Hace mucho que te quiero

Kristin Scott Thomas s una de mis actrices preferidas desde siempre, como el cine francés. Los dos se reunen bajo la tutela de Phillippe Claudel, escritor psicológico además. El único problema del film es que pretende encontrar todas las respuestas y traspasar la culpa de no hallarlas, algunas cuestiones no las tienen, al pobre publico que pasaba por allí. Claudel intenta y lo consigue disculpar a una mujer que en el pasado cometió un atroz crimen, que comprenderemos, disculparemos y añadiremos que se lo merecía.
Retrato sobrio de personas encerradas en prisiones físicas y metafóricas, mirando de reconstruir lazos emocionales, evitando depresiones imposibles, dibujando vidas entre sombras y demostrando la inutilidad de la arrogancia social y de todas y la fragilidad de la moralidad burguesa y de las otras. Ofrece un solido contrapunto a mi actriz preferida una interesante Elsa Zylberstein. Completa el triángulo interpretativo S. Hazanavicius. Recomendable especialmente en tarde de tormenta de verano, finalizando ya las vacaciones.

Los girasoles ciegos

Siempre apetece hablar de las películas de José Luis Cuerda. Recordemos Amanece que no es poco, Así en la tierra como en el cielo, El bosque animado, La lengua de las mariposas, La viuda del capitán Estrada, Pares i nones y La educacion de las hadas. Ahora vuelve con una historia de educacion de postguerra. Cualquiera de sus personajes, Raúl Arevalo por ejemplo, es rico en matices. Cuerda rueda sin tensionar al máximo el clima, como un clásico manteniéndose siempre dentro de la corrección política pero de denuncia. Tampoco diríamos que la acción es neutra y previsible. Muchos no conocerán los conflictos que plantea el film, no por inauditos, menos reales o veraces, algunos de una complejidad considerable.
Maribel Verdu, que tiene a su marido escritor y significado republicano, Javier Cámara, escondido en casa, en una habitación falsa detrás del armario del dormitorio, es objeto de la obsesión sexual del cura maestro de su hijo. Un diacono confuso y inseguro después de su paso por el frente bélico. Su actuación durante la nefasta guerra le ha desorientado frente a sus valores en la vida, pierde la fe y se quiere perder en el laberinto pecaminoso para el del sexo prohibido.
Cuerda pulsa con tacto el dolor de la guerra civil y nos recuerda con delicadeza lo que se perdió y por aun, lo que hubiera podido perderse. Guión póstumo de Rafael Azcona, incide en todos y cada uno de sus latiguillos argumentales: el clero, los militares, la educacion, la escuela, el fascismo, la represión, todo organizado magníficamente por el concierto de Cuerda alrededor del sexo. Otro tabú de aquella España y de esta, que constantes cineastas menos ciegos que otros, derriban film tras film.

Calle Santa Fe

Carmen Castillo, se encarga con este documental, de demostrar y hacer ver a la sociedad chilena actual, que los represaliados no eran unos imbéciles que querían morir, sino personas libres, que querían trabajar, bailar, tener hijos, leer y amar. Su propio compañero era secretario general del MIR y como tantos tuvo que pasar a la clandestinidad, sufrir detención, tortura o exilio, cuando el dictador cuyo nombre no quiero que ensucie este blog, puso su bota sobre la democracia de Allende. Castillo que vive en Francia, asegura que este film no es una catarsi, sino una lucha contra el olvido y la amnesia colectiva. Como puede ser una frustacion el recuerdo de una rebelión llena de significado para un pueblo?. Nosotros somos supervivientes de aquella época y tenemos la obligacion de contarlo a las nuevas generaciones, dice.
La reconstrucción la hace en la misma casa donde el 5 de octubre de 1974 entraron los esbirros del innombrable, asesinaron a su compañero y la apalearon estando embarazada. "Los ojos sin memoria no ven nada". La ovación que recibió el film de 163 minutos en su presentación de Cannes 2007 , duro 15 minutos.
Las dificultades de pasar cuentas, la meditacion sobre la naturaleza selectiva de la memoria, la culpa, el celo revolucionario y la exigente condición del exilio pueden hacer que alguien sin conciencia de lo que esta visionando lo encuentre monótono, tosco o reiterado. Comprendemos que el impacto del horror es tal que algunos no lo pueden soportar. Pero es necesario hacerlo.

Fred Crane

En su papel de Brent, le decía a Tara en el porche algodonero de "Lo que el viento se llevo" al empezar el film: ¿Que importa que nos haya expulsado de la universidad, Scarlett?. La guerra llegara un día de estos, así que habríamos dejado la escuela de cualquier modo. Con esta frase el jefe de casting le eligió inesperadamente para el, con toda la suerte del mundo que le acompaño el resto de su vida -90 años-, hasta hoy. Scarlett O'Hara le contestaba con otra de las frases famosas del film, casi tanto como la que da nombre a este blog. "Guerra, guerra, guerra. La conversacion sobre esta guerra esta arruinando la diversión de todas las fiestas esta primavera. Me aburro tanto que podría gritar".
Tras los nueve Oscars, Crane trabajo en television y radio durante 40 años, Se caso cinco veces, tuvo 4 hijos y ocho nietos. Había abierto un hotelito en Atlanta, el Tarleton Oaks, una mansión del siglo XIX que redecoro con recuerdos de su película. El actor ha dejado inacabada su autobiografía. Nacido el 1918 en Nueva Orleans, su madre le animo a probar suerte en Hollywood en el 38, con un viaje en tren y 50 dolares en el bolsillo. Una prima suya actriz del cine mudo le llevo al casting del éxito.
Su breve papel del gemelo Brent Tarleton, el otro era George Reeves, mas tarde Superman también en television, le llevo inicialmente al teatro para conocer la gloria durante 70 años en otros medios periodisticos de gran difusión. Siempre recordó su papel de admirador y miembro del cortejo que seguía a Vivian Leigh. Y ahora ha muerto el pasado jueves a causa de la diabetes. Su última esposa Terry Line desde Barnesville, lo ha hecho ahora publico en Los Ángeles Times.
Todavía lo sobreviven 6 miembros de aquel maravilloso reparto.

Bangkok dangerous

Desde que Woody Allen hizo la divertida transgresión de adaptar un film policíaco de Hong Kong a los diálogos de hollywood, -Que tal lirio triguero?-, este genero se ha perfeccionado y evolucionado un montón o cantiduvi como dirían sus protagonistas. Dosis a raudales de violencia demoledora, gratuita y explosiva- Los hermanos Oxide y Danny Pang, quizá recordeis de ellos The eye, la execrable, sacan provecho de ello para acomodarse a los gustos americanos. La mayor cantidad de presupuesto como suele ocurrir, excepto en la Formula 1, no significa mayor rendimiento ni mayor interés. Tan poca es la originalidad que se ve que es un remake de una producción tailandesa de 1999, que ellos mismos habían dirigido y que ahora alguien ha comprado a golpe de talonario. Nicolas Cage, al que le gusta tanto ir de bólido con ambulancias o con lo que sea como ser dirigido por autores orientales,-ya lo hizo con JOhn Woo por ejemplo-, nos obsequia una vez mas con su inexpresiva cara y su gesto retorico al servicio del desaguisado. Le acompañan para lo malo y lo peor Charlie Yeung y Shankrit Yamman. Peligroso de verdad, no solo Bangkok, sino todo.

Space chimps

Si algo tiene gracia en este film de animación de Kirk De Micco, -el nombre del director primate también tiene gracia, es el monito protagonista y su look de austronauta. Lo demás. la animación es mediocre, los diálogos sin originalidad ninguna el vocabulario, adaptado al verbo ximpancear. Las misiones espaciales, reales o no siempre son mas ingeniosas, menos terrestres, mas espectaculares y miren por donde si acaban bien suelen tener su gracia. Los chimps interpretados por las voces de Andy Samberg y Cheryl Hines, no.

Rios y mareas

Un magnifico documental de Thomas Riedelsheimer sobre la humildad del arte y la vanidad de su negocio. Trata sobre el arte efímero y destruible de Andy Goldsworthy, cuyo discurso queda absorbido por el retrato de la comunicacion entre el hombre y la naturaleza. El escultor crea obras con palos, hojas verdes y secas, tierra, hielo o piedras buscando en si mismo el sentido y cercano destino de su trabajo artístico. Un trabajo sin otro fin que desplomarse bajo los efectos de otras fuerzas de la naturaleza mas vivas y con gran capacidad de destrucción aunque proceden de un mundo básicamente bello aunque aun con muchos misterios para revelarnos y que el protagonista del documental crea que puede hacerlo a través de su obra. Un instinto de destrucción recorre toda la cinta con el sano ejercicio de la regeneracion. La única duda es que si al final de la proyección también habría que quemar la cinta del film anglo alemán finlandés, para borrar su vestigio, como si de un maravilloso castillo de naipes se tratara.

Por fin viuda

Cuando de una comedia francesa se habla mucho de la trayectoria pasada de la directora Isabelle Mergault de la que no hemos visto Eres muy guapo, o de las posibilidades de la actriz M¡chele Laroque, comediante popular en Francia, pero de la que solo hemos visto aquí Salir del armario, poco queda que decir del film. Protagonista que interpreta a una viuda de poco coeficiente intelectual, anulada por su matrimonio, pasa de repente a tomar las riendas de su vida, practicar el amor libre o casi, y que es mejor la compañía de un perro que la de un hombre, que sin dejar de tener razón se ve que solo es para compensar la misoginia. La pobre LAroque soporta con humor el desprecio constante de su directora, también mujer o no, que se apunta a los peores defectos de una comedia: encarcaramiento obsoleto y caricatura idiota, pero eso si políticamente correcta. Abanderada de la cuchufleta, el film deviene en un tratado tipo kamasutra de consejos tópicos sobre la pareja, sobrellevarla y sobre todo sobrevivirla. O sea sobra. Viuda del sentido de la comicidad, en esta segunda segunda ocasión, la viuda es la burguesa Laroque, de la que al final oiremos hablar y no un granjero guapo. Que viudos se quedan los pobres.

Una palabra tuya

Mi hermana mayor me llama y me dice que esta apunto de entrar en el cine a ver la adaptacion de la novela de Elvira Lindo. Con esto para bien o para mal ya lo ha dicho casi todo. Yo añado que Angeles Gonzalez Sinde, de saga de cineastas,y autora de La suerte dormida y guionista de La buena estrella, ha planteado el film con los actores de motor principal. Tiran del carrete principalmente Malena Alterio, que familia!, y Esperanza Pedreño. Junto con Antonio de la Torre, serán victimas de sus miedos, de sus contradicciones y errores que los humanizan a través de Angeles a nuestros ojos.
Escenas cortas para aligerar el exceso literario, propenso a toda adaptacion y mucho dialogo cara a cara. Huyendo del dramatismo barato consigue hacer verosímiles situaciones cotidianas y vidas corrientes como pueden ser estas dos amigas barrenderas salidas de otras historias de Lindo. Sin resignarse a aceptar la infelicidad, el film y sus autores apuestan por pequeñas grandes aventuras de la vida de la calle. Realismo, magia cotidiana, frescor agridulce y cuidado lenguaje nos llevan a una conclusión irremediable: Manolito Gafotas se nos ha hecho mayor, hermana.

Carlitos y el campo de sueños

Con el decidido apoyo de "la Caixa" en la produccion, publicidad y distribucion de este tipo de cine, la comedia familiar 'resucita' en nuestro cine con 'Carlitos y el campo de los sueños', largometraje que aspira a sentar frente a la gran pantalla a niños y mayores. El gancho es una tierna historia que «arranca risas y hasta alguna lagrimilla», según asegura Emilio Aragón, productor que presentó la cinta a la prensa. «Los niños se verán identificados con una historia en la que el afán de superación es la clave», afirmó el productor.
El filme, primero del director Jesús del Cerro, narra las peripecias de Carlitos (Guillermo Campra), un huérfano que sólo desea dos cosas: tener una familia y jugar al fútbol. En un orfanato dirigido por don Hipólito (José María Pou) los niños comparten momentos divertidos, penalidades y trastadas. La rutina del pequeño futbolista huérfano cambiará completamente tras el anuncio de que ha sido seleccionado para disputar los Campeonatos Europeos Junior.
La película cuenta con un elenco de primera. Al talento del gran José María Pou se suman actores como Irene Visedo ('Cuéntame cómo pasó') y Gustavo Salmerón ('Reinas'). La colaboración estelar llega con 'Miliki', padre de Emilio Aragón, quien interpreta al presidente de la Fundación que acoge a los niños. El rodaje, según aseguraron los actores, durante la presentación ha sido «muy divertido». A este buen ambiente contribuyó la presencia de 'Miliki' en la grabación, según comentaron Irene Visedo y José María Pou. El actor catalán aseguró que el payaso más famoso de la tele impartió «toda una lección de profesionalidad». Pou reconoce haber hecho «trabajar doblemente» a 'Miliki'. «Me sentaba a su lado a cada momento para que me contara un montón de aventuras vividas a lo largo de su vida profesional».
El actor catalán, todo un genio teatral, calificó el rodaje como «unas auténticas vacaciones». «Acostumbrado a papeles de mucha carga dramática, rodar esta película ha sido como zambullirme en las historias que leía de pequeño», se felicitó.
Irene Visedo destacó la importancia de hacer cine para el público infantil. «Los niños tienen un lugar muy importante en el mundo y merecen también tener su espacio en el cine español» . Gustavo Salmerón ('Fuera del cuerpo') resalta la exigencia de trabajar con niños, pues «te hace descubrir cosas sobre ti mismo y pone en duda tu forma de trabajar».Otros estrenos menos familiares son Bangkok Dangerous- Carlitos y el campo de los sueños- Por fin viuda- Ríos y mareas- Space Chimps: Misión Espacial- Street Dance- Una palabra tuya- Zohan: licencia para peinar

El pirata negro

Siguiendo la vena de abordajes, motines y otras lindezas marineras, os propongo hoy la recuperación de El Pirata negro. El buque en que viajan un noble y sus hijos es asaltado y saqueado por unos fieros bucaneros. Único superviviente después del hundimiento, jura venganza contra los piratas. Excelente film de la época del cine mudo(1926), contiene ya todos los elementos de las obras clásicas del genero de aventuras. Douglas Fairbanks, rey de este tipo de películas (más tarde le tomaría el relevo Errol Flynn), da vida a un hombre que se enrola en la tripulación de un barco pirata, con la intención de encontrar a los asesinos de su padre y su hermano que fueron víctimas de la incursión de los filibusteros. Le acompañan en el film Billie Dove y Tempe Pigott.
Albert Parker dirige esta película, que se basa en una historia del propio Fairbanks, que la escribió bajo el pseudónimo de Elton Thomas. Abordajes de barcos, luchas de espadas, las más increíbles peripecias acrobáticas, y un apasionado romance se suceden a un ritmo trepidante. La ausencia de voz apenas se deja notar en este film de 88 minutos, que dejará sin resuello al espectador. Film en color para olvidar si es posible este verano ya desgraciadamente también negro

Motines y rebeliones

Un colega de verano hablaba las excelencias del Motin del Bounty de Lewis Milestone (1962)y añadia que habia dos versiones. Hay tres y añado la de Frank LLoyd (1935) Rebelion a bordo y la posterior de Roger Donaldson (1984) The Bounty. Algunos blogs consultados hablan de hasta cinco versiones y digo yo si no habra confusion con los Motines del Caine de Robert Altman(1988) y de Edward Dymitryk (1954), por no citar ademas Motin en el Defiant de Lewis Gilbert de 1962. Agradeceria si alguien puede sacarnos a todos de la duda, que arroje un poco de luz a esta parte tan disocola de la marina cinematografica.
Recordad que el tema central es: El Bounty, nombre completo:"HMAV Bounty" (HMAV = His Majesty's Armed Vessel, velero armado de su majestad) fue un barco de vela de la armada británica en el que tuvo lugar el 28 de abril de 1789 un famoso motín.
El barco había sido un carguero, hasta que dos años antes la armada lo adquirió con el fin de transportar frutos del pan desde Tahití hasta el Caribe. Los frutos del pan debían constituir un alimento barato para los esclavos que trabajaban en las plantaciones de caña de azúcar.
El barco, zarpó el 23 de diciembre de 1787 desde Inglaterra, bajo el mando del capitán William Bligh, que tenía 33 años de edad y había servido como navegante a las órdenes del capitán James Cook. La tripulación estaba formada por 44 hombres. La ruta que se le había indicado al capitán para llegar pronto a Tahití fue la que pasa por el sur de América, rodeando el Cabo de Hornos. Sin embargo, Bligh se encontró allí con una tempestad que le impidió avanzar, de manera que después de 30 días de intentarlo abandonó y tomó la ruta alternativa por el sur de África. El Bounty llegó finalmente a Tahití el 25 de octubre de 1788, después de diez meses de navegación, y varios meses más tarde de lo previsto.
Debido al retraso en llegar, Bligh y sus hombres tuvieron que permanecer cinco meses en la isla, ya que no era la época en la que podían trasplantarse los brotes del fruto del pan. La tripulación comenzó a habituarse a las costumbres de los nativos y a olvidarse de su condición de marineros ingleses. Muchos de ellos establecieron relaciones con mujeres de Tahití. El primer oficial, Fletcher Christian, se casó incluso con una de ellas.
Finalmente pudieron recogerse los brotes del fruto del pan y, muy a pesar de una parte de la tripulación, el Bounty zarpó rumbo al Caribe el 4 de abril de 1789. En la mañana del 28 de abril se produjo la rebelión, capitaneada por Fletcher Christian. 11 hombres siguieron a Christian, mientras que 31 fueron leales a Bligh. Los amotinados embarcaron al capitán, junto con 18 marineros leales, en un bote, provisto de una vela, un sextante y un reloj. Los otros 13 marineros leales al capitán tuvieron que permanecer a bordo del Bounty por falta de espacio en el bote.
Bligh realizó una hazaña de navegación y llegó después de 41 días hasta la isla de Timor, por donde pasaban barcos ingleses. Había recorrido unas 5.800 millas y perdido un solo hombre, muerto en un enfrentamiento con nativos hostiles de una isla, donde había intentado recalar para recoger agua y víveres. Cuando llegó a Londres, el almirantazgo dio la razón a Bligh y le confirmó en su puesto en la armada real.
En cuanto a Christian y los amotinados, volvieron a Tahití, donde quedaron 16 hombres a la espera de que llegase un barco inglés y les llevase a la patria. Christian zarpó de nuevo en el Bounty, llevando consigo ocho marineros, así como seis hombres y once mujeres de Tahití, una de ellas con un bebé. Los hombres nativos ayudarían en las tareas del barco. Debían esconderse para no ser apresados jamás por un barco de la armada británica, ya que los amotinados eran condenados a muerte.
De forma casual, Christian y sus hombres avistaron la isla de Pitcairn, en el extremo oeste del archipiélago de Tahití, que por aquel entonces figuraba en las cartas marinas en una posición errónea. Decidieron ocultarse allí, ya que el error cartográfico reduciría la probabilidad de que fuesen localizados. El 23 de enero de 1790 quemaron el Bounty, para que no se viesen sus mástiles desde lejos y para borrar toda huella material del motín.
En 1808 apareció el primer barco, que resultó ser americano. Christian y algunos otros habían muerto. Sin embargo, todavía hoy viven en Pitcairn descendientes de los amotinados del Bounty y de sus mujeres tahitianas. Un relato evidentemente de cine.

Mercaderes de ilusiones

Ava Gardner en "Reunion in France" (1942), hacía un papel que había que buscar con microscopio en el metraje de la película, pero aquí comparte protagonismo con Clark Gable y Deborah Kerr. Gable había regresado (como su personaje de "The hucksters") a la Metro, después de irse a la guerra, y seguía siendo el rey del estudio, como lo demuestra esta superproducción, con gran reparto. No obstante, da la sensación de que intentaban darle un cambio de imagen. El Gable anterior a la guerra, hubiera preferido sin ninguna duda a mujeres como Jean Harlow, Lana Turner o como la Ava Gardner de esta película, porque se trata de mujeres temperamentales, con las que el actor era su propio yo encantador. Sin embargo, en este guión, se queda con la señorial Deborah Kerr, aunque la Kerr es capaz de insuflar vida e interés a su personaje, e incluso un toque de modernidad. Ava Gardner, en el papel de "la otra", está deliciosa y encantadora, sin que parezca que está interpretando, y con gran química con Gable. Se trataba de la quinta y última ocasión en que Jack Conway dirigía al rey, y sin duda es una de las mejores películas de ambos, y una de las mejores del período, en la que un guión inteligente, complejo y con garra, describe sagazmente el mundo de la publicidad, en el convulso y cambiante ambiente de la postguerra. Sydney Greenstreet es uno de sus actores preferidos, y se trata de un "actor rey", como decía Orson Welles de si mismo. Un actor rey es el que interpreta papeles de gran estatura y grandilocuencia, ya sea de hombre afortunado o desgraciado, de lo contrario, como Welles comentaba de sí mismo "...estropearía la escena. Yo no puedo interpretar papeles discretos". A Greenstreet suelen venirle bien los enfrentamientos, y aquí se enfrenta a otro rey, Clark Gable, que en este papel de genio de la publicidad, está tan convincente y eficaz, que resulta imposible imaginar otro actor que pueda estar mejor: inteligente, sutil (cuando lo requiere el caso) y que vertebra por completo la película, como si la llevara debajo del brazo. No es así, evidentemente, hay un gran director para la ocasión, orquestando un conjunto donde todas las piezas (un cast maravilloso, un guión magnífico...) son de gran solidez. Otras obras de Jack Conway que podeis encontrar en TCM son Cross road, Estirpe de dragon , Quiero a este hombre y Saratoga.

¿Que tal Pussycat, el verano?

¿Qué hay de nuevo, Pussycat? en Hispanoamérica o ¿Qué tal, Pussycat? en España (What's New, Pussycat) es el debut cinematográfico de Woody Allen como actor y guionista, además de una comedia que satiriza el espíritu swinger de mediados de los sesenta. Dirigida por Clive Donner y protagonizada por Peter O'Toole y Peter Sellers, tiene varios momentos hilarantes que ya denotan el estilo sardónico de Allen.
A pesar del numeroso elenco, es indudable que la estrella era Woody Allen, con su ingenioso guión y su actuación, muy en la línea slapstick (comedia física) de Buster Keaton o Charlie Chaplin, opacando incluso a Peter Sellers. La música de la película fue especialmente compuesta por Burt Bacharach, cuyas canciones eran omnipresentes en estas películas swingers.
A mitad de la película, Allen se desvinculó del guión, tanto los productores como los actores querían modificar los diálogos. Allen se cansó de seguir reescribiendo escenas y se limitó a retocar sus propios argumentos. La película que se estrenó en los cines se parecía muy poco a lo que Allen había escrito originalmente.
Woody Allen comenta respecto a ésta película: "Los productores nunca comprendieron el guión, ni una sola palabra. Y claro, yo no tenía ni voz ni voto. Sólo con alzar la voz me harían callar o me echarían. Así pues, no me gustó la experiencia y no me gustó la película."

Venganza

Un guión francés firmado por Luc Besson siempre es creíble, amistoso y plural. Poco drama, consistencia vague y conflictos los menos para el espectador. Liam Neeson, es el que mas nota su superficialidad y menos Framke Janssen y Maggie Grace, todos dirigidos en la presente ocasión por Pierre Morel. Una niña se va a París para ver U2 de gira y es secuestrada por un grupo de trata de blancas. Sirve de denuncia las situaciones en que a veces se colocan las groopies?. Todas tienen un padre con pistola y agallas como para derribar cerca de 50 canallas durante el film?.
Este tipo de films ,-y también en Besson- son bastante fascistas. Todo el mundo parece haber sido alguna vez miembro de la CIA, o del FBI, o guardaespaldas de un gobernador, entrenado pues para matar. Además nadie es nunca feliz con situación personal. Separados, con trabajos mal pagados, con dificultades en la salud, de repente les aparece la oportunidad de regenerarse tragicamente.
Un homenaje un poco fallido a todos los HArry's, Bronson's o Bourne's sucios que han sido. También puede ser un grito de justicia ante tanta mafia a la que el brazo tonto de la ley no llega. O no puede. O no quiere. Mientras tanto la venganza sirve, fría o no.

El caballero oscuro

Christopher Nolan, excelente tecnico por otra parte, le importa un rabano todo el proceso de Batman. Acreditado por su trayectoria con Babe el cerdito valiente , Batman Begins , El truco final, Insomnio y Memento. Dado su interes por el film, del que ha dicho que él es perfectamente sustituible, no es mayor que el que tengo yo por aprender snow board con las manos. Por lo tanto y por una vez os acompaño con un comentario de un experimentado colega. Las expectativas que se han creado alrededor de la última adaptación cinematográfica del hombre murciélago no pueden ser más altas. Al éxito cosechado por su predecesora, 'Batman: Begins', que contó con el beneplácito de crítica y público , se le une además el morbo generado por el aparatoso final de Heath Ledger, el maltrecho intérprete de Joker que vio en esta película su último papel y con el que no se para de especular acerca de su Oscar póstumo. 'Batman: el caballero oscuro', capitaneada por decir algo Christopher Nolan, director, coguionista y al que le importa tanto el filme que les es igual no hacer ninguna otra y que se reconoce absolutamente reemplazable y Christian Bale (Batman), presenta a un Bruce Wayne que empieza a estar cansado de ser Batman, aunque paradójicamente se ve cada vez más transformado en su alter ego. Su deseo de acabar con el crimen organizado le lleva a cerrar un pacto con el jefe de policía de Gotham City, James Gordon (Gary Oldman), y el nuevo y entusiasta fiscal del distrito, Harvey Dent (Aaron Eckhart). La alianza entre los tres personajes pone en jaque a la mafia local hasta que aparece en escena Joker, un psicópata ataviado de payaso que se compromete con los capos a acabar con el hombre de negro a cambio de un pingüe capital. El malicioso clown chantajeará al héroe asesinando a una persona por cada día que éste no desvele su verdadera identidad. El lujoso reparto de esta secuela se completa con nombres no menos reseñables como son Michael Caine, Morgan Freeman (que repiten en sus respectivos papeles de Alfred y Luciux Fox) y Maggie Gyllenhaal (que entra a sustituir a Katie Holmes en el papel de Rachel Dawes). Como el propio nombre indica, 'El caballero oscuro' supone el film más oscuro que sobre Batman se haya hecho, tanto estética como argumentalmente. La exquisita, elegante y depurada puesta en escena mezcla el grandilocuente y sobrenatural género superheroico con la turbulencia y frialdad del cine negro. Grandes rascacielos frente a callejones sin salida, lujosas recepciones frente a locales inmundos... El escenario apto para que la corrupción fluya desde los grandes despachos hasta las capas más bajas de la sociedad. Todo ello sin contar con las impresionantes escenas de acción, las intrépidas maniobras del protagonista y el despliegue técnico del que se hace eco. Los personajes acompañan al telón de fondo: son sombríos, desesperanzados, condenados a la infelicidad por mucho que se esfuercen en huir de ella, acechados por una especie de lacra capaz de transformar al más honrado de los ciudadanos en el homicida más rastrero. La intensa historia de asesinatos, intrigas y traiciones, basada en el destacable cómic 'El largo Halloween' de Joeph Loeb y Tim Sale, se pone en escena con un intachable reparto en el que, inevitablemente, cabe destacar a Heath Ledger, que ha dado al Batman del septimo arte un Joker que nada tiene que ver con sus predecesores. Lejos de caer en lo esperpéntico o humorístico, la nueva adaptación de este eterno villano nos presenta un ser cruel, desquiciado, complicado y perverso, lo que le hace bastante más humano y creíble que todos los anteriores. Pero ha este pobre si que habra que reemplazarlo forzosamente.
Y no hay mas estrenos, De California Dramin' (día 14) ya os hable del 5 de mayo- El caballero oscuro (día 13)- Sangre de Cuba (día 14)- Vampir Cuadecuc (día 14).

Sangre de Cuba

Cuba, 1958. El régimen de Batista da sus últimos coletazos y la revolución parece posible. En el pueblecito de Holguín, el nieto del Ché Guevara, conocido como El Niño, pasa las noches viendo películas con su abuela en el teatro. Pero una de esas noches, los rebeldes entran en el pueblo, cortando la red eléctrica y dejando a El Niño con ganas de conocer el final de la historia. Será el primer paso de la pérdida de inocencia del pequeño, que deberá encarar el exilio de su padre y otros peligros.Hace algún tiempo, el cineasta Juan Gerard convirtió sus recuerdos de infancia en un guión cinematográfico. Se llamaba "Dreaming of Julia" y tenía todas las papeletas para convertirse en una película de gran calado internacional. Después de muchas conversaciones con productores y de un selecto casting de actores, la cinta ya es toda una realidad. Estrenada en España con el nombre de "Sangre de Cuba", este drama con toques de comedia retrata una importante época histórica, pero también una sociedad.
"Sangre de Cuba" nos muestra la realidad cubana desde un punto de vista muy especial con un Che que, no es Benicio del Toro, pero sí Harvey Keitel. Él es el abuelo de Juan, el protagonista de la cinta. El cartel es de lo más internacional, desde el citado Keitel, hasta Gael García Bernal pasando por el español Gabino Diego. Este filme, coproducido por Alemania y Estados Unidos, se ha presentado en casi 50 festivales, a través del cual el director (crítico de cine que debuta detrás de la cámara con este largometraje) recuerda su infancia en Cuba, justo un año antes del triunfo de la revolución cubana y el ascenso al poder de Fidel Castro. Juan Gerard no ha querido hacer una película con un sesgo político, por el contrario se concentró en contar la historia del niño que él fue y cómo desde su perspectiva vivió el cambio que se gestó en la isla. La cinta es de 2001 pero ha tardado mucho tiempo en ser distribuida en nuestro país.

Vampir Cuadecuc

Pere Portabella, avantguardista i cineasta, estrena aquest dijous al cinema, 38 anys després de ser rodada, Vampir-cuadecuc, la qual va ser projectada el 1972 al Moma novaiorquès, a on hi no va poder assistir perquè la dictadura li va impedir sortir del país. La història de Vampir-Cuadecuc, que es projectarà a les sales Verdi de Madrid i Barcelona, és un exemple de conflicte històric en què s'acaba imposant el projecte artístic a l'arbitrarietat política. Es la filmació del rodatge del film comercial 'El conde Drácula', de Jesús Franco, un making off que en diuen ara. Portabella exerceix dos tipus de violència sobre la narrativa estàndart: elimina totalment el color i substitueix la banda sonora per un paisatge de col·lisions imatge-so a càrrec de Carlos Santos.
Pere Portabella ha sigut productor de pel·lícules com Los golfos de Carlos Saura, El cochecito de Marco Ferreri i Viridiana de Luis Buñuel. L'any 1972, amb 45 anys, comptava amb un projecte per fer un film sobre la pel·lícula El Conde Drácula de Jess Franco i una càmera de 16 mm, a més d'un bon domini del llenguatge cinematogràfic i una postura opositora al règim franquista.El resultat va ser Vampir-Cuadecuc, cinema d'avantguarda al marge de la indústria del règim, en blanc i negre, sense diàlegs, amb so de Carles Santos, que crea atmosferes i imatges poètiques. El film de 75 minuts, es interpretat per Christopher Lee, Jack Taylor, Herbert Lom i Soledad Miranda.
"És un Dràcula híbrid, rar, poèticament més potent que el de Jess però d'una maldat menor. Vaig fer una peça sobre el seu rodatge, però és una pel·lícula en si mateixa", explica Portabella, "molt content" per l'estrena del seu film a l'Estat. Abans de la projecció de Vampir al Moma, també es va projectar a Cannes després de treure el film clandestinament d'Espanya, on mai va veure la llum durant el franquisme.

Mamma mia!

Estrenada por zonas y días, el encargo del musical se hizo a Phyllida LLoyd, no se si descendiente de sangre de Frank LLoyd o Lloyd Bacon, pero cinematograficamente seguro que no. De coreógrafos tampoco desciende, por muy aire pop que se pretenda dar a los temas de Abba. Los interpretes cantantes y tiene merito eso si, Meryl Streep, Pierce Brosnan y Colin Firth van a su aire sin saber muy a ciencia cierta de donde soplan los instrumentos de la orquesta. Si que saben cantar mejor que un grupo de amigos después del Asturias patria...., pero su interpretación es complicada de contemplar sin dejar de oír partes de la banda sonora, algunas inútiles, algunas injustificables, sin concepto del ridículo.
La directora ha confundido la obra con un karaoke y nadie le ha dicho que rodar musicales tipo Busby Berkeley no era fácil. La dinámica y progresión del film que debería conseguirse con iluminacion, planificacion y situación de cámara o montaje posterior, lo intenta a golpe de zoom, consiguiendo lógicamente que todos los números sean iguales, agravado por la falta de sincronización rítmica o no saber bailar directamente de los actores protagonistas y demás extras. O sea que tampoco ha visto nunca Fama.
Algún guionista podía haberse esforzado mas para encontrar una mejor historia de mínima ligazón a las canciones medio himnos de Abba. Hollywood no ha aprendido de Broadway y no ha sabido hacer una fotocopia mejor para poder escuchar de otra forma las interpretaciones del cuarteto televisivo sueco. Porque, a los fans les da lo mismo, esta Mamma mia! es television. De la mala.

Peregrinos

En estos días de vacaciones donde cualquiera recorre una porción del Camino de Santiago en algún medio de locomoción, parece normal que el cine se apropie de la belleza del paisaje y lo utilice para desarrollar un tranquilo guión. Servido en este caso por Jean Pierre Darroussin, Muriel Robin y Artus de Perguern, protagonistas que se verán obligados a recuperar la armonía entre ellos a través de la peregrinación para lograr cobrar una herencia. Película de viajes, turística para mas señas , con servidumbres localistas, fantasias y sueños que parecen mas producidos por el LSD que por la revisitacion de los santos lugares y detalles psicológicos y despiadados sobre la relación de pareja y las complicadas amistades cofamiliares.
Es el cine de Coline Serrault, hace 20 años exitosa directora de films llevaderos como 18 años después, El planeta libre, La crisis, Mama hay una hombre blanco en mi cama y Tres solteros y un biberón, siempre como ahora, buenas comedias con el toque de distinción francés. Para aquellos que no le vean ningún merito al cine de Coline y que no recuerden donde empieza en Francia el camino del apóstol castellano, ahora tiene una inmejorable ocasión,

Aprendiz de caballero

Amor en tiempo de guerrra y Big band son los dos obsequios que tenemos de David Leland con anterioridad. Ejemplo de aprendiz de secundario, por la magnifica actuación del conde ruso y el cura que consiguen recordarnos que estamos ante una comedia. Una comedia moderna, lo cual quiere decir olvidar los gags y el guión y machacarnos con una música de banda sonora inusual para la època y unos toques de erotismo de cadena de pago que poco tiene que ver con la completa educacion de un caballero.
Cuando añoramos aquella flecha y aquel halcón, aquel Ivanhoe o aquella LAdy idem. Los duelos parecen la final de Wimbledon, el publico come helados y lo único que es como siempre es la imposibilidad de que el apuesto e insulso joven Michael Christiansen quiera alcanzar la mas alta alcurnia donde se halla el tibio corazón de la princesa de veraneo Mischa Barton. Lo dicho, todos han de aprender de Tim Roth.

Gente corriente

Gente poco corriente es el titulo del 2005 que suma Griffin Dunne (protagonista de Jo, que noche !)a sus Practicamente magia y Adictos al amor, parafraseando el titulo otoñal de Robert Redford. Con un guión tipo dragón khan como dicen ahora, el fillme se desliza sin control tanto en globo aerostático como en fiestas con intrigas, mentiras y unos ejemplos antroplogicos de comparacion entre nuestra familia en cuestión y sus homólogos de las tribus africanas. Sin la mano firme del director como si quisiera acabar pronto desinteresado del proyecto el film entra en unos meandros de solamente la dignidad de los actores, Diane Lane y Donald Shuterland ayudan a superar.
El material de las perversiones, inducido en una familia de clase alta con patriarca incluido, obsesionado con el dinero, queda en manos de los recién llegados al entorno como puedan ser el masajista, los adictos, parientes humildes, adolescentes y improvisados descendientes.
Pues parece que ya ha rodado otra película. Claro que hay gente, corriente o no, para todo. Ademas habia otros estrenos como Aprendiz de caballero- Cinturón rojo- Fira- Gente poco corriente- Jirafas- Mamma Mia! - Peregrinos- Venganza.

Cinturon rojo

David Mamet, Casa de juegos , El caso Winslow, Homicide, L’ultim cop , La cosas cambian, La trama y State & MAin, tenia que acercarse a las películas de patadas de una forma diferente. Y lo ha hecho, aunque los amantes del genero le encontraran superado por la acción, sin estilo japones u oriental, sin definición de los golpeos, sin estilo kill bill en definitiva y sin ningún deseo de lograr la victoria y salvar al universo. Y esto es lo bueno, que Mamet, a traves de Chiwetel Ejiofor, Tim Allen y Alice Braga, desprecie por una vez el genero de samurais, y confunda las gloriosas y odiadas artes marciales en la tristeza por una sociedad sin otros valores, llena de maldad que ve en las peleas otra forma de dolor y humillacion y donde para el hombre hay antes otras muchas cosas importantes que el honor y que son las que la final lo dan. Eso se desprende de cada dialogo, porque sorprendentemente en una película de bofetadas hablan y así obtiene la densidad de la historia, pasando por encima de las incoherencias y excentricidades de otras predecesoras encumbradas.
Un instructor de Jiu-jitsu que quiere huir del mercantilismo de Hollywood sirve a Mamet para regodearse de estas absurdas historias populares que pretenden atontar a las masas, eso si, sin golpes mortales, lo cual es de agradecer.

Reyita

Esta es la historia de una mujer “común y corriente” que nació en 1902: Maria de los Reyes Castillo, Reyita. Una mujer portadora de una historia que hubiera pasado desapercibida incluso para su familia, si su hija Daisy no la hubiera rescatado en un libro. A través de sus páginas y de los vívidos recuerdos de sus familiares, el documental propone un viaje por una vida que descubre el valor de lo cotidiano. Reyita fue una mujer negra, pobre, víctima de la discriminación racial desde pequeña; pero que supo rebelarse al destino que le imponía su época.
Vio en su matrimonio una estabilidad, pero su esposo pronto se convirtió en una suerte de antagonista al que tuvo que oponerse para realizar sus sueños y los de su familia. Esquivando a su marido, Reyita ayudó a otras mujeres- muchas de ellas, prostitutas- a cuidar de sus criaturas, militó en el Partido Socialista Popular, compartió los ideales de sus hijos guerrilleros y libró pequeñas batallas cotidianas para cambiar el mundo y no sólo su casa.
A través de la memoria familiar- con sus afectos, olvidos y contradicciones-, el documental refleja sus sueños, frustraciones y logros, al tiempo que es testigo del homenaje que su descendencia le rinde en el aniversario de su nacimiento. Como si de un álbum se tratara, el filme recoge los testimonios, las fotografías familiares y las últimas imágenes en video que se grabaron de Reyita, para forjar el retrato de una mujer que se mantuvo firme contra viento y marea y que, aún en las condiciones más difíciles, conquistó su identidad y la independencia.
Olivia Costa y Elena Ortega dicen de su obra: Murió con una historia en los labios. Esta frase nos perseguía sin darnos tregua desde que empecé a interesarme por las vidas invisibles, aquellas que han vivido las mujeres, las protagonistas de la historia cotidiana. Desde muy pequeña, casi como si fuera sordomuda, me obsesionaba seguir y seguir escuhando aquellas historias que podía leer en los labios de mis tías y de mis abuelas. Mi vida, de niña, transcurría en el espacio cotidiano de aquellas mujeres, del comedor, al dormitorio, del lebrillo a la cocina. Allí, al calor de los fogones, haciamos la tarea, jugábamos y hacíamos la vida. Esta escena se reproducía en cada una de las casas de mi geografía infantil, pero más especialmente en casa de mi abuela. Allí, junto a aquel puchero burbujeante con olor a hierbabuena, se cocían las historias.
Reyita esperó al final de sus días para contar su vida, y eligió a su hija menor, Daisy, para acabarla relatando una historia. Georgina dice que hay que hablar menos y escuchar siempre a esas viejas de antes que velaban a los muertos en los velatorios, y allí, a pie de muerte, hablaban de la Vida.
Reyita es mi profundo homenaje a nuestras abuelas, tías y madres, a esas mujeres sabias, tantas veces invisibles, que son las que en realidad conocen y transmiten el justo punto de cocción que necesita la Historia.
Un sentido homenaje a todas nuestras madres y abuelas que nos dejan solos en el nuevo siglo.

Whisper o Hellion, el angel caido

Alguien le ha debido decir a Stewart Hendler, que las montañas, la noche, el invierno y la nieve dan miedo. Cuando sabemos que por ejemplo Baqueira con estos mismos elementos solo da fiesta y buenos momentos de ski. De esta refrescante manera empieza también el film que nos ocupa hoy esta burbuja sahariana de calor.Pero el desarrollo posterior es una pesadez y las situaciones olvidadizas como el tiempo. A todo el desaguisado hay que añadirle unas hierbas de aburrimiento y el escaso carisma de unos televisivos interpretes como Josh Holloway y Sarah Wayne Callies y para terminar salvando a alguien lo haremos con Michael Rooker.
La trama, niño rico secuestrado por villanos en las condiciones de "miedo"arriba citadas, pero con la mala suerte que el niño es ni mas ni menos que un cruce de El primer resplandor, La segunda profecía, El tercer mesías,El cuarto protocolo, El quinto elemento y El sexto sentido con almas de Gosht.
Secuestrados los secuestradores, vagos y maleantes sumergidos en el especial terror infantil con mala leche, nos entretenemos en contar los molares y premolares de unos perros lobos o así que nos muestran continuamente sus fauces cuidadas de especialista. Por cierto, tengo que ir a la vuelta de vacaciones.

Wall-e

Andrew Stanon ya codirigio Bichos y es autor de Buscando a Nemo. Ahora alcanza la perfección y casi devuelve el genero de Pixar al séptimo arte con un film por fin de "dibujos" con sentido e intención. Un Wall muy parecido a ET, bebe en sus inteligentes pero roboticos movimientos el maestro Buster Keaton. Wall es como una reproducción en metal e hilos eléctricos del gran cómico. Al parecido ayuda que casi toda la primera parte el film es practicamente muda, en un ejercicio de recuperación de los orígenes del cine, un homenaje a sus grandes figuras y un esfuerzo bellisimo para sorprender e interesar al espectador moderno.
El protagonista es una maquina abandonada durante 700 años al abandonar los humanos la tierra que recibe la visita de una sonda de inspección, de la cual se enamora, mientras el sigue limpiando que era y es su misión al no apagar nadie sus dispositivos de control. En su soledad durante tantos años el simpático robot ha ido humanizandose e intentando comprender las formas de actuar del hombre. Por ello cree que su historia de amor con Eva, puede devolver la vida a la tierra abandonada. Wall es un gran filme que también nos devuelve la ilusión por el genero de la animación. Que anima de verdad, vaya.

Trabajo ocasional de una esclava

Era interesante el cine alemán del 73. Un cine que marco el marchamo estético del actual, pero como las amargas lágrimas de Petra Von Kant era un cine cargado de razones y de emociones. 35 años después nos llega este obsequio veraniego de la distribución, igual es un error del ministerio de economía, porque es cine verite, crudo como el cocido sevillano y con tan pocas concesiones a los tópicos que incluso la interpreta la hermana del director, Alexander Kluge, Alexandra. Una mujer que para poder tener hijos, ejerce de abortista para mantener además la economía familiar y la unión matrimonial. Unión con un especial personaje dedicado a lograr su doctorado en quimicas. Hacia lustros que no topábamos con un filme de denuncia de este calado, imprescindible, rodada como un documental de prestigio y muy lejos de panfletos al uso que en nuestra dilatada vida cinéfila han sido. El film empieza como no, con una frase demoledora de Engels acerca de que la mente mueve la humanidad según las circunstancias y que es toda una declaración de intenciones marxistas del director que en el 62 firmaba El manifiesto de Oberhausen, donde el novelista y escritor afirmaba que nacía un nuevo cine poniendo un puente de plata a la mediocridad en que había caído el expresionismo alemán. En el año emblemático del 68 gano el León de Venecia con su Artistas bajo la lona del circo; perplejos. Igual que nosotros ante este maestro que pide un ciclo en alguna parte, aunque sea ocasional

Dementia 13

No, si se acabara viendo mejor cine en los quioscos que en television. Ahora que las musas pasan de todo, yo pase por uno y encontré la primera película de Francis Ford Coppola. Recién salido de su Hosfstra College y matriculado en la escuela de cine de Los Angeles, dirigió y escribió en 1963, como unas practicas, este primer film de terror especialmente porque su mentor y tutor era Roger Corman. Como apunte a la prensa rosa veraniega, decir que ahí conoció a la decoradora del film con la que se caso, Eleanor Elis y que seria posteriormente la madre de Sofia.
El film se puede definir como una serie B, en el que la mansión de los Haloran que acoge el duelo de una familia que acaba de perder a una pequeña en el estanque, se halla en tierras irlandesas, concretamente en los estudios Ardmore. La trama se complica con el interés que suscita el testamento por parte de suegra y nuera y que llevan a investigar que sucedió en realidad con la niña. Coppola, con un ya cierto tono gótico, cambiaba la manera de producir terror de Hollywood y encabezaba una generación de cineastas de los 60. William Campbell (Cancion de cuna para un cadáver) y Luana Anders, - que trabajaria posteriormente con el en Corazonada, -rematan la faena interpretativa con Mar Bar Patton, en un interesante ejercicio psicológico.

Dejad de quererme o Deux jours a tuer

Jean Becker gira un poco en recorrido social, critico, emotivo y sensible dándole un punto de crudeza y acidez a su obra que es básicamente A escape libre, Elisa, La fortuna de vivir, Un crimen en el paraíso y Un home anomenat Rocca. Hijo de Jacques, escaso como su padre pero conciso en sus 70 años desarrolla las historias cotidianas como nadie, con personajes de verdad como aquí lo son Albert Dupontel, Marie Josee Croze, Pierre Vanek o Alesandra Martines sin abandonar nunca su punto de comedia. Un hilo argumental de gran interés en todo momento para el espectador que no era nada fácil de conducir por sus giros inesperados y que en otras manos que no fueran del director que finalizo La evasión podía rechinar y mucho. Film de empaque, combinando tragedia y fiesta mayor que nos acerca la problematica de un ser al que le parece que es demasiado querido. Para evitarlo quiere hacer daño a los demás para que le olviden o le odien. La soledad y separarse los que seres queridos parece ser su formula sin mirar prejuicios de la sangre ni obligaciones familiares de ningún tipo. La crisis de los 40 subyace en todo el filme, edad donde parece ser que algunos humanos se plantean ciertas cosas. Un tratado de como romper con nuestro universo feliz justo antes de las vacaciones. Un viaje a la tristeza y la esperanza.

La momia 3.la tumba del emperador dragon

Pocos estrenos ya el plena canícula. Solo cuatro: Dejad de quererme- Hellion, el ángel caído- La Momia III: La tumba del Emperador Dragón- Trabajo ocasional de una esclava. La evolucion de nuestra renovada momia, desde que Stephen Sommers la actualizara con aventura y efecots digitales pero pocos en 1999, la cosa ha ido a peor. Ya paso en el 2001, donde el regreso nunca pudo ni acercarse a las momias de Terence Fisher o la de KArl Freund. Hoy es Rob Cohen, otra hora autor de Dragonheart , El clan Sinatra, Fast Furius, La amenaza invisible, La vida de Bruce Lee , Panico en el túnel y XXX que resucita a los hombre de Terracota, en numero de ordenador de 10,000 para ayudar a su emperador. El pequeño entorno de Brendan Fraser, que manía de compararle por esta serie con el invencible Indiana, junto con María Bello lo tendrá difícil para subsistir en el Himalaya donde se enfrentaran a todos y cada uno de los desastres que te pueden ocurrir en la gran montaña, desde los aludes hasta el mismísimo Yeti, una por momificar el pobre. La parte oriental se la llevan el jaleado Jet Li y Michelle Yeoh. El traslado de Egipto a la China puede venir para los juegos olimpicos, pero es un mareo para la momia. Vendas aparte.

La comedia sexual de una noche de verano

Pase por el quiosco y la vi. No eran buenos tiempos los que corrían para Woody Allen cuando se enfrentó al estreno de Comedia sexual de una noche de verano. La película se había rodado y montado entre la filmación y el montaje de Zelig (1983), la película que lo reconciliaría con la crítica y el público tras un difícil periplo que había empezado con la recepción crítica de Interiores. Tras La última noche de Boris Grushenko (Love and Death, 1975) Allen parecía haber tocado techo artística y comercialmente al confeccionar un gran éxito con la deliciosa Annie Hall (1977). El realizador neoyorkino se había arriesgado ha hacer un film más personal y la ecuación le salió perfecta. Pero, hay, Interiores (Interiors, 1978) fue otro cantar. La respuesta del público a esta obra embrionaria de Allen , fue comúnmente negativa. Algo parecido a lo que sucedió en Recuerdos (Stardust Memories, 1980), cambiando a Bergman por Fellini, e increpando al director, al que identificaban con Sandy, el protagonista del film, por "insultar" a la crítica y a su propio público.
Es curioso como de todas las reivindicaciones que se han hecho de las obras más personales de Allen, aún queden por mencionar películas como Comedia sexual de una noche de verano, Broadway Danny Rose (Ídem, 1984) y September. En el mismo estreno del film la crítica norteamericana dijo de ella que "Allen ha elaborado un drama personal interior que el público sólo entiende a medias. ¿Resulta egoísta desear que sus películas sean más divertidas? No lo creo, pues se trataría de mejores películas".
Hoy en día, con la comodidad de que el tiempo sustenta tus opiniones, se puede afirmar sin mayor dilema el carácter alegre e inteligente que respira Comedia sexual..., el primer Allen en que las relaciones sentimentales pasaban de dos a tres parejas y que la magia empezaba a ganar fuerza en sus historias (ya había algo de magia en Recuerdos, aunque con un aspecto más onírico, dada la complejidad del film, que se desarrolla prácticamente en su totalidad en el interior de la mente del protagonista). El drama humano es por eso bastante menos importante en esta comedia fresca y campestre, que juega a ser una mezcla de la obra de Shakespeare La comedia de una noche de verano y el film de Bergman, Sonrisas de una noche de verano (Sommarnattens leende, 1955), como tantas veces se ha dicho. Rodado en un solo escenario, la casa se construyó expresamente para el film, y bastante campo abierto -la mayoría de las escapadas buscando la infidelidad se dirigen al río-, Comedia sexual de una noche de verano sigue las peripecias de un grupo de (pseudo) intelectuales -un filósofo (Jose Ferrer), un inventor (Andrew Hobbs), un médico (Tony Roberts) y sus correspondientes parejas (Mia Farrow, Mary Steenburgen y Julie Hagerty, respectivamente)- durante un día en el campo, en el que se las apañarán para conquistar a las respectivas parejas de sus amigos.
Con un tono desenfadado y algo alegórico la cinta transcurre optimista, dibujando al habitual personaje de Allen (Andrew Hobbs), obsesionado por haber perdido la oportunidad de su vida junto a la que será la mujer de su cuñado -de esta relación se extrae el mensaje más romántico del film: que los momentos son efímeros y no tienen por que poder repetirse a lo largo del tiempo-. La comedia viene dada tanto por los ingeniosos inventos de Andrew, entre los que se halla una bola que visualiza a los espíritus del bosque, la ninfomanía de la novia temporal del doctor o la presencia del mismo como ser estrictamente racional, y pese a ello, tener las mismas tendencias infieles que el resto de los no-letrados. El romanticismo vuelve a entrar de lleno en el cine de Allen, donde, de alguna manera, el amor en el campo de Allen es más efímero que el amor del urbanita neoyorkino.
Primera colaboración con la que ya era su pareja, la actriz Mia Farrow, en la que película que posiblemente aparece más bella, bajo la magnífica fotografía del gran Gordon Willis. Farrow gana protagonismo en la cinta como deseo sexual de todos los presentes en la casa y es el verdadero motor romántico de la cinta, por más que Allen, tal y como haría en el futuro con Hannah y sus hermanas, Balas sobre Broadway (Bullets Over Broadway, 1994), Poderosa afrodita y Un final made in Hollywood (Hollywood's Ending, 2002), regrese a los brazos de su cónyuge. Si el encuentro con Diane Keaton le había llevado ha hacer sus mejores películas, fue a partir de su relación con Farrow que Allen entró en su proceso de mayor creatividad, incluso cuando ya las cosas empezaron a dejar de funcionar, y llegaron obras de la maestría de Delitos y faltas (Crimes and Misdemeanors, 1989) y Maridos y mujeres (Husbands and Wifes, 1992).
Comedia sexual de una noche de verano es al optimismo y a las ganas de vida, lo que Septiembre al dolor y a la desesperanza. Seguramente este "postre ligero" como lo definía el propio Allen, no complazca ni a los devoradores de la comedia desenfrenada ni al espectador ávido de dramas brechtolianos, es por ello, que quizás aún el film no es recordado con el cariño necesario que merece la obra de Allen. Hablando sobre amor y sexo, Andrew dice: "Que son antónimos, de hecho, el sexo libera tensiones mientras que el amor las produce". Siguiendo este particular punto de vista, Comedia sexual... ofrece justo dicho retrato: Mientras que la pareja enamorada de Andrew y su mujer no funciona en la cama, y por lo tanto, son infelices, la desenfadada ninfomanía de la enfermera y los habituales líos de faldas de el doctor los convierten en personajes totalmente risueños... justo hasta que el doctor se enamora y empieza a sufrir hasta llevarlo al intento de suicidio. Todo ello bañado e impregnado por una preciosa, romantica y escogida musica de Mendelsson. Imprescindible para empezar el verano o las vacaciones.