No es tan facil

Nancy Meyers, su trabajo, me gusta siempre. Dirige unas comedias romanticas, con un punto de sofisticacion y unos gags muy bien elaborados. Introduce en esta ocasion la marihuana, adopta un tono moralizante y su seriedad en el tramo final se pierde en esta ocasion en poco en el humo.
Su idea de siempre es la guerra tranquila de sexos que aqui interpretan Meryl Streep y Alec Baldwin, con un tercer angulo llamado Steve Martin. Interpretan un matrimonio divorciado hace ya una decada a los que se les presenta una segunda oportunidad. Desde la cocina nuevamente Streep y con una sobredosis de picardia de Baldwin, ambos se convierten en amantes y juegan a ocultarlo a sus tres hijos en la fase mas divertida del film.
Mejor el guion y los actores que la puesta en escena, filma con agilidad Meyers secuencias, dialogos, gestos y situaciones como con John Krasinski, Lake Bell o Caitlin Fitzgerald, sin perder nunca el referente de Historias de Philadelphia, intentando arañar señales del estilo mas clasico de la comedia romantica.
Retrato de historias de amor en la edad madura con hijos al fondo, con crisis de identidad sentimental congenita y que por lo visto suele aparecer alla por los 60. De repente, Meyers nos propone nuevas experiencias justo cuando pensabamos que el humo enfervorecido y vigoroso del tren del deseo ya no podia entrar en el tunel secreto del goce y del amor. Y yo que se lo agradezco oiga.

Ninja asassin

Un asesinato al cine de artes marciales, dirigido por James McTeigue,(V de vendetta), pero perpretrado por Joel Silver y los Wachowsky a la sombra de la Cannon a la que hacen buena. Interpretan y es un decir Rain, Sung Kang y Randall Dun Kim, datos y sombras para seguidores y admiradores. La unica forma de comentar esta cosa es la siguiente. Engendro. Ultraviolenta. Gore digital. Escupitajo. Antironica. Cerrazon mental. Rodaje distante. Sin epopeya alguna. No se puede caer mas bajo. Desastre total. Ni arte, ni marcial.

Nico, el reno que queria volar

M. Hegner y K. Juusonen nos cuentan una historia simple de superacion animal que se agradadece con la que cae. La del mitico reno de Papa Noel, que resulta ser un animal la mar de simpatico y dicharachero. Cine de consumo limitado esta produccion finlandes-danesa, adscrita a estos dias navideños. Pelicula con mensaje para chicos y grandes a cargo de Nico, el reno que no conocia a su padre y que sin embargo queria ser como el. Los directores, a pesar de utilizar logicamente tambien el ordenador, no se han vuelto locos y recuperan el antiguo sabor disney con dibujos eso si mas feos, o sea modernos. Tengo que volver a agradecer este esfuerzo, - o quiza limitacion,- por no ofrecer las tridimensionales imagenes, ni la superpoblacion digital de bichos, ni las orgias de sonido, de otros estudios famosos de animacion. Nico no qiere inventar nada nuevo en el mundo de la infografia, ni formales ni tematicas, el solo quiere entretener a los mas jovenes. El solo quiere volar.

Los niños perdidos de Buda

No se si Buda le daria con todas sus manos a Mark Verkerk, que narra una historia visualmente poetica, con una mirada sutil y de meditacion como corresponde, pero con una feroz violencia, quiza el objeto de su denuncia, que utilizaba con frecuencia sobre los niños, el protagonista monje ex boxeador precisamente nada sosegado.
El film holandes desgrana la figura del ex luchador lleno de tautajes y monje budista Khru Bah, que recogia niños abandonados y los instruia enseñandoles a leer, a escribir, a luchar con la tecnica del kick boxing y a desmantelar redes de trafico de opio en el llamado triangulo de oro tailandes, acciones a traves de las cuales el director austriaco nos hace llegar los mensajes habituales de la filosofia budista, entre los que predomina el triunfo del espiritu humano sobre otros arquetipos.
Quedemonos de este documental con la revelacion de que la vida es un arte que se ha de aprender. Pues eso.

Rankings 2009

Como todo el mundo lo hace, tambien a mi me apetece. Daros mi opinion sobre mis 10 peliculas preferidas de la 1a. decada de este siglo y las del año que cerramos. Perdonad si me he olvidado algo. Hay mas pero estan es estas;

Mis peliculas de la decada:
Bailar en la oscuridad de Lars von trier 2000
Caos calmo de Nanni moretti 2007
En construccion de Jose luis guerin 2001
Gran torino de clint eastwood 2008
Infiltrados de martin scorsesse 2005
Master and comander de peter weir 2004
Match point de woody allen 2006
Saraband de ingmar bergman 2003
Traffic de stephen soderberg 2002
Up de docter/petersen 2009.

Las del año que despedimos
Agora de Alejandro amenabar
Alla on viuen els monstres de spike jonze
Celda 211 de daniel monzon
El baile de la victoria de fernando trueba
El secreto de sus ojos de juan jose campanella
Garbo, l’espia de edmond roch
Hachiko de lasse hallstrom
Malditos bastardos de quentin tarantino
Si la cosa funciona de woody allen
Singularidades de una rubia de manuel de oliveira
Y recordad siempre, que a la hora de elegir pelicula, si veis el ranking de taquilla, podeis eliminar directamente las 10 primeras. Siempre acertareis.

La grandeza de vivir/How about you

Por si el titulo os desconcierta, estamos delante otra divertida y constructiva produccion irlandesa el 2007. Es la historia filmada por Anthony Byrne de una rebelde joven, con una maleta llena de desengaños amorosos, que se encuentra por azares del destino, al frente de una residencia en la que cuatro ancianos pasan sus vacaciones de Navidad. Internos que incluso comen separados, se miran y observan con recelo. La ocasional directora conseguira que estos ancianos amargados recuperen el optimismo y las gamberradas que les remitiran a los mejores dias de su infancia que todavia llevan dentro. Bien rodada, con el logico enmarque teatral del escenario, huye de mojigateria y sentimentalismos noños. En la linea de las historias irlandesas con las que siempre conecta el publico, cuenta con populares y soberbias interpretacioens de Vanesa Redgrave,- una pizpireta abuela con enorme gusto por la bebida-, Imelda Staunton, Brenda Fricker, Joss Ackland y Hayley Atwell, la sorprendente hermana de la directora del centro en vacaciones.
Con tono agridulce en lo concerniente a la incomunicacion humana, derriba muros y odios incipientes en un recinto geriatrico situado en las afueras de una poblacion, en la que nuestros protagonistas no tienen familia o prefieren vivier alejados de ella.
Cuenta la pelicula que en la memoria al envejecer, aparece cada vez con mas frecuencia el periodo de la infancia con interrogantes aun por resolver. Es la situacion que malviven estos jubilados irladeses enfrentados a si mismos, a la desconfianza, a la venganza y a un mundo que ya no es el suyo.
La joven e improvisada directora les devolvera la imaginacion y sobre todo la solidaridad con los demas.

Masones, los hijos de la viuda

Santiago Lapeira afirma que este documental es la primera película que se acerca a los masones, que entra en sus logias, y en la que ellos –los masones- se hacen visibles y se explican en la pantalla.
Manifiesta que en el filme le interesaba ficcionar el documental, superar la barrera del reportaje, y explicar un camino iniciático, que finalmente es lo que representa la masonería desde sus inicios. Por ello a pesar de que el filme recorre al esquema de un documental al uso, está narrado, en parte, como un filme de ficción.
La Masonería es una sociedad discreta, pero no tan conspirativa como algunos libros la dibujan, y la propuesta de la película es muy curiosa, indagativa incluso, pero a la hora muy respetuosa hacia la Francmasonería.
Habla de los Masones catalanes, de los españoles, pero también de los franceses y de los italianos. Ha rodado en París, en Roma, en Estambul, y hablado con masones de estos países.
La protagonista es una joven universitaria que descubre cuando muere su padre, que éste era masón. Hay organizaciones masónicas que si que lo hacen, -admitir mujeres en su seno- y otras, que continúan con la tradición de reunirse sólo hombres. Pero el sentimiento general, entre los masones con los que ha hablado, es que no se puede progresar sin que algunas tradiciones se modifiquen. Es una cuestión generacional, de educación. La sensación general, es que no se puede construir una organización fraternal, sin tener en cuenta al 51% de la Humanidad.
Existen las Logias Secretas, que aparecen en la película. Son secretas. Y lo que asegurara Lapeira es que sabe que la discreción de la Masonería es muy efectiva. Ni el mismo podría situar en el mapa el lugar donde se encuentran, a pesar de que estuvo rodando con un equipo reducido. Pero eso ya es otra historia. Tal vez en el making-off...
MASONES. LOS HIJOS DE LA VIUDA es una producción de Black Flag Cine y Verne Filmes dirigida por Santiago Lapeira y distribuida en España en salas de cine por Versus Filmes. Marta, una joven profesora universitaria, descubre que su padre pertenece a la Masoneria. Ella comezará un día el viaje de la iniciación que la llevará hasta Roma, Estambul, Paris, Barcelona y Colliure. Ella aprenderá la relación entre la arquitectura de Gaudí y la masoneria, los ritos, símbolos y la vida interna entre las logias y las ordenes. Ella descubrirá la especial relación entre la mujer y la masoneria...... La investigación dirigida por ella la llevará a conocer la más secreta de las logias y órdenes que se pueda encontrar en cualquier parte del mundo.

Fama

Los que disfrutamos con la serie o la peli de los ochenta podemos ser especialmente injustos por aquello de que los recuerdos son mentira y que inundan la razón que decía Mecano. Pero esta Fama no tiene problemas al compararse con sus referentes, sino al compararse consigo misma. No hay una canción, un número musical que se te quede en la retina. La historia no interesa y los personajes menos todavía. En fin que es un buen momento para reivindicar a Kenny Ortega y sus hábiles trabajos coreográficos en High School Musical 3 o This is it (a años luz de este videoclip tramposo y desangelado), y el magnífico guión de la injustamente olvidada School Rock Band.
Fama de Kevin Tancharoen, sigue a un dotado grupo de bailarines, cantantes, actores y artistas de diferentes disciplinas, a lo largo de cuatro años en la Escuela Superior de Artes Escénicas de Nueva York, donde se les da a los estudiantes la oportunidad de vivir sus sueños y de perseguir la fama. Pero esa clase de fama que viene del talento, la dedicación y el trabajo duro.
En una atmósfera de increíble competitividad, plagada de inseguridades, los sueños de los estudiantes serán sometidas a duras pruebas. Mientras intentan alcanzar sus metas con duro trabajo tendrán que afrontar tumultuosas amistades y apasionados romances. Con el apoyo de sus amigos y compañeros artistas, descubrirán quién de entre todos ellos, tiene el talento necesario para alcanzar la fama. Ya la alcanzaran otro dia Asher Book, Kristy Flores, Paul Iacono, Paul McGuill, Naturi Naughton, Kay Pannabaker, Kherington Payne, Collins Pennié, Walter Perez, Anna Maria Perz, Debbie Allen, Kelsey Grammer, Bebe Neuwirth y Megan Mullally.

Bienvenidos a Zombieland

Bienvenidos a Zombieland se convirtió en uno de los sleeper o éxitos sorpresa del año en su exhibición en EEUU. Ruben Fleischer toma las cintas de zombies más apocalípticas para elaborar una comedia friki bastante divertida que funciona muy bien como remedo de la fenomenal Zombies Party (Shaun of the dead) en versión América profunda.
Si en la cinta británica de Edgar Wright los protagonistas se tomaban con parsimonía y cierta flema inglesa el apocalipsis zombie, en la americana Jesse Eisenberg y Woody Harrelson hacen lo propio pero de forma distinta. Fundamentándose en la química puramente cómica de ambos, Fleischer explota el contraste de caracteres de forma adecuada (Harrelson hace aquí una de sus mejores interpretaciones) y basa casi todo el atractivo del breve film en sus reacciones a los diferentes acontecimientos. Bienvenidos a Zombieland funciona sin complicaciones y con naturalidad en este nivel, guiándose en su esencia por parámetros de pura comedia, aunque la trama sea propia de un film de terror.
Pero de ambos géneros hereda su capacidad para ser políticamente incorrecta, al menos en su nivel más superficial y festivo. Y si lo consigue es gracias a Eisenberg y Harrelson, perfectos como un tímido remedo de Michael Cera el primero, y como un mítico redneck de los que viven en un remolque el segundo (atención, no obstante, a ese momento en el que se descubre el pasado de su personaje). Es su comportamiento y su presencia en pantalla lo que fundamenta el atractivo del film, lo que hace que nos olvidemos de los zombies (a veces un mero ornamento, pese a su impagable atractivo friki). Porque Bienvenidos a Zombieland nunca trata de ser un film de verdadero terror (pese a ciertos momentos de desmedida y tronchante violencia), sino una comedia.
La peli entrega más o menos bien su moralina (asistimos a la creación, bien traída, de una peculiar y disfuncional nueva familia) y su atractivo como irreverente propuesta desvergonzada y friki. Dura escasos ochenta minutos y ofrece diversión intrascente y constante. El ingrediente de comedia sexual iniciática tampoco incomoda, dada la diversión que proporciona su reparto. Pero por lo que será recordada, no lo duden, es por el mejor cameo de la historia, y por su inolvidable homenaje a ese éxito ochentero que es Los cazafantasmas.

Animales de compañia

La segunda película del director Nicolás Muñoz, Animales de Compañía, se ha hecho esperar diez años después de su Ópera Prima de 1999 titulada Rewind.
Animales de Compañía nos advierte que estamos ante una tragicomedia sobre la familia, más concretamente con todos los trapos sucios que salen a la luz en las cenas familiares, tan prolijas estos dias.
De la película podemos destacar al veterano Miguel Rellán, un actor que como la copa de un abeto y que no ha podido destacar mucho en cine. Le acompañan en el reparto Mireia Ros, María Botto, Nancho Novo, Cristina Alcazar, Francisco Boira y Javier Pereira.
Animales de compañía no tiene un gran número de gags, y se hace un poco pesada, la mayoría de las escenas cómicas vienen del personaje interpretado por Nancho Novo.
Como es lógico en este tipo de historias, durante la cena se irán produciendo toda una serie de acontecimientos que sacarán a la luz todos los problemas de esta familia pero también todo el cariño que, en el fondo, se tienen los unos a los otros.Animales de Compañía, sólo que es un producto medianamente aceptable y poco más.
La sipnosis es la siguiente:Rafa (Miguel Rellán) cumple 65 años y, a su edad, sabe de sobra que las cosas salen siempre peor de lo que uno espera. Lo que él espera es que su hijo pequeño llegue tarde al cumpleaños y pase la mitad de la velada hablando con el móvil. Que su hija mediana, si es que llega, lo haga más tarde aún y sin regalo. Que su hija mayor no pare de meter cizaña sobre la mediana, y que su mujer simule todo el rato que son una familia perfecta. Eso es lo que Rafa espera
Los tópicos y clichés del cine francés y de cómo ellos también tienen sus tics. En su caso, su subgénero más trillado es el cine de familias. En efecto, se trata de una película sobre la familia y, en efecto también, no ha de ser bastante peor que la típica película francesa con la misma temática.
Es cierto que hoy en día, con cuatro duros y una buena subvención del Estado (que somos todos) te haces una de esas películas baratillas que puedes rodar en el salón de tu casa, donde lo importante no es otra cosa que el propio guión. O sea, los personajes, los diálogos, las interpretaciones, la historia que cuenta... todo eso suena realmente bien. Al menos sobre el papel. Los realizadores necesitan ingeniárselas para superar las limitaciones de presupuesto. Sin embargo, no todas las películas pueden ser El mariachi. El problema es que hay tener talento. Y éste no sobra, y menos en el cine español.
Sé que muchas veces apetece refugiarse en el cine patrio. Nada de americanadas, nada de rarezas suecas... lo que apetece es un poco de humor de tortilla de patatas. Eso nos pasa a todos. Pero no por eso hay que dar un chance a opciones a las que se les ve el plumero desde lejos. Sabemos perfectamente que aunque la película prometa hacerte pasar un buen rato riéndote, saldrás del cine prometiéndote a ti mismo no volver a ver cine nacional.

Alvin y las ardillas 2

Alvin y las ardillas fueron creadas por el compositor musical Ross Bagdasarain, que intentaba labrarse una carrera como cantante utilizando el seudónimo David Seville. Como fue rechazado por las discográficas, inventó unos personajes ficticios, las ardillas, que supuestamente cantaban el tema musical 'The Chipmunk Song (Christmas Don't Be Late)'. Tuvieron tanto éxito que en 1961 los personajes fueron los protagonistas de la serie animada The Alvin Show, y posteriormente, en 1983, de Alvin & the Chipmunks, con mayor calidad de animación, y que es la más conocida en España. Era cuestión de tiempo que llegaran al cine, de la mano del director Tim Hill, que como en su film Garfield 2 combina animaciones digitales de las ardillas, con personajes de carne y hueso.
El argumento es similar al de las series de dibujos, y se basa libremente en la historia del creador de las ardillas. Sigue los pasos de un aspirante a compositor, Dave Seville, que consigue que le reciba con los brazos abiertos Ian Hawke, un poderoso productor musical. Pero a éste no le gusta su trabajo, por lo que le echa casi de malas maneras. De la oficina de Hawke, Seville se lleva una cesta con unos bollos que le habían ofrecido a la entrada, pero que a la salida se niegan a dejarle probar. Sin que él se de cuenta, en la cesta se han ocultado unas ardillas, totalmente perdidas en la gran ciudad cuando el árbol en el que descansaban fue talado para reconvertirlo en árbol de navidad. En casa, las ardillas, Alvin, Simon y Theodore, demuestran a Dave que tienen talento como cantantes. Interpretando una canción de Dave (la citada 'Christmas Don't Be Late'), las ardillas logran ser fichadas por Hawke, y ser número uno en las listas de éxitos.
La animación CGI tiene tanta calidad, que los protagonistas parecen tener vida propia. Además, el especialista en comedia Jason Lee (Me llamo Earl) les da la réplica con cierta simpatía. El film es un entretenimiento familiar sin muchas pretensiones, claramente dirigido a los más pequeños, a los que arrancará carcajadas. El argumento se centra en la relación paternofilial que se establece entre Seville y sus 'hijos adoptivos'. Cuando estos se niegan a obedecer las sencillas reglas básicas para la convivencia familiar, surgirá el desastre, por lo que se puede decir que tiene su moraleja para el público infantil sobre la importancia de la disciplina.

Brittany Murphy (1977-2009)

Buscaba un tema para mi blog nº 1000. Sabeis que procuro conocer y compartir temas de cine que casi nunca o nunca saldran en la primera pagina de los grandes rotativos. Hoy para despedir un año triste y pobre, encuentro en un recodo de la pagina la desaparicion de una joven y prometedora actriz que con solo 32 años, parece con una hepatitis B, abandono este mundo mientras se duchaba. Una sonrisa poco conocida, os dejo que busqueis su ya extensa filmografia de secundaria, que llego de Atlanta y New Jersey con su madre Sharon a la meca del cine, buscando el estrellato alla en los 90.
Dedicada ultimamente al cine independiente, estreno hace poco en una sola sala de NY, Across the hall y tan solo hacia dos semanas que habia finalizado con Sylvester Stallone, The expendables. El mundo cinefilo la veia todavia como una niña, el rayo de sol americano, segun pregona Twitter, de esta actiz que participo tambien en la oscarizada Inocencia interrumpida.
Recordada estos luctuosos dias por Michael Douglas, Eminem o Aston Kutcher, Brittany habia trabajado con los grandes. En Clueless, adaptacion de Jane Auster, donde con 15 años se apoyo e hizo gran amistad con Alicia Silverstone. Su marido, el guionista britanico Simon Monjack, habia expresado su preocupacion por la extrema delgadez de la actriz las ultimas semanas. Descartados indicios de criminalidad se esta a la espera de la autopsia.

Capitalismo: una historia de amor

El dia de los inocentes, Michael Moore presentara su nueva escaramuza con el sistema uqe se estrenara ya el 8 de enero del 2010. En el vigésimo aniversario de su revolucionaria obra maestra Roger & Me, Michael Moore, con CAPITALISMO: UNA HISTORIA DE AMOR, afronta el problema que está en el centro de toda su obra: el desastroso impacto que el dominio de las corporaciones tiene sobre la vida cotidiana de los estadounidenses, y, por consiguiente, también sobre el resto del mundo. Desde la América de la clase media hasta los pasillos del poder en Washington y el epicentro financiero global de Manhattan, Michael Moore lleva una vez más a los espectadores por un sendero sin explorar.
Con humor e indignación, CAPITALISMO: UNA HISTORIA DE AMOR plantea una pregunta tabú: ¿cuál es el precio que paga Estados Unidos por su amor al capitalismo?
Hace años, ese amor parecía absolutamente inocente. Sin embargo, hoy el sueño americano se parece cada vez más a una pesadilla, cuyo precio pagan las familias, que ven esfumarse sus puestos de trabajo, sus casas y sus ahorros. Moore nos lleva a las viviendas de personas normales y corrientes, cuyas vidas se han visto trastocadas, mientras busca unas explicaciones en Washington y en otros lugares. Y lo que descubre son los síntomas demasiado familiares de un amor que acaba mal: mentiras, malos tratos, traiciones… y 14.000 puestos de trabajo perdidos cada día. Pero Moore no se rinde y nos invita a sumarnos a su lucha, incansable y llena de optimismo. El film participo en Venecia en la seccion oficial a concurso.

Donde viven los monstruos

Los sones intelectuales y educativos, asi como las imagenes de alta emocion visual surgen de 20 lineas de un libro de cuentos de Maurice Sendak editado por Alfaguara y tambien en sus dibujos del mismo autor, en que se ha inspirado Spike Jonze, otro hora director de Conociendo John Malkovich, El ladron de orquideas y 3 reyes. 20 lineas que hablan de rabia y soledad dde un niño rechazado por su entorno y que Jonze ha enfatizado subrrallandolas magistralmente con la musica, consiguiendo intimar con el publico incluso antes de que lo hagan las imagenes. Ayuda tambien la sustitucion del salvajismo del texto por la melancolia del film consiguiendo un film de animacion mas adulto casi que infantil.
Narra el cuento que los fantasmas o monstruos son producto de la imaginacion del niño Max y a traves de los cuales puede descubrir sus propias y depresivas emociones, que forman parte ya de su formacion como adulto. Max Records, un chico de 9 años, vive con una hermana que le ignora y una madre, Catherine Keener que le hace todavia menos caso que MArk Buffalo. Muy molesto huye al fondo de su imaginacion y alli convive con estos monstruos tristes y melancolicos, que no son mas que nuestros miserables problemas y que todos llevamos dentro.
Magnifica descripcion de una psique en fase de maduracion con enormes lagunas vacias, complicados y terribles bosques oscuros y habitados por estos monstruos enormes. Como enorme la ha quedado esta adaptacion a Jonze.

Todo es culpa de mi madre/Quelque chose a te dire

Cecile Telerman tiene lo mismo que ver con Sautet o Chabrol que el titulo con su traduccion. Pero sabeis que me gusta el cine frances y como hizo en ¿Porque las mujeres siempre quieren mas?, Telerman despacha el encargo con fluidez y diversion. Con Mathilde Seigner, Pascal Elbe y Charlotte Rampling como elegante acaudalada y viperina mujer, resuelve con solvencia una comedia ligera sobre el ADN familiar frances.
Un matrimonio sexagenario de clase alta, un hijo poco dotado para ser empresario como su padre y dos hijas: la buenaza y la oveja negra que se relaciona con un policia complicado. Todos con todos los problemas legales, emocinales, juridicos, laborales y economicos que asedian nuestros dias. Un secreto consanguineo entre esta familia y la del policia agotado nos dara la salida de esta navideña comedia de enredo. La pregunta del film es si somos libres o repetimos los cliches observados o heredados de nuestros padres. La respuesta en los trabajados dialogos sobre todo de la primera parte. Melodrama romantico muy frances, recomendado para psicoanalizarse en familia despues de las comidas navideñas de estos dias.

Ich bin Enric Marco

Cuando estallo la mentira de Enric Marco acerca de la falsedad de su existencia, programamos en el cine forum de la Ametlla del Valles una sesion explicativa con los responsables del Amical de Mathaussen para clarificar los hechos no acontecidos en esta ocasion en el campo de Flossenburg. El resultado fue que no acudio ni un solo espectador. Ahora Santiago Fillol y Lucas Vermal, no relatan la inexistente pero brillante partida de ajedrez imaginaria ganada ademas al comandante de las SS del campo, sino que dan la opotunidad a Marco de recuperar su autentica memoria. No de pedir perdon, para que en un documental, sino de revivir ahogado en lagrimas, estas si sinceras, los lugares y lo hechos que realmente visito mientras imagino que habia estado en el campo de concentracion.
El esplendido documental, intenta a traves de imagenes de archivo presentar como funcionaba una cabeza sometida como todas durante la represion a una insoportable tension. Le acompañan los autores en su viaje a Alemania, escarbando entre los recuerdos reales, los verdaderos malos tragos de 1941.
Si que la mentira descubierta es deleznable. Pero habria que recordar que Marco, por cierto Cruz de Sant Jordi, ayudo con su falso guion a mantener viva la memoria y el horror del exterminio nazi, cuando otros no lo hicieron y su mentira seria entonces por oclusion. Protagonista atractivo de este oportuno documental en el que sus autores comprenden, filman, escuchan y respetan pese a todo, esperando rescatar del fondo de su trabajo una brizna de verdad que justifique de algun modo la gran mentira. Una doble personalidad que enriquece a sus investigadores y que a partir de sus aseveraciones inexactas nos enriquece a nosotros. Nos muestra como es de escurridiza la memoria humana.

Avatar

Situa James Cameron a su pelicula en un planeta lejano y un futuro impredecible, pero con alma de Pocahontas, o sea pelicula de indios buenos. Un hombre llamado Caballo, lucha contra su propio ejercito al lado de los indigenas para proteger y defender sus tierras sagradas. Y parecen sagradas de verdad gracias a la impecable tecnologia del 3D, en la que Cameron se revela maestro.
Le agradecemos que no haya bañado su historia con algun fundamentalismo y la haya dejado solamente en espectaculo puro de animacion de categoria que eso si lo tiene. En Avatar, James ha incluido retazos de toda su tecnica y filmografia, desde Abismo, pasando por los Terminators, con Aliens y sus Mentiras arriesgadas para acabar en el fondo como el Titanic hace ya doce años.
Es lo que ha tardado en volvernos a presentar su artilleria pesada cinefila para intentar de nuevo revolucionar la industria cinematografica en franco declive frente a las nuevas formas de exhibicion, de la mano de Sigourney Weawer, Sam Worthington, Zoe Saldana y Stephen Lang. La impresion es que no sera uno de los hitos del cine moderno. Le ha absorbido la tecnologia y ha olvidado, lo fundamental en una historia de futuro, precisamente el sentido visionario que si han tenido otros grandes.

Singularidades de una chica rubia

El gran Manuel de Oliveira cumplio 101 años el pasado 11 de diciembre y lo celebro rodando otro cuento moral, rodado con la maestria de los grandes y la ironia despiadada de la edad.
Ricardo Trepa, su nieto, explica su desastrosa historia de amor a una rubia desconocida, Catarina Wallenstein que la recoge con artesanal delicadeza al tiempo que muestra el cinismo receptivo de la sociedad actual y conduce al film hacia un final escabroso de un sueño romantico hecho añicos en la juventud.
63 minutos en un tren, bastan para poner en escena el cuento del escritor portugues del siglo XIX, Eça de Queiros que es un tratado sobre las cosas importantes de la vida. Imperturbable dramaticamente explica con precision el proceso de enamoramiento y desguace en una relacion de pareja. Con rodajes cada vez mas cortos, Oliveira despues de Mudanzas, un corto con Portabella donde vacian la casa museo de Garcia Lorca, su ultimo film sobre Cristobal Colon y preparando ahora una nueva pelicula, le agradecemos sus menores metrajes alguna vez en su trayectoria artistica excesivamente prolijos.
De alguna manera este gran director que empezo filmando cortos todavia de cine mudo, recupera la sintaxis de la imagen y domina la entrega de mensajes visuales y narrativos, refinados y pasionales. Vuelve su obra a ser mas manejable, asequible, sin perder ni un apice de su grandeza y rubrica personal.

JULIO FERNÁNDEZ RECIBIRÁ LA MEDALLA DE ORO EGEDA A SU CARRERA

Julio Fernández, Productor y Presidente de Filmax, recibirá la Medalla de Oro en reconocimiento a su trayectoria profesional en la XV Edición de los Premios Cinematográficos José María Forqué, instituido por la Entidad de Gestión de Derechos de los Productores Audiovisuales (EGEDA). La Medalla de Oro de EGEDA, que premia a un productor por toda una trayectoria en el cine español, ha sido concedida a Julio Fernández por su gran dedicación en favor del cine.
Julio Fernández agradeció la distinción “en primer lugar por lo que significa y en segundo lugar porque lo dan tus compañeros, los productores españoles, que además han votado por unanimidad, lo que me hace muy feliz”.
Vanguardista, creador e impulsor de grandes proyectos, Julio Fernández ha producido más de 100 títulos, consiguiendo que muchos de ellos se distribuyan a nivel internacional. Creador de la Fantastic Factory, ha influido en el cine de género en nuestro país y con su apuesta por las producciones de animación, ha conseguido ya 5 Premios Goya (Goomer, El Cid, la Leyenda, P3K Pinocho 3000, Pérez, el ratoncito de tus sueños y Nocturna).
La franquicia [REC], de Jaume Balagueró y Paco Plaza, La caja Kovak, de Daniel Monzón o El Maquinista, de Brad Anderson, son algunos de los últimos títulos que ha producido. Aunque es sin duda el género fantástico y de terror el que más ha cautivado a Julio Fernández, su pasión por el cine le ha permitido abarcar todos los géneros creando películas como Transsiberian, de Brad Anderson, Tapas, de Jose Corbacho y Juan Cruz, El Perfume, de Tom Tykwer, El Lobo, de Miguel Courtois, Manolito Gafotas, de Miguel Albaladejo; Donkey Xote, de Jose Pozo o Pérez, el ratoncito de tus sueños, de Juan Pablo Buscarini, entre otras.
A lo largo de toda su trayectoria ha recogido los premios importantes dentro y fuera de nuestras fronteras como los Meliès de Plata y Oro en el Festival de Sitges para Los Sin nombre, de Jaume Balagueró y Meliès de Plata para El segundo nombre, de Paco Plaza; Biznagas en el Festival de Málaga para las dos películas dirigidas conjuntamente por Jose Corbacho y Juan Cruz, Tapas y Cobardes. También ha recogido la Concha de Oro en San Sebastián por la película El viento se llevó lo qué, de Alejandro Agresti.
Internacionalmente, ha recibido premios en festivales como el Festival Internacional de Cine de Oporto: Fantasporto, Festival de Cine Fantástico de Gerardmer (Francia); Festival Internacional de Cine Fantástico de Bruselas; Festival Internacional de Cine de Mar del Plata (Argentina), Fantasia Film Festival (Montreal) o Fantastic Film Festival de Malmö (Suecia), entre otros.
La entrega de la Medalla de Oro EGEDA tendrá lugar el próximo 28 de enero en el Palacio de Congresos de Madrid.

LOS CINES VERDI, ÚNICOS EN VO 2D Y A..D. 2K

Los *CINES VERDI* prosiguen con su quehacer pionero e innovador en el sector cinematográfico, marcando la diferencia. Ahora también, se han convertido en los *únicos cines de Madrid y Barcelona *en Versión Original Subtitulada, que proyectarán en 2D el mejor cine de autor con la tecnología punta del mercado: proyectores de *ALTA DEFINICIÓN 2K, *con 2.000.000 de píxels. La primera película con la que poder disfrutar de este deleite sensorial para los más exigentes espectadores será “Avatar” de James Cameron.
“Innovar es obligación de los cines que queremos seguir en primera línea y marcando la diferencia. Lo cual siempre ha sido nuestro lema y objetivo”, dice Enrique Pérez Font, dueño de los Cines Verdi de Madrid y Barcelona. “Mi máxima motivación es apostar por las nuevas tecnologías, y facilitar asimismo a los nuevos realizadores -quienes están utilizando nuevas técnicas de producción- que sus películas puedan ser vistas en el mismo formato en el que se realizaron”, añade. “Esto no afecta necesariamente a la programación, que para nosotros es primordial y continuará con el mismo espíritu Verdi. Para ello, mantenemos las salas con doble equipamiento: tanto la Alta Definición digital como el 35mm. Y, por tanto, invitamos a toda la producción y distribución de cine independiente para que se fijen en nosotros como referente para poder estrenar sus películas de autor y, mayoritariamente, europeas”, concluye.

El erizo

Como la pelicula de Mona Achache, el animal del titulo tiene pinchos por fuera y es suavisimo por dentro. Como Paloma, la niña de 11 años que interpreta Garence La Guillermie y que se dedica con su vieja camara a filmar a sus vecinos en una Rue del Percebe cultural. Son estos Josiane Balasko, mujer fracasada y portera de un antiguo edificio parisino dela zona alta, aparentemente vulgar mirando siempre teleseries y de la que la niña quiere descubrir su secreto; lo culta que es. Y llega el otro personaje, un nuevo inquilino, Togo Igawa, viudo japones, nada cortes ni finolis, que de repente endereza su vida, sin caer, como el filme que tampoco, en sensiblerias.
Un cuento moral que conecta con el espectador y que le plantea que la relacion con los demas exige primero una cierta relacion con uno mismo. La niña-erizo, superinteligente y con gran vida interior, decide dibujar y ejecutar su propio destino huyendo de un mundo familiar superado por la hipocresia, hasta el punto de pretender quitarse la vida. Compuesto por una madre desequilibrada y sumergida en barbituricos, un padre politico, cinico como algunos de ellos y una hermana que parece de otro planeta superior, Paloma decide no hundirse en una vida de mediocridad.
La elegancia del erizo es el exito literario en que se basa el film, obra de Muriel Barbery, profesora de filosofia, con la particularidad de que Mona ya empezo la adaptacion mucho antes de que triunfara comercialmente. Le intereso basicamente porque teoriza sobre el arte, la emocion y la inteligencia que dificilmente se someten a los canones sociales establecidos. Pelicula con individuos fuera de si mismos, que combina sin demasiado azucar, adolescentes inteligentes, fracasados cultos y estrangeros emocionalmente recuperables. Un film elegantemente dulce.

Mal dia para pescar

Dicen que sea posiblemente el mejor cine sudamericano que nos ha llegado este año que acaba. Aunque toda esta filmografia, la uruguaya especialmente, parezca carente de intensidad, esta pelicula es siempre especialmente solida e intencionada.
Bien definidos los caracteres por Alvaro Brechner, esplendidas composiciones de Gary Piquer, Jouko Ahola, Antonella Costa y Cesar Troncoso y que son principalmente un manager con visos de dandy y un grandullon luchador, con una notable carga de veracidad y sobre todo dignidad. Se mueven con comodidad en las callejuelas, el teatrillo de sus exhibiciones forzudas y el maldito hotel donde residen ocasionalmente. Una camara con poesia, acredita un sentido del rodaje muy interesante.
Con estos heroes venidos a menos, el excampeon de lucha libre alcoholizado y su manager, bandido y mentiroso al limite de lo inpensable, recorren el Uruguay rural de los años 60, mal viviendo y ganando las migajas de la gloria pugilistica. Rings miserables improvisados en pueblecitos en los que buscan al chulo de la localidad para enfrentarsele, combinandolo con apuestas si resisten unos rounds y que si lo consiguen, no tienen dinero con el que responder.
Original extraido del cuento Jacob y el otro de Juan Carlos Onetti, retrata el universo de sus criaturas desorientadas y sin rumbo fijo. No se si como el cine urugayo todavia. Reflexion sobre las falsas apariencias, las ilusiones rotas, los sueños y la triste realidad.

LA FILMOTECA PRESENTA “ELS COMPOSITORS DE CINEMA A CATALUNYA (1930-1959)”

La presentació anirà seguida de la projecció de “La Huída”, amb música de Ricard Lamote de Grignon.
“Els compositors de cinema a Catalunya (1930-1959)”, tretzè volum de la Col·lecció Cineastes coeditada per la Filmoteca de Catalunya i Editorial Pòrtic, serà presentat demà dimecres 16 de desembre, a dos quarts de vuit del vespre, a la sala de projeccions de l’Avinguda de Sarrià 33, de Barcelona.
El llibre, escrit per Josep Lluís i Falcó, professor d’Història del Cinema a la Universitat de Barcelona, i president de l’ADMA (Associació per a la Divulgació de la Música per a l’Audiovisual), repassa l’obra i la trajectòria d’aquest imprescindible col·lectiu professional, no sempre degudament reconegut.
Noms de la importància d’Augusto Algueró, Ricard Lamote de Grignon, Joan Duran i Alemany, Ramon Ferrés i Mussolas, Josep Casas i Augé o Frederic Martínez i Tudó hi són tractats en profunditat, sense deixar de banda altres músics coetanis amb els que els primers mantenien freqüents relacions professionals.
L’obra comprèn el període que va de l’inici del sonor fins al 1959, i ja s’està treballant en la redacció d’un segon volum que completaria el panorama fins als nostres dies.
La presentació comptarà amb la presència de l’autor, Josep Lluís i Falcó, així com del director de la Filmoteca, Roc Villas, i anirà seguida de la projecció de “La Huída” (Antonio Isasi-Isasmendi, 1956) que compta amb música del mestre Lamote de Grignon.

Cinéclub

Salomon Shang es un cineasta maldito pero luchador y de merito. Su magnifica La zona de Tarkowsky era un tratado inmenso sobre la figura del cineasta ruso. Ahora este director modesto, triste y ensimismado en la desaparicion del cine de siempre, nos muestra casi sin dialogos y menos palabras, un ejemplo de ello. La reciente desaparicion de los cines Casablanca del Paseo de Gracia de Barcelona, local buque insignia en su momento del cine de arte y ensayo y que proyectaba al cerrar ese cine irrecuperable que ya nadie quiere ver, Las nieves del Kilimanjaro, Scarface o El ladron de Bagdad.
Con sabor a Bogdanovich y en este escenario real ha rodado los últimos dias agonizantes de la doble sala entre cuyas butacas vacias sufren una taquillera, el proyeccionista y un unico espectador fiel a diario,- que acude a veces disfrazado,- interpretados por Matthieu Duret, Ana Garcia Vives, Manuel Rudi y Angels Torrents. En un momento aparece la figurade Jean Luc Godard, aun Critico y uqe se duerme en la sala como tantos, es lo que conforma el toque frances que tiene todo el film. Iluminada en tonos sepia, certifica tambien con poca fuerza el ocaso de un cierto cine que ha tocado de momento a su fin. Frente a modas e instituciones, Salomon usa sus pocos recursos para mostrar su nostalgia y su enfado con la actual y parece que imparable situacion. Lejos de los locales de barrio, los tres protagonistas derivan en pura anecdota y su desaparicion no es mas que una consecuencia de los tiempos. Apocaliptico, deprimente y premonitorio film.
En el 98, y para celebrar mi 500 programa de radio Sed de cine, Radio Gracia (107.6 FM) invito al preestreno de Happiness, durisimo film de Todd Solondz y que estuvo despues varios meses en cartell. A todos ellos mi agradecimiento.

Blindado

No conozco los origenes de Nimrod Antal, si son proletarios o no. Pero si que no ha convivido y sentido en su carne la camaraderia, las tensas discrepancias segun las ideologias y todo ello repercute en el ritmo de la narracion del filme y la dota de una cierta inverosimilitud. Tension ademas que flojea ya del todo en los largos viajes de lso protagonistas a lejanos destinos familiares. Con todo se nota el esfuerzo para hacercarse a otro tema incomodo, mundo de las conciencias obreras, con sus rencores y brutalidades que describe con pasion y donde denuncia los grandes errores que en la historia del sindicalismo han sido.
Comercializa mas el tema tipo La ley del silencio con unos claros toques tarantinianos y homenajea a todos los atracos fallidos que en Hollywood se han filmado. Sus personajes pueden con todo, especialmente las continuas traiciones del grupo, con el fin claro de ir eliminando miembros para quedarse finalmente el producto del robo.
Como en Habitacion sin salida y Kontrol, Antal juega con los espacios claustrofobicos y le gusta mas recrearse en Columbus Short, Matt Dillon, Jean Reno o Laurence Fishburne, personajes en si mismos que en las situaciones y tesituras con que se van encontrando. Es esta intensidad emocional que hace que sus adeptos le adoren y otros encontremos este cine, por decirlo de alguna manera, demasiado personal.

Algo pasa en Hollywoood/What just happened

Barry Levinson, unos de mis directores artesanos favoritos con Acoso, Avalon,Bandits , Bugsy, Dinner, El hombre del año, El joven Sherlock Holmes, El millor, El secreto de la piramide, Envidia, Good morning ,Vietnam, Jimmy Hollywood, La cortina de humo, Liberty Heights, Rain Man, Salvats pels pels, Sleepers o Toys, ha ajustado sus cuentas con la industria que domina.Para ello ha contado con Robert de Niro, Bruce Willis, Catherine Keener, Sean Penn, John Turturro, Robin Wright Penn, magnifica otra vez, Stanley Tucci y Michael Wincott. Un tono de oscuro alrededor de un productor fracasado y por tanto venido a menos y que pega su bajo animo a toda la cinta, lo cual es un logro segun se mire. Al contrario todos los otros personajes, brillantes en la linea de los grandes secundarios de Hollywood.
Una aproximacion al mundo del cine, repleta pues de incomensurables aportaciones y en un "genero" al que ya se han acercado algunos de los grandes. Un film en el que se nota que todo lo que cuenta, el equipo completo sabe de que habla.

Todo esta en el aire

De los directores David Ciurana y Ángel Penalva e intérpretada por Adriá Collado, Irene Montalá, Pau Dura, Maria Molins y Fermin Casado cuenta la historia de Nacho que es un joven treintañero, enamorado de su novia, Ana, y está montando su propio negocio. Pero todo se va a la mierda cuando Ana le deja por otro de la noche a la mañana. Nacho se consuela con Jose, su mejor amigo, quien ha decidido tener su primer hijo con su mujer, Miriam, y dejar de una vez por todas a su amante gay Alex. Pasa un año y todo parece haber cambiado, o no, porque todo sigue en el aire.

El camino de los sueños

Joan Soler dirige este documental que podria subtitularse muy bien la mirada india. Comenta el mismo que uno de los privilegios de que puede disfrutar el documentalista es el de verse asaltado por alguna de las historias que pululan a su alrededor y que de pronto, como un relámpago, se le aparecen con toda la fuerza de su interés humano.
Algo así me pasó con la historia de Alba y Nuria. Lo que llamó mi atención fue el ver como estas jóvenes invidentes intentan, no sólo superar los obstáculos que su discapacidad representa para su actividad cotidiana, sino también desarrollar una vida rica y llena de objetivos y metas que alcanzar.
El espíritu de Alba y Nuria las empuja a convertir sus limitaciones en nuevas oportunidades vitales, a construir un nuevo mundo en el cual sus profundos sentimientos y su alegría de vivir les pemiten acceder a esas realidades esenciales que, como dijo el gran escritor Antoine de Saint-Exupéry, se ocultan a la vista, pues sólo el corazón puede captarlas.
El camino de los sueños habla de superar límites ilusorios y romper falsas barreras, de generosidad, de amor, de esperanza, de sueños realizados a base de fortaleza y tenacidad. Alba y Nuria viven, aman, aprenden y reciben el regalo de alcanzar la propia felicidad de la única forma posible: procurando la felicidad de los demás.
Espero que este relato produzca en los posibles espectadores el mismo efecto que produjo en mí: el renovado deseo de aprovechar las oportunidades que la vida nos ofrece y de afrontar los obstáculos que nos presenta con el espíritu de superación de Alba y Nuria.
Joan Soler les habla como a dos hijas, de una manera emocionada y parsimoniosa, y les dice que las dos merecen un homenaje, que les erijan un monumento, aunque el ya fallecido Vicente Ferrer confiesa luego que no les gustan demasiado las estatuas. Alba y Nuria, dos invidentes, acaban de llegar a la India, a la Fundación que Ferrer presidía, para colaborar en la educación de niños ciegos. Y los enseñan en inglés a utilizar el ordenador mientras recorren calles nuevas y extrañas, vistosas, de colores, donde las mujeres lavan a sus hijos en medio de la calle, con ellos, tan pequeñitos, boca abajo sobre las desnudas piernas para que no les entre jabón en los ojos.
Las protagonistas del documental no pueden ver, pero, milagrosamente, ven. Que están justo donde quieren. Ferrer les dice: a los indios les asombra que haya quien cruce el mundo para ayudarles. Y ellas responden que contaban los días al revés que faltaban para viajar. Arropado por una música suave y hermosa, el documental de Joan Soler habla de la superación, del coraje, y, también, que a veces nos equivocamos. La felicidad está muchas veces en una sala de cine donde un filme de Bollywood provoca las risas de dos niñas.

las dos vidas de Andres Rabadan

Aclarado el tema del documental y la pelicula hoy toca esta, sobre Andres Rabadan, el asesino de la ballesta y que a pesar de los eximientes, estara 5 años mas en prision que De Juana Chaos que se cargo a 25 y ya esta en la calle. Cosas de la justa (de escasa)justicia y que intentan explicar Ventura Durall y Alex Brendemuhl, en otro de sus personajes torturados, oscuros, con doble fondo, como parece ser el caso.
Reconstruye el fim en la ficcion lo que se apuntaba en el documental. Director del centro psiquiatrico sin escrupulos, celadores que humillan a este tipo de presos, la medica buena y profesional, la enfermera que se enamora, algunos topicos que restan credibilidad a una ficcion basada en hechos reales. Uno de los puntos mas debiles la relacion afectiva con Mar Ulldemolins y que me recordo algun papel de Emma Suarez. Mejor Cristina Garcia, Andres Herrera y Clara Segura.
Todo parte del comic que desarrollo repasando su trayectoria de protagonista en la prision. Alla se definia a traves de textos y magnificos dibujos su existencia vital. Y de este material ha partido Durall para ejecutar la ficcion del film.
Con el libro, se cierra de momento el exorcismo de este joven sobre su caso, desde diferentes puntos de vista y de soportes y de vehiculos de comunicacion. Las opticas diversas del conocido caso, incluidos los tres descarrilamientos de trenes, son el estudio psicologico de su personalidad dividida, sus memorias en primera persona de su vida en el encierro, sus teorias sobre la segunda oportunidad o no que puedan tener los crimenes de sangre y finalmente una ficcion que reconstruye los escenarios que pudieron marcar o sencillamente fueron testimonio de la vida de un niño de infancia complicada. Recordemos madre que se suicida y hermana violada sistematicamente por su padre. Otro caso de dos vidas en el que si hubiera podido escoger, habia elegido sin duda la otra.

Spanish movie

Ademas de divertir el filme de Javier Ruiz Caldera, sorprende. No parece un film español por su impecable realizacion, como por ejemplo la copia del decorado Almodovar. Tambien los cameos son espectaculares y no decimos los habituales amiguetes tipo Segura, sino los autenticos protagonistas del cine español entre ellos Balaguero o Amenabar. Un acierto total del casting co Alexandra Jimenez, Carlos Areces, Silvia Abril o Joaquin Reyes. La guinda excepcional e inteligente del pastel, la recuperacion del mayor Leslie Nielsen, quien por lo visto a la voz de accion, se sacaba 20 años de encima.
Se pueden reconocer las parodias de Los otros, El laberinto del fauno, El orfanato, Mar adentro o Volver y menos reconocibles REC, Abre los ojos o como excepcion internacional No es pais para viejos o ya para cinefilos la Soledad.
La risa es tan imporante en los primeros 20 min, que como el futbol es imposible mantener un nivel tan alto de juego y ritmo. Tambien a medida que avanzan los gags ganan en vulgaridad, como si el productor hubiera decidido llegar tambien al publico declaradamente escatologico. Y ello para desgracia e insulto al espectador educado, incluye, meadas, gulafreria y las consiguientes diarreas, que por lo visto son el summum en gag cinematografio. Un poco en otra dimension, lo del caganer del pesebre catalan. En definitiva logra al maximo la mejor copia de sus congeneres americanas. Por ello tambien descarta la sutileza, ingrediente que el cine español todavia puede tener.
Si pudieramos volver o dirigirnos hacia el sentido parodico, ironico y burlesco de Aterriza como puedas o Hot shot o Top secret, tendriamos una buena via, un gratificante genero del cine patrio, tan necesitado el de vias y rotura de moldes carpetovetonicos.

Lluvia de albondigas/Cloudy with a chance of meatballs

Si sentis pasion devoradora por las hamburguesas con queso, los bistecs gigantes y los pasteles digitalizados que caen del cielo esta es vuestra peli. Animacion que se nutre de la cultura pop y se salta toda norma establecida argumental. Obedece al instinto surrealista y demencial de Phil Lord y Chris Miller y es como una secuela inteligente sobre las dinamicas humanas como en Up o Wall-e. Un futuro alocado, narrado por la voz de James Caan, y tambien de Bill Hader y Anna Faris, donde podremos ver un niño dentro de un pollo asado, recortes de pizza convertidos en un ejercito, tornados de spaghetti y albondigas que arrasan ciudades y cualquier cosa que se les haya ocurrido antes a los autores de cine de catastrofes.
Otra, no hay muchas, advertencia sobre el peligro de vivir en la abundancia cuando llega la crisis. Un cartoon muy agil, extraterrestre, en 3 dimensiones y que se aferra a la mejor tradicion de la animacion mas digna, menos dogmatica y menos manipuladora de las mentes infantiles. Defienden sus autores ser inteligente antes que cool, antes comedido que tragaldabas y anima con una cierta dejadez que hace conectar, alimentos gigantescos que se empeñan en destruir el mundo. Como la realidad misma y cruda.

La ventana

Carlos Sorin, despues de sus Historias minimas y Sonrisas de New Jersey, nos abre ahora La ventana. Nos muestra a sus personajes, Antonio Larreta, Maria del Carmen Jimenez, Jorge Diez, Emilse Roman, Carla Peterson o Roberto Rovira, como se mueven por su casa, alrededor de la cama o la mesa, como piezas indispensables de una tumba, preparando sus propias muertes, en un manual completo de costumbres domesticas. Pero añade ademas la poesia necesaria y el enigma que representa para todos la vida, mientras se produce, se mantiene y se sabe disfrutar.
Otro argumento minimo de Sorin que engrandece con sus buenas dosis de emocion, en un engaño magistral de puesta en escena, sin economizar simbolismos, como lo irreparable de un viejo piano como la enfermedad o la relacion con los hijos, pero siempre dejando una tremenda experiencia universal.
Explorar la muerte y la memoria era el argumento original no muy original. Pero inmediatamente lo personalizo desplegandolo en el terreno onirico y de la metafora, situandolo a la altura de los grandes escritores y pensadores argentinos.

In the loop

Cuadra Armando Iannucci, en su primer film, a todos los politicos. Denuncia su peligrosidad a la hora de tomar decisiones que pueden afectar seriamente al mundo conocido en el futuro.
Nadie se salva de este importante documentalista de la television britanica. Ni poderosos presidentes, ni primeros ministros, ni grandes estadistas, ni consejeros de multinacionales y menos los militares que siempre han estado ahi.
Ni podia ser mas claro ni mas especifico en su denuncia. Una corrosiva comedia en formato documental, aparentando la necesaria improvisacion y muy bien coreaografiada interpretada por Mimi Kennedy, Anna Clumsky, Peter Capalci y James Gandolfini.

Hermandad de sangre

Un serial killers sin suspense ni ingenio esta ultima pelicula de Dtewart Hendler, despues de el angel caido. Como suele ocurrir en este tipo de filmes, donde todo el mundo es tonto y parecen morir por nada, el asesino es el papel mas agradecido,simpatico y hasta amable, Rumer Willis. Los tontos, en este caso (as), son Briana Evigan, Margo Harshman, Carrie Fisher principalmente que tambien interpretan, es un decir, esta traduccion de Sorority row.
Asesinatos torpes, una fijacion por los pectorales antes de morir, una insensatez a la hora de valorar los peligros, un substrato feminista hediondo, mujeres jovenes comportandose como enfermas y una sensacion en definitiva de produccion misera y ridicula.
Pretendido remake de un film del 83, se limitan a sustituir a los enamorados adolescentes de las peliculas de instituto, por seres femeninos operados y con añadidos al limite y todo tipo de protesis. La hermandad del mal gusto.

Garbo, el espia

Mentir, engañar y despistar es la mision del espia. Garbo, catalan, Juan Pujol por mas señas ya explico su andadura respecto a la invasion de Normandia a Josep Maria Espinas en su programa de entrevistas hace unos años. Y hay varios libros publicados sobre sus arriesgados procederes. Faltaba la pelicula y el avispado critico de cine, veterano de mil festivales y revistas, Edmond Roch, se enzarza con el documental al no poder enfrentarse por produccion con la historia de ficcion. La ficcion la ponen retazos muy bien elegidos de peliculas que directa o indirectamente tocan el tema, el dia D. Esto, mas efectos digitales y una banda sonora potente. Cine de quien conoce y ha estudiado profundamente el arte y su tecnica y que conoce y ha adquirido el instinto de potenciar cada plano, cada secuencia. Solo que como buen espia, el inclito Pujol, y como buen cronista Roch, no despejan la duda. Es cierta esta leyenda de un espia doble sin estructura detras que recibio la cruz de hierro nazi y la condecoracion de su majestad britanica?.
Junto al material de archivo, une Roch interesantes entrevistas con Mark Seaman, Nigel West, Juan Miquel Pujol o Xavier Vinader y otros espias como la condesa de Romanones, con un resultado didactico al mismo tiempo que esceptico pues acabamos hablando mas del hombre que reoriento su vida que del espia doble que parece que era.
Tenia que ser catalan y autodidacta, trabajando en todo por sobrevivir y cobarde respecto al frente. Su arma su imaginacion y el arte de mentir hasta llegar a convencer al Reich de que el desembarco de Normandia seria otro dia y en Calais. Y lo de Normandia una simple operacion de distraccion. Documental sin judios por otra parte donde el que queda distraido de verdad, aparte del espectador informado es el propio Furher, de tal modo segun cuentan los estudiosos que el documental roza la mas pura comedia.

Dos canguros muy maduros/Old dogs

Colección de retales de una mala
sitcom diseñados para destruir
todo el afecto que alguna vez pudieran
despertar John Travolta
y Robin Williams, Dos canguros
muy maduros resucita el cine de divorcios y separaciones
y cualquier otra película que se
congratula de los hombres capaces
de ejercer de papás a través de
una serie de histéricos intentos
de slapstick basados en la humillación
de los progenitores. Cacas
de oso, pis de perro, flatulencias
humanas, genitales golpeados y
demás chistes tan forzados que
huelen a muerto componen el penoso
arsenal cómico de Walt Becker,
también director de Cerdos
salvajes, otra infamia que, sin embargo,
es carne de Oscar comparada
con esta. Lleve a su hijo solo
si se ha portado muy mal.

Vivir de pie: las guerras de Cipriano Mera

El proyecto de largometraje se inicia cuando conocemos a Nardo Imbernón en Paris y nos enseña un tenedor de plata que había guardado celosamente desde que su padre se lo entregó. El tenedor tenía una historia interesante: cuando el Aga Khan III y Rita Hayworth iban con su limusina por la Bois de Boulogne fueron asaltados por varios coches que les cerraron el paso. Los asaltantes les dejaron con lo puesto, sin sus trajes, joyas y cubertería. Aquel robo digno de estar en un guión de cine, fue en realidad “una recuperación” y los enmascarados hombres de los "grupos de Acción de la CNT". Era 1949. Más adelante el tenedor llegó a manos de la familia de Nardo, de larga tradición anarquista, que entre bromas presumía de comer como los ricos con aquel cubierto.
La anécdota suscitó nuestra curiosidad; ¿quiénes eran aquellos "expropiadores"? ¿Eran Robin Hoods modernos o simples asaltadores de caminos?
Nardo nos fue desgranando la historia de “los hombres de la CNT”, el cómo, los porqués, los hechos y las anécdotas de aquellos que perdieron la Guerra Civil y fueron víctimas de todos los totalitarismos, de aquellos que vivieron la eterna esperanza del regreso a España, pero también la lucha y la muerte de sus “compañeros”. Ante nuestros ojos aparecía un mundo clandestino y casi extinto que el exilio conservaba fresco en la memoria a pesar del tiempo,...y de los tiempos.
Estábamos descubriendo el mundo de los viejos anarquistas, el de los luchadores por “la Idea”, el de “los grupos de afinidad”. Eran hombres y mujeres que tenían un ideal por el que luchar y lo hacían con un lenguaje propio.
Para comprender de qué hablaban había que entender primero las palabras; conceptos como “nuestros medios”, “los compañeros”, “las Jiras”, “Los pieles rojas y Los pájaros carpinteros”,"la revolución"…
La tradición libertaria se alarga hacia atrás en el tiempo hasta el S. XIX y tiene continuidad hasta el XXI. Es cierto que su pervivencia es irregular y con puntas verdaderamente críticas. Pero hubo una ventana de tiempo y espacio en el siglo XX, en la que todo pudo ser; una grieta en la que las ideas anarquistas pudieron tener una oportunidad: el año fue 1936 y el lugar, España. Unos la llamaron "La Guerra Civil Española", los anarquistas "La Revolución Española".
De entre todos aquellos "hombres de la CNT", de entre todos los compañeros, nos cautivó especialmente la historia de Cipriano Mera. Con una procedencia más que humilde en el barrio madrileño de Tetuán, -entonces llamado "de las victorias"- Mera fue un albañil, un sindicalista, un compañero de la CNT y cuando el momento lo requirió, un Teniente Coronel de gran instinto. Después,... después la derrota y el exilio, pero también su oficio de albañil, la militancia más que comprometida desde "el exterior" y una obsesión; matar al dictador. Mera fue un compañero como pocos y un militante como ninguno. Se integró sin titubeos en los grupos de las juventudes libertarias para urdir los planes del magnicidio y salió a las barricadas de las calles de mayo del '68. Nunca dejó de creer en la viabilidad de las ideas libertarias que eran algo inevitable por una cuestión de sentido común. La ironía de la Historia quiso que muriese 20 días antes que Franco. Cipriano no ganó todas las guerras, pero sí luchó en todas las batallas.
Ese fue Cipriano Mera y así era el mundo misterioso de los viejos anarquistas. Un mundo en el que la necesidad de un "compañero" era cosa de todos. Habían estado tan cerca de la revolución, que creer sólo era cuestión de ver y actuar en consecuencia. Para los viejos anarquistas no tenía sentido elegir entre morir de pie o vivir de rodillas, sabían que otro mundo era posible, que se podía tener el todo. La elección, sin duda, era "Vivir de Pie".
Testimonio feroz de Valenti Figueres que ha movido un material humano e historico de un valor inmenso. Es importante no olvidar como las gastaban unos y otros en este guion perfectamente elaborado con algunas imagenes de referencia que ilustran la lucha de este impresionante y desconocido anarquista. Un documental para ver, tambien, de pie.

El perdon

No entiendo porque en la misma semana se estrena el documental (50 min.) y la pelicula (84 min.)sobre el asesino de la ballesta. Un misterio para mi que investigare y contare cuando lo comprenda. Pues ya esta resuelto. En una llamada familiar me informan que mi sobrino David Saez, es amigo del director. Este le conto que la condicion para poder realizar un film sobre la vida de este hombre, era levantar previamente un documental absolutamente riguroso, como asi ha sido. Aclarada la incognita, vamos hoy por el documental.
A los 19 años Andres Rabadán mató a su padre, por una enajenación transitoria y tras descubrir que éste violaba a su hermana. La madre se suicidó cuando Andrés tenía 8 años, conocedora de los abusos que sufría su hija. También descarriló tres trenes, sin víctimas, y por todo ello le condenaron a 20 años de cárcel.
'¿Qué hubiese hecho cualquiera en mi situación?', aseguró Ventura Durall que le preguntó en varias ocasiones Rabadán y, aunque el cineasta no le culpa, indicó que 'mucha gente' tiene maltratadores en la familia y no actúan así.
El documental sobre el caso, 'El perdón', dirigido por Durall y origen del largometraje, recoge una entrevista con su hermana, que 'por primera vez saca el nudo' que tenía en el estómago y reconoce que entiende 'perfectamente que la situación era estresante' para su hermano.
A los once años de estar recluso planeó escapar del psiquiátrico penitenciario en el que se encuentra, pero su relación cada vez más íntima con Carme (Mar Ulldemolins), una enfermera de la cárcel, le hacen replantearse su huída.
Ella ahora está embarazada de seis meses, pero precisamente ahora una jueza ha denegado que Rabadán pueda hacer salidas terapéuticas, tal como propuso la cárcel. Le quedan cinco años de pena y no tiene que medicarse desde 2006, ya que los psiquiatras aseguran que está curado.
El arte ha sido terapéutico para él, y Ventura Durall le conoció por sus cuadros, en 2000: '¿Cómo una persona con esta capacidad artística pudo hacer estos crímenes? Algo no me cuadraba, así que decidí emprender un viaje desde el personaje mediático hasta la persona, con sus luces y sombras'.
Durall está trabajando en el guión de su próxima película, sobre Quico Sabaté, en la que narrará su vida a través de su último día, cuando entró a Barcelona para liberar a compañeros suyos y fue abatido por la Guardia Civil. Y ahora pregunto yo, ¿no fue abatido por una delacion en una masia del Montseny estando ya herido?.

Yuki & Nina

La primera parte del primer del film que llega a nuestras pantallas grandes de Nobuhiro Suwa, nos describe las vidas de las dos chicas con la educacion y esmero japones, diseñando la carta de amor que deberia reconciliar a los padres de Yuki o comiendo con ellos en un plano diriamos de intenso sabor. Ya en la parte final de la pelicula, la historia se vuelve mas francesa como su otro director Hippolyte Girardot, descolocando el realismo, jugando con el tiempo, convirtiendo el espacio del bosque en un mundo irreal de hadas, acabando de conferir al titulo la sensibilidad en todo momento buscada y que es la que le da su personalidad.
De Suwa podemos ver ademas en DVD Un couple parfait y 2/duo M/Other. Obras tiernas y poeticas, profundamente humanas pese a su fantasiosa poesia. Incide otra vez en la descomposicion de la pareja pero sobre todo en el efecto colateral que reciben los hijos involuntariamente. Yuki tiene 9 años y vive en Paris. Hija de frances y japonesa se le plantea ir a vivir definitivamente al Japon. Tiene una amiga, Nina, realmente inseparable con la no quiere ni pensar en romper sus lazos afectivos.
Cineasta moderno, saludado con fervor en festivales y medios especializados internacionales, es de agradecer que por fin le hayan hecho un hueco en nuestras carteleras y asi de paso, podemos conocer a Noe Sampy, Arielle Moutet, Tsuyu y al mismo Hipolytte Girardot.

Tu eliges

Otra de vidas cruzadas, sirve a la buena actriz Antonia San Juan, para exponer algunas historias, algunas de ellas interesantes. Cargando las tintas en el amor, el sexo, la fidelidad o el trabajo, su filme resulta en el balance final un tanto encorsetado al procurar congeniar casi todas las aventuras y otro tanto televisivo.
Como comedia dramatica, encaramandose a la tragedia salvaje y olvidando sus buenas dotes comediantes,no funciona. Asi rompe la unidad de estilo por ejemplo con el personaje desesperado de Neus Asensi o la pareja gai en peligro de separarse. Aguantan mejor el tiron del guion, la propia Antonia, Luis Miguel Segui, Mala Rodriguez o Helena Castañeda. Si podemos afirmar que de tanto forzar el cruce, algunos de los personajes acaban conectando mas que lo que el propio guion pronosticaba.

Planet 51

Se puede acusar a este proyecto hispano britanico de animacion tipo todas las Toy Story que en la animacion han sido que es de demasiado pueril y falto de ingenio por su clara intencion de acercarse al maximo al publico infantil infantil. Jorge Blanco y J. Abad, que ha contado con una promocion en EEUU fuera de los limites que conocemos aqui, juegan con que los pequeños espectadores no han visto jamas Ultimatum a la tierra por ejemplo.
Desaprovecha las voces originales de Jessica Biel, Dwyane Johnson o Justin Long por motivos obvios y sus referencias a los clasicos de ciencia ficcion se reducen a persecuciones reiterativas y los ya vistos y rutinarios gags comicos, algunos iconos ya del cine de animacion americano.
Miedo atomico en el film y en la platea para los pobres padres y acompañantes, sobrecogidos por la paranoia de la posibilidad remota de que existan otros mundos y ni siquiera se esfuerzan en explicar un poco que son los alienigenas, su posibilidad de existencia y que podria pasar de verdad en el poco universo que conocemos.