Fay Grim

De Hal Hartley solamente me gusta Amateur, pero reconozco que es un director original, dicursivo y a veces plácido. Sus films aunque desordenadamente tienen tragedia, comicidad, una dosis de fantasía, una dinámica propia de ver el mundo y un desmarque del cine convencional. Intriga intangible, personajes de espionaje, dobles agentes, huidas por la gran ciudad, amores imposibles por su recorrido sin destino y chantajes que esconden terribles secretos.
Diez años ha tardado en recuperar su héroe Henry Fool y que en Fay Grim emerge lentamente desde un oscuro pasado. Un film independiente que no pretende hacernos comulgar con tesis políticas, ni con estigmas clásicos. Es un film que podríamos encuadrar en la antiglobalizacion, estudiando los cambios y sus repercusiones en muchos ambitos del planeta. Es tan radical y fiel a su filmografia que se mantiene entre la secuela y la reformulacion de contenidos. Fidelidad a su actriz fetiche, Parker Posey, esposa de Henry y que da nombre al film. Con ella dinamita algunos motivos convencionales del cine de espías y lo gira como un calcetín. Cine indie americano muy radical todavía a pesar de las concesiones del paso del tiempo, tiempo que le cuesta levantar sus proyectos, pero a los que colaboran con fe inquebrantable, Jeff Goldblum, Saffron Burrows o James Urbaniak por citar algunos de los actores.

Aleksandra

Una semana con mas estrenos pero tampoco muchos. Ahí van para que elijáis, primero sin blog y luego con el si os puede ayudar: Aleksandra- Edificio Yacoubiar- Elsa- Fay Grim- La boda de mi novia- La niebla de Stephen King- La ronda de noche- The Dead Girl. Ya sabéis que de la adaptación de King no escribiré. Aleksandr, también se llama el dire, Sokurov, hace encarnar a su homónima, a la que fue compañera del violoncelista ruso Rastropovitx hasta su muerte la cantante de opera Galina Vixnevskaia, una gran actriz que da vida a un filme inusual sobre la mas cruel de las muertes.
Se cuentan los días en un cuartel de la república rebelde de Txexecnia, sin mas esperanza que esperar el aburrimiento, las guardias, el sueño, los silencios sin pensamiento con la gran ilusión que poder entrar en combate. Aleksandra, cómoda en la situación de animar a la soldadesca y al mismo tiempo visitar a su nieto, contempla la guerra con una mirada nueva, distante, sin mostrarla, pero renegando de su espectáculo, al mismo tiempo que como el autor le niega toda épica a los cuerpo a cuerpo y al fuego cruzado de las trincheras.
Film personal del autor de El arca rusa, aquella propuesta genial en que la cámara recorría de un solo plano secuencia todo L'Hermitage, en cuyo actual museo sintetizaba toda la historia del país, desde Pedro el Grande hasta nuestros días.

Nesfarsit o California dreamin'

Cine político de Cristian Nemescu que analiza las relaciones internacionales de los EEUU, el descubrimiento de los países escondidos tras el telón de acero y las diferencias sustanciales entre oriente y occidente y paternalismo de algunos con países como Rumania, incapaces todavía hoy de sentarse con entidad y personalidad en una mesa internacional. El film insinúa y sugiere mas que denunciar con severidad. Y es mas parece de su lectura personal que los ingenuos son los americanos y los que se aprovechan en plan listo son los rumanos.
SOldados yankis flirtean con jóvenes rumanas, trabajadores con sueños capitalistas hacen huelga en una fabrica en franco declive económico, el gobierno se muestra con su ineficacia habitual y la corrupción crónica encuentra su caldo de cultivo en la incapacidad de asumir responsabilidades.
Obra póstuma del malogrado autor que falleció en accidente de trafico a los 27 años con el film en fase de posproduccion. La película no es interminable como presupone sus titulo original. Es un film al que se le nota a faltar unas semanas de pulido. Largo pero no pesado como el tren el ejercito americano que se dirige a Kosovo durante la guerra de los Balcanes y que queda atrapado como el espectador en medio de la nada en una estación rumana. El movimiento del film empieza pues a partir de el immovilismo del ferrocarril. Como en política.

El rumor de la arena

El documental de Jesús Prieto y Daniel Iriarte es un intento desesperado de intentar explicar lo que pasa en el Sahara Occidental, aunque su pedagogía ultrapasa el análisis local de luchas ideológicas y religiosas, para incrustarnos en la conciencia la denuncia global de ocultas razones poderosas económicas que son el origen y la sinrazón de la bestial y terrible opresión.
Un rumor sórdido que emerge de la arena y que nos lleva el murmullo acusador de imagenes de archivo mezcladas con declaraciones de militares, políticos, profesores, exiliados, proscritos, periodistas y refugiados que suman su entusiasmo al de los directores que han levantado la obra con tan escasos medios como los que disponen los países de que nos hablan. Sumergidos en las miseras condiciones de vida de este pueblo oprimido, el viento levanta de la arena la escandalosa permisividad del gobierno español, el vergonzoso papel de los EEUU y el mirar para otro lado de las Naciones unidas, pero No Todas.
Una didáctica cronología del dramático proceso saharaui desde el final del colonialismo español hasta los actuales momentos de ocupación y exterminio de Marruecos. El relato se visualiza a través de una familia que se encuentra durante un fin de semana, después de décadas de no haberse podido ver. Cruel e innecesario. Y no son rumores, que la arena del reloj se acaba.

Memorias de Sidney Pollack

Cada vez es mas difícil escribir unas lineas necrologicas de otro grande del cine que nos deja. Sobre todo si no has tenido con alguna vivencia personal. Estudiante de actor, director oscarizado y finalmente productor, todavía hay hoy un film suyo en cartel en EEUU, ha interpretado su ultimo papel, morir a los 73 años de cancer y rodeado de su familia y lo visualizo como en su gran interpretación en Misterioso asesinato en Mahattan. Creo que lo mejor y el mejor homenaje es poner a vuestra disposicion en el blog, una veintena de películas de su extensa filmografia, con las yo he disfrutado mas. Aquellas que podéis recoger de aquí y de allá y gozar con su legado de cine-cine. Os las pongo con su fecha de estreno para que elijáis mejor todavía: Ausencia de malicia 1981, Camino de la venganza 1968 ,Caprichos del destino 1998 , Danzad, danzad, malditos1969 , El caçadors de cabelleres 1968, El jinete eléctrico 1980 , Habana 1990, La fortaleza 1969, La interprete 2005, Las aventuras de Jeremiah Johnson 1972, Los tres días del cóndor 1975, Memorias de África 1996, Propiedad privada 1966 , Sabrina 1995 ,Tal como eramos 1973, The firm 1993, Tootsie 1982 y Yakuza . Todos sus personajes y actores de los que de algunos era muy buen amigo permanecerán al lado de su fuego mortuorio envueltos en película inflamable. Y convendrán con él que de todos los resortes de la emoción y la alegría, capaces de desencadenar las mayores sonrisas y grandes tragedias, es el del cine que el hizo.

Cosmos

Como al cosmos que primero iba bien y ahora va mal le pasa lo mismo a la película de Diego Fandos. En su inmensidad se pierden historias como la de la joven que duda en arrojarse a los brazos de un ruso, aun no habían ganado eurovision, y un periodista político, o la del cuñado de un empresario secuestrado que nos acabara soltando una retahíla de cuestiones inverosímiles con gran secreto justo cuando ya estábamos alcanzando la salida. Y que no falte el calvo antes de cien años que en vez de vendernos lotería navideña, nos encripta mensajes japoneses y nos cuenta el coro celestial del derecho y del revés. Una orquesta desafinada que no logra comunicar ni una sol la do si re ni fu ni fa. Un cosmos de incomunicación que busca la poesía en la luna de Valencia. Todo para rescatar políticamente a un austronauta ruso colgado en la estación espacial Mir que se tiene que esperar para ver en que pedazo de la repartida antigua URSS en fase de puzzle recomposicion puede dejar caer su cohete de vuelta. Solo le comprende el empresario vasco encerrado durante nueve meses en un zulo y que es el único terrestre que pretende ayudarle por que ya sabe como las gastan la soledad y la impotencia. Es el pensamiento mas acertado del film donde intervienen Oihana Maritorena, Ramon BArea, Xavier Elorriaga y Klara BAdiola.

Mabei shang de fating o El ultimo viaje del juez Feng

Magnifico análisis y critica y crónica de la justicia de Liu Jie en este film antropológico que observa como la justicia de la urbe choca con la de la orbe mas ancestral que también tiene sus normas sagradas aunque no estén escritas. Aspecto documental el de este ultimo viaje de un juez que se jubila acompañado de su joven sustituto, que aprende mas en este recorrido que en todos sus estudios. LA relación de amistad entre ambos es lo mas emotivo del filme. Años recorriendo lugares y montes les obsequia con un respeto, un conocimiento y un afecto que solo las normas establecidas impide que salga a la superficie de los sentimientos expresados. Li Baotian, Yang Yaning y Lu Yudai, interpretan su propio western con escenas que recomponen el espíritu maltratado de los humanos. Porque en el trio se introduce también la belleza de su ayudante y el caballo que lleva un escudo oficial de los juzgados y que es el da legitimidad a los procesos. Cientos de kilómetros verán solucionar casos de robos de animales, divorcios mal cerrados o profanaciones de cementerios. Magnifica fotografía que nos acerca bellamente una nueva cara de esta China preolimpica. Realidad cotidiana de los juzgados ambulantes, idea que no estaría mal de aplicar aquí para agilizar un poco elt ema, y que en realidad están realizando una importante labor de justicia rural con mas de mil efectivos. Tribunal de cine, no es menos cierto?

Abrigate

El tiempo lo merece y el film de Ramón Costafreda también. Posibilidad de ver cine gallego en su idioma oficial aunque es coproducción argentina. Poética banda sonora que paseara estas relaciones familiares y también generacionales por unos paisajes de ensueño ,tratados por la cámara con una delicadeza excepcional.En el debe hay que poner el bajo perfil de sus personajes, protagonistas incluidos y el tenue guión que no asume responsabilidades en ningún momento. Una historia de ausencias compartidas en Betanzos como la define su autor, en la que aborda a saco el desconocimiento profundo entre padres e hijos y la imposibilidad de establecer puentes para recuperar estos datos, Muestra igualmente la dificultad de superar según que perdidas y la inútil propuesta de revisar un pasado para seguir adelante. MAnuela Pal, Felix GOmez, MAria Bouzas y JAvier LOmbardo, rescatan sus papeles de olvidos y otros enfriamientos. Abrigate, pero vete.

Antes que el diablo sepa que has muerto

Magnifico titulo del grande y prolífico octogenario Sidney Lumet, con quien comparti mesa en La Dama, años ha, con motivo de un homenaje. Titulo que podría ser de una canción de Tom Waits y que no anticipa nada. Una inmersión en el alma humana, una exploración al lado oscuro de la vida, narradas desde tres puntos de vista distintos. Desde aquellos que difuminan por arte del birlibirloque la estimación, la ambición, el cariño o el egoísmo.
Dos hermanos se proponen atracar la joyería de sus padres, pretendiendo solucionar su situación económica y la de los padres que se supone cobraran del seguro. Pero el atraco como el de las tres, al furgón blindado, al banco de Inglaterra o a falda armada, fracasa. Y entonces un Albert Finney padre se erige en el centro del drama, llenando de sabiduría y tensión la vasija de la tragedia, hurgando y denunciando los puntos mas débiles del sistema de vida americano, otras veces tan entronizado. Y Lumet que no debe nada a nadie, realiza su film mas furioso entre los mas de su autoría.
Filma dos generaciones sin tregua, sin otra posibilidad que buscar la continua confrontación en la siempre reluce el dinero. Phillip Seymour Hoffman no puede mantener su ritmo de vida con lo que gana en el banco. Ethan HAwke, el hermano que le pone los cuernos con su mujer Marisa Tomei, todavía tiene mas compromisos monetarios debido a sus consecutivos fracasos. La salida escogida es hundirse mas en sus propios vomitos.
Atrocidad Shakespeariana en las imagenes de Lumet, ambición literaria , celos, culpa y asesinato son algunas de las condiciones que pone el director en su relato evitando con gran ingenio que el diablo se entere y por lo visto también Hollywood. Algunos podrán ver un abandono de la tragicomedia que era Negocios de familia en lo que es una segunda parte feroz y diabólica.

Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal

Después de haber visto las tres anteriores en el orden de producción, desoyendo consejos alteradores y con la música de Hombres G al fondo imagino el nuevo vendaval de Indiana, un Harrison Ford entrenado para la ocasión, luchando a fondo en Cannes con Allen, Kusturica, Eastwood entre otros. Pero el estreno se ha adelantado y aquí pocos oponentes tendrá. El lleno de esta tarde tormentosa ha sido total.
Se ven ropas usadas y arrugadas, ganas de entonar la canción a grito pelado, algunos se han agenciado el sombrero y la bolsa y se encuentran a faltar látigos. Principalmente para fustigar a los detractores de este ingenuo y efectivo cineasta que es Spielberg y al que nunca agradeceremos que sea la play station viva de varias generaciones.
Spielberg se ajusta al molde tan personal y tan resumen de la historia del cine que todo el mundo reconoce en el al compendio de maestros: un arranque agitado, un desenlace magnifico y sin azúcar, y en medio todos los ingredientes saludables divertidos, gozosos y que hacen que uno se agite sudoroso en al silla butacon.
El héroe tiene veinte años más y, el personaje aventurero y algo arqueologo, Harrison Ford, también. La mala del película es Cate Blanchet, morena, rusa, pero en su punto, apunto de hundir el Titanic en plena guerra fría. Reaparece, Karen Allen, y a su lado, con ánimo de arrebatarle el sombrero a Indiana Jones el personaje que interpreta el joven Shia LaBoeuf, quien en constante disputa con el doctor, comparte con él una buena ración de golpes y porrazos. Por lo demás, hay búsquedas, encuentros, colisiones, persecuciones, varias especies de animales no precisamente de compañía, desde escorpiones hasta unas hormigas con complejo de piraña..., hay de todo, mayas, rusos, motos, calaveras, marcianos... Nada nuevo, pero todo tan puro, tan esbelto, tan limpio, tan inocente, tan fresco que se agradece al equipo de George Lucas que nos hayan ahorrado casi todos los efectos especiales que podían haber invadido el reino de la calavera. Gracias otra vez Indiana. Sabemos, por que lo dice la canción, que has sido tu.

No tan duro de pelar o Drillbit Taylor

Steve Brill no había brillado precisamente con Mr. Deeds, cuando hacia sociedad con Adam Sandler. Ahora en asociación con el productor de Judd Apatow rebaja la edad de los protagonistas y también no sabemos porque el de la comedia. Aunque Owen Wilson hace lo que puede en su papel de guardaespaldas de tres jóvenes que le piden protección ante el cobarde maltratador del instituto, aportando siempre la ironía necesaria. Quizá el problema radica aquí. Que el tema como hemos visto recientemente en Cobardes es demasiado serio como para hacer comedia con el. Podríamos estar de acuerdo en que acercarse al problema con una comicidad de intensidad baja puede ser una forma acertada de presentar la situación a personas jóvenes que a la vista esta por sus hechos que no muestran demasiadas luces ni preparación o cultura. No citaremos por tanto las otras insignificantes y atroces películas de Apatow, pero si que el titulo en español es otra falta de tacto en este caso al clásico film de Clint Eastwood y menos a Steven Segal, Juan Martinez Moreno, Simon Wincer y Burt Reynolds. El titulo sea o no sea coherente, copiado y repetido, al menos que suene. Y así nos va de duro.

Sultanes

Inevitable comparar el cine mexicano español con el americano en el apartado de persecuciones sean en coche o a pie. O como desmontar un supermercado luchando con las marcas blancas sin presupuesto para reponerlas ni repetir las secuencias que deberían estar prohibidas porque ala fin y al cabo son comida. Hay ideas en el film de Alejandro Lozano pero falta producción.
El esquema es el ladrón esquilmado. Cuatro hombres roban un banco y son a su vez expoliados por unos desconocidos. Para conocerlos, la película se enzarza en una búsqueda sin fin por Buenos Aires que necesita oxigenacion porque nos ahoga y llega a aburrir hasta conducirnos eso si, a una sorpresa final. Para hacer cine de acción hay que ser algo mas que un admirador de Tarantino y solamente con violencia no se consigue emular al supuestamente maestro del manga filmado. Porque para maestros no podremos olvidar a Peckinpah. Sam, puede ser algún día Lozano el sultán de la lluvia de cristales a cámara lenta?.
El que se ha afianzado en el genero internacionalmente es nuestro Jordi Molla. En sultanes le acompañan Tony Dalton, Ana de la Reguera y Silverio Palacios.

Sentencia de muerte

Nick Hume se muestra preocupado por la vida de sus dos hijos. Mientras Brendan va a empezar una carrera en la Universidad, Lucas no encuentra su lugar en el mundo. Una fatídica noche, Nick y Brendan regresan de un partido de hockey cuando paran en una gasolinera. Nick llena el depósito y Brendan va a la tienda, pero nunca saldrá de allí: la banda callejera de los Darley le asesina cruelmente sin que su padre pueda hacer nada. Motivado por la venganza, Nick decide tomarse la justicia por su mano.
"¿Hasta dónde llegarías para proteger la vida de los tuyos?". Un drama en clave de thriller que cruza los destinos de dos familias destrozadas por la muerte y la venganza. La película está basada en la novela homónima de Brian Garfield, pero se ha añadido un marco más contemporáneo en el que la violencia forma parte de la sociedad y las drogas y las armas son fáciles de encontrar. Su realizador es James Wan, un amante del cine de terror que ha apostado por un proyecto más suave después de escribir y dirigir la ya mítica "Saw" y el cuento Silencio del mal. Como protagonista encontramos a Kevin BAcon, un padrazo vengador y con razon. Su contrapunto en la ficción es John Goodman y la agente encargada de su caso está interpretada por Aisha Tyler, actriz en una de las temporadas de "24". Además el trabajo de Kelly Preston. Después de la polvareda levantada por "La extraña que hay en ti", que por no censurar los actos execrables de justicia paralela que perpetraba una muy cabreada Jodie Foster recibió más juicios morales que cinematográficos, Wan enfila la misma ruta, es decir la del visceral ojo por ojo, la del Código de Hamurabi de toda la vida, la de la justicia no vale un pimiento, así que más vale tener una recortada en casa, por lo que pudiera pasar. Enésima revisión de la fisionomía del cine de venganza, que ejecuta del primero al último todos los lugares comunes del subgénero, es una nueva vuelta de tuerca a la mística del ciudadano ejemplar, padre modelo y mejor vecino que, empujado por las circunstancias, se convierte en una alimaña con sed de sangre balsámica.
La individualidad corrompida por una colectividad torcida. La integridad moral del individuo asediada por las disfunciones de la moral colectiva y sus fantasmas, por las fiisuras de un sistema empeñado en echar a perder a todo buen ciudadano que se precie, pero sin variaciones, con una narración lineal y de piñón fijo que si esboza, esta vez sí, el sinsentido del ejercicio alegal de la justicia en el contexto de un thriller rutinario que, no da tregua en un frenético camino de perdición salpicado por contadas secuencias de acción francamente recomendables. Wan, que deslumbrara con su debut como director y guionista en la ultrajadísima "Saw", desprestigiada por sus muy horrendas secuelas. La pelicula no es sino un estimulante cambio de registro en el que, a pesar de las insuficiencias crónicas de un guión, expone sus muchas virtudes como jefe de orquesta haciendo oposiciones a director en cartera para superproducciones y secuelas de estudio. Su tercera película es, a pesar de los pesares, un entretenimiento solvente, de los que no consienten consultar el reloj, maximo 20 minutos, a pesar de la explotación de una fórmula tan trillada como de efectos secundarios previsibles.

Honeydripper bluesbar

John Sayles, ignorado por Hollywood, tiene una filmografia que habla por si sola del porque. Entre otros titulos, Casa de los Babys, El hermano de otro planeta , El secreto de la isla de las focas, Els vuit eliminats, Hombres armados , La ciutat de l’esperança, La tierra prometida, Lianna, Limbo , Lone star o Passion Fish en las que como hoy, nos lleva de una crónica realista hacia una cierta metáfora, donde un joven guitarrista llega a una ciudad y la abandona un tiempo después dejando un halo evanescente de relaciones personales y una huella musical indeleble. Al estilo de The commitments de Alan PArker, aquí el músico también esperara la llegada de un grande guitarrista de blues que no llega nunca o tarde y del que realmente no sabremos si ha existido nunca. El que llega huyendo es un joven negro que toca como los ángeles, Guy Clark Jr. En su guitarra extraña y de evolutivos sonidos nos instruirá sobre el paso del blues al rock and roll y que sirve a Sayles para defender la tesis que el cambio musical es previo al social. El film esta sustentado en la quimera de un dueño que no quiere perder su local (Danny Glover), frente a la presión especulativa blanca y que hará frente con todo lo que tenga a su alcance al embargo. Quizá es el testamento de Sayles en una Alabama de los 50 antes de subirse el mismo al dragón khan liberal, recordemos que ha escrito el guion de Las crónicas de Spiderwick, pero aborda el tema de la segregacion racial, la sombra de Obama es alargada, con neutralidad y con el punto lúdico que le confiere esta majestuosa y rítmica música que sale del corazón del pueblo, exhibiendo con ella los profundos desequilibrios sociales que existen en la puerta de este blues bar.

Un lugar en el cine

El joven vallisoletano Alberto Morais presentó, en el marco de la sección Tiempo de Historia de la 52 edición de la Semana Internacional de Cine de Valladolid (Seminci), la producción 'Un lugar en el cine', un viaje junto a Víctor Erice, Theo Angelopoulos y Pier Paolo Pasolini.
'Un Lugar en el Cine', trata de la resistencia cinematográfica entendida a través del compromiso y el diálogo con la Historia y está vertebrada a partir de tres cineastas.
Así, el griego Theo Angelopoulos, emprende un viaje desde Atenas hasta Ostia, la playa romana donde Pier Paolo Pasolini fue asesinado. Lejos de allí, en una estación de tren en España, el cineasta español Víctor Erice se acerca en la distancia a través de una entrevista, aquella que tiene como epicentro discursivo la resistencia cinematográfica. Además cuenta con la presencia de Tonino Guerra, Ninetto Davoli y Nico Naldini.
'Un lugar en el Cine' es el primer largometraje del joven vallisoletano Alberto Morais, en el que ejerce de guionista y director, y llega a la gran pantalla después de tres cortometrajes: 'A Campo Traviesa', 'Las huellas' y 'Umbrales'.
Sobre su primer documental, Morais declaró que no es una película sobre cierta generación de cineastas que puede representar Theo Angelopoulos o Víctor Erice sino "una película sobre cierta mirada y, en la medida de lo posible, la restitución de la misma en la generación a la cual pertenezco".

Un lugar en el cine

El joven vallisoletano Alberto Morais presentó, en el marco de la sección Tiempo de Historia de la 52 edición de la Semana Internacional de Cine de Valladolid (Seminci), la producción 'Un lugar en el cine', un viaje junto a Víctor Erice, Theo Angelopoulos y Pier Paolo Pasolini.
'Un Lugar en el Cine', trata de la resistencia cinematográfica entendida a través del compromiso y el diálogo con la Historia y está vertebrada a partir de tres cineastas.
Así, el griego Theo Angelopoulos, emprende un viaje desde Atenas hasta Ostia, la playa romana donde Pier Paolo Pasolini fue asesinado. Lejos de allí, en una estación de tren en España, el cineasta español Víctor Erice se acerca en la distancia a través de una entrevista, aquella que tiene como epicentro discursivo la resistencia cinematográfica. Además cuenta con la presencia de Tonino Guerra, Ninetto Davoli y Nico Naldini.
'Un lugar en el Cine' es el primer largometraje del joven vallisoletano Alberto Morais, en el que ejerce de guionista y director, y llega a la gran pantalla después de tres cortometrajes: 'A Campo Traviesa', 'Las huellas' y 'Umbrales'.
Sobre su primer documental, Morais declaró que no es una película sobre cierta generación de cineastas que puede representar Theo Angelopoulos o Víctor Erice sino "una película sobre cierta mirada y, en la medida de lo posible, la restitución de la misma en la generación a la cual pertenezco".

Una chica cortada en dos

Claude Chabrol, uno de los grandes del cine francés actual y del que un día os escogeré su veintena de obras favoritas, descarga entre nosotros, sin querer, casualmente, su chica cortada en dos, en este caso Ludivine Sagnier, con el escandalo habitual, generando la envidia de siempre entre el culto a la inteligencia privilegiada, pero demostrando que el espectador puede fiarse de el y que una vez mas le puede depositar su poco de emotividad.
Chabrol pone en boca de un personaje si el mundo va hacia el puritanismo o la decadencia. Se pregunta si el resultado social actual es por la indiferencia o por la incertidumbre que sin apoyos nos alcanza a todos. Cineasta mordaz, acaba acotando los deseos e inquietudes de sus personajes reduciendo casi sus necesidades a casos clínicos. Su película es una nueva forma de investigar el código genérico de sus congéneres. Un escabroso crimen pasional producto de los celos traducido para la Francia actual, examinando conductas, la autodestruccion del amor, la supervivencia frente a la soledad y la perversidad inmiscuida en las clases sociales como germen de su decadencia. Un colofon mas a una carrera de 50 años funcionando como un reloj de los que cuelga en sus residencia de la burguesía francesa donde acontecen todas sus miserias y debilidades humanas. Un maestro de la intriga policiaca o no. Entre sus mejores retratos snobs del film, ricos, pedantes y descarnados destacan Benoit Magimel y Mathilda May. Gracias por este Puro Chabrol en la ceremonia de la flor del mal.
Los demás estrenos si hace falta citarlos son El cielo dividido- Honeydripper- La Crisis Carnívora- La isla del las almas perdidas- No tan duro de pelar- Sentencia de muerte- Sultanes- Un lugar en el cine- Una chica cortada en dos y Una noche para morir.

Las chicas de la lenceria

Una fábula ejemplar y, de nuevo, amable sobre la intolerancia y el derecho a volver a empezar para vivir esa tercera edad que tanto final tiene en los asilos o"residencias", maltrecho titulo. Es una película aunque Suiza, del tipo Despertando a Ned, Las chicas del calendario, Full monthy o El jardín de la alegría. Sucede cuando los abuelos y abuelas despiertan de su toma de pastillas y deciden arreglarse la vida por su cuenta . Todo dentro de unos cauces muy civilizados, muy suizos diría yo y que no responde para nada a ningún pase de cuerpos ligeros de ropa ni equipaje. El éxito enorme de taquilla en Suiza debe entenderse como los anteriores ejemplos citados porque es una película positiva» que logra atraer a un tipo de espectador que no quiere sobresaltos de ningún tipo en su programacion audiovisual. Espoleada por sus amigas y compañeras de naipes, una inmensa y humana señora decide cumplir un viejo sueño de juventud y abrir una tienda de lencería, en un pequeño y tradicional pueblo helvético donde además su hijo es el párroco local, cosa que procura un escándalo mayúsculo.
Anunciada como el título más taquillero en Suiza donde hay mas Bancos que cines, y candidata al Oscar foráneo, esta cuarta película de la cineasta Bettina Oberli ,- desconozco sus obras anteriores,- resulta ser una comedia amable para cualquier edad, que narra con ritmo adecuado un proyecto que ocurre cuando Martha, una venerable anciana que se acaba de quedar viuda, decide emprender una nueva vida de pequeña más que mediana empresaria.

Ausente

Kimberly Peirce es una directora que aborda temas dificiles y se niega a darle formas fáciles. Ya lo hizo en la oscarizada Boys d'ont cry donde la autora ya miraba con interés y amor las dificultades muchas veces crudas de la llamada América profunda. La historia del retorno de un soldado de la guerra, la que sea, siempre es igual de rabiosa de repetitiva, de diluida y sin significado ni sentido. Así pasaba en El cazador, y el Vuelta a casa y en esta ocasión Peirce no ha podido ni querido disimular sus emociones recordando que su hermano estuvo en Irak. Con la consiguiente peligrosidad de caer en una cierta venganza del sistema y el morbo que da poderlo hacer desde un medio tan potente como el cine.
Habla el film del stop loss, martingala que permite al ejercito norteamericano volver a enviar a sus soldados aunque hayan cumplido su compromiso militar. Este bonito fenómeno, esta regla ha implicado ya a mas de 80000 jóvenes desde que empezó la búsqueda de las armas de confusión masiva. La moral y ética respuesta de uno de ellos es lo que ocupa el protagonismo del film que interpreta Ryan Phillippe. La patria se enfrenta a la libertad individual y el film señala con el cañón de filmar las terribles secuelas que deja en sus niños hombres. No importa que la historia se repita. Hay muchos ausentes y mucho silencio aunque todos sepamos donde están.

La osa mayor menos dos

David Reznak ha conseguido que le estrenen el documental sobre la demencia en dos salas. Talk with seria su otro titulo anglosajón y de hecho todo el film versa sobre la otra realidad que es la locura, aumentada si cabe a veces por el tratamiento de la dopamina y otros espécimenes de protocolo científico o farmaceutico. Este documental continua la trilogía sobre la demencia y su recibo social que ya inicio LT22 RAdio La colifata y que se cerrara con Una cierta verdad.
Infinidad de patologías, variopintas edades, una media de senectud de 60 años en una residencia aislada con tapia pero que también incluye a treintañeros que luchan por sacarse la camisa de fuerza del estigma mental. Un pozo de problematicas que no encuentran soluciones personalizadas, ver pasar los días sin comprender porque no tienen la conciencia de los demás, porque y en que momento han roto con la realidad, porque lo hicieron y porque tienen ganas y sienten la necesidad de la libertad pero al mismo tiempo no la quieren. Rodada en Leganes, el film quiere acercar esta realidad enlatada con la calle mediante la observacion y las entrevistas. El dolor es viejo. Pero profundo e injusto en cualquiera de las unidades de internos que profana. Sean de internado y desesperacion o rehabilitacion y desesperanza. A todos un abrazo de oso mayor y como todos un poco enfermo.

La antena

Ya habíamos tenido la antena puesta en este blog. No suelo propiciar esta dualidad o doblez. Supimos los que pensaba su director, Esteban Sapir de ella. De una película muda, recordamos Metrópolis, con una música excelente de Leo Sujatovich, rellenada con el silencio de Tarkowsky porque alguien se ha llevado de una población, las voces de todos sus habitantes. Hay que acoger este silencio, dejarse llevar por su banalidad, oír su mensaje revolucionario y maravillarse con un enigma que nos supera si queremos claro. Cuando se pone la antena dentro del cine, uno recibe la señal del nacimiento del séptimo arte, le permite soñar, que no dormirse, con las raíces de lo importante y sentirse cerca de los grandes pioneros y reinventar el expresionismo y cualquier vanguardia que se os ocurra. Una recompensa para nuestra inteligencia como casi siempre ocurre cuando vencemos la reticencia a visionar cine mudo, que recordemos nació mudo y no quería hablar, dejando en el camino a grandes mitos de la pantomima.
La película la financia el fondo de un magnifico y silenciado festival que es el de Rotterdam y que ha lanzado al universo filmico grandes talentos independientes . Ahora nos regala una fantasía que nos hipnotiza precisamente en este valle de antenas caídas de recepción digital terrestre.

Utopia 79

Autor también del extraordinario documental Hermanos Oligor, Joan Lopez Lloret hace en este documental un paso mas encima de la expresión tradicional del esquema de este tipo de filmografia. No se limita a recopilar testimonios, pegar y cortar de gran validez periodística y histórica sino que subraya en cada pasaje la intención social y la visualizacion estética, una de sus máximos logros en esta utopía nada utópica. Analiza y se inmiscuye en el interior de las revoluciones que son un sueño por irrealizables de momento en nuestro imposible mundo global.
Lopez Lloret dedica el filme a su preceptor y maestro Joaquin Jorda, recientemente desaparecido quien le inculco que el documental era una ficción muy real y mejor que un homenaje la mayoría de las veces. Otra militancia que marco a Lopez Lloret fue la militancia de su madre y el propio Jorda en la Organización de Izquierda Comunista, enmarcada en el espacio anarco troskista y que el realizador televisivo vivió como en un sueño perpetuo revolucionario. Dando acogida en su casa a numerosos chilenos, argentinos y nicaraguenses que huían de su respectivas dictaduras aquel niño queda ensimismado en las historias que contaban los huidos y sus amigos catalanes que quisieron vivir de cerca la revolución sandinista. Sus recuerdos y la colaboración del periodista suizo Walter Tauber, que fue quien realizo una de las ultimas entrevistas al terrible dictador familiar Anastasio Somoza, fueron la semilla de este documental que revela el espejo roto y las contradicciones de la que parecía la ultima revolución posible. Gracias Joan por recordarnos este sueño utópico ahora que tanto mal hablamos del 68.

Algo pasa en las Vegas

Os he comentado repetidas veces que detesto las películas que ocurren o finalizan en la ciudad del desierto a excepción de Leaving Las Vegas y Casino. No añadiré a mi lista este film de Tom Vaughan que juega con las bodas que en aquel paraíso se hacen y deshacen, Cuenta con ello con Cameron Diaz, mal asesorada en sus ultimas elecciones de guiones y Ashton Kutcher, mas conocido por la prensa del corazón y de momento insulso actor. Físico el de siempre y la química que se supone existe en una pareja aunque sea por unas horas para casarse, ninguna. Sin preguntarse, normal, para que sirve o que es el matrimonio, la película nos cuenta sin ninguna gracia una sucesión de burradas con mas azúcar que ideas. Bebiendo continuamente e Matrimonio de conveniencia, ignorando la capacidad de reflexion de Hitchcock sobre el tema, sin la mala uva de un Danny de vito y sin tiempo para plantear los problemas de la convivencia en la película no pasa nada suponemos que porque todo pasa en LAs Vegas en What happens in Vegas.

Casual day

Seguramente es el filme de la semana. Todos recordamos con angustia, satisfacción y venganza pelicular como Recursos humanos, El método Gronholm o Smoking room. No es mas fácil acercarse ala mundo laboral que al de ETA por ejemplo. Max Lemcke se acerca a este drama laboral con formato de cine casero, con flexibilidad de cámara, un texto inteligente y sin concesiones a la par que didáctico y de denuncia y unos actores increíbles en su papel. Tanto da que hablemos del jefe Juan Diego, o de Luis Tosar, ALex Angulo, Estibaliz Gabilondo o Alberto SAnjuan que lidian con la acritud de esta jornada de convivencia en fin de semana de la empresa y que acaba como acaba. Morales mórbidas, bromistas inquietantes, hipócritas en su salsa y arribistas de escandalo y inocencia aprovechada mezclan sus vivencias ante una provocacion estudiada que no medida.
Evaluacion de fracasos y fijación de objetivos y bonificaciones son el pósito amargo que queda en el vaso después de beberse las relaciones humanas. Todos los personajes quedan desnudos quizá con la excepción de la única mujer que asiste a las jornadas porque Malena ALteiro es despedida antes de empezar. Todos ambicionan al poder sin escrúpulos y el guión resigue mas que un reglamento de ética, un abanico de cobardías.
Un corrosivo análisis de la competitividad salvaje del país y del sistema capitalista que cada vez excluye mas a buena parte de la población. Poca solidaridad en el trabajo, luchas intestinas sin valorar las reales capacidades individuales, aniquilacion del talento en aras de una formacion mediatizada y cerrazón de las empresa frente a la oportunidad de servicio a la colectividad a cambio de beneficios. Film descarnado para sugerir y denunciar la actual situación y futuribles, se debe visionar con el sentido critico necesario y con los pocos sentimientos que aun nos puedan quedar hacia el fenómeno del trabajo que tanto espacio llena en nuestras vidas. AL que le llene, o sea que lo tenga o lo disfrute,aunque sea temporalmente.

Reencarnacion

Llueve. Yo nunca os recomendaría el film de SAlomon Shang, director catalán, a no ser por la perfomance muda de Nuria Prims, inquietante actriz de nuestros lares.Un relato sobre la fatalidad y la escasez de recursos para hacer cine. Prisas para un film sobre el silencio de un director que nos documento sobre personajes como JUng y Tarkowski. Empresario de cine nada convencional, le permite controlar la exhibicion de sus obras lo cual es mucho hoy en día. Cine al limite, en blanco y negro, tres horas menos un minuto de cámara en mano, planos secuencias durillos y tres personajes deambulando, perdidos sin gps de la vida que les eche una mano o un cable. Tony Corvillo y Judith Uriach recorren una BArcelona fantasma, buscando algún vestigio de paz si hubo alguna vez, de cariño si alguien supo que es y el antídoto de una soledad que a base de sexo inútil puede volverse mortal. Emotividad que se vislumbran la distancia como en los días claros se ve Mallorca. Chicos, tenia que elegir entre esto y las Vegas y sabéis que odio los flms que ocurren en la ciudad del desierto. Los estrenos de este viernes lluvioso por fin son: Algo pasa en Las Vegas- Austente- Casual Day- El cielo dividido- La antena- La osa mayor menos dos- Las chicas de la lencería- Speed Racer- Utopía 79

Mi novio es un ladron

Antonio Banderas nunca sera considerado un actor importante en Hollywood. Sirve al sistema para contentar su porción del mercado hispano pero como dijo Stallone, cuando llegue a hablar bien el ingles o su jerga, ya hablaremos. Esto es lo que le ocurre en My mom's new boyfriend, que a quien si le consideran un director es a George Gallo, especialmente después de Cautivos in Paradise y La calle 29. Antes le consideraran director que actor. Emparejado en el film con una decrépita Meg Ryan, deteriorada hasta la tristeza a causa de sus continuas visitas al plastico de turno, a Banderas le ocurre como en Two Much, que existía mayor química con la Griffith que con la Hanna que era con quien tenia que casarse por guión. Sin comicidad, sin empatia, con una cierta histeria interpretativa discurre esta pseudo comedia de ladrones y gags mas que fallidos como por ejemplo el del cocinero borracho. Montada la historia en dos tonterías mas que dos actores que son la necesidad de adelgazar de Meg utilizando inverosímiles medios que la hacen parecer una drogadicta y su "atracción" irresistible para cualquier hombre incluido el pobre banderas que en mejores plazas debe haber toreado. Una dejadez de film y la convicción de que Antonio puede ser mejor director que Gallo.

Chantaje

Mas sutil era el titulo de Mike Barker, Butterfly on a wheel, como ya lo fuera en su momento La banda de los James. Thriller moralista como todos los anglosajones de como la codicia puede arruinar la vida y la relación de una pareja, en una historia que recuerda vagamente The game y a todas las que sobre chantajes varios, políticos, de secuestros, de infidelidades,...han sido. Solución final previsible por lo que solamente nos queda disfrutar con la maldad del bueno del otro hora Bond, Pierce Brosnan, que se esfuerza y consigue ser el seductor odiado, mientras que Gerard Butler desafina en la intriga psicológica.
Pierce secuestra a la hija del matrimonio, obligandoles a ir sacando dinero, jugar con documentos prometedores, forzar comidas en buenos restaurantes y citarles en peligrosos lugares. La pareja objeto del deseo como siempre, publicistas, ambiciosos, liberales con las mujeres de los demás, socios de sus bufetes, triunfadores ejecutivos y perfectos. Carnaza para un individuo sin escrúpulos que se transforma en el catalizador del mal ante tanta perfección remunerada. Un chantaje británico al cine de espionaje al uso.

88 minutos

Titulo que se añade a los de tipo numérico. Jon Avnet era un director interesante al menos en Intimo y personal , La guerra , Laberinto rojo, Sublevacion en el ghetto y Tomates verdes fritos. También en las frases que le impone a un decadente y alimenticio Al Pacino como que la narración se basa en los hechos, en la lógica, solamente que el filme dura 20 minutos mas que el titulo. Una cuenta atrás irreal, con enormes complejos morales y dudas filosóficas y existenciales, también cinematográficas, en un ensayo sobre el miedo de un hombre al que le dan 88 minutos de vida. Tiempo en que además le queda un rinconcito para sentir deseo por el cuerpo de Alicia Witt. Quizá desde Ricardo III , autodirigida o Insomnio no habíamos visto al peor Pacino, el que había sido un grande entre los padrinos. Con mas pelo que ideas, autoparodiandose con sus compañeras de reparto, Leelee Sobieski y Amy Brenneman, cabalga entre la ironía y lo imposible. Reservada exclusivamente a sus fans irreductibles, el que fue un magnifico de Hollywood, no nos ofrece otra capacidad que balbuceos, golpes, histrionismo, baba y tics por doquier. Se tiene que agradecer al menos a Avnet que sabemos cuando nos falta para acabar el film.