intemperie

Es el western spanish, de calidad tecnica y mensaje oscuro.Espacios abiertos como en el Oeste, drama con la consistencia del valor y el esquema suficiente como para no sospechar de moralidad. Filma Rosales la decrepitud de un  lugar que no esta en el sol  sino en la miseria mas absoluta. Complicandose al final con los guiños a otros generos, se puede perdonar absolutamente por seguir con una intriga al alza y como excelente corredor puede flaquear hacia el final del a historia. Un niño (Jaime López) huye de su pueblo con la intención de llegar a la ciudad, pero para ello debe atravesar una llanura que se extiende más allá de dónde alcanza la vista. Mientras, el Capataz del pueblo (Luis Callejo) organiza unas partidas para encontrarle con la excusa de que éste le ha robado.  El niño ve frustrada su oportunidad de marcharse en autobús cuando agazapado entre unas piedras escucha cómo le buscan los hombres del capataz, por lo que continúa vagando a pleno sol por la llanura hasta que su cuerpo no puede más. Por suerte, un pastor (Luis Tosar) lo encuentra y decide ayudarle a escapar y ocultarse de sus perseguidores. Todo esto es lo que le reconocio el festival de Valladolid. 

Lejos de quedarse en un filme costumbrista, Intemperie se convierte en un western moderno con tintes de thriller y drama. La cinta narra la huida de un niño (Jaime López) de su pueblo y su sed de venganza. Es cierto que la película, con unas pinceladas muestra el transcurso de la vida en una región donde la tierra es árida y la miseria está en todas partes, utilizando para ello como escenario el sur de España en la época de la posguerra y a unos personajes que sobreviven. Pero con la aparición de “el capataz” (Luis Callejo), un hombre poderoso que controla el pueblo a base del temor que infunde, se rompe con el costumbrismo y se descubre el verdadero tono de la película, en la adaptacion libre e la novela de Jesus Carasco. Cuando el niño huye, no puede sacarse de la cabeza la idea de volver convertido en un hombre para vengarse del capataz y quemar el pueblo. Lo único que éste conoce es el odio, la pobreza y el abuso, partiendo de una familia en la que apenas puede confiar en su hermana. Por suerte, en su camino se cruza con un pastor conocido como “el moro” (Luis Tosar), que no solo le salva la vida si no que decide acogerle y ocultarte, ganándose poco a poco su confianza con sus actos lo que es la compasión y el perdón.

Bajo esta premisa comienza una película que a medida que avanza nos descubre secretos de los personajes que muestran lo mejor y lo peor del ser humano. Una eterna lucha entre el bien y el mal, dónde el niño tiene que elegir a qué bando quiere pertenecer a través de sus actos. Si bien perdonar a aquellos que le han hecho daño o vengarse y convertirse en la misma persona que se lo ha hecho. A través de la dirección de Benito Zambrano (Solas), los personajes lo cuentan todo de sí mismos y su historia en pequeñas dosis y sin necesidad de abrir la boca. Con escenas que destacan por una crudeza en la que no son necesarias las palabras para mostrar el lado más oscuro del ser humano y que gracias a unos grandes actores, consiguen estremecer. La tensión que se crea desde el principio partiendo de que las probabilidades que tiene el niño de sobrevivir, llegar a la ciudad y no ser descubierto son mínimas. Por un lado, el capataz y sus hombres lo buscan por todas partes en un secarral en el que es difícil esconderse y por el otro, el calor y la falta de agua juegan en su contra. Esto consigue ser la combinación perfecta para no poder apartar la mirada de la pantalla ni un segundo. El niño permanece escondido en el fondo de un pozo mientras sus perseguidores interrogan al moro e inspeccionan el área. El niño, a punto de ser descubierto, mientras el moro resiste toda clase de tortura física y mental sin decir nada. Esta se convierte en una de las escenas más impactantes del filme tanto por la brutalidad de las imágenes como por la actuación de Tosar y Jaime López. Destacar también la aparición de Manolo Caro como el tullido del pozo. Un papel que aunque no tiene mucho tiempo en pantalla, sin duda consigue dejar marca y crear cierta incomodidad en el espectador encarnando la impotencia y desesperación más absoluta. Lo más importante en esta adaptación es forma todo aquello que se dice sin decirse. Bastan unas miradas entre los personajes para entender todo lo que está pasando o ha pasado sin necesidad de expresarlo con palabras.Se miran tambien Vicente Romero, Kandido Uranga, Mona Martines, Miguel Flor de li yYoima Valdes

hISTORIA DE UN MATRIMONIO/MARRIAGE STORY

Nicole es una actriz que abandonó una prometedora carrera cinematográfica para trabajar en la compañía teatral de su marido, un dramaturgo de éxito. La química y el hijo que comparten parece reflejar la Historia de un matrimonio ideal, hasta que se divorcian. Aunque todavía se quieren y respetan, el proceso les llevará al límite personal y creativo, abriendo heridas latentes de su relación e incluso obligándoles a recurrir a abogados y enfrentarse en los tribunales por la custodia del pequeño. El director y guionista nominado al Oscar Noah Baumbach (Mistress America) hace una incisiva y compasiva mirada de las relaciones humanas a través de una familia que, cuando el matrimonio se rompe, afronta el desafío de seguir unida. El realizador se aproxima al romance a través de la forma en que la pareja se enfrenta al siempre traumático proceso de divorcio, una maquinaria jurídica diseñada para poner al uno en contra del otro y dividir a personas, propiedades e, incluso, el tiempo. De este modo, Historia de un matrimonio busca el afecto en la ruptura y cuenta la forma en que el vínculo entre marido y mujer se extiende incluso cuando estos conceptos vienen precedidos de un "ex", y sobre todo cuando hay un hijo en común. En este drama con dosis de comedia cotidiana, la alegría, el cariño y un espíritu vitalista convive con un mundo de abogados y argucias judiciales que obligará a los protagonistas a dejar a un lado rivalidades personales para seguir adelante juntos. Scarlett Johansson (Vengadores: Endgame) y el nominado al Oscar Adam Driver (Los muertos no mueren) firman dos de las mejores interpretaciones de sus carreras. Les acompañan Ray Liotta (Matar al mensajero) y los también candidatos a los premios de la Academia Alan Alda (El puente de los espías) y Laura Dern (Venganza bajo cero).El director,aunque el film dice en un momento que quieren que el divorcio termine 50/50, s e recrea mas en el protagonista masculino, sus paranoia,su egoismo, su compasion y una velada critica hacia el colectivo femenino que decide tomar el rumbo de su vida.

historias de nuestro cine

Entrañable documental capitaneado por Resines, contador y voz en off que Anna Perez Lorente ha puesto en solfa. El 11 de mayo de 1896, el Circo Price, por aquel entonces propiedad del inglés Willian Parish, acogió la primera proyección en España de imágenes en movimiento. Desde el momento en que se encendió el animatógrafo del húngaro Edwin Rousby, comenzó el camino del cine español. Antonio Resines y un grupo de eminentes profesionales de la industria comparten anécdotas que, junto a escenas de emblemáticas películas, muestran la evolución del séptimo arte en nuestro país a lo largo de más de 120 años. Qué significa el cine para Fernando Trueba, Colomo o Méndez-Leite; cómo se conocieron Ana Belén y Víctor Manuel o los primeros recuerdos de rodaje de Carmen Maura o Verónica Forqué son algunas de las decenas de anécdotas, y algún secreto bien guardado, que riegan Historias de nuestro cine, documental que supone el debut en la dirección de Ana Pérez-Lorente y el actor ganador del Goya Antonio Resines (Si yo fuera rico). El propio Resines también se convierte en narrador y guía de este viaje a través de 120 años de cinematografía española que se detiene en momentos clave, con sonados éxitos y fracasos, desde sus inicios hasta el momento actual. Conocidos realizadores, intérpretes y productores protagonizan divertidas entrevistas, que se convierten en animadas charlas de amigos y colegas, donde sus vivencias se combinan con escenas e imágenes de algunas de las películas patrias más míticas. Loles León (La reina de España), los ganadores del Goya Maribel Verdú (El asesino de los caprichos) y José Coronado (Tu hijo) y hasta críticos como Carlos Boyero también participan en esta cinta llena de humor y nostalgia.

Frozen 2

Tras años escondiendo este don al pueblo de Arendelle por miedo a que la persiguieran por ello, Elsa es feliz junto a su hermana Anna y el resto de sus amigos. Sin embargo, todavía hay algo que la tiene intranquila: una voz que le dice que hay algo en su pasado que no conoce y pone en peligro a todo el reino. Para resolver este misterio, Elsa, Anna, Olaf, Sven y Kristoff se embarcarán en una aventura a través de bosques y mares oscuros. En 2013, Disney consiguió superarse a sí misma y convirtió a Frozen: El reino de hielo en la película de dibujos animados más taquillera de todos los tiempos, además de ganar 2 Oscars. Seis años después, la esperada secuela de las aventuras de este grupo de entrañables personajes les lleva a través de un peligroso viaje más allá de las fronteras de Arendelle para descubrir el secreto de los poderes de Elsa. Jennifer Lee y Chris Buck, responsables de la primera entrega, vuelven a dirigir esta historia, inspirada por el cuento de Hans Christian Andersen, donde la ahora reina de hielo tendrá que descubrir el secreto de sus orígenes para salvar el mundo. Con este punto de partida, Frozen II profundiza en la relación fraternal de las protagonistas y propone una historia más madura, oscura y compleja donde se habla de la madurez y encontrar el propio camino. Con el espíritu de su predecesora intacto, el film cambia el frío invierno por una paleta de colores más otoñal, a la que se añaden siete nuevas canciones repletas de humor, emoción, acción y épica. Kristen Bell (El gran desmadre (Malas madres)), Jonathan Groff (Mindhunter), Idina Menzel (Glee) y Josh Gad (Asesinato en el Orient Express) repiten en un reparto de voces al que se une Evan Rachel Wood (Los idus de marzo).

Donde esta mi cuerpo/J'ai perdu mon corps

Una mano cortada escapa de la sala de disección de un hospital de París. Su propósito es reunirse de nuevo con su todo, el cuerpo al que perteneció. Y éste es el de un joven al que la fortuna no le ha sonreído demasiado empezando por el trágico fallecimiento en accidente de su madre cuando era pequeño. Es el punto de partida de ¿Dónde está mi cuerpo? (J’ai perdu mon corps), cuya acción principal transcurre en 1994. Un premiado largometraje de animación que es además obra de un debutante. Después de tres cortos, el francés Jérémy Clapin ha dirigido la adaptación de un libro de Guillaume Laurant. Los galardones que ha obtenido hasta el momento son el Gran Premio de la Semana de la Crítica en Cannes, mejor largometraje y premio del público en el Festival de Animación de Annecy, mejor película en el Festival Europeo de Cine Fantástico de Estrasburgo y premio a la mejor banda sonora (compuesta por Dan Levy) en el Festival de Sitges. Buen trabajo del equipo, sobre todo por la animación. Que haya sido recompensado en un festival que combina las películas de imagen real es muy interesante para la animación. Empezar la historia con una mano cercenada puede ser macabro, pero nada más lejos de la realidad. Está llena de poesía. Interesado llevar la poesía a sitios donde no ha sido invitada. Y quizás sí que lo de la mano cortada dificultó que tuviéramos problemas para encontrar financiación porque la gente veía el órgano, la mano, pero no la poesía que conllevaba Un desafío, que el público empatizara con la mano hasta el punto de interesarse por lo que pudiera pasar. Pero la mano no tiene ojos, ni boca… así que se inventaron un lenguaje corporal y fílmico que explicara incluso lo que podía pasar por el interior de este personaje. La idea era hacerla en stop-motion, pero era muy complicado al exigir más acción. Se eligio el dibujo porque es mas real y preciso. Permite que sea muy real y muy pictórico, y más en una película que tiene varias escalas. Poder hacer planos más cercanos o más generales. 

En el libro ya está toda la aventura de la mano escapándose del hospital, el encuentro con las ratas,etc. Lo que se añadío fue la sensibilidad sonora. También la escena en la portería, a través del interfono, en la que conocemos a Gabrielle (de momento solo con la voz), y también símbolos como la mosca, que da más arquitectura al relato, o el iglú, las grúas o las fábricas. _Más cerca de Pixar porque narran las historias.y pueden proponer otros temas. En connivencia con el cine asiático, surcoreano en especial, mezcla elementos de angustia, poésia, humor con  escenas dramáticas, camino del cine fantástico.

como ser un french lover/Just a gigolo

Paul Schrader en los 80 y Arteta en los 2000, dejaron bien la figura claro del amante de siempre reciclado y mucho mas profesionalizado. Olivier Baroux dirige i firma un guion, en el que para hablar del personaje, le hace emerger, no del sitio de trabajo,sino de la estructura economica que necesita para moverse con comodidad y mantener una posicion privilegiada para seguir ejerciendo su profesion. Acierta Baroux en este planteamiento y pierde gas al considerar que  la historia debe pasar por mostrar la decrepitut del experto amante. Alex es un gigoló retirado que lleva 25 años sin dar un palo al agua. Casado con una rica octogenaria, su vida de lujo y derroches llega a su fin de la noche a la mañana, cuando la mujer decide divorciarse de él para estar con alguien más joven. Obligado a mudarse con su hermana y su sobrino adolescente, Alex contará con la ayuda del muchacho para encontrar e intentar engatusar a otra heredera con la misma o mayor fortuna. Sin embargo, los años no perdonan y puede que su tren ya haya pasado. Olivier Baroux (Entre amigos), uno de los directores más taquilleros de la comedia francesa, firma este remake de la americana Instrucciones para ser un latin lover. Su actor fetiche, Kad Merad, recoge el testigo de Eugenio Derbez e interpreta a un gigoló entrado en años que, tras perder la forma física de antaño, ve cómo un joven apuesto le arrebata a su mujer y la vida de lujos que ésta le proporcionaba. En su momento más bajo, se verá obligado a recuperar los inexistentes lazos familiares, ayudar a su sobrino de 10 años a enamorar a la chica que le gusta y, de paso, intentar engatusar a la abuela multimillonaria de ésta. A partir de este argumento, compone una comedia para todos los públicos que se aprovecha del divertido patetismo y encanto de un personaje vago y caradura. Gags y situaciones disparatadas conviven con momentos más emotivos para contar una historia sobre personas obsesionadas con el dinero que terminan descubriendo lo que realmente importa. Completan el reparto Anne Charrier (Marseille) y el debutante Léopold Moati. Con Pascal Elbe, Thierry Lhermitte, Any Duperey y Lionel Abelanski.

le fils de joseph

El cine de Eugéne Green reivindica la importancia de ir contracorriente, tanto en la forma como en el fondo. Producida por los hermanos Dardenne, Le fils de Joseph impactará al espectador acostumbrado al habitual ritmo vertiginoso del cine contemporáneo. Podemos decir que se trata de un estreno contracultural.

De la pintura de Caravaggio a la reflexión a partir de algunos pasajes de la Biblia, el filme nos adentra en situaciones cotidianas, dramas humanos que sin magia ni fantasía trascienden de la simple materia para instalarse en nuestra conciencia. Alguien que viva, no solo que vea, Le fils de Joseph, quizá no pueda seguir mirando a su alrededor de la misma manera. Encontrará nuevas formas de aceptar la existencia y dará un nuevo significado al rutinario pasar de las horas.

Todo parte de Vicent, un adolescente incapaz de seguir viviendo sin saber quién fue su padre. Sin embargo, un padre no está únicamente relacionado con una cuestión biológica, sino que en esa relación tan especial deben existir valores. Comienza hallándolos en el arte y, más adelante, en un desconocido con el que charla, intercambia sentimientos y contempla la vida de forma libre y pausada, descubriendo que la historia más grande jamás contada ya se encuentra en nuestro interior y que solo debemos atrevernos a compartirla.

Vicent, es un adolescente, crece con el amor de su madre, Marie, aunque ella siempre se niega a revelar el nombre de su padre. Un día descubre que este es un editor parisino egoísta y cínico, Oscar Pormenor. El joven traza un plan de venganza, pero su encuentro no es lo que  esperaba.

Ardara

Entre la boutade y el vuelve a casa por NAvidad, los dos debutantes enel largometraje, Xavier Puig y Raimon Fransoy, ruedan un documental fake que se debe tomar como experimentar. Los dos directores noveles rodaron este largo hace cuatro años. En el un menorquin, Macia Florit y dos urbanitas barcelonesas, Bruna Cusi y Maria Garcia Vera, emprenden un viaje iniciatico hacia una poblacion llamada Ardaran, titulo del film y que tiene como liev motiv "cada uno escoge la verdad que quiere". Tardaran dos horas en llegar a este pueblo irlandes costero del Ulster al que llegan tres jovenes siguiendo los pasos de sus padres. Y los tres desaparecen en extrañas circunstancias. La busqueda empieza por los que les conocieron, con los rastros que dejaron , tipo cintas de video grabadas  y demas objetos que mas que para encontrarlos, parecen estar mas interesados en saber porque dejaron sus casas.                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                     

Araña

Cuando las cosas le vienen mal dadas, la burguesía adiestra perros de presa para que le hagan el trabajo sucio. Escrita por Guillermo Calderón (guionista de El club: palabras mayores), el guion de Araña lo recuerda de forma perversa mediante la interacción entre un matrimonio pijo y un psicópata de gatillo fácil en el Chile anterior y posterior a Pinochet. Dirige Andres Woods con el rigor  "miedo" a señalar con eñ dedo/camara a segun quien.Una vision del otro lado menos facil de representar Primero, los jóvenes de casa bien introducen a su mascota en Patria y Libertad (el movimiento fascista creado para derrocar a Allende). 40 años despues, la reaparición del sujeto remueve secretos incómodos, amenazando su prosperidad dentro y fuera del hogar conyugal. La parte de Araña ambientada en los 70 resulta interesante por una María Valverde que exhibia su ideologia fascista que acaba en crimen, capaz de provocar emociones entre los nostálgicos ,como a una atmósfera que evoca por igual el cine politico que rodaba con pies de plomo los temas politicos que derivaban en asesinatos y de los  que suficientes muestras encontraremos en los `paises mediterraneos, menos en la peninsula.  Cuando la pelicula entra en la trama contemporánea, mediante el empeño de la protagonista (ahora con el rostro de Mercedes Morán, empresaria y con el pasado borrado) y que ahora hara lo posible para que no se divulgue nada de lo ocultado bajo la protección de la dictadura: protagonistas así de amorales no se encuentran todos los días. El triangulo amoroso que funciono como un reloj en los 70 y lo componen  a parte iguales con la doble fisica de Mercedes/Maria, en el que irrumpen con todo Marcelo Alonso, Felipe Armas, Caio Blat Gabriel Urzua  y Pedro Fontaine. Y que nadie se sienta ajeno a la historia porque como un asteoride loco, nos puede pasar mas cerca de lo  que creemos. 

Adios

Mario Casas, preso en tercer grado y padre de familia, logra un permiso para asistir a la comunión de su hija en Sevilla. Pero la muerte accidental de la niña destapa todo un entramado de corrupción policial y narcotráfico, y el caso acaba en manos de una inspectora que tendrá que lidiar con los recelos de un sector de la policía y del padre de la pequeña, que quiere tomarse la justicia por su cuenta. Mario casas   a demas de descubrir el, crimen, tiene  que  lidiar con la tremenda Natalia de molina, encajonada e un guion bipartito entre Jose Rodriguez y Carmen Jimenez. Sin postureo el revenido Paco Cabezas, viene decidido a reactivar el genero negro , con la identidad que no deja desarrollar se en el fondo de l   a. question. dE CABEZA ENTRA Paco con su grupo de calidad, (A:C)Carlos Bardem, Ruth Diaz,Vicente Romero y/o Mona Martinez que piden a gritos como si fueran un dron, bajar a la lona de la venganza.
Contra lo que pudiera parecer, se dice de una remasterizacion colectiva.Los viejos, mas viejos y viceversa con los hombres-nombre.

The Irishman

Martin Scorsese nos presenta su historia de la actual america, a partir de elegir una de las tramas que supusieron las muertes en la familia Kennedy. 209 minutos para sintetizar de manera excelente ,la America de algunos personajes ,maquillados a muerte con la crueldad, frialdad y tranquilos adquiridos en l segunda guerra mundial. La pelicula con unos actores sensacionales, estafan y roban se centra en la figura de Frank Sheeran, (el irlandes), que no ayuda a resolver el misterioso final de Hoffa capo de los sindicatos de camioneros y que tiene pelicula propia (Jack Nicholson). Las habituales trifulcas  entre mafiosos, sindicatos,policias y politicos se han extraido esta vez del libro de"I head you paint house", que dice pintar las paredes al reventarte la cabeza. En un film que remite a uno de los nuestros, Scorsese se muestra equilibrado, complejo y un poco triste que es donde dirige la pelicula en su trazado final que podria ser el testamento del genero mafioso en el cine. Steven Zaillian lidia con el guion con su habitual solvencia. Premiado como no en Nueva York, por donde polulan sin ningun remordimiento, Robert de Niro, Al Pacino, Joe Pesci, Harvey Keitel, Bobby Cannavale, Anna Paquin, Jack Houston, Ray Romano,...y una lista interminable y extinguible de nombres cada uno con su etiqueta social, criminal o de conexion.

Si yo fuera rico

Con el reparto entregado a mostrar su vis comica y donde los coloca Alvaro Fernadez Armero. Lo peor es que en algunos de los planos no xe corresponden con el tono de la trama. El director se deja llevar por la inercia de este "8 apellidos" de ninguna parte y en vez de colorear a  tirado el cubo del aguarras al film. Cuando te das cuenta estas jugando con una brocha perque han perdido el objetivo del pincel n2. Santi está en uno de los peores momentos de su vida, sin un duro y con el divorcio de Maite a punto de concretarse. Su suerte cambia cuando le tocan 25 millones de euros en la lotería. Sin embargo, al encontrarse en régimen de gananciales con su todavía esposa, no puede contárselo a nadie hasta que la separación sea oficial para no tener que compartir el premio con ella. De este modo, tendrá que hacer malabares para ocultar su nueva vida de lujo y excesos a su futura ex y al resto de su entorno. Si te tocara la lotería ¿te callarías o se lo contarías a todo el mundo? Esta pregunta que cualquiera se ha planteado en algún momento de su vida sirve como motor de la nueva película del ganador del Goya Álvaro Fernández Armero (Las ovejas no pierden el tren). Con la intención de evitar los lugares comunes de la comedia patria, Si yo fuera rico combina enredos, amistad y romance para contar los delirantes esfuerzos de un hombre, cuya mala suerte da un giro radical al ganar un premio de 25 millones de euros, para evitar que su mujer se entere antes de su inminente divorcio y, de esta forma, no tener que repartir las ganancias. A pesar de todo, la turbulenta historia de amor entre los protagonistas, interpretados por Álex García (Litus ) y Alexandra Jiménez (Superlópez), es el verdadero núcleo de una historia llena de humor y acción. Junto al resto del reparto, formado por, entre otros, Jordi Sánchez (Bajo el mismo techo), Adrián Lastra (Toc Toc) o Paula Echevarría (El crack cero), los impresionantes paisajes de Asturias se convierten en un personaje más de un film que transcurre en la ciudad de Gijón, entorno familiar donde un secreto como este será muy difícil de ocultar. El film con el mismo titulo en frances con un Ah delante, se dio a conocer el 2002. El guion Aldo Bonnard ve cómo su vida se desmorona: su mujer le pide el divorcio, las deudas se le acumulan y está a punto de ser despedido de su trabajo. Pero, de repente, gana una fortuna con la lotería. Cuando decide darle la noticia a su esposa, descubre que lo está traicionando con su nuevo jefe. Tiene ante sí un espinoso dilema: compartir las ganancias con su esposa y su rival o bien esperar a que se consume el divorcio para anunciar su buena suerte. Elige, naturalmente, la segunda solución y empieza a vivir clandestinamente como un hombre rico.

Remi una vida extraordinaria/Remi sans famille

 Maníacos de los niños abandonados, (Heidi ,Mario,.).de esa secta nostálgica que mitifica cualquier secuencia que huela, a rancio, a años setenta les sonará Remi, el niño de nadie, conmovedora serie de animación que, a rebufo de Heidi, narraba las desventuras de un crío huérfano “adquirido” por un músico ambulante para completar su troupe, compuesta por un mono y un perro. La historia, basada en el clásico Sin familia de Hector Malot, también ha conocido alguna que otra adaptación “en carne y hueso" la gran pantalla, con todo lujo de medios y andamiaje lacrimógeno. Y en este proceso de “desnaturalización” posiblemente se pierde buena parte de su atractivo, por mucho que así puedan apreciarse los matices interpretativos y cómplices del músico –Daniel Auteuil y el dickensiano chavalín,Maleaume Paquin, Jonathan Zaccali...Virginie Ledoyen –más en la línea de Freddie Bartholomew que de Joselito porque cantar, lo que se dice cantar, canta bien poco en el filme-. El melodramá, con sus innumerables orfandades y sus malos de opereta ,incluyendo lobos y gendarmes, se mantiene intacto, así como la apología del poder reparador de la música entre corazones puros. Mucha campiña bucólica a ras de nube y mucha ratería a ras de hollín redondean una propuesta que resulta un descarado intento de buscar la congoja y el hipeo de cara a las navideñas. Rémi es un huérfano acogido por la Señora Barberin, de cuyos brazos, con diez años para ingresarlo a Vitales un solitario musicos itinerante en un es arrebatado para ser confiado a un misterioso músico itinerante. De esta forma, aprenderá la dura vida de los acróbatas y comenzará a cantar para ganarse el pan. Su perro Capi y su mono Joli-Coeur acompañarán al personaje por Francia, en un viaje lleno de amistad, ayuda mutua y el descubrimiento de sí mismo.

one piece stampide

Luffy y el resto de la banda del Sombrero de Paja han recibido una invitación para asistir a la Expo Pirata, una multitudinaria reunión a la que acudirán todos los bucaneros del mundo. La gran atracción de este festival será la caza de un inmenso tesoro que daría la supremacía de esta nueva era a su poseedor. Sin embargo, el anfitrión ha preparado trampas mortales, y la Marina de Smoker planea capturar a todos los corsarios de golpe, con el Ejercito revolucionario o los Siete señores de la guerra, lo que convertirá esta competición en una peligrosa estampida. Como colofón de la celebración del vigésimo aniversario de la emisión del anime basado en el manga de Eiichiro Oda, One Piece: Estampida reúne a casi todo el elenco de diferentes personajes que han poblado este fantástico universo de piratas y espadachines a la caza de un legendario tesoro. Takashi Otsuka, realizador curtido en la animación televisiva nipona, coescribe y dirige esta película, la décimo cuarta de la franquicia, que transmite el ambiente festivo que ha rodeado a esta efeméride. Más de 200 personajes (3 de ellos creados para la ocasión) se dan cita en un film que reúne grupos tan pintorescos, y recordados por el aficionado, como la infausta generación, la Marina, los Shichibukai o el Ejército Rebelde, entre muchos otros. Todos ellos participarán en una competición por encontrar las riquezas escondidas por Gold Roger, el mayor corsario de todos los tiempos. Mayumi Tanaka (Dragon Ball Z: La resurrección de F), Kazuya Nakai (One Piece Gold) o Akemi Okamura (Porco Ross vuelven a poner voz a los protagonistas en esta historia repleta de aventuras, peligros y épicas batallas con alianzas inesperadas. 

La casa del terror/Haunt

 En busca de emociones fuertes para Halloween, un grupo de jóvenes se encuentra con un pasaje del terror perdido en la carretera. Esta casa encantada promete una experiencia extrema donde los participantes tendrán que enfrentarse a sus peores miedos. No saben qu e esta habitada por una banda de psicopatas, que convertisa la casa en una ratonera de muerte. Aunque la visita comienza con los típicos sustos cutres y mal elaborados, a medida que se adentren en este extraño lugar terminarán atrapados en una pesadilla macabra donde los monstruos, mucho más auténticos de lo esperado, les darán caza uno a uno. En 2016, el dúo formado por Scott Beck y Bryan Woods escribió dos guiones: uno que reformulaba los mecanismos del cine de terror y ofrecía una experiencia revolucionaria (Un lugar tranquilo) y otro que homenajeaba el slasher de serie B. Con ellos mismos como realizadores, y bajo la producción del maestro del horror low cost Eli Roth, este segundo libreto se convierte en La casa del terror, un film de espíritu independiente que, sin más pretensión que la de recuperar la esencia de los clásicos de John Carpenter (Halloween) o Tobe Hooper (La matanza de Texas), propone una divertida montaña rusa de sustos, muertes truculentas y sádicos psicópatas. Lo hace a través de una atmósfera inquietante donde losruidos, las musicas, las sierras, las mascaras de una casa del terror que intenta asustar con los viejos trucos, estimula la imaginación y los propios miedos del espectador, que saldra por una puerta con salida. Katie Stevens (Polaroid), Will Brittain (Todos queremos algo), Lauryn Alisa McClain (Los descendientes: Wicked World), Andrew Caldwell (iZombie) y Shazi Raja (Qué fue de Brad) interpretan a este grupo de jóvenes a punto de adentrarse en una auténtica pesadilla mortal. 

le mans '66/ Ford vs.Ferrari

Seria interesante saber porque, todo y la gran importancia del famoso circuito, han titulado asi y no con los nombres de las marcas de las escuderias oficiales que se enfrentan atraves de sus pilotos. De la pelicula de Mangold n o se puede decir que es Aquella de los locos chalados en sus 1959. Carroll Shelby está en la cima del mundo del motor tras ganar las 24 horas de Le Mans. Sin embargo, problemas cardíacos le obligan a reinventarse como un excelente ingeniero automovilístico al que recurre la Ford Motor Company para lograr algo que se cree imposible: ganar a Ferrari en la carrera más difícil del planeta. Junto al arrogante piloto Ken Miles, Shelby y su equipo desafiarán las interferencias corporativas, las leyes de la física y sus propios demonios para alcanzar el éxito. Las 24 horas de Le Mans del año 1966 pasarían a la historia como las más trepidantes que jamás se han vivido. Allí Enzo Ferrari perdió su dominio incontestable a manos de Ford que, en un final de infarto, se convertía en la primera firma americana en ganar la prueba. La culpa la tuvieron Carroll Shelby y Ken Miles, ingeniero y piloto, respectivamente, del revolucionario Ford GT40. James Mangold (Logan) dirige este trepidante biopic que sigue el turbulento desarrollo del mítico bólido desde los motivos que obligaron a Shelby a abandonar el pilotaje y reciclarse como diseñador de coches, hasta la victoria final en el exigente circuito de la Sarthe. La historia de amistad entre Miles y Shelby, que cambió para siempre el deporte de las cuatro ruedas, se convierte en el núcleo central de Le Mans ´66, un film sobre la fuerza de voluntad y los sacrificios personales que implica alcanzar el éxito. Matt Damon (Suburbicón) y Christian Bale (El vicio del poder) lideran el reparto de esta película, repleta de espectaculares secuencias de carreras, que sumerge al espectador en el ambiente de gasolina y goma quemada que se respira en los boxes. Completan el reparto Caitriona Balfe (Money Monster ), Jon Bernthal (Viudas) y Tracy Letts (Los archivos del Pentágono) y Josh Lucas. Deudora inevitablente del Gran Prix de Frankenheimer, rodada el mismo 1966y seguramente para nada de La carrera del siglo de Black Edwards o la del sol, la de las ratas o la de las monjas. No se han hecho mas peliculas de de automovilismo, porque es dificil de superar la monstruosidad- verdad de los circuitos de F-1, comparado con una carrera de hace 40 años donde lo ,mas importante es la amistad con el encargado del taller. Lo demas son detalles, (Un hombre y una mujer, Dias de trueno) o peliculas cachondas como Furius&Fast o el mismo Taxi.

Madre

Rodrigo Sorogoyen que  ha firmado titulos como ‘Stockholm’ tambien es autor del cortometraje ‘Madre’. Una corto intenso que llegó a ser nominado al Óscar. Antes ya lo habia propuesto y rodado como largo donde expandía la historia de ‘Madre’. Parecia que iba a apostar por ser una continuación directa con la madre interpretada por Marta Nieto desesperada por encontrar a su hijo. Para ello da un salto temporal de 10 años para indagar de forma notable en un personaje hundido emocionalmente que un día ve a un adolescente que le recuerda a su hijo y decide seguirle. Es cierto que Sorogoyen escribe el guion junto a su colaboradora habitual Isabel Peña -algo que no sucedía en el corto, incluido de forma íntegra al inicio de la película- y también que ilustra toda con una precisión envidiable desde el trabajo de puesta en escena, pero el verdadero sostén de la cinta es la actriz. Elena es un personaje que podría haber resultado frustrante con gran facilidad. En todo momento sobrevuela sobre ella las tensiones entre la posibilidad de abrazar un futuro con el hombre que la ha ayudado a salir en parte del hoyo emocional en el que llevaba metida años, pero a cambio totalmente alejada de cualquier ilusión de volver a ver a su hijo. Es ahí donde el encuentro fortuito con Jean en la playa en la que desapareció su hijo diez años atrás lo complica todo hasta límites insospechados. Lo curioso es que Sorogoyen plantea como el hecho que a su manera devuelve la luz a la vida a Elena. Eso la lleva a hacer lo que haga falta por volver a ver a Jean e ir estrechando los lazos que les unen. Las propias bases de su relación son un tanto peculiares, porque ya no es que a él no le moleste que le haya seguido a casa, sino que incluso piensa que es una de las mejores cosas que le han pasado en su vida. Un relato que apuesta siempre por un enfoque intimista, con instantes de gran belleza visual sin  alargar la dramatizacion, pues incluso sirven para incidir en la soledad de la protagonista en un paraje luminoso que también tiene su lado oscuro. Todo está al servicio del viaje de Elena, pero Sorogoyen no quiere subrayar sus acciones, lo que deriva en una interpretación muy sutil por parte de Nieto.No esperéis ver en ‘Madre’ grandes explosiones por parte de la protagonistas. Para ella Jean es el plano final que parece que no alcanza ya que su relación con el personaje interpretado de Alex es mas bien fria . Una relacion entre Elena y Jean. a la que es dificil de etiquetar. Eso lleva a la película a estar en muchos momentos a punto de superar la línea en la que resultaría imposible la conexión que surge entre ellos. Está claro que surge el amor, pero no se trata de una relación romántica al uso, ya que , Jean hace que Elena piense en su hijo perdido-. Aunque en su intimidad tienden a pensar que simplemente son amantes. Una película emocional pero sin interesarse por las emociones de Elena y Jean. Los momentos mas explicitos son cuando Elena tiene que reaccionar ante otras situaciones como el encuentro con su antigua pareja, una escena  planteada de una forma sencilla y directa Son tambien interpretes, Alex Brendemuhl, Anne Consigny, Frederic Pierrot, Jules Porter, Raul Prieto y Alvaro Balas que han paeado al interesante film por Venecia y Sevilla.

Libertè

Ver una película de Albert Serra (Banyoles, 1975) es un acto de militancia emocional, sentirse participe, dejár se de prejuicios morales o ignorar cualquier etica, alejar la mirada y componer en este vacio una retaila de imagenes cinematograficas, que lo son,alejados de nuestra mirada, para ser inbuidos por sus estoicas imagenes liberrimas de un universo al que no todos, podemo accecder liberarnos en cierta forma de toda idea preconcebida de las formas cinematográficas, fusionándonos con sus bellas imágenes y experimentando de forma muy personal aquello que vemos. Serra Honor de caballería, bebe de un cine contemplativo en el que pervertía la historia haciendo dos viajes, el de El Quijote y Sancho, y el de los tres reyes magos, siguiendoles paso a paso para filmar dia a dia capturando la humanidad y las contradicciones. Serra adentra su cine en el siglo XVIII, diferente, oscuro y más perverso, en el que la decadencia de la burguesía, es el centro de la acción, o de la inacción, narrando el imposible encuentro entre Casanova y Drácula, entre lo romántico y la luz en pos a la oscuridad y el terror, en una película bellísima plásticamente, con unos intérpretes, amigos del director en su mayoría, como ocurre en su cine, en estado de gracia, sobre todo Vicenç Altaió, creando un Casanova inolvidable, humano y decadente. Con La muerte de Luis XIV, con un sublime Jean-Pierre Léaud como rey enfermo, decrépito y postrado a una cama, narrando como una pieza de cámara a lo Brecht, la crónica diaria de la enfermedad del monarca en su lenta y dolorosa desaparición. Con Liberté sigue explorando minuciosamente los terrenos de esa lenta decrepitud de un tiempo que jamás volverá, situándonos en el año 1774, a menos de veinte años de la Revolución, entre Potsdam y Berlín, en un bosque indeterminado durante una larga noche muy oscura, en el que un grupo de libertinos expulsados de la corte puritana y aburrida de Luís XVI, dan rienda suelta a sus deseos más íntimos y oscuros. El director gerundense reúne a una serie de nobles y criados en los alrededores de las sillas, a los que un grupo de novicias se les unirá, donde a modo de sombras y deseos de danza nocturna, con ese aroma romántico, como si estuviéramos siendo observados en  un lugar infinito, del que desconocemos su principio y su salida, llamado laberinto. Un lugar donde impera el deseo insatisfecho, e imposible, alejado de toda moral,  donde nunca sabremos situarnos ante en las acciones sexuales, que a medida que avanza la noche veremos el aumento de tono de las acciones sexuales explícitas, en las que podremos acercarnos,y casi tocarlas. Los personajes con sus ropajes y liberados inciden en la barrera social y tanto amos como siervos se mezclan y se funden donde el deseo los convierte en uno solo, en una sola masa seres ávidos de deseo, de sexo, expulsados de ese paraíso que quería imponer en la corte de Luis XVI. El Duque de Walchen interpretado Helmut Berger es el objeto de deseo de estos libertinos, perdidos, en la huida de la corte falsa de Luís XVI..Entre Postddam y Berlin (1774) Madame de Dumeval, el duque de Wand, expulsados, se refugian e n Walchen. Alli les acoge el Duque libre pensador aleman que realiza sus practicas licenciosas en un convento proximo.
La luz de Artur Tort, cómplice habitual de Serra desde Historia de mi muerte, crea ese magnetismo cercano y alejado a la vez, que facilita  crea el preciso montaje de Ariadna Ribas, que también firman Tort y Serra, convierten la película a un ritmo pausado, fantasmal y profundo y personal. El objetivo, llevar el libertinaje a Alemania. Una cinta que nos interpela constantemente, en la que reconocemos la desnudez formal, los descensos a los infiernos, con sus cortes venidas a menos, su decadencia de aquellos que deambulan esperando su último amor en forma de deseo platonico o los retratos oscuros que tanto gusta indagar. El espejo deformador por el que se desplazan los libertinos, experimentando con sus cuerpos, sus deseos, su carne, lo que son y lo que no podrán ser. Son Iliana Zabeth, Marc Susini, Lara Poulvet, Baptiste Pinteaux, Lluis Serrat..

la audicion/das piersel

Todo el dramatismo de un a obsesion para tener una profesora de violin berlinesa que lleva a la destrucion de su familia lo ponen sobre la s cuerdas.Nina Hoss yIna weissen sn concertistas de verdad.Y su virtuosismo fue premiado en San Sebastian, por la calidad de la interpretacion clasica. Una profesora de violín en una escuela para jóvenes músicos de Berlín, a pesar de la oposición de sus compañeros, consigue que se acepte el ingreso de un joven con un gran potencial, al que ayudará a prepararse para el examen intermedio. La obsesión de esta mujer por hacer triunfar al chico le hará descuidar a su familia, su matrimonio y arrastrar a su hijo Jonas a una competencia insana. Cuando llegue el día de la prueba, los acontecimientos tomarán un rumbo trágico. También chelista y violinista, respectivamente, la guionista Daphne Charizani y la directora y actriz Ina Weisse (La sombra del pasado) se propusieron contar en una película cómo es el duro proceso de trabajo, disciplina y aprendizaje que hay detrás de la música. Esta pareja artística vuelve a unirse tras la ópera prima de la realizadora (Der Architekt) para componer un drama, con dosis de thriller y crítica social, donde la protagonista es una estricta profesora y madre obsesionada con la perfección que terminará trasladando su propia presión, miedos y frustraciones en su hijo de diez años y en el talentoso alumno con el que le obligará a rivalizar. Ganadora de la Concha de Plata a Mejor actriz en el Festival de San Sebastián por esta interpretación, Nina Hoss (Regreso a Montauk) lidera el reparto de La audición, un film que, sin entrar en juicios de valor, habla sobre las relaciones humanas y hace un fascinante retrato psicológico de una protagonista llena de contradicciones y traumas. Le acompañan en el reparto Simon Abkarian (Tan cerca, tan lejos), Jens Albinus (Nymphomaniac. Volumen 1) y los debutantes Ilja Monti y Serafin Mishiev, Jena Albinus, Sophie Rois, Thomas Thieme, winnie Bowe i itja monty. La direccion del film abusa tanto del dramatismo que puedan  tener unas clases rigurosisimas de violin, aveces no se apoya cuandolo necesita en otros generos. Si que se muestra habil en el analisis psicologico yenm la filmacion de todos los angulos del instrumento. La obsesion nunca es buena pero Weisse la convierte en adrenalin para lograr mejores sonidos y tension musical clasica.

buenos principios/mon chien stupide

eParece si le pones amargura el  amor pued prolongarse en el tiempo. Si a la amargura le añade la melancolia y las interpretaciones, resulta otra pelicula frances sobre la recuperacion del primer amor largamente desatendido.  Yvan Attal pone en la pantalla los exitos y fracasos de una union matrimonial profundiando en las relaciones con los hijos y laculpa que tiene el machismo en todo el embrollo. El film gana peso en su arte mas intima, en alque parece desprender se de una cierta banalidad y artificio cuando se externaliza. Coherente e inteligente Mon chien stupide es la vida de un escritor que no ha vuelto a encontrar la inspiración desde que hace 20 años escribiera un best seller. En plena crisis de mediana edad, culpa a su mujer y sus cuatro hijos de su bloqueo creativo, sus fracasos editorales, su insatisfecho apetito sexual, de los coches que nunca conducirá, del dolor de espalda y de no vivir en Roma. En el momento que sus cuatro hijos se independizan y su matrimonio empieza a flaquear, aparecerá por sorpresa un perro, al que llaman Estúpido, maleducado y entusiasta, que le hará darse cuenta de que todo esto podría convertirse en su mejor historia. Sera su mejor amigo y le ayudara a superar el critico momento vital. Cierre de una involuntaria trilogía donde, junto a su esposa en la vida real Charlotte Gainsbourg (Promesa al amanecer), el actor y director Yvan Attal (Están por todas partes) ha reflexionado sobre las relaciones sentimentales y el paso del tiempo, Buenos principios es una corrosiva comedia dramática que adapta la novela Lejos de Roma de John Fante. Con un ácido sentido del humor, el film sigue a un escritor que arrastra más de dos décadas de bloqueo creativo y que, pasados los cincuenta, culpa a su familia de todas sus desgracias existenciales. A través de este hombre arrogante, perezoso y odioso en plena crisis de mediana edad, el realizador aborda temas tan inapropiados para la dictadura de lo políticamente correcto como la carga que suponen los hijos, el desgaste de la pareja y la caída de la líbido. Ben Attal (Una razón brillante), vástago de este matrimonio de artistas, también forma parte del reparto y contribuye a este juego de realidad y ficción que invita al espectador a discernir el límite entre ficción y autobiografía. Junto a ellos, un enorme y apestoso perro, que se convierte en el otro protagonista de la cinta, junto a los no apestosos Pascale Arbillot, Adele Wismes, Pablo Venzal, Sebastian Thiery y Eric Ruf.

animales en apuros/two tails

Bob es un castor cuya vida transcurre apaciblemente en su pequeña y humilde aldea hasta que Max, un inquieto y alocado gato, cae de un globo del cielo. Tras convertirse en los mejores amigos, son testigos de cómo un grupo de malvados alienígenas, que buscan nuevas especies para exhibirlas en su zoológico intergaláctico, empieza a capturar a los animales de la Tierra. Para detener sus planes, y rescatar a sus amigos abducidos, Max y Bob tendrán que embarcarse en una peligrosa misión. Victor Azeev y Vasiliy Rovenskiy, que desde el estreno de esta película se han convertido en figuras al alza en el emergente cine de animación creado en Rusia, dirigen esta película protagonizada por unos simpáticos, y algo alocados, animales que, de la noche a la mañana, se tendrán que enfrentar a las numerosas abducciones de un grupo de malvados alienígenas. Un gato y un castor son los protagonistas de una comedia de aventuras para toda la familia con el foco sobre  los más pequeños de la casa. Fruto de los intentos del gobierno de Vladimir Putin por incentivar la expansión internacional de esta industria, el film se convierte en una fiesta de color repleta de acción, divertidos gags y peligros que intentan replicar el estilo de las producciones hollywoodienses linea Dreamworks, y como en la guera fria, parece que el cielo americano supera a la mas pobre y argumental  de la tundra siberiana. La amistad, tanto entre los protagonistas, tema principal de esta cinta que también habla sobre la unidad como antídoto contra las adversidades. 

Ventajas de viajar en tren

 Filme de cruces de personajes, extraños, nacionales, encarnados en un paranoico con sindrome de Diogenes. Un psiquiatra, una mujer dominada y humillada dando bandazos en la manos de Aritz Moreno, quien en 103 minutos no tiene tiempo de atar tantos cabos sueltos. Claro que  es su primera pelicula y dispone de tanta tecnologia que le incitan a rodar fantasias inclasificables. Tambien en un lado u otro del exito estara la posicion del cinefilo.  Helga Pato es una editora que acaba de internar a su marido en un psiquiátrico. En el tren de vuelta, Ángel Sanagustín, un psiquiatra especializado en trastornos de personalidad, la aborda con una intrigante pregunta: ¿le apetece que le cuente mi vida? Durante el viaje, el doctor le descubrirá el peor caso al que se ha enfrentado jamás: un peligroso y paranoico hombre obsesionado con la basura como método de control que es Martin Urales de Ubeda.  Esta historia, repleta de giros delirantes, revolucionará el futuro de Helga. Como el sórdido, pero intrigante, relato de obsesión y demencia que comparten los protagonistas de este sofisticado, perverso e indescriptible trayecto en ferrocarril, la ópera prima de Aritz Moreno tiene innumerables capas que, a medida que se descubren, van componiendo una inclasificable mezcla de géneros, desde la comedia negra hasta el thriller, el drama o, incluso, el terror. Barroca en su guion de Javier Gullon, consumación de un proyecto en el que lleva involucrado más de cinco años, el realizador adapta la novela homónima de Antonio Orejudo Utrilla. La original y sorprendente trama de esta obra se convierte en una película divertida y delirante donde, a partir un apartado visual, desfilan una serie de personajes de lo más variopinto. Pilar Castro (Es por tu bien), Ernesto Alterio (Lo dejo cuando quiera), Belén Cuesta (La trinchera infinita) y Luis Tosar (La sombra de la ley) y Macarena García (La llamada), Quim Gutierrez, Javier Godino, Ramon Barea son el reparto coral de esta ficción en tiempos de posverdad que desafía al a discernir lo que es cierto de la pura invención. 

The farewell

La de Awkwafina no es una mentira pequeña. Y es que la de Lulu Wang, que de paso es autobiografia, no tiene mesura. Al director le sirve para poner en cine tres generaciones que vitalizan el amor, la perdida y la inmigracion. Reuniones familiares bien llevadas en las que, aunque sucedan em EEUU o Japon tiee risas, melancolia, tristeza e ironia. Todo alrededor de una vieja abuela  que no sabe que que se esta muriendo. Aunque Billi nació en China, ha pasado casi toda su vida en EE.UU. Su abuela, Nai-Nai, padece un cáncer terminal y le quedan pocas semanas de vida, algo que la familia ha decidido ocultarle. En su lugar, han organizado una boda que sirva como excusa para congregar a miembros y amigos del clan que, así, podrán despedirse de la matriarca. Esta triste farsa servirá a Billi para redescubrir el país que dejó atrás, la fuerza interior de Nai-Nai y los vínculos que, todavía, le unen con sus parientes. Aplaudida con unanimidad por la crítica a su paso por festivales como Sundance o Valladolid, la nueva película de Lulu Wang (Posthumous) se acerca a las complicadas dinámicas familiares en China. Sin embargo, The Farewell adquiere, a base de un amargo sentido del humor y medidas dosis de emotividad, un carácter universal a la hora de reflexionar sobre lo que forja los lazos entre los miembros de un mismo clan. Para construir esta divertida y conmovedora fábula contemporánea, la directora recurre a sus propias vivencias y cuenta cómo fue el choque cultural que experimentó cuando, tras criarse en EE.UU., volvió a sus raíces ante la inminente muerte de su abuela, a la que habían ocultado su diagnóstico de cancer  de pulmon terminal. La familia de Billi vive en Nueva York y los padres no quieren ir y Billi si, acudira en lo que sera su viaje iniciatico para despedirse de su abu. Esta "mentira real" se convierte en una comedia, con importantes dosis de drama, que habla sobre la pérdida y se cuestiona hasta qué punto hay que proteger los sentimientos de los seres queridos. Awkwafina (Paradise Hills) interpreta a esta mujer, atrapada entre dos países y tradiciones completamente opuestas, y lidera un reparto que completan la debutante Shuzhen Zhao y Tzi Ma (El rascacielos). Intima y sencilla en los temas que toca, contenindo una pelicula negra cualquiera en una indagacion colectiva, plural y oral.Otra reflexion sobre la mentira. Esta mentira ha sido premiada e Sundance, Gotham y Valladolid.

P J Harvey a dog called money

La cantante britanica tiene una original  forma de componer sus  canciones. Por donde pasa recoge materiales para inspirarse, como en un cortar y pegar pero mas comlejo.  Testimoni visual del procés creatiu de l’àlbum de PJ Harvey The Hope Six Demolition Project (2016), Seamus. Murphy documenta el proceso creativo de la artista,dotandola al mismo tiempo de u halo de poesia y admiracon que traslada con medicion milimetrica a lo que responde l cantante. De l’Afganistan a Kosovo i dels guetos de Washington DC al soterrani londinenc on el públic va poder presenciar-ne la gravació. 

Així com els assistents a aquella “instal·lació” als baixos del centre artístic Somerset House van poder veure, en directe i rere un vidre de visió unilateral, com Polly Jean Harvey dirigia la gravació del seu onzè disc, aquí coneixem la gènesi del projecte guiats per l’artista mateixa i per Seamus Murphy, fotoperiodista amb qui ja va treballar als dotze curtmetratges que secundaven el llançament del disc Let England Shake. A mig camí entre el reportatge periodístic i el ‘making of’ discogràfic, Harvey visita zones especialment castigades per la violència, la desigualtat social i/o la guerra. La cantautora anglesa s’erigeix així com una mena de corresponsal de la cançó bèl·lica que manté un diari de viatge en forma de veu en off. No planteja solucions ni una anàlisi política profunda; es limita a aplegar imatges i històries que es va anar trobant. Com la d’una mestressa de claus que cuida en solitari d’un poble sencer de Kosovo o la dels nens del barri d’Anacostia, a Washington DC, que somien cotxes i diners des d’alguns dels carrers més pobres dels Estats Units, a escassos minuts de l’epicentre del poder occidental. I, en paral·lel, veiem com aquestes històries es van materialitzar en poemes i, després, dins una habitació envidrada, en cançons. Un documental sin picos, recogiendo quiza demasiada miseria, pero que da a conocer una vida musical para mmuchos desconocida a pesar de sus 8 LP's publicados.                                                                                                                              

pequeñas mentiras para estar juntos

Canas y ojeras son las primeras señales en un grupo de amigos que cada año procuran pasar las vacaciones juntos, hasta que el tiempo empieza a poner dificultades. Diez años después, problemas mas complejos marcan cada escena del film. El guion del mismo director Guillaume Canet, confesaba que partiendo del film original- no convencia porque los personajes eran sus amigos de aquella época, y el texto una venganza porque le que habían dejado tirado en el hospital un mes , las vacaciones ,sin visitarle. Tenía esa sensación de que no les importaba nada, solo éramos amigos para las fiestas. En esta segunda parte encontro interesante que todos comprenden que lo más importante es la amistad, y que los amigos son necesarios frente a la adversidad, reflexiona enel guion con Rodolphe Lauga. Con un gran dominio del cine coral es un film de caracter positivo donde l'amistad recuperada deja espacio para el trabajo, la maternidad, la comunicacion y la convivencia. La gran mentira esta en el titulo donde para mantener no hay que mentir,sino estar convencidos de que es para siempre. Se habian acabado los veranos entre copas, baile y conversaciones donde se filtraban las verdades y confidencias. La sensacional villa de la Costa Azul, vuelve a ser el punto de encuentro del grupo en el cual la experiencia habia endurecido a sus componentes. Con la edad, los hijos, los amigos muertos, los familiares... con todos ellos, las cosas se dicen con más claridad. La pelicula cambia la mentira  y falsedad, la hipocresia y la ironia mas falaz por los nuevos" amigos" de la verdad, hablando las cosas que se ocultaron todos estos años. Canet, que dirige en el filme a su esposa, la estrella Marion Cotillard, los hijos que han sustituido a algun invitado, todo ello en la casa del aun prolijo François Cluzet. El vino tambien ha disminuido, la risa no es tan estruendosa y la musica no lo ensordece todo. Los divorcios se enfrentan al romanticismo y los espabilados negocios luchan contra el trapicheo y las grandes perdidas economicas.  Las vacaciones son una busqueda de la  felicidad, que sin salirse de los railes, te repone de los pequeños dramas de cada dia. Ah, y no hay que olvidar al pasar el tunel, las bolsas con el humor y la emocion. Hacen vacaciones Benoit  Magimel, Jose Garcia, Gilles Lellouch, Laurent Lafitte, Valerie Bonetton y Pascale Arbillot. Todos en la vacacion -visita de cumpleaños sorpresa, se ponen al dia de los años perdidos y conocen en que queda de su amistad.

Las niñas bien

Alejandra Marquez Abella coge a las niñas de la mano y las lleva gradualmente a a la atmosfera miedosa de su anterior "Semana santa". Aqui situa la decreìtud en el Mexico de 1982 y se  derrumban las clases sociales, la economia, incluso las pistas de tennis. Lise Salas, Flavo Medina, Cassandra Ciongheratti, Paulina Gaittan y Johanna Murillo son los que dan visibilidad al buen guion de MOnika Revilla sobre el libro de Guadalupe Loaeza. Retrato de una sociedad decadente en un film honesto pero sin chispa. Se eterniza en el encuadre y olvida el acto dramatico, que tiene un desordenado orden de aparicion, con unas obscenidades que la reducen al logro conceptual. En el Mexico gobernado por Jose Lopez Portillo, las clases altas encerradas en sus gulacs con vigilancia de armas largas, automoviles de lujo "asiatico"y cantantes imitadores de Julito,desechan  en hora y media el devenir que ya conocemos tambien. Premiada en Malaga, Ariel y Morella, lo fue por su proposicion de buenas costumbres, no caras costumbres.

Fourteen

Sentido y resibilidad es lo que ofrece este hombre de cine nacido, que reflexiona aqui como salio de la infancia. Favorece las grietas entre sus protagonistes, con grandes frenadas como elemento de cohesion. Confusion,imparcialidad, estetica austera, para este paso de frontera del tiempo, del que saldran y entraran sus dos dos mujeres.Cine frances elegante, con la calidad de siempre, y un retrato del director que es al mismo tiempo guionista. Dan Salitt, solo por ser la nueva película del autor responsable de "The Unspeakable Act" ya tiene la admiracion del aficionado. Estrenada en esta Berlinale en la arriesgada sección Forum. De una joven que se ha pasado toda la vida enamorada de su hermano pasamos a una amistad entre dos chicas azotada por las drogas y el embarazo.  Tallie Medel, Mara es muy dependiente y Norma Kuhling muy problemática desde que se conocieron cuando tenían 14 años. Ninguna  vida es estable, todos sus trabajos son precarios y sus citas nunca fructifican. En medio de lo cotidianos y las conversaciones, la única constante es su amistad. El teléfono suena y Norma necesitará ayuda, Tallie dejará todo por ella, pero los pensamientos de Norm ya estarán en otra parte para cuando ella llegue. Criado en la tradición del Do it yourself Dan Sallitt hace ya tiempo que fue señalado como la respuesta indie norteamericana. Un crítico neoyorkino que, como cineasta sigue su propio camino a su ritmo. Solo cinco películas en un espacio de tiempo de 26 años, con el mismo formato, drama camuflado bajo una supuesta c comedia, que emerge lentamente según avanza la narracion. Con gran capacidad para la dirección de actrices, como demuestra el trabajo de Tallie Medel y Norma Kuhling (en su currículum solo figuren papeles de reparto en títulos como "La Familia Jones". )Dan Sallitt es otro de esos autores enmarcados en el movimiento Mumblecore que, con cada una de sus obras, demuestra que puede hacerse gran cine al margen de las instituciones, con su cámara digital, con actores no siempre profesionales, con poco presupuesto, muchas ideas, sin la banda sonora y con unos diálogos improvisados que resuenan ecos del cine francés de finales de los 60. "Fourteen" es una nueva prueba de ello,un incondicional canto a la pureza de la amistad. Sustentan su complejo  guion, lunares que marcan la gestación y el consecuente mantenimiento de un irreductible lazo de amistad. La relación se distancia, el contacto se diluye, no asi el sentimiento. En sus múltiples elipsis, en el empleo del fuera de campo, donde acontecen los acontecimientostos que no vemos. Unas elipsis que van apareciendo de forma gradual, cada vez más frecuentes y más dilatadas en el tiempo. Un recurso a través del cual Salitt logra camuflar el drama que se esconde bajo una liviana comedia que nunca deja de ser absolutamente honesta. La naturaleza de la amistad.

Hustlers/ estafadoras de wall streettt

La crisis del 2007 nos dejo despojados en forma de rotos en sus cuentas bancarias o en sus negocios. Echados de sus trabajos y de sus casas, a los protagonistas masculinos de Estafadoras de Wall Street se les acabó poder soltar billetes en clubes de striptease; y a ellas, las auténticas reinas de la noche, hombres a los que desplumar cada noche frente a la barra. Dirigida por Lorene Scafaria y liderada por una madura Jennifer López, lo hace contando cómo el sueño americano lo ansían los que tienen más dinero, pero también a los menos favorecidos, las strippers, que han tenido una vida solo valorada por su belleza y estilo de bailar erotico. Pero qué pasa cuando se hartan de estar el servicio de personajes que no les gustan?. Basada en el artículo publicado en 2015 en el New York Magazine The Hustlers at Scores, de Jessica Pressler, el filme cuenta la historia de Constance Wu, la "nueva" en un club nocturno donde conoce a Jennifer López, la auténtica líder de la función. La segunda se convierte en su maestra de la primera, y deciden trabajar juntas para obtener más renta de sus clientes.Con ellas están Keke Palmer, Annabelle ,Lili Reinhart yCardi B. Su ascenso es narrado con la misma velocidad y ritmo de fiesta, pole dance y crédito. Las chicas se hacen ricas pero, con la crisis, los magnates no pueden permitirse sus desembolsos y a ellas se les arruina su venganza. Si con el desastre económico, lejos de asumir culpa y hacer autocrítica sus responsables, se trató de convencer a la ciudadanía con frases como "tienes que reinventarte" o "querer es poder"; ellas se inventan su propi "modus" para seguir viviendo su particular sueño americano. Un cóctel de pastillas con el que asegurarles una  resaca de amnesia a sus víctimas, mientras controlan de sus cuentas. El film es una historia de amistad y solidaridad entre estas feminas, supervivientes de un sistema para quienes estafan, antes que esperar a ser estafadas. Uno de sus valores es desde la dirección el relato no convencional, saltos temporales con fragmentos de las entrevistas que la periodista ,Julia Stiles,les realizó para escribir su artículo, el cuento "de hadas" no tuvo el final esperado por estas chicas y qué les llevó separárse. Con sus giros consigue que la empatía con cada una de ellas sea aún mayor, humanizando una profesión que a menudo se desprecia. Inmersa en un mar de seducción y baile, podría haberse rodado con los desnudos de sus protagonistas y retratadas otra vez por la mirada masculina que solo ve el  sexo en el cuerpo de la mujer. Hay striptease y poca o  ninguna ropa, pero las filman sin escenas vacuas y sin querer propiciar la lascivia del hombre. Mujeres a gusto consigo mismas, y cuyos cánones distintos, la sensualidad, no responden a un color de pelo. El equipo técnico directora, guionista, productora, montadora, diseñadora de producción y de vestuario hayan sido mujeres no debería de ser reseñable.A las protagonistas las han dejado en lo más bajo de una sociedad patriarcal y machista, pero encuentran la fórmula para establecer nuevas relaciones. Al principio ellos tienen el poder, el hombre la capacidad de menospreciar inoculando tristeza a una chica por ejemplo diciéndole que debe callarse y ponerse a bailar. Bajo los efectos de la pócima de las estafadoras ellos son vulnerables, no tienen poder de decisión y acatan órdenes. El humor amplía el gozo del espectador, después de la larga lista de películas sobre estafadores, que acuden con pistolas, amenazas y gabardinas, aquí las reinas del show emborrachan a sus víctimas. La maternidad es una enfermedad mental, dice Jennifer a Destiny cuando conoce a su hija, que también acabará teniendo la suya acaba por pesarles en los acontecimientos posteriores, cuando la policía entra en la accion, aprovechando a las retoñas para controlar a sus madres.  Contándose una historia que sucedió en realidad, tampoco se puede achacar al guion, una carga sobre la que avanzar. El ritmo de una película que, desde su presentacion en el pasado Festival de Toronto, se rumorea que López acabe nominada al Óscar. Ella contemporiza afrimando que este país es un enorme club de striptease. Gente arrojando dinero y gente bailando a su aire".

el hoyo/ The plattform

A menudo, el fantástico tiende a retratar la realidad planteando escenarios tan alejados de lo cotidiano que resultan un lienzo maleable para dibujar realidades alternativas, en las que se puede proyectar la subversión de las ideas del mundo real. Las últimas obras de Bong Joon-ho, tratan de exponer las miserias de la lucha de clases de una forma unidireccional, musculando el discurso hasta dejar su metáfora reducida a un cantar de gesta en el que los ricos son siempre víctimas, sin dejar vías de comunicación entre los diferentes estratos.El pasado festival de Toronto, 'El hoyo', emergió con críticas internacionales muy positivas, logrando el premio del público de la sección Midnight Madness. Tras su paso por Sitges 2019 recogería 4 premios a mejor película, de la crítica,.... Con ello se  coloca en la pole de las peliculas claustrofobicas, apartado ascensor. Como dice su director, el bilbaíno Galder Gaztelu-Urrutia "se puede contar en un par de líneas en un bar". Y nadie niega su origen de la  obra de teatro. En un futuro, los internos de una prisión de un numero indeterminado de pisos excavados en la tierra esperan que un festín de comida diario descienda por un agujero central hasta su nivel. Comen los restos, es asqueroso, a lo bestia y rapido porque el tiempo es limitado, pues sta camida, que es de lujo arriba, cuando baja ya no quedan ni los escombros. Los reos sometidos a este regimen, (dos por rellano) cambian por sorteo su piso cada mes. la comida se tiene que coger pensando o a lo salvaje. Muchas veces el asco les impide comer. Entonces leen el Quijote Lo que sí se puede decir es que el propio sistema propone un experimento que lo es al mismo tiempo fuera y dentro de la pantalla. Si bien los primeros minutos son una exposición de las reglas, la forma en la que se va dispensando la información es progresiva, aprendemos todo desde el punto de vista del protagonista. En ‘El hoyo’ llegamos a saber de forma más clara el propósito de esa prisión. Las críticas hacia ‘El hoyo’ se han movido principalmente en la dirección del discurso político  alegando su metáfora de estratificar las clases físicamente. Una mirada obtusa y sin sentido del humor suele confundir el cine “con mensaje” y la sátira. El cine satírico aprovecha la indignación hacia una situación, la carga de ironía, buscando el asentimiento del público, al que le es fácil empatizar con la crítica. ‘El hoyo’ es una película mordaz, pero es consciente de que provoca una reflexión. Es cine de la crisis, el que habla de nosotros, y de lo que hariamos en la situación actual . El film de Gaztelu-Urrutia expone cuestiones y las cocina de forma gráfica de reconocerlo. Pero su comentario “de clases” se aleja mucho de la teoría política que plantea. Para el director El ser humano es, una especie miserable. Al nacer ya somos  una bola de egoísmo que llora y llora y pide y pide”. Es debido a nuestra condición de animales insaciables/insalvables. Los planteamientos se pueden aplicar a la lógica capitalista hasta acabar sus recursos y morir. . La clave inteligente, del guion, es que en clave de seguridad, por el mismo carril y velocidad de dos ruedan dos vehiculos de muy diferentes cilindradas, donde el pequeño tiene que matar para alcanzarle. Es una película “en contra” de la clase alta y los pocos que explotan a la mayoría. El film pregunta que lleva a ese estado que vivimos en el mundo real, el egoísmo, la hambruna y el derecho de ser igual de miserable que el que no piensa en los que menos tienen. La lógica  del guion va planteando supuestos irresolubles y que los personajes traten de encontrar la clave de lo que no tiene solución, que lleva directamente a un final enigmático. Se cimienta en el carácter más mezquino, de gente a la que reconocemos porque estamos seguros de que pasaría igual así si esto pasara en un bloque de vecinos. Gaztelu-Urrutia ubica en la trama, una elección que llegado el momento sacará a la luz las intenciones de la película.El film habla de ricos y de pobres , LOS de arriba, los de abajo y los que caen, del conflicto de hace más de 500 años en España y de la incapacidad del hombre para cambiar. Es pues un film que no se esconde deja de ser perfil bajo, de festival pequeño con su condición de filme político sin ahorrarse una gota de sangre. Es ultraviolenta y a veces hasta festivalera dejando un poso amargo verbenero, deprimente. Hay personajes divertidos, que se pueden transformar en algo oscuro,  en comedia del absurdo. En ‘El hoyo’ cabe la provocación estomacal de la acción del cine coreano. Y cuenta con la barbaridad de que el protagonista tiene que adelgazar 15 kilos para dar el papel. Que no hay nadie mas que haga regimen?. Si:Ivan MAsague, Zorion Eguileor, Antonia San Juan, Emilio Buale,,Miriam Martin, Eric Goode. Oscar Oliver. Algis Arlauskas,...

detective conan el puño de zafiro azul

Si no conoce al detective Conan Edogawa, no pasa nada. Es un film que aporta un nuevo o diferente, de como la animacion, puede mantener la intriga hasta terminar las aventuras que llevan a un crimen. La famosa Marina Bay Sands resort  de lujo, es el escenario de un asesinato que parece estar relacionado con la joya Blue Sapphire, desaparecida en un naufragio del siglo XIX y se supone depositada en el fondo marino. Tomoka Nagaoka lleva el guion de Takahiro Ohkura  a Singapur, desde donde Conan investigara lo sucedido compitiendo con Kalto Kid en la primera película del detectivo fuera del Japon.

Cuando eramos brujas/the juniper tree

Rodada en los paisajes volcánicos de Islandia entre 1986-1987, CUANDO FUIMOS BRUJAS brinda a la cantante Björk, que entonces tenia 20 años, su primer papel en el cine. Sin financiación, la película no se proyectará en una sala hasta 1991, en el Festival de Sundance. Björk habia logrado convertirse en una estrella mundial de la música con su grupo The Sugarcubes. La película desparece durante casi treinta años. El encuentro con la cantante es puro azar. Mientras la directora busca actores en escuelas teatrales islandesas, el destino hace que conozca a una joven y desconocida Björk Guðmundsdóttir. Convertida en la actualidad en uno de los principales iconos de la música de vanguardia, su rol de bruja y su sutil interpretación, hacen del estreno todo un acontecimiento.


La película está libremente inspirada en un cuento de los hermanos Grimm, «Del enebro», en inglés, «The Juniper Tree». En la historia original, una madrastra asesina al hijo de su marido porque siente celos de él. La madrastra esconde minuciosamente dicha muerte y oculta los restos del niño en la comida que sirve a su esposo. Pero su hija, a escondidas, ha recuperado los huesos de su hermano y los entierra bajo un enebro. El niño renace entonces bajo la forma de un pájaro y denuncia el crimen de su madrastra, que será castigada.
El cuento Del enebro era una de las historias favoritas cuando la nobel directora era niña. Le interesaba la brujería, tema presente en la mayoría de los cuentos de los Grimm en los personajes de mujeres. cuando hablan de las mujeres. Conserva a la joven hija como personaje principal, pues el relato se centra en su experiencia del mundo tras su huida. Un viaje iniciático en una búsqueda espiritual, que acierta la atmósfera que deseaba para un país imaginario utópico".


Un retrato íntimo de dos mujeres que, para huir de la hoguera tras ser acusadas de brujería, deben adaptarse en su entorno y sobrevivir disimulando sus encantamientos. Una fotografía en blanco y negro, que parece ir a la par con lo que ya defendía Jules Michelet en su tratado sobre brujería. Para Michelet, le bruja representa una rebelión contra toda norma establecida, son mujeres libres que no supeditan sus voluntades a los deseos del hombre.
El film es también una obra sobre la cultura y el folklore islandeses. Fascinada por las culturas escandinavas, Nietzchka Keene escribe meticulosamente los textos y encantamientos de la película siguiendo la estructura de la antigua poesía mitológica escandinava, además de confeccionar ella misma el vestuario.
Durante su estancia en la UCLA, Keene trabaja como asistente de investigación en el departamento de lenguas nórdicas antiguas, dedicado a los primeros testimonios escritos en lengua escandinava medieval. Paralelamente, comienza su carrera en la industria del cine como montadora y mezcladora, y, en ocasiones, como proyeccionista. En 1986, recibe una beca del Programa Fulbright para realizar investigaciones en Islandia y preparar la producción de su primer largometraje. Terminada en 1989, la película fue seleccionada en festivales y tras realizar un nuevo cortometraje en 1994, Aves, Keene empieza la realización de su segunda película, Heroine of Hell (1996). Mezcla la iconografía medieval con una historia moderna y ofrece el papel principal a la actriz Catherine Keener. Su último proyecto, Barefoot to Jerusalem, situa en al edad media Margit y Katla su hermana mayor huyen por el desierto despues de que su madre haya sido asesinada. Describe el viaje de una mujer que debe luchar contra el diablo en paisajes desolados. Rodada en 2001, la película no se acaba hasta 2008, cuatro años después de la muerte de la cineasta. Peor antes un viuda las acoge, y seenamora de lamayor minetrassu hijo piensa que Katia es una bruja. Interpretan esta limpia historia de burjeria, Bjork, Brybdis Petra Btagadottir, Valdimar Orn Flegreibg, y Gudrub Gildottir.DE emancipacion femenina.