La mina (The night watchman)

Incluso mas que su cine, el terror español tiene unos referentes que lo hacen reconocible. Con este manual aprendido, Miguel Angel Jimenez, como un trabajo de fin de curso con insertos de gore americano para tocar todos los publicos , nos lleva primero la preocupación y después el horror. El mismo que siente la población cercana a una mina. El nudo de la cuestión es un vigilante nocturno recién salido de prisión que aparentemente ayudado por su hermano y con droga y mentidas, desarrolla el miedo en un espacio tan propicio como es una mina. Y todo ello bajo el manto impoluto del fanatismo religioso. Para completar el sello internacional se rodó en Asturias, Pais Vasco, Louisiana y Kentucky, y se hizo debutar al músico Matt Horan como el exdrogadicto liberado y que quiere recuperar a su esposa, Kimberley Tell. Con Jimmy Shaw, Denis Rafter i Ebeko Sagardoy y la vuelta de Patxi Bisquert, se redondea un film de libro de un director inclasificable en sus métodos.

Tallulah (Cien de cine)

Producción independiente en el debut en el largo de Sian Heder. Con una clara intención de tener un mercado indie americano y tener su espacio en Sundance, y también poder ser vista en una pequeña pantalla sin perder calidad. Por ello las tramas personales son las que toman más fuerza y protagonismo en la película. Más calidad interpretativa que un telefilm, pero que está en ese límite, de acabar sólo en cadenas televisivas y no poder estrenarse en cines.
La historia llena de dudas al espectador. Cuando la justicia se toma de una manera unilateral de manera tan descarada y complicada como hace el personaje de Ellen Page decidiendo que una madre alcohólica no puede seguir con su hija porque realmente no la desea. A partir de ese momento los problemas se le complican. Conseguir un sitio donde estar con la niña, adaptarse a sus necesidad y conseguir que le crean que esa niña es suya. Por otro lado la desesperación de la madre buscando a su hija conocedora del gran error que ha cometido.
Destacan las interpretaciones de Ellen Page y Alllison Janney, dos actrices con una gran química en las escenas que aparecen juntas, sea riendo y gritándose. Ya lo mostraron en Juno, y en esta ocasión son lo más destacado de la película, que exceptuando los momentos de exceso de imaginación,  y poder hacerse más de una pregunta sobre la capacidad que tienen los humanos de reproducirse. 

Jason Bourne

Bourne ,después de 9 años y 4 filmes se ha vuelto previsible. Sus combates siguen subiendote la presión , sus persecuciones, en moto o lo que sea, la adrenalina y sus saltos en las montañas nevadas dejarían helado al mismo Killian Cornet. Pero ya lo hemos visto. Si que Paul Greengrass lo hace un poco mas vulnerable, le da un patina de trauma psicológico infantil y en su lucha  contra el mundo , denuncia abusos, corrupciones y otros desmanes cometidos por el poder establecido. Pero todo es vacío, inocuo y se rellena de esta fuerza física que sale de dentro de Matt Damon Boune. no sabemos de donde ni para que. Silencioso, no tiene tiempo para hablar, ni Alicia Vikander, le saca 4 frases. Bueno, lo que defiende es el país. Una de las sagas modernas mas influyentes e cine de acción, tendrá su quinta entrega. Quedan todavía 8 novelas para quemar. sembrando dudas sobre la identidad del protagonista, segun los militares y políticos reunidos para su captura y muerte, un peligro para su nación. Comparten con el, la cámara histérica, Tommy Lee Jones y Vincent Cassel.

DISHOOM

Año

2016

País

 India

Director

Rohit Dhawan

Guión

Rohit Dhawan, Tushar Hiranandani, Hussain Dalal

Música

Abhijit Vaghani

Fotografía

Ayananka Bose

Reparto

Nargis Fakhri, Akshay Kumar, Jacqueline Fernandez, John Abraham, Varun Dhawan, Akshaye Khanna, Adam St, Ramiz Raja, Erand Hoxha, Mir Sarwar

Productora

Eros International / Nadiadwala Grandson Entertainment / Twofour54

Género

Acción. Aventuras. Comedia | CrimeN?

Sunset song

Como las tiendas con tradicion, Terence Davies, desde  1988, ya nos mostro su cine con Voces distantes. Lentitud, contencion y luminosidad son sus principales caracteristicas enmarcado en el cine britanico. Una trayectoria marcada por La casa de la alegria o The deep blue sea constatan tambien su gran acierto en la eleccion de actores, en esta ocasion la joven sometida a toda clase de excesos de otros, Agyness Deyn. El autor adapta este clasico de la literatura escocesa del siglo XX, de Lewis Grassic Gibbon, de la que ya existia una miniserie, llena de historias traumaticas y violentas. Se perfila la 1a. guerra mundial en una granja dominada por el contundente siempre Peter Mullan, que deja embarazada comtinuamente a su esposa y su hija mayor que quiere ser maestra. Honesta en la forma de tratar el sexo, la familia y la tradicion cultural campesina. Canciones populares antiguas jalonan la cinta con  Kevin Guthrie, Jack Greenlees, Mark Bonnar, Ron Donachie y Stuart Bowman, Niall Greig Fulton y Daniela Nardini. Septimo film de este interesante autor, que nos hara veranear en los verdes campos de cultivo escoceses, en los que apaciblemente leyendo esperaremos su proximo estreno A quiet passion. ...

Lolo

Julie Delpy ( 2 días en New York), que mantiene una carrera cinematográfica sino brillante, digna, se adentra en el snobismo parisino francés, para acompañarnos en una comedia de enredos, como ellos dicen para quitarse la telarañas aprovechando las vacaciones. Delpy, madre  de Vincent Lacoste, que no quiere compartirla, y separada, se enamora del  hombre equivocado, Dany Boon. Y el guión también de Eugene Grandval, la lleva a, riéndose, reflexionar sobre el amor en la madurez, a lo que ayuda Karin Viard . Violette vive en París y es una profesional de la moda de 45 años. Decide tomarse unas vacaciones en un spa de Biarritz con su mejor amiga. Allí conocerá a Jean-René, un informático recién divorciado, y ambos decidirán darse una oportunidad en el amor. Jean-René se mudará por trabajo a París, y allí intentará adaptarse a la vida de Violette. Sin embargo, no contaba con Lolo, el adorado hijo de ella, que está dispuesto a todo para destruir a la pareja y continuar siendo el favorito de su madre.

Lal leyenda de Tarzan

La misma incomprensión que sentía Cassius Clay al preguntarse como Tarzan con unos pocos años había conseguido hablar con los animales del selva y los negros desde tiempos ancestrales todavía no, siento yo al intentar comprender porque David Yates a añadido este Tarzan a los aproximadamente 30 que se han rodado. Este Yates, que paso de la chica del cafe a los Potters, si que logra técnicamente acercarse mas a los animales, escena con los elefantes conmovedora,  la relación con su gorila madre, el respeto a los leones, y con ello parecerse a los cariñosos films de antaño. Otro aspecto importante es reforzar muy mucho la personalidad de Jane (Margot Robbie) que ya no es solo el reposo del guerrero de la selva. Enamorada si pero con los pies y les ideas globalizadoras muy claras. También aparecen hombre,s negros equivocados de objetivo, enemigos al principio, pero adoctrinados de nuevo por la economía imperante, reconocen su lugar en el mundo. Al grito por cierto nada logrado, ustedes esperaran la aparición de Chita para acompañar a su amigo. Pero no saldrá, al menos en este film. Y seguro merece una película para ella sola. Protagonizada por el director también Alexander Skarsgard con la musculatura muy retocada, no haría la s delicias de Edgar Rice Burroughs en su concepción. Ni los trucos de camara, ni Christoph Waltz o Samuel  Jackson, logran acercar el mito a la juventud, aun personaje que ni conocen ni les interesa.Ni como genero de aventuras. Con la esclavitud al fondo, no aprovecha Yates la oportunidad de darle a la obra un toque documental. Con personajes algunos reales, incluso se cita al rey Leopoldo II de Bélgica, los protagonistas son todos victimas del sistema imperante incluido el actor Djimon Honsou. La industria del cine no debería atreverse a tocar, retocar,  ciertos mitos. Hay géneros, hechos históricos y lideres que no admiten ni photoshop's ni incursiones imprudentes. Y esta lo es porque puede cambiar el destino cinematográfico del rey de la frondosa selva que ahora huye por las lianas. A este paso acabara viajando en dron

Hawking a Star trek

El 1993, al final de la temporada sis de Star Trek: the next generation hi ha una escena en què el tinent comandant Data, l’androide amb un privilegiat cervell positrònic, juga una partida de pòquer amb els hologrames de les tres ments més extraordinàries de la història: Isaac Newton, Albert Einstein i Stephen Hawking. Per raons òbvies, els primers dos personatges eren interpretats pels actors John Neville i Jim Norton. En canvi, el físic anglès va interpretar-se a si mateix.

No era la primera vegada que un famós participava a la sèrie. Iggy Pop, Joan Collins o el rei de Jordània també van fer la seva aparició estel·lar. Però en el cas de Hawking és l’única vegada que algú ha fet d’ell mateix a Star Trek.

Tot es va originar a l’estrena del documental Breu història del temps, l’adaptació del llibre més famós de Hawking. Leonard Nimoy (l’actor que feia de capità Spock) va presentar Hawking. El productor executiu del documental, Gordon Freeman, li havia explicat que el físic era un trekie. Dies més tard, Nimoy va gestionar una visita de Hawking al plató on es gravava la sèrie. Van fer, fins i tot, que Hawking es col·loqués, amb gran il·lusió, en el lloc de la cadira del capità. Freeman va insinuar al productor de The next generation que a Hawking li agradaria sortir a la sèrie. I la maquinària es va posar en marxa. Els guionistes van enviar l’esborrany de la proposta a Hawking. Ell només hi va fer algun petit canvi, afegint una mica més d’humor on ja n’hi havia.

El dia de la gravació tothom tenia alguna excusa per ser al plató. Els actors recorden que al principi va ser una mica violent perquè no sabien com comunicar-se amb ell i que va ser el mateix Hawking qui va trencar el gel. El físic fins i tot els va deixar provar el seu ordinador per reproduir la veu. Els hi va preguntar què feien mentre esperaven el seu torn per gravar. Brent Spiner i companyia li van explicar tota mena d’anècdotes i despropòsits. El van fer riure tant, que la infermera de Hawking els va demanar que no l’esveressin perquè quan reia tenia greus problemes de respiració i deglució. Spiner destaca aquella escena del pòquer com el seu millor moment a la sèrie i que mentre la gravava pensava que allò passaria a la història de la televisió. Admet, fins i tot, que quan Hawking va aparèixer a The Big Bang Theory va tenir un punt de decepció, perquè ja no serien els únics. Spiner, però, recorda un fet curiós que el va impactar: “No és broma. A les pauses de gravació, l’assistent mèdic tancava cada vegada Hawking dins d’una habitació que tenia la mida d’un armari. Li vaig preguntar a la infermera per què ho feia. Em va dir que a Hawking li agradava estar sol i que així podia pensar sense distraccions”. No només les estrelles de la tele tenen capricis. Els científics genials, també

La correspondencia

La correspondencia suele ser/darse entre dos. Concordancia, complemento, equivalencia o simetría. Esto es lo único que se da en el film  y sucede entre Jeremy Irons y la bella Olga  Kurylenko. El resto es insustancial, como las cartas, con discursos pretenciosos y plagadas de reflexiones astrológicas, aburridisimas peroratas durante las cuales el espectador puede resarcirse admirando la belleza de las localizaciones como el lago Orta o la isla de san Giulio. Un profesor de astrofísica, entrado en años per de buen ver todavía tiene una joven amante, que a demás de su pasión por las estrellas,se dobla así misma en las escenas de acción de samurais, lo cual da un coctel extraño e incoherente. . Temas importantes populares como la relacion con diferencia de edad, la maternidad sin condiciones óptimas, o la petulancia de los parisinos los traslada Giusseppe Tornatore al patrón americano de comedia juvenil. Hay que descontar el minutaje en que aparecen en pantalla todos los métodos de comunicacion actuales. Planos de cartas evidentemente, pero también, dvd's, mensajes de móvil,  twiter, xat de ordenador. mail que la protagonista recibe constantemente y que justifica entonces los saltos infinitos que realiza en sus peleas cinematográficas. A comportamientos extraños, correspondencia pesada, Y el amor , o lo que sea este 2.0, lo encontramos mas allá  de las estrellas, que como el filme sera fugaz, como también están Simon Anthon Johns, Shauna Mcdonald  Darren Whiftleld. Ennio Morricone que ya lo musica todo celebra sus 25 años de colaboraciones con el director.

Caballo Ganador/dark horse the incredible true story of dream alliance

Las películas de carreras de caballos son un genero en si mismas. Una lección de superación, lucha , esfuerzo y determinación. Un mundo,mejor un microcosmos, que se nutre de técnica animal, dominio del jinete y fantochadas y postureo del selecto publico del entorno. El caballo, este si, es de Troya, por que con el nos introducimos en esta sociedad sino enferma algo desquiciada. Aquí un grupo de parados de Gales, cría un caballo que por suerte llega a la elote y les convierte por unas temporadas en los reyes de esta competicion.Documental real obtenido con la cámara moviendose tan bien como el caballo por el interior del club. La crisis golpea duramente a un pequeño pueblo minero de Gales, lo que lleva a un grupo de amigos sin trabajo y con unas perspectivas de futuro nada prometedoras a invertir los pocos ahorros que les quedan y comprar un joven caballo de carreras. Con el paso del tiempo, su apuesta se convirtió en todo un campeón, llevando a sus humildes dueños a codearse con la flor y nata de la alta sociedad británica. Esta película ahonda en las historias detrás de los protagonistas de este caso real. Louise Osmond (Six Million Dollar Conman) escribe y dirige Caballo ganador, un conmovedor film que llega a nuestras pantallas después de cosechar el premio al Mejor documental en el Festival de Sundance. Los protagonistas de esta historia son los orgullosos dueños de Dream Alliance, un caballo sin grandes expectativas que llevó a estos humildes habitantes de un pueblo minero a escribir una inesperada página en la historia del elitista deporte de las carreras de caballos, y que de este modo hicieron realidad su sueño en un mundo al que no pertenecían.

Berberien Sound Studio

Segundo film de Peter Strickland, el primero fue el de las mariposas y feos abejorros que introducían una relación lesbica , y ahora se mete sin dilación en las pantanosas aguas del cine de terror a base flashes lumínicos sin aplicar ninguna de las características inherentes al genero. Quiere decir con ello y explicar el poder hipnótico del cine y como destruye las materia gris de sus profesionales. El guión no importa y el director salta al otro lado, muestras las bambolinas del terror de encargo, lo digitaliza para que todo sea en papel antiguo, con el amarillo  añejo que paree da mas miedo. Nos muestra además el proceso de construccion en el estudio del sondo muy elaborado de las majors del cine americano. De hecho  el sonido quien dirige l filme. Un ingeniero ingles pone sonido a un giallo italiano y las voces, gritos, susurros, lamentos y aullidos, sustituyen la interpretación de Toby jones, Tonia Sotiropoulou. Antopnio Mancino, Fatima Mohamed o Cosimo Fusgo, enlatados des de 2012 pero no caducados.Es un  estudio sobre el cne analógico,  desmenuza el proceso de elaboracion del terror, lo homenajea de pasada y diferencia lo que es el terror o rodar sobre terror. Un pasillo, un hombre diminuto, una puerta casi verde, unos jadeos,.. que habrá detrás de esta puerta, locura, monstruos. En los años setenta, el Berberian Sound Studio se labró la fama de ser el centro de postproducción más barato y sórdido de toda Italia. A ello contribuyó el hecho de que las películas más perturbadoras de la época hacían sus mezclas de sonido allí. Hasta aquel lugar se traslada un tímido ingeniero encargado de mezclar el último giallo de Santini, el maestro del género. Una vez en el estudio se verá inmerso en un mundo prohibido poblado por actores de lo más excéntrico. Tan sólo una semana después de estrenarse en nuestro país su última película, The Duke of Burgundy, llega con cuatro años de retraso) la anterior producción del director británico Sound Studio. Compone un hipnótico homenaje al inquietante giallo, el subgénero terrorífico con denominación de origen italiana que alimentó las pesadillas de toda una generación entre los sesenta y setenta. y lo hace desde la perspectiva de los grandes olvidados del cine, los montadores de sonido y los creadores de bandas sonoras, protagonistas que, sin mostrar en pantalla el gore y la violencia de aquellos films, consigue hacer llegar al espectador el poder que tiene el sonido en el cine gracias a su capacidad para manipular, confundir y engañar. Toby Jones (El hombre que conocía el infinito) es el técnico británico que se encontrará en medio de un disfuncional ambiente de trabajo, poblado por peculiares personajes. AChiara D'Anna, a la que sin embargo ya hemos visto en The Duke of Burgundy)

Ahora me ves 2

Como no se entiende nada de esta segunda parte, tampoco la primera, Jon M Chu debe sacarse continuamente de la chistera del guion de Ed Solomon, o mejor de la manga, interminables explicaciones para completar el efecto del truco, normalmente estupido. Buscar una carta chaqueteando un cuerpo es de lo mas intrigante y sorprendente del film. Si en el cine se hablaba de un magia de las imagenes,  ahora ya no la ves. Un desprecio por las leyes de la fisica, una ignorancia supina sobre el mundo del ilusionismo y un desastroso encuadre de los efectos hacen que ahora ya no se vea ni interese nada. Cantidad de flash backs que nos recuerdan las aventuras anteriores de estos magos ladrones que rozan, no rozan, caen, en el absurdo mas complicado. Unos magos que pretenden ser excitantes y truculentos, alargados a mas de dos horas , pero ni su categoria tecnica da para tanto. Jesse Eisenberg, Mark Buffalo, Woody Harrelson y Daniel Radcliffe, Dave Franco, el nuevo"Luzzi Caplan, Morgan Freeman,Mchel Caine Ben Lamp hacen malabares con trucos entre sus manos, con una pelotas que no las ves, ni ahora ni despues.

Sacramento

Un director de cine quiere hacer una película sobre un cura que se vuelve loco. Para caracterizar al personaje, el cineasta imagina varios supuestos. El primero, el de un sacerdote que ha robado varios kilos de hostias para comulgar todo el día. El segundo, el de un telepredicador que en su programa de televisión vocifera delirantes interpretaciones bíblicas y el tercero, sobre un cura que se cree Jesucristo y que, junto a Napoleón, se embarcará en un viaje a pie hasta Egipto y Jerusalén. Carlos Cañeque (La cámara lúcida)  dirige la película que cierra la trilogía sobre el placer y el dolor, el erotismo y la muerte y la religión y la locura que inició con Queridísimos intelectuales (del placer y del dolor). En esta ocasión,firma su primera obra íntegramente de ficción en forma de comedia corrosiva, con la religión católica en el centro de la diana, cargada de surrealismo e ironía y en la que el realizador, a pesar de inspirarse en la irreverencia de otros directores imprime una personalidad que se ve potenciada por una fotografía que, rodada en su mayoría sobre cromas, sitúa a personajes en blanco y negro sobre fondos en color o cuadros abstractos. También protagoniza la cinta en el papel de los tres dementes sacerdotes y es acompañado por actores como Tony Corvillo (El príncipe), Fermí Reixach (Barcelona, noche de invierno) o Pere Costa (Ahora o nunca).

La mala verdad

El director Miguel Ángel Rocca explora el miedo, el secreto y la mentira en La mala verdad, sobrio drama familiar que encuentra su fuerza en la contundencia del texto y la sólida interpretación de los actores, en la piel de personajes que cuentan más cuando callan que cuando hablan.

Sobre un descubrimiento hirientemente precoz de la fragilidad del hombre y sus mayores bajezas, La mala verdad observa desde la mirada vidriosa de una niña asustada temas como la vulnerabilidad de los lazos familiares --por extensión afectivos--, la importancia de la memoria, los peligros del secreto y la capacidad o incapacidad de perdón. Juega a favor de la película, escrita entre Rocca y el director y guionista Maximiliano González, la fotografía de Sebastián Gallo, que concede a la propuesta cierto aire de pesadilla velada y de amenaza constante que acentúa el desconcierto de los personajes, abrumados por la sensación de no saber.

Una produccion argentino española del 2011 i qye interpretan con solvencia: Alberto de Mendoza, Carlos Belloso, Analía Couceyro, Malena Solda, Ailén Guerrero, Norman Briski, Cecilia Rossetto, Mario Alarcón, Jimena La Torre, Conrado Valenzuela

Black angel (senso 65)

Nos situa Tinto Brass una vez mas en la totalitaria Italia de los años 40, Una mujer de clase alta vive en un infeliz matrimonio con un ministro fascista. Para salir del hastío que le produce, y colmar tanto sus necesidades afectivas como sexuales, inicia una peligrosa y autodestructiva relación con un joven teniente de las SS nazis, que despertará de nuevo su deseo y la llevará a introducirse en un sórdido mundo clandestino dominado por la promiscuidad, las perversiones, el placer y los juegos eróticos. Doce años después de ser producida, se estrena por primera vez en nuestras salas Black Angel (Senso 45), una de las últimas películas que ha dirigido el italiano despues de Los burdeles de Paprika, leyenda viva del cine erótico transalpino, que en esta ocasión adapta libremente la novela Senso de Camillo Boitio para dar rienda suelta a sus inquietudes habituales (las mujeres, la sensualidad, Venecia, o la decadencia de la República de Saló), todo ello ambientado en los oscuros años 40. De este modo, Brass ahonda, a través del sexo, en las motivaciones de la Alemania nazi, y desde la pasión de su protagonista, Anna Galiena (El marido de la peluquera), en las fragilidades del ser humano. Completan el reparto Gabriel Garko (Incompresa), como el oficial de las SS y Franco Branciaroli (Bianco e nero), uno de los actores fetiche de Brass.

Theo & Hugo, Paris 5.59/ Theo&Hugo dans le meme bateau

Otro estreno de este miniciclo gai y lesbico que ha sido esta semana  de novedades. Vuelve la pareja de directores con un film que empieza con 20 minutos de sexo explicito, en un club porno gay. Y esta bien que el cine convencional deje de considerar el sexo necesario según el guión, porno. Si , me dirán que seguramente tampoco los actores comen de verdad en la mesa de rodaje, pero aquí  Geoffrey Couet y François Namboi, dan una lección de ternura, angustia del contagio, pasión repentina y conmovedora en una escena memorable de sexo sin romanticismo. Olivier Ducastel y J.acques Martineau (El árbol de la locura, Nacido en el 68, Mi verdadera vida en Rouen, Jeanne y el chico formidable), observan como haría la sociedad curiosa, esta relación nacida un anochecer en París con gran lucidez psicológica. Una ciudad acogedora, misteriosa en su noche, descubriendo un nuevo amor bajo la amenaza del virus de la sida. Sin alcohol, el paseo por la ciudad del Sena puede hacerse terminable `para los heteros. Como para Bastien Gabriel o Mario Fanfani.

The duke of Burgundy

Rara producción inglesa de Peter Strickland en la que aparecen mas mariposas y abejorros que en el silencio de los corderos que yo creía que era un suceso imposible. En la coctelera de esta historia de uu amor lesbico apasionado se introduce ademas música italiana, una decoración gótica en muchos momentos y el erotismo hierático de  una de las protagonistas Sidse Babett Knudsen. Todas las humillaciones, sadomasoquismo y fetichismo que utilizan las dos amantes, no logran hacer desaparecer el pósito de cariño que hay en la relación. El titulo viene dado por un tipo de mariposa que aparece secuencia si plan no y que debe tener las características de la amante seductora. Cuando ves a Chiara d'Anna, Monica Swinn o Eugenio Caruso, tienes la impresión, solo la impresión de que se esta iniciando una película porno europea.
Una apasionada de las mariposas y las polillas con una particular relación con su amante, en la que cada momento es una prueba de los límites a los que está dispuesta a llegar. En ella, ambas interpretan un provocativo ritual que acaba con  siendo castigada en una sesión de placer y sadomasoquismo fetichista. Sin embargo, cuando una de las dos intente llevar la relación a un estado más convencional, la obsesión erótica de la otra las arrastrará hasta un punto sin retorno. Convertido en uno de los realizadores británicos más a tener en cuenta, Peter Strickland (Berberian Sound Studio) dirige un provocativo drama romántico en el que compone un ensayo sobre los juegos de poder en las relaciones sentimentales mas sensuales que la de Grey, personificado en  en lo visual potencian esta cinta no exenta de emotividad, melancólica e inteligencia que bebe directamente del cine de Buñuel. Completan el reparto de este film íntimo y de reducido presupuesto Kata Bartsch (Un hada llamada Liza) y Monica Swinn, una de las actrices fetiche de Jess Franco, que vuelve después de 30 años.

600 millas/

La violencia deshumaniza al individuo. Esta seria la premisa de un débil guión para expresar tanta verdad y dureza. Gabriel Ripstein arrastra la película tirada por un guión rancio, seria la expresión mas mexicana de la operación,, en un intento de acercarse al thriller americano. Y como casí todo en aquel país, se queda en la frontera, tan visitada por el cine en los últimos tiempos. Un joven de Sinaloa que está empezando a trapichear con armas entre EE.UU. y México para un peligroso cártel, al que sigue la pista el veterano agente de la ATF. Después de un desafortunado encontronazo, secuestra al policia para entregárselo al cartel. A lo largo de las 600 millas y las 18 horas de camino que tienen por delante, estos dos aparentes enemigos terminarán por darse cuenta de que la única forma de volver con vida será confiando el uno en el otro. Hijo de Arturo Ripstein, uno de los grandes del cine mexicano, Gabriel Ripstein debuta como director con este thriller sobre el tráfico de los cárteles en la frontera entre EE.UU. y México que ha cosechado el Premio a Mejor Ópera Prima en el Festival de Berlín y que fue elegida por su país en la carrera hacia los Oscars. Interpretada por Kristyan Ferrer (Las horas muertas), y el nominado al Oscar Tim Roth (Los odiosos ocho), que víctimas de sus propios errores fruto de su edad, forman un inesperado tándem que, de no ser por el carácter desmitificador y despojado de épica de la cinta, les convertiría en protagonistas de una buddy movie. Junto a ellos, Armando Hernandez, Noe Hernandez,  Mónica del Carmen (Babel), Harrison Thomas (Banshee) o Julian Sedgwick.

PREMONICION/THE GIFT

Confuso nombre, (Demolicion hace poco) de este film de Sam Raimi que prensa especializada atribuye a alfonso poyart, en otro premonicon en la que interviene Antony Hopkins. Y esta la del 2008 de Gilles Bourdois

The Gift, también conocida como Premonición por su traducción al español, es una película estadounidense del año 2000 dirigida por Sam Raimi y escrita por Billy Bob Thornton y Tom Epperson. Es un thriller sobrenatural en el cual su personaje principal es Anabelle Annie (Cate Blanchett) envuelta en un asesinato como resultado de una «visión» del crimen. Otros personajes son interpretados por Giovanni Ribisi, Keanu Reeves, Hilary Swank y Katie Holmes.

Annie Wilson (Cate Blanchett) es una vidente de Brixton, Georgia, viuda y con tres hijos. Su marido murió en un accidente hace unos años. El filme inicia sus tintes de misterio cuando la prometida del director de una escuela, Jessica King (Katie Holmes), desaparece. Annie recibe una visión en la cual Jessica es asesinada y arrojada en un estanque. Su cuerpo es luego encontrado en la laguna dentro de la propiedad de Donnie Barksdale (Keanu Reeves), y éste es llevado a juicio y puesto en prisión. Annie recibe otra visión que le advierte que Donnie es inocente, y se da cuenta de que el ex novio de Jessica, Wayne (Greg Kinnear), es el único que tuvo la oportunidad de asesinarla.

miekkailija/la clase de esgrima

Vuelven las  armas antiguas.Ahora el florete.Con el que se practica la esgrima de espadachines. Basada en un hecho verídico en su parte deportiva, narra la represión en la Rusia sobre la stonia Soviética, con delaciones, vigilancias, Stalin en pleno apogeo el 1952 y las libertades completamente ahogadas. Una ambientacion perfecta, como la decoración del viejo gimnasio en el que transcurre toda la acción del film de Klauss Haro (Adiós mama). Endel Nelis llega a Estonia, huyendo de su pasado y de la policía secreta de Stalin. Allí encuentra trabajo en una escuela como profesor, y funda un club deportivo, en el que comenzará a inculcar a sus estudiantes su pasión por la esgrima, hasta el punto de convertirse para ellos en un modelo a seguir. El éxito de la esgrima crea recelo en el director de la escuela, que comenzará a indagar en el pasado del profesor y llevará a éste a una difícil decisión que podría poner en riesgo su vida. Uno de los directores finlandeses con más reconocimiento internacional, y disfrutó de una trayectoria que la llevó a ser nominada en 2016 al Globo de Oro a mejor película de habla no inglesa. El film trata la lucha continua entre el patriotismo y el individualismo, con un ritmo muy deliberado que es capaz de impactar y cautivar al mismo tiempo.El reparto lo encabezan Márt Avandi (Men at arms), que interpreta a Endel Nelis, al que acompañan Ursula Ratasepp (Kertu) y Lembit Ulfsak.

the shallows/infierno azul

El azul no es un color que le siente siempre bien al cine. Si que han habido el trueno, el gran, el acero, el barba, el soldado, la gardenia, los horizontes, la luna, el veneno, el azul, pero también esta el azul gris, el azul negro, el lago, las aguilas, el angel, la costa, el equipo, los ojos i el pájaro, Y a este grupo de azules durillos se el añade este "buried" en el mar de Jaime Collet- Serra. En poco mas de 80 minutos, se desarrolla un ejercicio de toma de decisiones esta vez en el marco de un playa con olas para hacer surf. Con la sombra de Spielberg y su tiburón, hambriento y voraz, haciendo surf también, la única protagonista  Blake Lively, mantiene el ritmo este si infernal con banda sonora de Albert Pla y las apariciones breves pero sustanciosas de Oscar Jaenada, Brett Cullen y Sedonna Legge. Nancy es una aplicada estudiante de medicina. Todavía afectada por la muerte de su madre, busca consuelo y una forma de reencontrarse a sí misma a través del surf. Después de encontrar la playa secreta que era un lugar especial para su progenitora, Nancy se lanza, sola, a sus aguas. Sin embargo, se verá atrapada en medio del territorio de caza de un tiburón blanco, con tres colaboraciones ya, . Para sobrevivir, Nancy deberá recurrir a todo su ingenio. El autor, fetiche de Liam Neeson, dirige su séptima película, Un tenso thriller que se desarrolla, prácticamente en su totalidad, en apenas doscientos metros de costa, el espacio que separa a la protagonista de un enorme tiburón blanco. En este combate lleno de suspense que enfrenta al ingenio y la fuerza interior de la surfera y al instinto depredador del escualo, la película también aborda temas como la capacidad para superar los miedos o el autodescubrimiento

ice age el gran cataclismo/ Ice age: collision curse

La simpática ardilla Scrat continúa persiguiendo a la escurridiza bellota. Esta vez, acabará por accidente en el espacio, dónde el roedor causará, sin querer, una serie de sucesos que pondrán en peligro la tierra y a todos sus habitantes. Para poder sobrevivir, Sid, Manny, Diego y el resto de la manada deberán huir de su hogar, viajando por nuevas y exóticas localizaciones, dónde conocerán a nuevos personajes y tendrán que enfrentarse a un enemigo cercano a ellos para evitar el fin del mundo. Quinta película de la serie de animación que parece ser la más ambiciosa hasta el momento. Dirigida porMike Thurmeier(Ice Age 4: La formación de los continentes) y el debutante Galen T. Chu la cinta traslada al espectador a lugares nunca vistos antes en la saga, como el cosmos o la ciudad cristalizada de Geotopía. El punto fuerte del film son los personajes, que han crecido como una familia en la que se cuidan unos a otros, provocando que el público se vea reflejado en ellos. En su versión original, los personajes están doblados por Ray Romano (Vinyl) John Leguizamo (American Ultra), Denis Leary (The amazing Spider-Man), Jennifer López (Obsesión) Queen Latifah (Historias de San Valentín) y Simon Pegg. Viajaren sateride hacia la tierra, no es fácil. peor si lo haces con als ardillas del iCe age puede hasta ser divertido, aunque en esta entrega haya menos ingenio y mas automatismos.Scrat es el único que mantiene el nivel y como lleva el peso del filme se agradece. A pesar del bajón actual puede considerar se le uno de los cartoons mas clásicos. Podría haberse titula do tambien persiguiendo a una bellota pues es lo único que hace entre producir el cataclismo y solucionarlo. Guion blando y pueril que no da ganas de cogiere elcasco que protege la bellota y largarnos envidiando en amor tierno que surge entre los dos pequeños mamuts.
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Election la noche de las bestias

Cine falso de condena a la violencia cuando el autor lo ensalza y beatifica o justifica. alusiones especificas a la situacion actual de violencia norteamericana, critica con los drones y alguna que otra brutalidad hacen que si el dictador levantara la cabeza diria que si lo hubiera sabido  le tambien habria hecho elecciones. James de Monaco, en su tercer film recogida la idea de The purge, de que el crimen puede ser legal durante 12 horas. Tan politica esta como al que  calibraba las diferencias sociales y las desigualdades.
A las puertas de unas elecciones presidenciales, EE.UU. se divide entre los partidarios de La Purga, que la consideran una medida básica para reducir el índice de criminalidad, y sus detractores, capitaneados por la senadora Charlie Roan, que quieren abolir esta sangrienta tradición que busca eliminar a los pobres y a los débiles. Víctima de una conspiración, Roan deberá sobrevivir junto a Leo, ahora su guardaespaldas, y un grupo de desconocidos a una noche de Purga por las calles de Washington. Por tercera ocasión, James DeMonaco (Staten Island) director y guionista nos lleva al futuro distópico de una idílica sociedad estadounidense que, para sostener un bajo índice de criminalidad durante todo el año, regala a sus ciudadanos una noche de carta blanca en la que cualquier crimen, incluso el peor de los asesinatos, está permitido. Esta nueva entrega adquiere una mayor dimensión, y a los rasgos característicos de la franquicia (entre ellos, la mezcla de acción, terror y ciencia ficción) se unen tramas conspiratorias que apuntan directamente a la corrupción política. En medio del caos y la violencia de Election: La noche de las bestias vuelve un superviviente de la segunda parte, Frank Grillo (Capitán América: Civil War), que ahora deberá proteger a la senadora anti Purga interpretada por Elizabeth Mitchell (Perdidos). Le acompañan en el reparto Mykelti Williamson (Destino final 4), Joseph Julian Soria (Crank - Alto voltaje) y Betty Gabriel (Experimenter), entre otros como, Edwin Hodges

Un espia y medio/Central intelligence

Hay películas, sera el calor, que da pereza hablar de ellas. Buscas un poco mas de información y descubres que para esta, Rawson Marshall Thurber ha utilizado tres guiones. Así que insatisfechos deciden juntar a dos actores de color, para equilibrar los oscars, y que su unica diferencia sea el tamaño. Juntos envejecen, y se montan una historia rocambolesca de asesinados y policias que no hay quien la entienda. Decepción de la vida, envejecimiento y una ternura inusual en los asesinatos, aparecen entre la homofobia, el bullyng profesional y la nula política de EEUU en algunos aspectos. Dawny Johnson y Kevin Hart componen para algunos  la pareja cómica ideal. Un laurel y harvey como si dijeramos.  Pues  a mi no me lo parecen. Encuentro las replicas tardías, si que cumplen los parámetros de el gordo y el flaco, pero su continua comparacion los convierten en  muñecos, marionetas diría, que no les deja margen a una improvisación que le hubiera venido muy bien al filme. Y no solo van a la contra de sus caracteres sino también de sus físicos, alguno del so cuales impone de verdad. Las bien calculadas apariciones de escenas de acción logran que el personal se olvide de que esta intentando ver un film de espionaje, poco mas que el titulo, y rompa el tedio que el produce una intriga argumental que se cayó en el puente de los espías o se quedo en el mito de Bourne. Amy Ryam y Aaron Paul, también se juegan la carrera en el casting.

Brujja mas que bruja

Fernan Gomez se adjudico a si mismo un personaje malparido que dominaba  un pequeño  y desastroso pueblo En su maldad consigue casarse con Emma Cohen, prometida con su sobrino en la ficcion Francisco Algora, mientras hace el servico militar.  Y la desternillante bruja, Mary Sampere que agarra o con su funcion unos buenos ahorrillos, en el papel de Tia Larga. .El guion alterna adulterio y venganza, con gran precision a pesar de correr año 1977.  El film ahora remasterizado, presente a los 4 como miticos del cine español hoy desaparecidos.  Fernando Fernan Gomez se vengaba asi del cine español y de su estupida censura. El autor añadio en 1987 que  el regimen no podia haber preservado los principios y valores, porque no los  tenia. El desnudo con que empieza la pelicúla, es una declaracion de intenciones. Como lo es la ridiculizacion del musical norteamericano, del que el mismo decia que  siempre comenzaban a cantar en cualquier momento, pisando dialogos y matices., En un pequeño pueblo, un joven gañán quiere matar a su tío para disfrutar alegremente con su joven viuda. Pero, para su desgracia, busca la complicidad de una bruja embustera. El propio director Fernando Fernán Gómez explicó sobre su película: "Pensé que quedaría muy cómico rodar una película como el neorrealismo italiano, pero en el que la gente cantara de manera tan lírica y ridícula como en la zarzuela. Un musical absolutamente contrario a los norteamericanos.. "Un gozoso y desternillante disparate en forma de musical, entre la zarzuela y la opereta. Una obra que apenas admite comparación con cualquier película del cine español. No hay una película tan desquiciada en la historia del cine español como ésta, un delirio, rural, adúltero y tierno. Fernán Gómez quería hacer una película fea y mal hecha (no lo consiguió) pero que divirtiese al personal

FALLOS DE CRITICOS?

CARLES RULL. 20.06.2016 - 06:38h Warcraft: El origen era uno de los proyectos más esperados de la temporada, una adaptación del universo de los videojuegos World of Warcraft que prometía recuperar el espíritu épico y fantástico de El señor de los anillos. Sin embargo, la superproducción dirigida por Duncan Jones llegó a las pantallas precedida por unas críticas malísimas. Las comparaciones con la saga de Tolkien resultaban odiosas, pronosticaban que sería uno de los batacazos del verano y algún cronista la llegó a comparar con Campo de batalla: la Tierra, una de las superproducciones de ciencia-ficción más odiadas del género en los últimos veinte años. Que las opiniones de la crítica y el público en general no coincidan no es nada nuevo, y aunque esta adaptación de Warcraft tampoco sea una obra maestra, los fans parece que salen más que satisfechos de la película. Tiene un 6,3 de media en Filmaffinity, un 7,7 en IMDb o un 83 sobre 100 en Rotten Tomatoes (en contraste con el 27 por parte de la crítica); y está resultando un notable éxito comercial, sobre todo en China, donde se ha convertido en el segundo mejor estreno de la historia, solo por debajo de Fast & Furious 7. Kubrick fue nominado al razzie como peor director por 'El resplandor', o al prestigioso crítico Roger Ebert no le gustó, en su momento, 'Blade Runner' Pero, más allá de ese divorcio habitual que se produce entre críticos y espectadores, sorprende comprobar algunas valoraciones que los expertos endosaron en su momento a películas que se consideran obras maestras o títulos míticos de la historia del cine. Aún sorprende recordar como El resplandor, de Stanley Kubrick, una de las películas más estudiadas y también consideradas entre las mejores en el género de terror fue recibida durante su estreno, en 1980, con ataques furibundos. PauseMute Fullscreen Se juzgó como la "peor" adaptación posible de la novela de Stephen King. "Cuanto más loco se vuelve Nicholson, más idiota parece. Shelley Duvall transforma la cálida y simpática esposa del libro en una histérica semi-retrasada" (Variety). Los razzies nominaron a Kubrick y a su actriz, Shelley Duvall, entre lo más ínfimo de aquel año. A uno de los críticos más queridos y reconocidos, el fallecido Roger Ebert, la emblemática Blade Runner le pareció en 1982 un filme más bien mediocre: "La película tiene el mismo problema que los Replicantes: en lugar de carne y sangre, sus sueños son de hombres mecánicos (sin alma)" (RogerEbert.com). 25 años después, rectificaría. Con el paso del tiempo la percepción de una película puede variar completamente. Las que en su momento nos parecieron maravillosos pueden decepcionarnos, y a la inversa. Nadie está obligado a que le guste una "obra maestra", y no son pocas las obras que provocan encendidos debates a favor y en contra. Si repasamos algunas de los títulos mejor valorados por los aficionados en las últimas décadas nos encontraremos, por ejemplo, con la tibieza que fue acogida, pese a ser nominada al Oscar a la mejor película aquel año, Cadena perpetua (1994). "Nolan nos ofrece un banquete predigerido y pesado" sentenció el crítico de Salon.com en su opinión sobre El caballero oscuro (2008). "Mucha indulgencia y un capricho lleno de sonrisas y lágrimas, simplemente irritante, plagado de sacarina y una irresistible dirección artística" (San Franciso Chronicle), fue una de los comentarios negativos que recibió Big Fish (2003) de Tim Burton. 'El Padrino II' comparada con el monstruo de Frankenstein "La película, que trata sobre la grandeza y vanidad del Imperio Romano, acaba pareciéndose a un show de los Muppets sobre Peter Pan contra el Capitán Hook", durísima y contundente crítica en Washington Post, y estaba hablando de Gladiator (2000). "Quiere ser una comedia agridulce sobre la pérdida erótica y la pérdida de la memoria. Pero no tiene ni corazón ni cerebro", recogía la crónica de 2004 en Baltimore Sun sobre ¡Olvídate de mí!, la película de culto dirigida por Michel Gondry y protagonizada por Kate Winslet y Jim Carrey. Vamos con un par de clásicos. ¿Qué mítica película reseñaba el crítico de New Yorker con el comentario de... "Me siento a duras penas para ver la producción en technicolor de la MGM en la que no se halla el menor rastro de imaginación, buen gusto o ingenuidad. En pocas palabras, apesta” ? Pues a El mago de Oz, versión 1939 con Judy Garland. Y a qué personaje, actor y película se refería la de Variety con "uno de  los más repugnantes y desagradables protagonistas en la gran pantalla en mucho tiempo", pues al Jake LaMotta que interpretó Robert DeNiro en Toro salvaje, de Scorsese ((1980). O, ¿qué les parece? "Es como un monstruo de Frankenstein cosido a base de partes sobrantes" para definir nada menos que El Padrino II (1974) en la crónica de The New York Times. 9 películas clásicas con malas críticas Apocalypse Now (1979). Vietnam y la locura de la guerra en todo su apogeo. Una de las películas más míticas del cine, otra de las obras maestras de Coppola, pero que en su día dividió a los críticos. "Emocionalmente torpe e intelectualmente vacía" (Time), "No es la más grandiosa película de la década, ni siquiera del año" (Guardian). El club de la lucha (1999). La adaptación de la novela de Chuck Palahniuk a cargo de David Fincher fue muy controvertida. Protagonizada por Edward Norton y Brad Pitt le cayeron palos de todo tipo: "fascista", "filosofía infantil", "violencia exagerada", "manual de autoayuda deleznable". Hoy en día es una de las grandes películas de culto. El imperio del sol (1987). Spielberg, siempre tildado por sus detractores de "sentimentaloide", "infantil" o excesivamente "patriótico" realizó un viraje hacia el drama y el cine "más adulto", dejando atrás las películas supertaquilleras, con títulos como El color púrpura o El imperio del sol. Parte de la crítica siguió sin caer rendido a sus pies. La noche del cazador (1955). Otro de los títulos referenciales del cine, con Robert Mitchum encarnando a uno de los villanos más icónicos, un falso reverendo con las palabras "odio" y "amor" tatuadas en sus nudillos y acosando a dos niños (que él mismo ha dejado huérfanos). Fue la primera película como director del gran actor Charles Laughton, también la última debido a las pésimas críticas que recibió. La vida privada de Sherlock Holmes (1970). Prueba que ni el genial Billy Wilder se libró de las malas críticas, como en películas anteriores, las estupendas Ariane o Bésame, tonto. Su extraordinaria incursión en la obra de Sir Conan Doyle y el universo de Sherlock Holmes se saldó con un estrepitoso fracaso comercial y crítico. Psicosis (1960). Otro maestro, el británico Hitchcock, vapuleado por la crítica. De hecho, en Estados Unidos no se tomaron sus obras (maestras) en serio hasta que los chicos de Cahiers de Cinéma y su política de cine de autor entraron en acción. "Puede que el fan experimentado de Hitchcock espere lo irrazonable... pero lo que ofrece es simplemente horrendo" (Time Magazine). "Un simple trabajito de serie B" (New York Times). Ser o no ser (1942). Simplemente magistral y una de las mejores comedias de la historia de cine, con el inconfundible sello de Ernst Lubitsch. Sin embargo, el tomarse a posible cachondeo, en plena II Guerra Mundial, el tema de Hitler, la invasión de Polonia o la persecución al pueblo judío era demasiado. Una sátira brillante e irrepetible que fue prohibida en numerosos países. Terciopelo azul (1986). Una de las obras maestras indiscutibles de David Lynch, en la época de su estreno dividió visceralmente a la crítica en dos bandos opuestos e irreconciliables: los que la amaron y los que la detestaron. No hubo medias tintas y algunos de sus intérpretes, como Isabella Rossellini o Laura Dern, fueron duramente ridiculizadas. Entre sus detractores, el legendario crítico Roger Ebert. ¡Qué bello es vivir! (1946). El gran clásico navideño por excelencia, y no por el desgaste de los pases masivos por televisión hacen menor esta maravillosa película de Frank Capra. En su estreno fue nominada al Oscar entre las mejores películas, pero ni la crítica ni el público la apreciaron especialmente. "La debilidad de la película... es el sentimentalismo que respira todo", dirían.

Todo saldra bien

Otra confusion de titulos en castellano en 5 años. Se reunen dos "Todo saldra bien" de Jesus Ponce y Wim Wenders y aun otro Todo ira bien" de Christopher Boe. Reconoceremos el film de Ponce, en comparacion con los demas, por su reiteracion en el dictado de los dialogos que recitan muy bien por otra parte, Isabel Ampudia y Mercedes Hoyos con Victor Clavijo. Film pues pequeño, humano de camara de videocasi, de castigos morales, de afectos encontrados y perdidos, de soledad de introspeccion psicologica. El encuentro de dos hermanas muy diferentes ante la enfermedad de su madre moribunda, crea el guion. En el una se queda y la otra vuelve a la ciudad donde ha desrrollado su vida. Cuarto film despues de 15 dias contigo, Skizo y Dejate caer. Isabel no tiene más remedio que dejar su vida en Madrid para acudir a la casa familiar ante la inminente muerte de su madre enferma. Allí se reencontrará, tras varios años sin verse, con su hermana Mercedes, que tuvo que quedarse en la casa cuidando de su anciana madre. El fallecimiento parece no llegar nunca y, mientras esperan el terrible e inevitable final, entre las tres mujeres comienzan a aflorar sentimientos y conflictos del pasado que marcaron sus vidas, y podrían volver a hacerlo. Todo saldrá bien dirigida por Jesús Ponce (15 días contigo) es la película pendiente que, desde hace más de una década, tenía este director sevillano. Por fin materializado, el film, rodado en Almería, tiene un tono social y dramático, pero al mismo tiempo Ponce ha conseguido incluir un punto de tensión y suspense.

VIVA

La apertura en Cuba, su interacción al mundo, se realizara también a través del cine. Y el turismo. y Viva va en esta linea. Mostrarnos una cultura muy importante que el mundo a ignorado durante un siglo y sus dueños han tenido secuestrada .Todo y tener todavía poca producción ,de momento los temas se repiten. por el miedo lógicamente adquirido de años de represión para entrar en la fase de no toques lo que funciona. y ahí volveremos a encontrar a Jorge Perugorria y a Luis Alberto Garcia como siempre. Un exboxeador sale de prisión después de 15 años y le atiza un puñetazo a su hijo cuando le ve vestido de mujer en un show de cabaret. Hasta aqui la parte de visión irlandesa, del director,  Paddy Breatchnach que se deja seducir inmediatamente el y el guión, que dice partir de un hecho real, por los tópicos de la Havana. A lo que parece los unicos temas cubanos hoy por hoy son la reconciliacion familiar , la homosexualidad y la prostitución callejera o no, Jesús vive en La Habana y se dedica a maquillar drag queens, pero su mayor sueño es dejar el maquillaje a un lado y dar el salto al espectáculo. Cuando llega la oportunidad de convertirse en un artista drag y subirse al escenario, un hombre emerge de la multitud y le golpea en la cara.El conflicto estallará entre padre e hijo, mientras intentan solucionar sus diferencias y convertirse de nuevo en una familia. Película irlandesa candidata a los Oscar 2016, aunque no consiguió estar entre las cinco nominadas a mejor película de habla no inglesa.. El reparto está encabezado por Hector Medina (Camionero), quien interpreta al joven Jesús. Se añaden Hector Medina y Renata Maikel Machin.

MONEY MONSTER

Jodie Foster no ha decepcionado nunca e n su corta pero interesante filmografia de 4 filmes. Aquí como el monstruo Clooney mantiene un buen ritmo de narración, poniendo en una paz interior que determina la maldad en los demás quedandote tu de lo mas tranquilo con N Y al fondo. Un drama en manos de personajes bien dibujados, eso siempre es de agradecer, pero sin contenido ni demasiada consistencia. O debe ser la consistencia Wall Street. Ninguno es demasiado lo que parece, y Clooney sobre actuado todo el tiempo consigue que odiemos a los que nos  dan de comer , los poderes instituidos. Un cruce de dos o tres guiones de los 70, cuando ya se temían algún medio de comunicacion, cuando ya podían mentir con descaro protegidos por la ley de la libertad de expresión que topan con la pistola de un espectador exhacerbado  en un mundo de color y neones. Y todo ello pinchado en cámara por Julia Roberts, siempre bella y grande. Las tuberías de los sótanos del imperio económico mundial, resuenan a peligro de documental pero las acertadas intervenciones de  Jack 'Oconnell el espectador recuperador de lo perdido, Jodie salva al función, como en el Oscar "El castor". También Dominic West y Juan Carlo Exposito.

SULTAN

Directora Ali Zafar Abbas dice que el lenguaje del cine convencional está cambiando y las estrellas están dando cuenta de la necesidad de redescubrir a sí mismos

Uno de los tropos familiares de una película de Salman Khan es que la estrella tiene que quitarse la camisa en algún momento. A través de los años, los guionistas han agotado las ideas sobre cómo hacer que el proceso parezca plausible. Ali Zafar Abbas ha creado ahora una razón legítima para mantener la estrella al descubierto y sus fans aduladora. "Me he asegurado de que no sólo se quita la camisa, sino también los pantalones!" Se ríe el escritor-director delSultan tan esperada durante el curso de la conversación.

Corte a lo esencial y Ali, que ha hecho del espectáculo de masas como el Hermano Mere Ki Dulhan yGunday, subraya que él ha tratado de empujar los límites del género. "Lo más difícil es volver a descubrir una súper estrella, manteniendo intactos sus puntos fuertes. Salman tiene el tipo de cuerpo de un luchador y se ve convincente en el pozo de barro. Su público quiere ver a él como un luchador, pero tuvimos que hacerlo con mucha clase y lo puso en un espacio creíble y en capas ".

No fue difícil convencer a la estrella, conocido por su actitud relajada, que no sólo hacer las yardas duras, sino también arrojar su vanidad. En una de las escenas, que se muestra con una cintura abultada."Salman Khan se encuentra en este negocio desde hace 25 años. El personaje tiene que ser más grande que Salman Khan para excitarlo. Sólo entonces se convierte en un reto para él. Él pensó que su público le va a gustar. Además, la mitad de su familia en Indore ha entregado a la lucha libre. Un número de sus tíos y primos están en la lucha libre. Así que se fue a por todas para la formación e hizo un intento serio hacia el aprendizaje de Haryanvi pero al final todo se reducía a la historia. "" Curiosamente, también acordaron tener un personaje femenino, que no era más que una obra maestra. "A medida que su interés amoroso, queríamos a alguien que es igual al Sultán y no es una niña de ventilador." Por supuesto, no se puede tener un papel principal femenino simpering de Haryana. En su lugar entró Anushka Sharma como Aarfa. "Haryana es un estado de donde las niñas están representando al país en casi todos los deportes importantes. Y vienen de una sociedad donde el sistema de purdah sigue siendo fuerte y niñas no pueden estudiar. "¿No hay una dicotomía aquí? "La película se ocupa de ella. Hay un subtexto ", asegura Ali.

Pero por lo general no asociamos subtexto con una película de Salman Khan. "Bajrangi Bhaijaan lo tenía, y Salman lo logró con gran éxito", argumenta Ali. "El lenguaje de las películas comerciales está cambiando. Las personas quieren que sus superestrellas serán presentados de una manera nueva. Con láminas de lenguaje, el carácter y el deporte, consiguen algo nuevo para conectarse con su icono, peroSultan también romper algunos estereotipos ".

A pesar de Khan gobernante de Bollywood, la corriente principal del cine Hindi ha evitado su mayoría lejos de hacer protagonistas musulmanes centrales a la historia. Shah Rukh Khan ha hecho Chak De! Ymi nombre es Khan, Manoj Bajpayee jugó Sardar Khan en Gangs of Wasseypur pero eso es todo. O usted tiene películas como Nueva York y Kurbaan donde el contexto es 9/11. "La India es un país laico y el personaje principal puede de ninguna religión. Los ejemplos son pocos, pero como ya he dicho que el cambio tiene que venir de alguna parte. Un sociales musulmán no se trata sólo de mostrar a la gente que bebe Ruh Afzah y diciendo walequm Salaam. Sultan mostrará una nueva cara de protagonistas musulmanes, para quienes la identidad india está por encima de cualquier otra identidad ".

"No es necesario ser más inteligente para conectar '

Ali se crió en Dehradun a finales de los años 90 donde vio todas las películas en los cines de pantalla única. "Quiero llegar hasta el último hombre en la multitud." Al hacer este viaje, el arte por lo general se diluye. "No se trata del género, es acerca de lo bien que se conecte ese género con el público. Haces una mala película 'Massy' y el público no va a volver. La sensibilidad y el lenguaje deben ser tales que se alcanza el último hombre. Raj Kumar Hirani y Sanjay Leela Bhansali están en esta liga y Rohit Shetty trata de hacer lo mismo pero hacen películas de diferentes géneros. La fuerza de la fabricación del dinero en la taquilla radica en la forma en que todo el mundo lo mira en el teatro. Es exactamente lo mismo en Hollywood. Cuando haces Avatar, transformador o una película de superhéroes, el negocio de estas películas es más alto que aquellos que son altos en contenido porque estas películas son capaces de sacar a la gente de sus casas para tener una experiencia teatral. Eso tiene algo que ver con la sensibilidad. También me gusta decirle a poco más grande que las historias de vida, historias que son universales ".

¿Puede un realizador apelar a todo el mundo y seguir manteniendo su voz? "Cuando usted está tratando de hacer todo tipo de audiencia feliz no se debe cuestionar la inteligencia de cualquiera de ellos. Es por eso que hacer cine comercial o el llamado cine comercial es lo más difícil porque hay que mantener el intelecto de todo tipo de cinegoers en mente y, sin embargo contar su propia historia. Las películas más simples son las más difíciles de hacer. "Ali siente que todo se reduce a la emoción. "Si la emoción es correcta, se conecta con los diferentes estratos sociales. No es necesario ser fresco o con estilo en su técnica. No es necesario ser más inteligente para conectar. Usted sólo tiene que mantener su conciencia tranquila. El público está en la historia, no fuera de él ".

En Sultan, trata de encontrar la conexión entre la lucha y la vida. "En la lucha libre se pierde si se ponen en el anillo. Del mismo modo, la vida siempre va a tratar de poner abajo, pero si quieres ser el héroe, no por el mundo sino por sí mismo, usted tiene que luchar ".

Ali dice la historia germinado en Delhi, donde estudió en la universidad Kirori Mal. "Vi un montón de niños y niñas Haryanvi. Mis mejores amigos son algunos de los mejores boxeadores en el país, que estaban conmigo en la universidad en el período 2003-2004. Yo era un deportista en la escuela. Todo esto me empujó a hacer una película de deportes y me cogió la lucha libre, ya que es un deporte de la India que tiene sus raíces en la mitología. Viaja de Calcuta a Kolhapur y encontrará akharas en todas las ciudades pequeñas. La idea era que si quieres contar una historia de la India, que tiene que recoger a un deporte indio. Y cuando medalla de Sushil Kumar en Londres 2012 trajo el deporte a la vanguardia, pensé que este era el momento ", situado en Rewari, Ali dice cuando comenzó a hacer la investigación.;las alegrías y los problemas de los luchadores lo llevaron a Haryana. "No sólo es la capital deportiva del país; su contexto socio-político es convincente. Haryanvis tienen una muy cara de póker forma de comunicación y le da un cierto ritmo que es único ".

En Dangal de Aamir Khan en la persecución de Sultan, Ali dice todo el mundo quiere explorar los deportes en estos días. "No es una película biográfica Dhoni programado así y recientemente hemos tenido la película Madhavan (Saala Khadoos). Dangal se trata de una hermosa relación padre-hija. Mi punto es el telón de fondo, no importa si la historia es más grande que el ajuste. De Robert Di NeroToro salvaje es tan bueno como Rocky de Sylvester Stallone ".

emma beltran cohen

Aixo ho escrit el Mrio Gas. El director que tot h o fa depressa, a tot gas diriem.. Pero aquest comentari no l¡ha pogut ferdepressa. Les llagrimes no el deixaven. Veus MArio, no cal correr.

Una trucada, dilluns al vespre, demanant-me l’opinió sobre Emma Cohen i la seva vida em va tallar l’alè: les llàgrimes van pujar inapel·lables, van sortir amb força i no vaig poder articular paraula. Un cop mig recuperat, li vaig dir a la periodista tot el que pensava de l’Emma: molt i tot bo. Emma Beltrán era una persona que m’estimava molt. Últimament xerràvem per telèfon. No fa gaires mesos la vaig trucar des de l’Escala i li vaig dir: “Ei, sóc al Port d’en Perris amb la Vicky. He pensat en tu perquè sé com t’estimes aquestes platges i aquest mar”. “Agafa’m unes pedres allà on trenquen les onades i quan ens trobem me les dónes”, em va contestar.

Acaba de marxar una dona intel·ligent, sensible, polièdrica, personalíssima, diferent, caminadora de llocs insòlits i cercadora de veritats, inquieta, tendra, lluminosa. Els seus ulls, la seva mirada, inoblidables. El seu tarannà, també. I la seva bellesa, treballada a pic i pala per no fer-ne una provocació.

Ens vam conèixer l’any 64 -molt joves- a la Facultat de Dret de Barcelona i durant cinc anys vam fer teatre plegats. Cap dels dos va acabar la carrera. Vam interpretar Noches blancas de Dostoievski, la vaig dirigir a Un sabor a miel de Shelagh Delaney i va fer també interpretacions esplèndides a Los cuernos de don Friolera de Valle-Inclán i El matrimonio del Sr. Mississippi de Dürrenmatt, entre d’altres.

Emma Beltrán Rahola, convertida en Cohen per imperatius artístics i sobretot familiars, va tenir des de molt jove una enorme curiositat per aprendre tot el que signifiqués -en teatre, cinema, literatura- defugir el que fos convencional.

Actriu, directora, novel·lista, escriptora de contes i faules, fabricadora de collages, guionista, era capaç de fruir intentant abastar el màxim de reptes artístics i vitals. I seria imperdonable oblidar la seva indestructibles afinitat amb Fernando Fernán Gómez, que va durar 37 anys i encara dura, allà on siguin.

Del cinema independent dels 60 a l’Escola de Barcelona, del Maig del 68 al Madrid dels 70, del teatre català a produccions d’Ibsen i de teatre jacobí amb Fernán Gómez, del cinema comercial a la Gallina Caponata, de guionista a musa del gran pèl-roig. L’Emma va transitar amb profunditat i des de la independència personal per un univers artístic singular i sense tonteries afalagadores. Estava malalta i no va dir res a gairebé ningú. Ha marxat amb la discreció i elegància que sempre va tenir. No venia gaire per Barcelona. No fa gaire li vaig oferir un paper important en un muntatge... i finalment va dir que no. Barcelona li era hostil. Però no la ciutat, sinó records i vivències que li feien mal a l’ànima. L’Emma era l’alegria, la generositat, la contradicció, també. Sempre la vaig veure com un exemple de llibertat i valentia. Era com una sirena del vent de l’Empordà i de les platges del cap de Creus. Fràgil i salvatge alhora. Inaprehensible però propera, impermeable a les adulacions i sempre buscant noves vies d’expressió. Una amiga de debò. Un amor de persona. I l’amor i l’amistat, quan són de veritat, no desapareixen mai.

Estimadíssima Emma, que tinguis repòs enmig dels estels i de l’univers. Dorm. Somia. La setmana vinent duré les pedres del mar de l’Escala al roser del vostre jardí. Allà on descansaràs al costat del teu estimadíssim pirata Barba-roja, solcant mars i oceans plens d’infinit.

Mi amigo el gigante/ the BFG

Las películas familiares tienden a dotar de emoción a sus historias. Nadie mejor para ello que esta adaptacion de Roald Dahl que la odiaba especialmente las suyas. Técnicamente perfecto, Steven Spielberg, respeta el espíritu un poco tenebroso del libro, su humor exacerbado y exagerado, como los sonoros, lógicamente, pedos del gigante. Llegados a este punto, nuestro director de 70 años, aburre un poco a pesar de que consciente de ello, cambia el final literario en una de las pocas licencias que se permite. Y afronta una vez mas un o de sus grandes temas que es el paso a la adolescencia con todo lo que comporta. Otro si digno de tesina es porque casi todos los seres mitológicos o no desde Frankenstein al fin de los tiempos, son bonachones, fenómeno que se traslada a todos los seres con un volumen importante.Calibramos el interés del film por su duración (117') que se hace corta a pesar de lo dicho. Terror poco y fantasía y sueño en cantidad. Porque aunque frío, nuestro gigante hace una gran interpretación stop motion basado en la figura, que tambien se esta engrandeciendo de Mark Rylance, que vegetariano, melancólico y solitario, se llevara a la "niña" huerfana Ruby Barnill, a conocer gigantes por una vez mas malos de lo habitual. Una Sophie a la que no se comerán por poco y que se situara en el cine entre Matilda y Charlie chocolate. Poco drama pues en este film que cierra de momento su carrera, que como los sueños del árbol del film, ha repartido por todo el mundo. Produccion Disney a la que han apuntado también a Rebecca Hall, Peneloppe Wilton, Bill Hadek, Jemaine Clement y Adan Godley.

La gunguna

Título original

La Gunguna, una de canallas

Año

2015

Duración

90 min.

País

 Rep. Dominicana

Director

Ernesto Alemany

Guión

Miguel Yarull

Música

Lazzaro Colón

Fotografía

Juan Carlos Campo

Reparto

Nashia Bogaert, Isaac Savinon, Gerardo Mercedes, Jaime Tirelli

Género

Comedia

Sinopsis

Una diminuta pistola calibre 22 con una pesada historia detrás, La Gunguna se pasea por el bajo mundo caribeño como un personaje más, dejando a su paso una estela de mala suerte y episodios desgraciados, marcados por tonos de humor negro. Un desfile de personajes bizarros y pintorescos, como prestamistas de poca monta, traficantes de armas, jugadores profesionales de billar y dominó, o militares corruptos, motivados unos por la venganza y otros por el engaño, se entrelazan en episodios de tensión, violencia e incluso reflexión, en medio de una sociedad caricaturesca e irónica donde La Gunguna se convierte en un augurio de que las maldiciones vienen disfrazadas en enchapes de oro.