (Reparar a los vivos) lideran un reparto que también cuenta con Micheline Lanctot (Familia) y la debutante Charlotte St-Martin.

Heartstone/ Corazones de piedra

Las inmensas e imponentes costas islandesas,como las irlandesas siempre sugieren a als camaras largos travellings, pausadas conversaciones pero tambien tempestuosos amorios y adolescentes pasiones cuando sopla la tormenta. Ni iba a escapar Guomundur Arnar (Reykjavick 1982) Arnar de estos preceptos en su primera película. Verano, amor,amistad, homosexualidad con naturalidad que denuncia la perdida de valores o algunos de ellos de las familias contemporaneas. Film de transito de la comedia al drama de la juventud a la decepcion madura siempre sensible al dolor que pueda producir en una localidad pesquera en Islandia. En una pequeña localidad pesquera, dos adolescentes a los que une un fuerte vínculo de amistad. En un verano turbulento, las emociones estarán a flor de piel cuando uno de ellos intente atraer la atención de una chica mientras el otro empieza a desarrollar nuevos sentimientos hacia su mejor amigo. Cuando estos meses finalicen, y vuelva la dureza del clima islandés, se acabará el tiempo para juegos y los dos se tendrán que enfrentar a la realidad de la vida adulta. Guðmundsson plantea un viaje a donde nacio y creció, un lugar de contacto directo con una naturaleza de contrastes, de días soleados en verano y largas jornadas sin luz el resto del año, donde los niños descubren tanto la belleza como la crueldad del mundo y las personas que le rodean. Fruto de un deseo por volver a aquellos años emocionalmente turbulentos, Guðmundsson compone un drama intimista protagonizado por dos adolescentes cuyo fuerte vínculo de amistad les mantendrá unidos a pesar del entorno y sus propios conflictos internos. A través de ellos habla de la crucial época de la juventud y de cómo define al ser humano en una película sobre el fin de la inocencia. Los debutantes Baldur Einarsson y Blær Hinriksson dan vida a los dos protagonistas, a los que acompañan personajes femeninos de gran fuerza interpretados por Nína Dögg Filippusdóttir (Börn) y Diljá Valsdóttir . 

El buen maestro/Les grands esprits

Analisis inteligente de los futuros cambios en el sistema educativo frances.aunque las propuestas finales no sean las mas acertadas,pero si las mas cinematograficas. La discutible propuesta una de ellas, es que un maestro de clase media alta de una prestigiosa escuela de Paris, imparta sus clases a los jovenes abandonados en los banlieus o barrios del extrarradio. Olivier Ayache Vidal se mira en el espejo de Tavernier un mucho y un poco en el actorazo Denis Podalydes. Para explorar el fenomeno educativo se elige la literatura que es mas cinefila y facilona por el juego que da,  que las matematicas o la quimica. y que en otras películas ha despertado un inusitado interes de guion entre el rebelde alumnado. De momento Ayache Vidal no es Cantet por ejemplo. Un profesor de 40 años que trabaja en el instituto de secundaria más prestigioso de París. Debido a una serie de circunstancias, se ve obligado a abandonar el Henri IV y todo su apacible entorno de clase media acomodada para aceptar una plaza vacante en un centro muy diferente, situado en un conflictivo barrio del extrarradio de la ciudad. En una etapa nueva para él, intentará por todos los medios ganarse a sus alumnos. Un joven estudiante le ayudará en esta tarea. Inspirado por sus inquietudes personales, Olivier Ayache-Vidal recurre a sus recuerdos y dos años de investigación en un centro de secundaria del extrarradio parisino para dar forma a su ópera prima. Entre la comedia y el drama, el realizador cuenta este choque de realidades que sirve al film para hablar de desigualdades y fomentar el debate sobre un inflexible sistema educativo nacional que es incapaz de adaptarse a las necesidades de todo el mundo, especialmente en aquellos que viven en las zonas más desfavorecidas. Denis Podalydés (Monsieur Chocolat) da vida a este profesor que cree tener el control de una situación que no tarda en superarle, y que tendrá que aprender a modificar unas teorías pedagógicas que se esfuerza por demostrar correctas. Le acompañan Léa Drucker (El cuarto azul) y un grupo de jóvenes actores amateur, cuyas vitales interpretaciones aportan un toque de frescura a esta historia de realismo social sobre el salto a la vida adulta que busca mas que hacer reír, incitar a la reflexión.

Cariño yo soy tu/L'un dans l'autre

De pelicula de tarde televisiva de serie de madrugada es este repaso de los pecados ancestrales de la pareja humana que nos mantiene despiertos gracias a una musica omnipresente y reiterativa. Lios infinitos resueltos con distinta fortuna entre ellos el descubrimiento en sus jovenes cuerpos del onanismo aplicado. Dos amantes adulteros reconocen en su ultima noche que sus fisicos se han intercambiado en esta comedia de ciencia ficcion. Cine frances menor, lo digo yo que tanto lo admiro. Dos parejas casadas forman un sólido grupo de amigos que empieza a resquebrajarse cuando dos de ellos se convierten en amantes. Ante las complicaciones que genera esta relación secreta, deciden poner fin a su aventura, no sin antes pasar una última noche juntos. Cuando despiertan, se encuentran con que, sin saber cómo, han intercambiado sus cuerpos. Mientras encuentran la solución a esta situación, tendrán que disimular y vivir la vida del otro. Hubo un tiempo en el que el intercambio de cuerpos (lo que se conoce en el cine anglosajón como body swap) era un recurso habitual en las comedias multisalas. Fan confeso de este subgénero, el director y guionista Bruno Chiche (Je n'ai rien oublié) lo recupera para una película que aprovecha el potencial humorístico, mágico y poético de tener las mentes de sus protagonistas encerradas en el físico del otro. Para intentar aportar algo novedoso a una clase de películas repleta de tópicos y lugares comunes, Chiche se inspira en la historia de una pareja de amigos suyos, infieles entre sí, que sirven como modelo a los personajes de esta cinta, miembros de los dos matrimonios unidos por una estrecha relación que será puesta a prueba cuando una aventura amorosa entre en la ecuación. De este modo, el enredo se multiplica por dos, dando lugar a gags que juegan con el intercambio de sexos, además de las estratagemas y maniobras descabelladas para que no se descubra el engaño. Stéphane De Groodt (No molestar) y Louise Bourgoin (Los caballeros blancos) permutan sus roles bajo la inocente mirada de Aure Atika (El infiltrado) y Pierre-François Martin-Laval. 

Alma mater/Insiriated

A todo director le llega su obra de tonos teatrales. Ahora es el belga  Philippe van Leeuw que abandona su obsesión física que mantenía en "El dia que Dios se fue de viaje"(2009) sobre el genocidio en Ruanda de 1994, y encierra el drama en una caja-espacio. Las cortinas acortan aun mas las distancias de lo reducidos habitaculos que es rellenado por el miedo y la tristeza. Lo regenta una temperamental mujer que impone su matriarcado a un mundo preferentemente machista. El film, de la mano de la magnifica actriz palestina  Abbas Hiam (Los limoneros) ha recorrido decenas de festivales dejando constancia de que las mujeres en las encrucijadas belicas se defienden con otras armas como su coraje, convicciones y fuerza interior. En el Libano transcurre la historia de esta mujer que convirtio su casa en un refugio para los suyos , amigos y vecinos en el centro de Beirut. El film presenta la cara del abuelo, atonito ante lo que en sus ojos de la guerra de Siria y lo que  ve por la ventana al mismo tiempo. Humanidad  que soporta una guerra inutil que acabara cualquier dia con una nota en television en la que ni citara a los damnificados que presos de libertad sobreviven cada dia conteniendo las lagrimas que les depara la continua emocion vital. 24 horas de la vida de dos familias encerradas en el piso refugio que fuera de atosigarnos con sus peroratas interminables sobre su delicada situacion, entrecruzan miradas, gestos y caricias que  ayudan muchisimo a comprender les. Oum Yazan es una madre de tres hijos que resiste, con lo que queda de su familia, en su casa de una ciudad sitiada. Su hogar también se ha convertido en un refugio seguro para una pareja de vecinos y su recién nacido. Juntos, dudan sobre si huir o quedarse, mientas se aferran a la rutina para protegerse de un horror que espera al otro lado de la puerta, donde los continuos bombardeos, los francotiradores y los saqueadores despiadados hacen que cada día sea una cuestión de vida o muerte. Muchas veces, la realidad supera a la ficción, y en el caso de la situación actual de muchas familias en ciudades, el horror es mayor del que cualquier guionista podría imaginar. Partiendo de un sentimiento de indignación ante la injusticia y el sufrimiento que padecen cientos de miles de personas en este país, el belga Philippe Van Leew, escribe y dirige un drama ambientado en una casa en medio de la guerra donde un grupo de personas se refugian de un enemigo que no llega a ser identificable, pero que fuera de plano amenaza cada segundo de sus vidas. La tensión y el miedo contagian la agonía que viven sus protagonistas, encerrados en una cruda realidad de la que no pueden escapar. De este modo, Alma mater, ganadora de dos premios en el Festival de Berlín, evita reflexiones políticas para centrarse en los aspectos humanos de aquellos que, sin pretenderlo, se ven atrapados en medio del conflicto. Hiam Abbas (Blade Runner 2049) lidera un reparto formado en su mayoría por actores de origen sirio en el que también participan Diamand Bou Abboud (El insulto), Juliette Navis (Hipócrates) y el debutante Mohsen Abbas.

OCTOBER

Por qué ' October Girl' Banita Sandhu fue elegida para la película de Varun Dhawan

"Cuando se trata del género del romance, siempre es hermoso ver un nuevo emparejamiento", dijo Shoojit Sircar. 

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Banita Sandhu hará su debut en Bollywood con octubre (cortesía de varundvn )

NUEVA DElhi.- Puede que ya la hayas visto en un bonito anuncio de Doublemint, pero sigue siendo una cara nueva para la gran pantalla y esa es precisamente la razón por la que Banita Sandhu se ha centrado en eloctubre de Shoojit Sircar. Banita Sandhu es elegido junto a Varun Dhawan en la película, cuyo lanzamiento sera en abril. Un día después de la película envuelta en Manali, el director dijo: "Estoy muy contento con su actuación como actor", explicando por qué Banita encaja perfectamente en el papel. "Cuando se trata del género del romance, siempre es hermoso ver una nueva pareja", dijo Sircar, y agregó: "Algo acerca de ver cómo su química florece a través de los carretes de la película, te hace sentir parte de su viaje desde el principio."

"Para octubre, esa fue una de las principales razones por las que elegí a Banita para el papel principal junto a Varun. Ella había actuado en uno de mis anuncios anteriores, el anuncio no solo resultó ser muy bueno, sino que también encontramos el personaje que estaban buscando en ella ", dijo Shoojit Sircar.

Filmada en Delhi e Himachal Pradesh, octubre tardó unos 38 días en ser filmada y envuelta mucho antes de lo previsto. Esto es lo que Tweun tuiteó : "October se cierra en noviembre. Se lanzará en abril y se quedará contigo para siempre". Tan dulce

"Para octubre, esa fue una de las principales razones por las que elegí a Banita para el papel principal junto a Varun. Ella había actuado en uno de mis anuncios anteriores, el anuncio no solo resultó ser muy bueno, sino que también encontramos el personaje que estaban buscando en ella ", dijo Shoojit Sircar.

Filmada en Delhi e Himachal Pradesh, octubre tardó unos 38 días en ser filmada y envuelta mucho antes de lo previsto. Esto es lo que Tweun tuiteó : "October se estrena en abril 2018. Se quedará contigo para siempre". Es tan dulce

Rabbit School

Max es un travieso conejo de ciudad que termina atrapado en una escuela de conejos de Pascua con métodos bastante anticuados. Poco a poco, Max empieza a disfrutar de las divertidas costumbres del lugar, y junto a la misteriosa Madame Hermione y la adorable Emmy, descubrirá quién es su verdadera familia y a controlar el arte secreto de la magia de los conejos de Pascua. Lo empleará, junto a sus compañeros, para proteger el preciado huevo de oro que quiere robar una astuta familia de zorros. La tradición de origen germano de los conejos y los huevos de Pascua llega en forma de divertida película de animacion. Ute von Münchow-Pohl adapta un cuento clásico alemán que ha encandilado a generaciones de niños con sus ilustraciones y canciones, que relataban un hipotético día a día en la escuela donde los conejos se forman para llevar los huevos de Pascua a las casas de los niños. Esta historia sirve como base para un largometraje que se toma unas cuantas licencias con el objetivo de contar una historia universal y, a la vez, darle un toque más trepidante, aventurero y moderno que atraiga la atención del público infantil de hoy en día, al que busca transmitirle el mensaje de que todo el mundo puede, a pesar de sus diferencias, encontrar su lugar en el mundo. En el reparto de voces, veteranos actores como Senta Berger (Diabólicamente tuyo) o Friedrich von Thun (La lista de Schindler) comparten cartel con los debutantes Noah Levi y Jenny Melina Witez.

Leo da Vinci mision mona lisa

Leo Da Vinci es un joven pintor e inventor de animacion que está completamente enamorado de Mona Lisa, una chica que, a causa de un incendio, pierde su casa. Decidido a ayudarla, Leo le propone embarcarse en una fantástica aventura para encontrar el tesoro de un barco pirata hundido que podría ser la solución a sus problemas. Junto a un grupo de amigos, Leo y Mona Lisa tendrán que sortear multitud de peligros y a la banda de corsarios que, al igual que ellos, busca el oro que esconde la isla de Montecristo. El artista y visionario Leonardo Da Vinci se convierte en Leo Da Vinci: Misión Mona Lisa en un joven y enamoradizo héroe de aventuras que se lanzará a la caza de un tesoro pirata. Con este punto de partida, el italiano Sergio Manfio (Los cachorros y el código de Marco Polo) dirige una cinta de dibujos animados que transmite a los más pequeños de la casa la emoción de un viaje a través de la naturaleza, donde sus protagonistas duermen en cabañas en el bosque o sobrevuelan el mar a través de vehículos inventados por ellos mismos. A través de sus protagonistas, el film recuerda el valor de la creatividad y de no rendirse ante las dificultades en una historia arquetípica de buenos y malos que, sin embargo, disemina pistas durante todo su metraje hasta descubrir la verdadera identidad del villano. Misterio, humor, drama y romance se dan la mano en esta película para toda la familia que recrea al detalle (con algunas licencias anacrónicas) escenarios tan fascinantes como la Florencia del Renacimiento o algunos de los inventos más conocidos del genio italiano, que en su versión animada vivirá su propia evolución personal.

La delgada linea amarilla

Que maravilla de historia de carretera con solo 5 actores y un perro, que podia ser "Truman". Cinco hombres son contratados para pintar la línea divisoria de una carretera que conecta dos pueblos de México; andando y arrastrando la maquina de pintar, duermen al raso para no gastar unos pesos en una pension. Buscando la sombra para la siesta, en una ocasion se la dan los genitales del famoso toro del brandy. Doscientos kilómetros en los que estas solitarias personas, únicamente unidas por la necesidad de ganarse unos pesos, cambiarán su forma de ver las cosas, entre ellas la amistad y el baño. Cada uno, con su propia historia y sueños, aprenderá, a un kilómetro por hora, que sólo una delgada línea separa la risa del llanto, el bien del mal y la muerte de una vida que, a ratos, es apreciada, odiada y, sobre todo, amada. Aplaudida y galardonada por la crítica en festivales como los de Gijón y Montreal, y nominada a 14 premios Ariel (los Oscars del cine mexicano), llega la ópera prima de Celso García que viene apadrinada por el mismísimo Guillermo del Toro. Como ocurre con sus protagonistas, la película transcurre sin prisa, pero sin pausa, y se toma el tiempo necesario para mostrar la vida interior de cada uno de estos cinco hombres, que intentarán reconciliarse con un pasado lleno de decisiones desafortunadas, arrepentimientos o conflictos familiares. Kilómetro a kilómetro, García compone una película que destila honestidad y encuentra sus mayores virtudes en una sencilla propuesta, apoyada en un guion sólido y un formidable trabajo actoral, que a la vez sirve como retrato esperanzador del México actual y las gentes que lo habitan. Damián Alcázar (Magallanes), Joaquín Cosio (El llanero solitario), Silverio Palacios (Eisenstein en Guanajuato), Gustavo Sánchez Parra (Vacaciones en el infierno) y Américo Hollander (La vida después) interpretan al quinteto principal. En Gijon, el publico no se queda a la presentacion. Fue un error pero tambien es verdad que eran las dos de la madrugada

Blue Rai

Rai está a punto de vivir un día inolvidable. Todo empieza cuando, a punto de pedirle matrimonio al amor de su vida, ella le deja sin darle explicaciones. Por si esto fuera poco, es tomado como rehén junto a sus amigos y el resto de clientes del videoclub que regenta. Tras ver cómo el secuestrador sufre un repentino infarto, Rai decidirá suplantar su identidad para intentar recuperar a su novia. Durante seis horas de encierro, descubrirá que el amor no es exactamente como lo pintan en el cine. Para su ópera prima, Pedro B. Abreu crea un improbable híbrido entre dos films de culto tan dispares como Clerks y Tarde de perros. El resultado es Blue Rai, una estimulante mezcla de géneros donde una crisis de rehenes en las dependencias de un videoclub se convierte en una situación casi surrealista donde conviven el cine independiente, la comedia y el thriller de atracos. Todo ello alrededor del romance (o, más bien el final de él) del dependiente del establecimiento, un chico que ha aprendido todo lo que cree saber del amor a través de las películas y que se enfrenta, de una manera poco convencional, a una dolorosa ruptura y a la complejidad de las relaciones sentimentales en el mundo real. Premiada en el Festival de Málaga, esta cinta coral hace un sentido homenaje al séptimo arte, y a pesar de las múltiples referencias de las que bebe, consigue destilar frescura y personalidad. Santi Bayón (All I See Is You) lidera un reparto en el que también se encuentran Pep Ambròs (El olivo), Josep Segui (Paintball), Vicky Luengo (Barcelona, noche de invierno) y la debutante Mireia Guilella,

Verano de una familia en Tokio/Kazk wa tsunalio 2

El drama japones es unico. Es dificil de burlarse de el. Yoji Yamada lo intnenta con una serie de chistes facilones que surge de la relacion despendulada de un  diferente y unos hijos conservadores. A traves de un entierro recupera un poco el tono mas digno que corresponde a las leyendas samurais y al honor de las insignes espadas. Pero no sublime es el argumento. Se  centra en un padre que abandona definitivamente el carnet de conducir, llevando la paz a la familia, que dejaran de sufrir accidentes, colisiones y peligros que les podian costar la vida. Segundas partes se ve que tampoco funcionan en Japon , todo y conseguir practicamente el mismo equipo. El exito internacional de la comedia costumbrista de la clase media nipona ya no sera el mismo. Los remakes de Cuentos de Tokio, ha perdido gas. Yamada tiene 86 años y ahora ya nada es igual. Mientras su mujer viaja con unas amigas para ver la aurora boreal, el abuelo de la singular familia Hirata aprovecha para retomar antiguas amistades y rememorar viejos tiempos. Después de un pequeño accidente de tráfico sin importancia, se desatará el caos en la casa y sus hijos se reunirán para intentar que deje de conducir y de poner en peligro la vida de los demás. Pero el abuelo no se lo pondrá nada fácil y desafiará a toda la familia cuando lleve a casa a un viejo amigo del colegio. Es la secuela de la exitosa comedia Maravillosa familia de Tokio que cuenta una nueva aventura de los Hirata. La trama se sitúa varios años después de la primera, cuando los abuelos estuvieron a punto de divorciarse y de cambiar las reglas de la casa. El director Yoji Yamada (El ocaso del samurái) continúa ofreciendo un cómico relato sobre la familia nipona en esta entrega, en la que tendrán un conflicto cuando el abuelo del clan comience a abollar el coche cada vez que sale de paseo. Sus hijos se preocupan por la seguridad de un conductor de edad tan avanzada y le piden que renuncie a su carné de conducir. Pero la testarudez del abuelo es implacable y todos los miembros de la familia terminarán por implicarse en una discusión que nadie quiere tener. Cuando éste se reencuentre con un viejo compañero de clase en el bar y lo invite a quedarse en su casa, se desencadenará otra crisis. La película cuenta con el mismo reparto que la primera, encabezado por Isao Hashizume (Railways), Kazuko Yoshiyuki (Departures), Masahiko Nishimura (Welcome Back Mr. McDonald) o Yui Natsukawa.

Miss Dali

Si que Federico Garcia Lorca, Salvador Dali (1904 -1989) yLuis Buñuel eran grandes y eran tres. Pero sus veranos al sol de Cadaques, poblacion adorada por Dali, quiza no daban para 166 minutos de esta interesante tri biografia. El punto de apoyo del relato parte de que poco despues de la desaparicion del artista, su hermana Anna Maria, con la que  llevaba 40 años sin verse y odiandose tambien,  se reune con el unico personaje inventado del film, Maggie, una amiga irlandesa. Entre sus recuerdos, destrozan a la esposa Gala, atribuyendole todos los males de la familia como la rotura de la relacion del trio de amigos, y su particular odio a Picasso. En los hitos de la conversacion, los flashbacks se filman en tonos  mas palidos para desvelar los momentos que han escogido del histrionico pintor, con una camara que en alguna ocasion se abre a la Costa Brava.  Ventura Pons, (Universal i faraona) este notable  director catalan lleno de proyectos se encuentra en este biopic complejo, al borde del caos, que es un poco la forma de vivir con alegria del trio objeto de analisis. Pero lo frena tambien con acierto  al poner el detalle cultural o filosofico antes o despues del desmadre de turno. Bien dirigidos Marta Angelat y Jose M. Pou, Eulallia Ballart o Jose carmona, componen sus excelentes papeles con nivel internacional. Anna María Dalí es sólo cuatro años más joven que su hermano Salvador, por lo que entre ellos siempre haya habido una estrecha relación. Ambos disfrutaron del ambiente progresista de la España republicana y se codearon con la Generación del 27 desde su fantástica casa en la idílica Cadaqués. Sin embargo, el estallido de la II Guerra Mundial, la irrupción de Gala y el éxito de Salvador los llevaría a separarse y, aun queriéndose todo el tiempo, no hablarse en 40 años. En una época prolífica, firma casi dos películas por año, Ventura Pons (El virus del miedo), firma un retrato nunca visto antes del genial pintor. De este modo, el lado más desconocido de Dalí sale a la luz en esta película que habla sobre su entorno más familiar y privado, su relación con su esposa y musa Gala y el vínculo que le unió con otros creadores como García Lorca y Buñuel en un contexto sociopolítico tremendamente convulso. A su vez, la cinta sirve como homenaje particular del director al pueblo de Cadaqués, (el más bonito del mundo según el propio Dalí), y en cómo sus increíbles paisajes sirvieron para inspirar al artista surrealista. Sian Phillips (Yo, Claudio) y Joan Carreras (El Ministerio del Tiempo) interpretan a estos dos hermanos. Completan el reparto Claire Bloom (El discurso del rey) y Rachel Lascar.

Inmersion/Submergence

Wim Wenders es un director complejo y ya tiene sus peculiaridades sin admitir comparaciones con otros de obras imbricadas. Inmersion no es un documental sobre tiburones ni paraisos subacuaticos de mil colores. Es un collage entre documental y ficcion, sobre el mundo del romanticismo, todo muy desconcertante, pero dotado de buenisimos encuadres, potentes imagenes y una perfecta relacion entre los protagonistas. Ofrece una vision entre filosofica y humana de la cultura, el terrorismo, la biologia y la matematica. James trabaja para la inteligencia británica y está a punto de viajar a Somalia para investigar una red terrorista. Danielle es una biomatemática que se prepara para una inmersión a gran profundidad que probará sus teorías sobre el origen de la vida. Ambos se encuentran en un hotel de la costa y, a pesar de que no quieren enamorarse, el amor termina surgiendo. Con un mundo de distancia él es capturado por los yihadistas mientras ella se adentra en el océano sin saber si volverán a verse. El 3 veces nominado al Oscar Wim Wenders (Los hermosos días de Aranjuez) ofrece este semidocumental basado en la novela homónima de J.M. Ledgard ambientado en dos lugares separados por miles de kilómetros, pero conectados por el amor. El inesperado romance sirve a Wenders para sumergir al espectador en dos mundos opuestos y casi desconocidos: la arena del desierto, de donde surgen las creencias y el compromiso con una yihad inflexible de una facción terrorista y, por otro lado, las profundidades acuáticas del rincón más remoto del mundo, donde todo avanza sin la injerencia del ser humano. En torno a sus dos protagonistas, que viven la vida al límite y luchan por cambiar el mundo, y de la incertidumbre sobre si, después de un intenso primer encuentro, se volverán a ver, el cineasta estructura una historia de alcance geopolítico, con misterio y peligro, pero sobre todo un romance por encima de cualquier barrera. La oscarizada Alicia Vikander (Tomb Raider) y James McAvoy (Atómica) forman la pareja principal y son secundados por Alexander Siddig (El quinto poder) y Reda Kateb.

Marea humana/Human flow

Documental de 260 minutos, rodado en 23 paises con un equipo de 200 personas. Lo que era una pelicula epica sobre esta tragedia mundial de la deslocalizacion de los pueblos, deriva lentamente hacia una introspeccion del director perdiendo poco a poco la interesante primera perspectiva. Alardeando de su estudio berlines, Ai Wei Wei, se hace selfies sonrientes entre la miseria mas terrible como si fuera un turista mas a quien el peor drama de la globalizacion no fuera con el. Pero aun asi ha que alabar este documental que el autor chino transforma en una egida parodiando el turismo mas desgarrador y  cruel. Como si fuera un integrante de Instagram va rodando miles de metros sin atisbar ninguna solucion con imagenes que quien mas que menos ha visto en el telediario. El merito retratar como sea esta verdad incomoda de la guerra que libran 65 mllones de personas de todas las edades y generos contra el hambre, la guerra civil, la enfermedad y el hogar estable. Mientras se debate sobre seguridad y responsabilidad, el mundo afronta la mayor crisis migratoria desde la Segunda Guerra Mundial. Más de 65 millones de personas han abandonado sus hogares huyendo en busca de un futuro que contrasta con la realidad que les toca vivir. Cada uno en esta marea humana tiene una historia que contar, con su propio dolor y alegría,, y este documental recoge algunas de ellas, cuyo optimismo a pesar de la adversidad es toda una lección de vida. En una de las crisis migratorias más importantes de la historia de la humanidad, el espectador de cualquier país desarrollado puede correr el riesgo de perderse en un mar de cifras y estadísticas, que informan, pero que no se acercan a la cruda realidad a la que se enfrentan millones de personas de todo el mundo, que dejan atrás todo por lo que han trabajado y que terminan malviviendo en campamentos en medio de ningún lugar. Con el objetivo de poner voz y rostro a la tragedia de los refugiados en cualquier parte de la Tierra, el artista, documentalista y activista por los derechos humanos Ai Weiwei recoge en esta película auténticos relatos de hombres y mujeres que luchan cada día por encontrar su lugar, la paz, y vivir dignamente. Además, el director carga en Marea humana (Human Flow) contra las políticas del miedo, las desigualdades, la injusticia y aquellos que evitan ver el sufrimiento mirando a otro lado justo en el momento en que es indispensable poner de nuestra parte. Weiwei recorre países para, entre la poesía y el realismo sin filtros, ofrecer al espectador una experiencia grandiosa y a la vez íntima, llena de compasión y empatía, que le hará reflexionar sobre lo que puede llegar a ser vivir tan terrible situación.

Un sol interior/Un beau solel interieur

El mayor logro de este intimista film es la breve pero sustanciosa presencia de Valeria Bruni Tedeschi, asi como Gerard Depardieu,, que enfrentamiento actoral, quien tras su presentacion en la cinta habla de una luz interior que es lo que mas protegemos pero que al mismo tiempo tiene que es estar abierta siempre a lo que venga. Poetica amorosa que se esgrime contra la soledad y la sensibilidad extrema. Sin dramatismo ni demasiada compasion, el film aprecia el ligero paso de la directora primeriza en potenciar el lenguaje del uerpo para entrar un poco mas en la fuerza de los dialogos que dicen cosas Ya casi en los 50, la mujer solitaria pero de exito, acaba  de finalizar con el genero masculino y su rapacidad. Como mas relaciones encuentra la protagonista para hallar lo que quiere, mas vacio esta su sol interior.Peor que se apaga como el talento frances de estas dos mujeres naufragadas en el mar del despecho. Una artista divorciada y madre soltera que vive en París, tras varias relaciones de resultado desastroso, quiere descubrir el amor verdadero. Con filosofía y humor ocurrente, Juliette Binoche deberá dejar atrás sus fantasmas acumulados tras tantas decepciones y desencuentros con el objetivo de encontrar lo que tanto tiempo ha estado buscando: un hombre que le ilusione de verdad. Para ello, tendrá que darse cuenta de que lo que ve en los hombres y lo que ella quiere no siempre coincide. Esta comedia de la veterana Claire Denis (Una mujer en África) compitió en la Quincena de Realizadores 2017 de Cannes. Es la adaptación al de la novela de Roland Barthès," Fragmentos de un discurso amoroso". Narra la historia de una artista y madre soltera que busca el amor después de acostarse sucesivamente con hombres casados y problemáticos. La protagonista se salta los clichés a los que están expuestas en el cine las mujeres maduras y divorciadas contando sus experiencias con ingeniosos diálogos. Definida por la directora como una Casanova moderna, este personaje aprenderá a no ser tan firme con sus ideas para dar con el amor de verdad. Encontrará sabiduría en las palabras del narrador, interpretado por el nominado al Oscar Gérard Depardieu (Astérix and Obélix). La cinta está protagonizada por una de las caras más conocidas del cine francés, la oscarizada Juliette Binoche (El paciente inglés), que está acompañada en el reparto por Xavier Beauvois (El precio de la fama), Valeria Bruni-Tedeschi (Locas de alegría) o Josiane Balasko.

Juego de ladrones/Den of thieves

Tension, pesadez, interes y novedad es lo que vende Christian Gudegast con su estilo sereno pero fuerte de rodar la violencia. Film sensiblemente largo para lo que cuenta, debido a los excesivos enfrentamientos personales entre los integrantes de una superbanda, cuesta en ocasiones distinguir quien es quien entre tanta barba, asi como duelo final con media banda confundida en medio de la policia asediadora del caso.Recién salido de prisión, un atracador profesional reúne a su equipo de experimentados ladrones de bancos para un último golpe: hacerse con los 120 millones de dólares que, cada día, son sacados de circulación por la Reserva Federal. Para salirse con la suya y conseguir un objetivo que nadie ha alcanzado, estos atracadores tendrán que llegar al dinero antes que el Departamento del Sheriff de Los Ángeles, la brigada más temida de la ciudad liderada por un implacable agente de la ley. Rudos policías y el grupo de ladrones de bancos más temido de EE.UU. se enfrentan en la ópera prima del guionista Christian Gudegast, autor de films recientes del cine de acción como Objetivo: Londres o Diablo. En su debut difumina la frontera entre ambos lados de la ley, y compone una trepidante cinta donde el thriller convive con el drama criminal. Tiroteos y espectaculares persecuciones estan protagonizados por un cara a cara de alto voltaje entre Gerard Butler (Geostorm) y Pablo Schreiber (13 horas: Los soldados secretos de Bengasi). La ciudad de Los Ángeles, el lugar con más atracos a bancos del mundo, se convierte en el tablero de ajedrez para estos dos hombres que protagonizan un duelo psicológico donde juegan con las fortalezas y debilidades del otro hasta llegar a un desenlace explosivo. Curtis "50 Cent" Jackson (Plan de escape) y O'Shea Jackson (Straight Outta Compton) completan el reparto de este film que confunde a héroes y villanos, y sorprende con sus giros de guion.

Have a nice day

Mientras la China va lanzada a toda velocidad hacia el capitalismo mas puro y duro, ellos todo lo hacen a lo grande, escalando posiciones en el ranking de la cumbre rica del mundo,(quien no trabaja para un empresario chino en la actualidad, dejado por el camino, clases medias, no digamos ya trabajadoras, violencia en las ciudades decadentes en este voraz concurso capitalista que mientras sube la riqueza de unos pocos disminuye la renta per capita de sus habitantes. Y el cine detras. Con mas lentitud por aquello de ser septimo arte pero el que fija la posicion y lo que tendra que hacer y como comportarse financieramente la masa ciudadana progresivamente empobrecida, algo desesperada ya y que no saben quien era Mao. Liu Jian es el encargado de enraizar un film economico como si fuera un thriller de animacion de cine  negro en su segundo film con bolsa de dinero incluida y unos personajes ineptos pero con una pleyade de dialogos de doctrina filosofica. Una tormenta está a punto de desatarse en una pequeña ciudad del sur de China. Allí vive un joven que trabaja como chófer y que necesita dinero urgentemente para solucionar la desastrosa cirugía plástica que ha desfigurado a su prometida. Sin otra opción, roba a su jefe una bolsa con un millón de yuanes, que automáticamente le pondrá una diana en el pecho. En una noche de auténtica pesadilla, todos en la ciudad intentarán darle caza y hacerse con el preciado botín. En un intento por poner en el mapa a la animación independiente china, Jian Liu (Piercing I) dirige esta segunda película no apta para todos los públicos que ha visitado festivales tan prestigiosos como de Berlín o Sitges. Parte de los fundamentos del nuevo cine de gangsters para hacer,con humor negro y violencia, una reflexión nada edulcorada de la China actual, donde la corrupción y la codicia son el síntoma más visible del contagio neo capitalista que experimenta el país, y que provocaron su censura por parte de las autoridades locales. Con un potente estilo de animación, la mayoría desarrollada por el propio realizador, que expresa la poesía y melancolía de sus personajes, muestra un variado catálogo de individuos pintorescos, excéntricos y agresivos. Un gran y voluminoso casting de actores autóctonos pone sus voces al servicio de esta película que no tiene ningun reparo a la hora de plasmar en la pantalla la sangre de su relato.

Campeones

Javier Fesser es un director anclado en lo comico. Te ries con el o contra el. Es manipulador y apasionado. Sus campeones hasta el momento han sido P. Tinto, Filemon y de algun modo Camino. Personajes bien dibujados pero demasiados para la realmente solo media docena de gags aprovechables del nutrido repertorio. Aunque es tierno como en Camino, no seduce. Y eso que abandona los personajes frivolos para en al senda del deporte, apoyar la necesidad de que los descapacitados encuentren la ilusion y la amistad en la competicion, a su medida. En este film, un hombre juzgado y condenado a no seguir jugando profesionalmente, a compartir trabajos sociales como por ejemplo, entrenar a basket ayudando al grupo a superar objetivos y dotarlo de sentido el equipo, que al mismo tiempo le sirve mas que de redencion, de humanismo y educacion, fisica tambien. Innovador desde el Secleto de laTlompleta su cine aun no tiene escuela en nuestro pais. El film es tambien un decalogo de acostumbrarse a no decir retrasados, mongoles o subnormales a personas que lo que tienen es la poca fortuna de un Down, un Asperger u otra afectacion. Como reirnos ya es lo que hacemos normalmente, el film da un buen par de  puñetazos al estomago para sacar estas lagrimas ahogadas, pero que todos han de tener en un rincon, el de la aceptacion al diferente. Un hombre que trabaja como segundo entrenador de un equipo de la ACB ve como su vida se desmorona. Sus frustraciones explotan en pleno partido, cuando discute con su superior. La bronca, desemboca en un accidente de tráfico mientras conducía ebrio, que le sienta en el banquillo, el otro,el de los acusados. La sentencia le obligará a entrenar a unos chicos con discapacidad intelectual en una experiencia que, por encima del baloncesto, le enseñará las cosas que de verdad importan. El nominado a un Oscar Javier regresa con su nuevo largometraje, en la que se inspira para componer una película llena de humor y ternura. Sirve al realizador como punto de partida para abordar, con sinceridad, naturalidad, respeto y empatía, el mundo alegre y desprovisto de prejuicios de este colectivo. Diez actores con discapacidad intelectual, la mayoría de ellos debutantes, comparten reparto con el Goya Javier Gutiérrez (El autor) en esta colorida feel good movie. También al protagonista de la cinta, cuyos problemas personales y soberbia inicial darán paso al descubrimiento del valor de la humildad, la autenticidad y la amistad para recuperar el control de su vida y su matrimonio en crisis. Completan el reparto Itziar Castro y la Goya Luisa Gavasa, Juan Margallo, Jesús Vidal, Daniel Freire, Athenea Mata, Roberto Chinchilla, Alberto Nieto Ferrández, Gloria Ramos, y Itziar Castrov.