El Cairo confidencial/ The Nile Hilton incident

Como no sea por la empatia que puedan desarrollar las respectivas primaveras, esa pelicula nordica parece egipcia. Alguien penso que titulando confidencial se asemejaria a L.A. Pero no. Es mas el asesinato del Nilo Hilton y que una sudanesa de la limpieza ve ocularmente al asesino. Hasta aqui el "incidente". Despues un batiburrillo que nos es conocido de intereses de mafia, politica, militares, traficantes, negocios, jueces, los policias roban a los cadaveres, las estrellas de cine hacen chantaje a sus amantes y los politicos pagan al gobierno, en esta ocasion Mubarak, pero ya sin la epica de las piramides.Tal es el fregado que puede descubrir la joven del servicio que el directorTarik Saleh, ya no sabe que hacer con ella, si matarla, deportarla o  esconderla, si el protagonista debe llevar pistola, dos o ninguna,  y que un miembro de cada poder citado pueda ser el asesino. Pretension de cine negro en los parajes del desierto que  rodea El Cairo, en el que se han sustituido los camellos por las furgonetas llenas de señores con pañuelos ametrallando. No conozco el cine noir egipcio, pero seguro que no es asi. Durante la Primavera Árabe, un policía de El Cairo tiene un futuro "prometedor". Su principal objetivo, por encima de proteger a la ciudad, es servirse a sí mismo, de manera que usa su posición para enriquecerse. Un día recibe el aviso de ir al hotel Nile Hilton para ocuparse del asesinato de una conocida cantante. A medida que avancen sus investigaciones, se verá en medio de una trama que implica a las élites intocables de la ciudad y tendrá que tomar una decisión trascendental. En su tercer largometraje, el sueco Tarik Saleh (Tommy) se acerca a la realidad de Egipto (de donde proviene su familia) con una historia basada en un hecho real (el asesinato de la cantante Suzanne Tamim, que tuvo como principal sospechoso a un parlamentario cercano al Presidente Mubarak) ambientada en la Primavera Árabe. Presentada en festivales como los de Sundance y Valladolid, disfraza de atmosférico ejercicio de cine negro una crónica sobre el estado actual del país norteafricano a través de los ojos de un policía que, a medida que va desentrañando los pormenores de un crimen, se encuentra con los aspectos más oscuros de unas corruptas élites políticas que gozan de total impunidad ante la ley. De este modo, emoción y suspense se pierden en las cloacas del poder que se apoya constantemente en un contexto social. Fares Fares (Rogue One: Una historia de Star Wars) lidera un reparto que completan Mari Malek (La buena mentira), Yasser Ali Maher (El edificio Yacobián) y Hania Amar.

Una razon brillante/Le brio

No  es brillante pero muy interesante. Recomendable a todo aquel que tenga que dirigir la palabra a mas de dos oyentes, atencion parlamentos y maestros. Tecnica, contenido, expresion, diccion,  conviccion, pausas etc. son los elementos. Pero ademas hay mucho brio, en la magnifica interpretacion de un Daniel Auteil, profesor universitario de oratoria, quien despues de un enfrentamiento por llegar tarde al aula con Camelia Jordana, conocida cantante algeriana en Francia y ahora Cesar del cine frances por esta interpretacion, realizan un master que acercara sus posiciones. Film blanco y amable de Ivan Attal, con un profesor xenofobo,racista y antifeminista, engordado que come y se lo bebe todo en el film, que parece vive con su madre y se pelea con la primera señora que se cruza en la calle y recoge los excrementos de su perro. Una buena estudiante que quiere hacer algo mas en la vida que sus compañeros de barrio (banlieu), con ella si que vamos al apartamento que comparte y que aunque de forma inocente utilizara el lenguaje como arma de escalada social. Los ejercicios que realizan con el maestro en vivo, el de metro es impresionante, la llevaran a participar en un concurso entre universidades de gran dificultad oratoria. Una pagina en blanco para acoger la palabra y transmitir su fruto el respeto y la tolerancia. Film que habla del buen nivel el cine frances y que convence al espectador con el lenguaje muy cuidado. Una joven de las afueras de París que sueña con ser abogada, en su primer día en la Facultad tiene un enfrentamiento con un profesor polémico, conocido por ser provocativo y por hablar fuera de tono. Obligados por la universidad, maestro y alumna tendrán que preparar juntos un concurso de debate nacional. A pesar de su carácter cínico y arrogante, el profesor podría ser el coach perfecto, si ambos son capaces de superar sus propios prejuicios. El tambien actor Attal dirige una historia sobre dos mundos socialmente paralelos pero que, poco a poco, se acercan hasta forjar una relación tan disparatada, divertida y sólida como inesperada. Concebida como una tragicomedia, la cinta utiliza su carácter provocador como táctica para sacar lo mejor del espectador. De esta atípica relación surgirán diálogos ingeniosos herederos del screwball americano que conmueven y plantean a la platea una serie de preguntas sobre las barreras que los jóvenes franceses y no franceses se encuentran hoy en día.

El justiciero/Death Wish

Sentarse a visionar Bruce Willis en este film, es transportarse a la media docena de titulos que protagonizo Charles Bronson que para siempre sera el justiciero de la noche, de la ciudad, a 20 millas...Aunque se esfuerza Eli Roth nos traslada a los 80 con una correcta ambientacion, aqui la justicia se convierte en una venganza desesperada. Tambien porque Willis es un prestigioso cirujano al que al acudir a una emergencia, le asesinan a la esposa y dejan en coma a la hija. Lo que si explica bien el film es como conseguir una arma y como aprender a manejarla por internet. No es una ley del Talion porque para localizar a los tres asesinos, se lleva por delante a medios bajos fondos de la ciudad por si a caso, matando sin preguntar, solo por intentar robar un coche por ejemplo. Un reputado cirujano que vive feliz en Chicago, sólo ve las consecuencias de la violencia cuando entran por la puerta de Urgencias. Todo cambia cuando unos asaltantes atacan mortalmente a su mujer y su hija, despertando en el una furibunda sed de venganza. Con la policía sobrepasada de trabajo, este médico empezará a cazar criminales hasta llegar a los agresores, lo que atraerá la atención de los medios y toda la ciudad, que duda sobre si es un guardián o un verdugo. Furia, violencia y destino colisionan en la nueva película de Eli Roth (El infierno verde). Este remake que también se basa en la novela de Brian Garfield. Su labor como juez, jurado y verdugo le terminará convirtiendo en una figura controvertida entre los medios y el resto de la sociedad. Al suspense y la tensión, Roth añade la capa del dilema moral al que se enfrenta este hombre que se ha dedicado durante años a salvar vidas, y cuya obsesión por castigar a aquellos que han destrozado su familia le llevará a segarlas en un viaje de no retorno. Completan el reparto de esta polémica película, por su apología de las armas, la nominada al Oscar Elisabeth Shue (La batalla de los sexos) celebramos su recuperacion, Vincent D'Onofrio (Rings) y Dean Norris.

Gringo

Todo el poco ritmo y todos los errores de guion que ha dirigido Nash Edgerton, esta en consonancia seguna algunos por la enorme cantidad de marihuana en pastillas que sustenta el argumento del film y que son objeto del deseo de distintos carteles. Completan el cuadro, la violencia gratuita, los chistes horribles y una musica mexicana digamos que pop. Antes de suicidarse el espectador puede echar un vistazo a la Inconmesurable Charlize Theron, que le salvara la vida. Por muchos personajes que lien el argumento no haran que la pelicula se acerque al tarantinismo. El director ejecutivo de una empresa farmacéutica viaja junto a sus jefes hasta su laboratorio de México para comprobar el desarrollo de un medicamento sintetizado a partir de la marihuana que le proporciona un cártel local. Cuando sus superiores suspendan el proyecto en vistas a una inminente venta del negocio, su trabajo no será lo único que corra peligro, pues un narcotraficante quiere recuperar su inversión y piensa utilizarle como moneda de cambio. Poco más puede irle mal al protagonista, que acaba de descubrir que su mujer ha tenido una aventura y que, por si esto fuera poco, se convertirá en el blanco de tiburones corporativos, mercenarios internacionales y hasta de la policía. Con este descabellado punto de partida, el especialista de escenas de acción Nash Edgerton dirige su segundo largometraje, una comedia negra repleta de persecuciones y giros de guion donde el humor y el thriller se dan la espalda. Mientras intenta mantener el equilibrio, el film se acerca al lado más predatorio de las multinacionales corporativas, que se ocupan del peligro que corre su personaje principal, interpretado por David Oyelowo (Selma), en esta aventura entre los elegantes rascacielos de Chicago y las arenosas calles mexicanas. Completan el reparto la ganadora del Oscar Charlize Theron (Atómica), Joel Edgerton (Gorrión rojo), Thandie Newton (Westworld) y Amanda Seyfried.

El viaje de sus vidas/The Leisure seeker

Tierno film sobre las posibilidades de la tercera edad, al  que la palabra road movie suena muy dura. Hartos de medicos e hijos, una entrañable pareja planea realizar su ultimo viaje. Su vieja autocaravana les facilitara el movimiento y la libertad que tanto anhelan. Uno de los puntos debiles del film es la noñeria que adoptan los protagonistas para que segun direccion, nos acerquemos mas a su madura edad. Afortunadamente, Helen Mirren y Donald Shuterland con mesuradas interpretaciones detienen el bajon ofreciendo contentos y emocionados su viaje a Florida. La pareja oscarizada y habian trabajado juntos en Bethune. El viejo profesor  de literatura quiere visitar el museo d Hemingway en Key West. Paolo Virzi, en su primera produccion anglosajona, especialista en fugas hacia adelante de personas con limitaciones, ( en su ultimo dos mujeres mayores escapan de un manicomio) hace avanzar la historia dia a dia a pesar del Alzheimer del hombre gracias al empuje de la esposa tambien enferma, dando alas a una pelicula que podria haber sido muy farragosa. El está perdiendo la memoria, pero es animoso y tenaz, mientras que ella es frágil pero ingeniosa. Desde Boston hasta Key West, la pareja recorrerá una América que no reconocen. El viaje les hará compartir buenos y malos momentos, a la vez que les devolverá su pasión por la vida y les llevará a replantearse cómo se ven el uno al otro. El italiano Paolo Virzì explora el género de road movie americana, a la que añade su toque personal de poesía irónica y compasiva. Partiendo de la novela de Michael Zadoorian, el director adapta varios temas sobre la vida de una pareja de ancianos que le llamaron la atención, como el espíritu subversivo, la rebelión contra la hospitalización o la intensa relación con sus hijos. Virzì le dio una vuelta al guion y cambió los perfiles socioculturales de los protagonistas para contar el viaje con destino a la casa del escritor Ernest Hemingway. Con esta premisa, el director pone su nota de humor y su aguda observación de los fenómenos sociales a una película sobre la vida y la vejez que cuenta la irracional y aventura de un matrimonio que quiere evitar un futuro destinado a los cuidados médicos que les separaría para siempre. Dos veteranos de Hollywood protagonizan este film: la Óscar, Helen Mirren (The Queen),y el Óscar Honorífico 2018: Donald Sutherland, a los que acompañan Janel Moloney (The Leftovers) y Kirsty Mitchell. 

El aviso

El aviso precede a la amenaza. Un viaje en el tiempo, del siempre inquietante Daniel Carpalsoro, que demuestra que  su paso solo empeora las cosas. Tambien el porcentaje de evolucion hacia la locura es superior que a la cordura. Con un guion sobrecargado de datos y fotos en la pared tipo collage, forma un laberinto de misterios y dudas. Llegados a este punto y con el espectador agotado con tanto dato-suposicion, es normal que alucine. Asesino en serie a la española, con una cadencia anual y con una formula como una ecuacion matematica en la que hay que calcular con letras y numeros. Un aficionado a la investigacion lo deduce pero solo le escucha una madre preocupada por el bullyng de su hijo que son los pilares, no de la tierra, sino de la novela de Paul Pen. Un Salto al vacio de Daniel que utiliza como un Pasaje para conseguir thriller's mas fantasiosos. En 2008, un joven obsesionado por las matemáticas, empieza a investigar el asesinato de su amigo, que parece estar relacionado con una serie de misteriosas muertes que se repiten a lo largo de los años en el mismo lugar y que parecen tener un patrón común. Ya en 2018, un niño de 10 años, recibe una carta que le avisa de que va a morir. Cuando nadie le crea, su única esperanza será que un hombre con cara de refugiado en Belgica,  consiga encontrar, a contrarreloj y de una vez por todas, la secuencia que podría salvarle la vida. Una carta con un aviso de muerte, una serie de crímenes sin resolver que parecen compartir el mismo patrón, un fanático de las matemáticas y un niño cuyo tiempo se agota son los elementos principales con los que Daniel Calparsoro (Cien años de perdón), dibuja esta historia de tensión asfixiante en la que también hay lugar para la emoción y el amor. Ambas tramas crean una telaraña que juega con lo fantástico y lo sobrenatural, alimentando teorías sobre universos paralelos. El ganador del Goya Raúl Arévalo (Oro) y el joven Hugo Arbues (El Ministerio del Tiempo) protagonizan, a cada lado del enigma, el drama más humano. Completan el reparto Belén Cuesta (La llamada), Aura Garrido (La piel fría) y Aitor Luna .

Peter Rabbit

Peter Rabbit no es un conejo cualquiera, pero tampoco es Bugs Bunny, el conejo de la suerte. Lo demuestra con ese aire pícaro, encantador y rebelde con el que lleva su camisa azul. Pero no es tan fuerte, ni cinico ni tierno. Y tiene menos enemigos pero de cuidado.  Vive con su grupo de amigos cerca de la huerta de los McGregor, su mercado particular. Su rivalidad con el dueño de la granja, Thomas McGregor, alcanzará cotas insospechadas cuando no sólo compitan por el lugar, sino también por el afecto de su cariñosa vecina, una amante de los animales. Desde el Distrito de los Lagos hasta Londres, la guerra estará servida. Más de 115 años contemplan a este carismático y travieso conejo surgido de la mente humanista de la escritora Beatrix Potter, que desde que apareció en el cuento publicado en 1902 se convirtió en uno de los favoritos para varias generaciones de niños de todo el mundo. Ahora, Peter Rabbit da el salto a la gran pantalla por primera vez, Roger Rabbit lo hizo en 1988 y Bugs Bunny en 1940, dirigido por Will Gluck (Rumores y mentiras) combinando animación (inspirada en las viñetas originales de Potter) e imagen real. El film gira entorno al enfrentamiento entre este conejo lider y el granjero que custodia un codiciado huerto repleto de hortalizas, que tras su muerte es sucedido por su nieto, con el que comenzará una nueva escalada de hostilidades, bromas y travesuras que transmitiran un mensaje sobre la importancia de afrontar las consecuencias de nuestros actos. En esta aventura participan Domhnall Gleeson (Star Wars: Los últimos Jedi) y Rose Byrne (Malditos vecinos 2) como personajes de carne y hueso, a los que acompañan, en su versión original, las voces de James Corden (Into the Woods), la nominada al Oscar Margot Robbie (Yo, Tonya) o Daisy Ridley (Asesinato en el Orient Express), entre otros. Por su parte, el doblaje en español cuenta con conocidos intérpretes como Dani Rovira (Thi Mai), Belén Cuesta (La llamada) o Silvia Abril.

La casa junto al mar/La villa

Digo que Robert Guediguian puede llegar a ser el Rohmer moderno. ?Va lo digo. La habilidad con que instrumentaliza añadidos suplementarios al guion , los refugiados en esta ocasion, o la mirada melancolica de su mujer Arianne Ascaride, que es otra vez protagonista sumando puntos para empezar el debate de su mejor film. A su equipo titular de hace 30 años, le suma ultimamente el paisaje o entorno maritimo marselles por descontado. Y  ese si que viene marcado por el tiempo que no cesa.  Su tema casi unico, la familia socialista con el lamento del discurso nostalgico y redentor del hogar. Tres hermanos se reunen para despedir a su padre fallecido. El drama se desarrolla cuando esta villa junto al mediterraneo, empieza a descubrir cosas, a emerger sentimientos, que no merecen la belleza del paisaje en que estan inscritos. En una pequeña cala, esta la casa que construyó su padre. Una actriz que vive en París, otro hermano se ha enamorado de una chica mucho más joven que él y el ultimo lleva el pequeño restaurante familiar en la ciudad. Ahora intentarán descubrir qué ha quedado de los ideales que les transmitió su progenitor y del mundo fraternal que construyó, pero la llegada de una patera con refugiados a una cala vecina hará que las reflexiones sobre su familia cambien de rumbo. Robert Guédiguian (Las nieves del Kilimanjaro) escribe y dirige un largometraje presentado en el Festival de Venecia que habla sobre el paso del tiempo y los constantes cambios en la vida. Sus problemas personales pasarán inesperadamente a un segundo plano cuando unos niños, supervivientes del naufragio de una patera de refugiados, lleguen a una playa próxima y se escondan en las colinas. Los protagonistas de la película, que se verán reflejados en ellos, decidirán ayudarlos y acogerlos, mientras intentan rescatar el restaurante familiar y a su pequeña comunidad. De este modo, el film aborda temas como la emancipación del ser humano, las crisis de refugiados y la búsqueda de un mundo mejor en una historia emocionante donde sus protagonistas se vuelven a unir por un objetivo común. La cinta está protagonizada por habituales de Guédiguian como Ariane Ascaride (La profesora de historia) y Jean-Pierre Darroussin (Las nieves del Kilimanjaro), además de Gérard Meylan (Cézanne y yo) o Jacques Boude.

Thelma

Demasiadas teclas, de acuerdo. Blancas y negras, bien. Pero sugeridas ya no. Sobre todo cuando se ha de tirar de hemeroteca para encontrar lo nuevo y  lo viejo que busca Joachim Trier. Terror con historia que llega hasta a beber de Freud. El poder diabolico y la represion son los componentes que perturban a nuestra protagonista. Precisamente ella que no quiere, tiene un poder psicologico sobrenatural de gran capacidad destructiva. Drama noruego adolescente de miedo con un sobreslalto inesperado que se lleva por delante la ambiguedad misteriosa que sustentaba el film. Una joven tímida que ha decidido abandonar su pequeño pueblo y a su religiosa familia para marcharse a estudiar en la gran ciudad. En la biblioteca de la Universidad, conoce a una chica por la que no tarda en sentir una fuerte atracción. A medida que esos sentimientos crecen, empiezan a ocurrir sucesos inexplicables a su alrededor, lo que llevará a Thelma a descubrir secretos de su pasado y enfrentarse a la posibilidad de que ella podría ser la causante de los desastres. Aplaudida a su paso por festivales (el de Sitges como no) y seleccionada por su país de origen, Noruega, como candidata al Oscar a Mejor película de habla no inglesa, llega a nuestras pantallas la nueva película de Joachim Trier,  non grato en Cannes. (El amor es más fuerte que las bombas). Con una mezcla de géneros que van desde el drama sobre la adolescencia y la identidad sexual hasta el thriller sobrenatural, cautiva al espectador desde un cuidado apartado narrativo y la elegancia visual característica del cine nórdico. La  tranquila   estudiante se enamora de una compañera de universidad mientras sus sentimientos liberan unos poderes incontrolables y catastróficos, con cristales  rotos, cuchillos en el aire y muertos por doquier. A través del cine de género, Trier, que hasta ahora había destacado por el naturalismo de sus películas, habla sobre el salto a la madurez, la melancolía de la soledad y la aceptación del propio destino mientras muestra un romance puro y hermoso que ayudará a la protagonista a conocerse a ella misma. Eili Harboe (La ola) y la debutante Kaya Wilkins protagonizan este film que también cuenta con Henrik Rafaelsen (Siempre feliz) y Ellen Dorrit Petersen.

Pacific Rim Insurreccion

Pereza de primavera, tristeza por la libertad es lo que da tener que comentar  este film holograma. Quizá en la primera parte el cine de Guillermo del Toro fuera reconocible algún día por sus tópicos, sus homenajes y su postproduccion envidiable. Encasillado en su universo y confiando en su equipo de producción, fotografía y/o cameos, opta decididamente por la serie B. Sino como nos tomamos los gags. Es una ciencia ficción donde es mejor lo que se intuye. Exceso de metraje para una parafernalia de monstruos, esta vez betre La Cosa, Tiburon y Transformers, estética  gótica y trafico de imagenes compleja. Y unos soldados especiales que se ponen en el cerebro de los robots gigantes para conducirlo en la lucha contra la infernales criaturas invasoras. Film de encargo, de todos contra todos, en el que si de fijan bien verán a Godzilas, Transformers o tal vez mazingers y robots, bestias en definitiva, con cuernos y rabos, luchando encarnizadamente para poder salvar el mundo de nuevo. Apocalipsis futurista que emerge del océano y que nos propone la fantasía del fin de mundo. Pero podrían ser también medusas o la gran ballena blanca.Cuando ya no quedan ciudades que arrasar y países que pulverizar aparecen los robocops con armas de destrucción masiva. Entre tanta maquina de destrucción y de acero es casi imposible distinguir a John Boyega, Calle Spaeny, o Max Martini, que no se si no preferirían no salir en los créditos. Un Lovecraft vulgar Steven S DeKnight, es el que dirige esta batalla con bestias como volcanes en na historia donde lo menos importante es el hombre.
Han pasado 10 años desde que, en un acto heroico, Stacker Pentecost se sacrificara para terminar con la guerra contra los kaijus. Ahora, nuevas y más destructivas criaturas vuelven a emerger para arrasar una Tierra aún en reconstrucción. Cuando los jaeggers, robots gigantes de combate, se muestren insuficientes, el hijo de Pentecost, la siguiente generación de pilotos y los supervivientes de la primera oleada tendrán que idear nuevas técnicas de defensa y ataque para evitar la extinción.  Lejos de ser un completo fracaso el primer film, el universo de Pacific Rim vuelve con la guerra de proporciones colosales entre monstruos gigantes y robots de su mismo tamaño que desatan la destrucción en una lucha por la supervivencia de la humanidad. En esta ocasión Del Toro asume tareas de productor y cede la silla de director a Stephen S. DeKnight (Daredevil), en su primera experiencia en la gran pantalla. Lo hace con una épica aventura de ciencia ficción que respeta las señas de identidad del film original, como la importancia de los vínculos entre sus protagonistas y las impresionantes escenas de acción a gran escala, pero que reserva al espectador algunas (pocas) sorpresas a nivel narrativo y visual. John Boyega (Star Wars: Los últimos Jedi) interpreta al hijo del personaje de Idris Elba en la primera entrega y lidera un reparto que completan Scott Eastwood (Fast and Furious 8), Adria Arjona (Little Galicia), Tian Jing (La gran muralla) y los reincidentes Charlie Day (Los Hollar) y la nominada al Oscar Rinko Kikuchi.

Paella today

Un joven guapo y un simpático maduro son dos amigos que viven en Valencia y que comparten una gran pasión: la paella. Cuando, una muy atractiva chica, entre en sus vidas, la gastronomía no será lo único que atraiga la atención de ambos, que terminarán protagonizando un triángulo amoroso entre los fogones de un concurso de paellas aderezado con padres pintorescos, un chino experto en el arte de cocinar arroz y un turista gallego, todo ello bajo la atenta mirada de un aspirante a influencer. El cortometrajista César Sabater escribe y dirige su ópera prima, una comedia gamberra con espíritu cien por cien mediterráneo en la que el humor y la gastronomía son los ingredientes principales. La cinta gira alrededor de un triángulo amoroso formado por dos buenos amigos y una recién llegada a la ciudad, que entre los fogones de un concurso de paellas vivirán una historia de poliamor aderezada con reflexiones sobre la tiranía de las redes sociales, la verdadera amistad o la libertad para amar de cualquier forma. El arroz, en todas sus facetas, convive con los tópicos regionales, de los que se alimentan gags y chistes protagonizados por toda una pintoresca galería de personajes, desde un desorientado viajero hasta un chino que busca involucrarse en la cultura local. Al frente del reparto del film, que se inspira en una experiencia personal del propio Sabater, se encuentran Pablo Rivero (Neckan), Olga Alamán (Call TV) y el debutante Pau Gregori, a los que secundan Alberto Jo Lee (Thi Mai, rumbo a Vietnam), Brays Efe (Paquita Salas), Lolita Flores (Luz de Soledad) y los cameos de Pablo Carbonell (Campamento Flipy) o Chimo Bayo.

Pablo apostol de Cristo

Pablo de Tarso, antiguo azote de los cristianos reconvertido a la fe de Cristo, pasa sus últimos días en una prisión romana, a la espera de la ejecución ordenada por Nerón. Aunque ni sus carceleros entienden el peligro que representa este hombre, su hora se acerca. Con gran peligro, Lucas visitará al anciano para confortarlo y transcribir y sacar clandestinamente sus cartas a las comunidades de creyentes, perseguidas brutalmente por Roma, pero que conseguirán difundir el Evangelio y cambiar el mundo. Cine bíblico para, en esta ocasión, narrar los últimos días de Pablo de Tarso, un cruel fustigador de cristianos que terminó convirtiéndose a la fe católica, y cuya labor de evangelización, que le llevó a recorrer más de 16.000 kilómetros, fue crucial para el futuro de esta religión, otorgándole un papel primordial en las Sagradas Escrituras. En Pablo, el apóstol de Cristo, esta figura comparte protagonismo con Lucas, autor del evangelio que lleva su nombre, que le ayudó a hacer llegar sus últimas cartas a las crecientes, pero perseguidas con fiereza por el imperio romano, comunidades de cristianos. Estos encuentros sirven al director Andrew Hyatt (Llena de gracia) como hilo conductor para contar los pasajes más destacados de la vida de Pablo que aparecen en la Biblia, y que a su vez sirven como retrato de los difíciles primeros años de la Iglesia. Jim Caviezel (Plan de escape), vuelve al género religioso para interpretar en esta ocasión a Lucas, mientras que James Faulkner (Atómica) hace lo propio con Pablo. Les secundan Olivier Martínez (El médico) y Joanne Whalley.

1945

Un sofocante día de agosto de 1945, los habitantes de un pueblo se preparan para la boda del hijo del funcionario del ayuntamiento. Mientras, dos judíos ortodoxos llegan a la estación de tren del pueblo con unas misteriosas cajas. El funcionario del ayuntamiento teme que sean herederos de los judíos que echaron del pueblo y espera que reclamen las propiedades que les fueron arrebatadas injustamente, propiedades que habían perdido durante la Segunda Guerra Mundial. Otros habitantes del pueblo tienen miedo a que vengan más supervivientes, amenazando así las propiedades y posesiones que ahora reclaman como suyas. Situa la accion en el 11 de agosto de 1945, los estadounidenses acaban de lanzar la bomba atómica sobre Nagasaki, la guerra en Europa ya ha terminado hace varios meses, pero las ruinas y restos carbonizados son todavía visibles. La ubicación, un pequeño pueblo húngaro sin nombre, situado en una ladera. Las tropas “liberadoras” rusas entran al país para reconducir la situación y preparar las primeras elecciones después de la guerra. A lo largo del film observamos la constante presencia de una patrulla rusa en un jeep recorriendo el pueblo sin rumbo fijo, lo que sugiere la próxima transferencia de poderes de un totalitarismo a otro. Al mismo tiempo, la llegada de dos misteriosos judíos ortodoxos a la estación de tren, portando dos maletas, se expandirá rápidamente creando fantasmas que recorrerán toda la aldea. Rumores, incertidumbres, temores brotan en toda la pequeña población. “No son de los nuestros”, dicen unos, Quienes son?, preguntan otros. “Todos se ven iguales, trajes negros, barbas, sombreros…”, dice un tercero. ¿Que portarán las maletas?, tal vez perfumes. ¿Con qué objetivo?. Quizás recuperar la droguería de Isztvan, el Secretario (Alcalde) del pueblo. Son familiares y herederos legítimos de las propiedades de los judíos locales huidos o asesinados o son conocidos o allegados que compraron las casas y tiendas, y ahora exigen la devolución.

La película 1945 está realizada de una manera tan sutil y pensada. Los que se acercan a los principios universales de la ley y la moral cristiana o los que actúan con sus propios códigos de conducta basados en la codicia. Sin embargo, de una forma u otra, todos los habitantes del pueblo están implicados y tienen parte de culpa. El antisemitismo como si de un veneno se tratara, recorrió Europa durante muchos siglos antes de Hitler. Y, quizás lo más trágico, fue la poca resistencia que encontró en Europa central y oriental. La guerra, es una oportunidad perfecta para despertar los más bajos instintos de las personas, la especulación y los intereses oportunistas. La presencia de dos judíos con dos grandes baúles, de forma paradójica despierta el miedo en aquellos que un día se beneficiaron de su persecución. Lo que Ferenc Török intenta reflejar es la propia sensación de ansiedad creada por lo desconocido.  Mientras que para algunos países, la fecha de 1945 fue el año de la liberación nazi y el final del fascismo, para otros estados de Europa del Este simplemente pasaron, de estar dominados por unos a por otros. Basada en el relato corto “Hazatérés” (Regreso a Casa, 2004) de Gábor T. Szántó examina un lado del Holocausto que rara vez se aborda en la ficción: el regreso de los supervivientes judíos a las regiones donde fueron exterminados en masa por los nazis. ¿Como se puede reclamar propiedades antiguas cuando las autoridades las confiscaron y redistribuyeron a nuevos propietarios que vivieron allí durante años?.

Ferenc Török dirige su cámara casi exclusivamente a los aldeanos, interesado en reflejar cómo se les desmorona su complacencia cuando se enfrentan a sus pecados del pasado, y en evocar el ambiente asfixiante y castigador del caos existencial que ahoga a la aldea. De 

Rodada en blanco y negro, 1945 es una película hipnótica, silenciosa y conmovedora. La fotografía de Elemer Ragalyi con sus poéticas e impactantes imágenes, como la toma final, de gran simbolismo, y preñada de múltiples significados que cada espectador interpretará de manera diferente. El director emplea constantes primeros planos íntimos y despiadados de la cara ancha y sudorosa de Isztvan (Péter Rudolf) como del resto de personajes del pueblo, mostrando casi al detalle la textura de la superficie de sus pieles, en contraposición con los planos más generales de los dos “invasores” judíos. Las cargas emocionales de los personajes se alinean de manera intangible en sus expresiones. El film avanza al mismo ritmo lento y constante con el que los hombres judíos continúan su marcha inexorable. Excelente fotografía, correcto diseño de producción y excelentes interpretaciones en su conjunto.

Mi nombre Te Ata/ Te Ata

Principios del siglo XX. Una joven de ascendencia nativa americana que vive en la región de la tribu Chickasaw, la actual Oklahoma, con el sueño casi imposible de ser una estrella de Broadway. En un mundo de desigualdades raciales y sociales, con el nombre artístico de Te Ata, fue rechazada prueba tras prueba, pero a pesar de las dudas nunca abandonó, y con sus canciones y relatos de su cultura consiguió el reconocimiento como actriz y defensora de los derechos humanos. Poco ha llegado hasta nuestros tiempos sobre Te Ata Fisher, una actriz de origen nativo americano, un talento a la hora de acercar la cultura de sus ancestros al gran público. El relato más apasionante, el de su propia vida, es llevado a la gran pantalla en un académico biopic dirigido por Nathan Frankowski (To Write Love on Her Arms). La cinta cuenta el inspirador viaje de la protagonista, que tuvo que superar con perseverancia todos los obstáculos que una sociedad desigual y racista puso a su paso, y vencer sus propias dudas ante cada rechazo, para terminar convirtiéndose en estrella de la escena y en una de las mujeres más importantes en la historia reciente del estado de Oklahoma. Además de su espíritu de superación, la película también aborda sus conflictos familiares y presenta a Te Ata en el escenario interpretando números musicales y coreografías, que intentan representar el carisma y la capacidad para encandilar al público que tenía esta artista también comprometida con los derechos humanos. Q'orianka Kilcher (El nuevo mundo) encabeza un reparto que completan Gil Birmingham (Comanchería), Graham Greene (Molly's Game) y Mackenzie Astin.

Maria Magdalena/Mary Magdalene

Cine que nos entronca con la tradicion del cine religioso de Semana Santa. (+Juana de Arco). Pero con toques de modernidad. Rooney Mara y Joaquin Phoenix, son los maximos exponentes de ello, asi como la ultima composicion musical de Johann Johannsson. Novedad pues y realismo para seguir divulgando la misma historia sagrada d siempre, recordemos que es el libro mas vendido y leido del universo. Efectos digitales que no minan la autenticidad del mismo Jerusalen y correctas interpretaciones, entre las que como suele suceder en el cine (Superman,...) vence el Judas de turno. Ofrece el film la vision terrenal, humana, fiel, feminista, firme y abnegada, confidente, defensora y no se si inteligente  tambien. La coloca Grath Davis en la ultima Cena, sirviendo el pan y el vino, en una relacion que manifiestamente va mas alla del refrigerio . No rehuye tampoco la posibilidad del tema sexual entre los protagonistas, aspecto este que seguro sera motivo de escandalo, como ya ocurrio en anteriores films con la misma propuesta (Scorsese, Gibson, Rosi, Jewison o Von Trier, Monty Phyton y Miguel Angel).  María Magdalena es una joven mujer que no está conforme con lo que el mundo tiene reservado para ella y busca un nuevo rumbo que le aporte sentido a su vida. Esto la lleva a desafiar a las jerarquías y convenciones sociales de su tiempo y enfrentarse a su propia familia, de ideas tradicionales, para unirse al nuevo movimiento que lidera Jesús de Nazaret, un hombre con visionarias ideas para la época. No tardará en encontrar sitio a su lado, y le acompañará en su viaje hasta Jerusalén. María Magdalena es, posiblemente, una de las figuras más enigmáticas e incomprendidas para el cristianismo. Con el objetivo de hacer un retrato más biográfico que bíblico del personaje, Garth Davis (Lion), dirige en su segundo largometraje un drama donde se cuenta la archiconocida historia de los últimos días de Jesús a través de los ojos de esta mujer, con la que estableció un vínculo tan estrecho que despertó recelos en el resto de sus seguidores. Este enfoque, basado en los textos antiguos que han sido denominados como el evangelio de María Magdalena, sirve a la película para abordar temas de rabiosa actualidad en torno al papel de la mujer en la sociedad, la igualdad o el feminismo a pesar de estar ambientada dos mil años atrás. Otro de los temas principales es la dinámica de rivalidad que se establece entre la protagonista, considerada por los historiadores como discípula y apóstol de Jesús de pleno derecho, y Pedro, y en la diferente forma en la que cada uno afronta la muerte de su líder espiritual. Los nominados al Oscar Rooney Mara (A Ghost Story), Joaquin Phoenix (En realidad, nunca estuviste aquí) y Chiwetel Ejiofor (12 años de esclavitud) lideran un reparto que también cuenta con Tahar Rahim (Reparar a los vivos) y Ariane Labed.

Raid

El espectador de estos films hindus acude al cine sin practicamente ningun referente informativo ni critico. Una escueta ficha tecnica de nombres desconocidos y algun que otro trailer perdido en internet. El argumento de 167 minutos son dos lineas en la pantalla. Y con mucha suerte puedes llegar traducir muy precariamente alguna entrevista con el director mascerca del spoiler que del comentario critico o analitico. Alla vamos. 

El cineasta Raj Kumar Gupta dice que su película, Raid, le dio la oportunidad de mostrar héroes cotidianos en la pantalla,  después de la debacle de taquilla de su último, Ghanchakkar (2013).

El director Raj Kumar Gupta debutó con el thriller Aamir 2008, protagonizado por el amateur Rajeev Khandelwal. Sus siguientes películas, No One Killed Jessica (2011), protagonizada por Rani Mukerji y Vidya Balan, obtuvieron excelentes críticas. Pero después de su comedia de robos de 2013, Vidya Balan y Emraan Hashmi-starrer Ghanchakkar, Gupta desapareció de la escena.

El realizador regresa con su último film, Raid, protagonizada por Ajay Devgn como un agente de impuestos y Ileana D'Cruz como su esposa. No se plantea nada.

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• Entonces, cuando los productores se le acercaron con la historia de Raid, no pudo resistirlo. "Es una de esas historias que realmente me impresionó. Cuando escuché la narración, inmediatamente supe que esto debía ser contado. Después de que empezamos a investigar, nos encontramos con varias instancias de personas que mostraban su heroísmo incluso como personas comunes ".

Con su última película, Ghanchakkar, fracaso en la taquilla. Había hecho tres películas antes. Dos de ellas, Aamir y Nadie mató a Jessica, fueron recibidos excepcionalmente bien por la crítica y la audiencia. Ghanchakkar tuvo reacciones extremas; algunos lo amaron, otros lo odiaban. Pero recuperó su dinero.

Todo cineasta espera que su película salga bien en la taquilla, y Gupta no es diferente. Solo esperas que a la gente le guste porque se ha invertido mucho dinero. 

Historia basada en hechos reales que se centra en Amay Patnaik, un despiadado recaudador de impuestos que hace una redada en la mansión de Tauji, el hombre más poderoso de Lucknow.

Diez años después de "Aamir", su película de debut, Raj Kumar Gupta vuelve con su reto más exigente: adaptar a la gran pantalla una de las redadas que más impacto causaron en toda la historia de India. Ambientada en los años 80 y en la población de Uttar Pradesh, cuenta la vida de Amay, interpretado por el experimentado Ajay Devgn, con un vagaje de más de 100 películas a sus espaldas. Le acompañan como compañeros de reparto caras conocidas dentro del panorama cinematográfico hindú como Saurabh Shukla ("Pappu Can't Dance Saala") e Ileana D'Cruz ("Phata Poster Nikhla Hero").

Dos de estos intérpretes, Ileana D'Cruz y Ajay Devgn, también compartieron algunas escenas dentro de la película "Baadshaho", estrenada en 2017.

Perdido/Mon garçon

Un thriller al reves. A medida que avanza la película, a mas pistas demasiadas falsas, la tension disminuye, la  credibilidad en la historia desaparece y el argumento se muestra inconsistente. Adscrito al subgenero padre vengador dispuesto a todo para recuperar al hijo secuestrado, la produccion y el director afirman en los medios que Guillaume Canet no conocia el guion y tuvo que improvisar constantemente. No se si cuela. Un geólogo que viaja constantemente por motivos de trabajo, lo que termina por afectar a su matrimonio y distanciarle de su familia. Tres años después del divorcio, recibe un mensaje de su ex-mujer avisándole de que su hijo de 8 años ha desaparecido. Decide volver a casa y descubre cosas de sus seres queridos que antes no sabía. Arrepentido por su larga ausencia, se enfrentará a su terrible sentimiento de culpa y decidirá encontrar a su hijo cueste lo que cueste. Perdido (Mon garçon) es un thriller dramático de producción francesa escrito y dirigido por Christian Carion (Mayo de 1940). Tras realizar varias películas históricas de género bélico, el director cuenta en esta ocasión un thriller contemporaneo. El protagonista, que ha visto a su primogénito en contadas ocasiones tras divorciarse de su mujer, vuelve a casa cuando el niño desaparece en extrañas circunstancias, en un caso que parece tener relación con el tráfico de menores, y que le llevará a tomarse la justicia por su mano. La culpabilidad que siente, provoca que haga cosas irracionales que le llevarán más allá del límite, pero con las que aprenderá a convertirse en padre. La cinta habla de la familia, la culpa y la violencia como camino hacia la redención está protagonizada por Guillaume Canet (Cosas de la edad), secundado por Mélanie Laurent (Malditos bastardos) y el debutante Lino Papa.

La tribu

La tribu tiene el honor  de ser la película 4800 comentada en este blog. "Francamente Scarlett me importa un bledo". Una película de Fernando Colomo, es una produccion relativamente economica, con una buena realizacion tecnica, un humor casposo con algun gag genial, coreografias divertidas y un helenco de actores que darian su vida para que la propuesta quede digna.  Defensor de los valores tradicionales democraticos, sus personajes se dejan la piel para sobrevivir en media de todas las adversidades que proporciona nuestra ya endemica crisis. Con su sello personal inconfundible, tres años despues de su invento de la Isla bonita, vuelve a su simpatico y transversal estilo. Una mujer de mediana edad que trabaja como limpiadora, pero cuya verdadera vocación, lo que realmente le anima, es reunirse con sus compañeras en el grupo de streetdance que han formado: Las Mamis. Su otro motivo de júbilo es que se ha reencontrado con el hijo que dio en adopción, un ejecutivo que lo ha perdido todo, incluso la memoria, al ser descubierto en un coito con su becaria en su despacho. Mientras intentan reconstruir su vínculo materno-filial, descubrirán en la danza el perfecto nexo de unión, pues llevan el ritmo en la sangre. En un terreno que no le es ajeno, el tambien guionista madrileño compone una entrañable comedia, con visos de musical, en la que cuenta el reencuentro entre una madre y un hijo y cómo la danza les une y les hace encontrar su lugar en el mundo. Carmen Machi (Thi Mai, rumbo a Vietnam) y Paco León (Toc Toc) vuelven a trabajar juntos después de la serie Aída y protagonizan esta historia, basada en hechos reales, que habla de Las Mamis, un grupo de la escuela de danza urbana de Badalona que, durante unas horas, se libera de la monotonía a través del baile y contagia su fuerza, emoción y entusiasmo. Algunas de ellas, como Maribel del Pino, participan en la cinta tanto en calidad de intérpretes como de directoras de las numerosas coreografías que aderezan la cinta y que muestran el poder curativo de bailar. Completan el reparto Julián López (Fe de etarras), Arlette Torres (El guardián invisible) y Bárbara Santa-Cruz.

Jeannette la infancia deJuana de Arco

Jeannette es como Jesucristo Superstar pero en version Juana de  Arco. Un delirio de transformacion de un biopic de juventud en un musical naif. La otra  amiga de la muchacha de Orleans aparece en el escenario el minuto 28' y las dos primeras monjitas en el 68. Todo esto "a capella", sintonizado unos versos oraciones mirando al cielo azul con alguna nube. El marco es un desierto con matorrales, que consumen con toda la parsimonia natural unos pocos becerros, tan pocos que ni contandolos te entra el sopor. Respetuosa visualmente, no sabemos si el director Bruno Dumont ha querido reivindicar algo, porque lo que es el mito ha quedado intacto. Es mas que probable que su film como no cuaje en el mundo cinefilo del musical acabe en la hoguera tambien. La provocacion viene tambien del lado musical pues a la soledad en la puesta en escena de la niña cantante, se añade numeros bailables de Rock y heavy metal. Pese a ello. el personaje , crece, engorda incluso corre detras las  cabras perdidas en el riachuelo. Si Dreyer, Bresson o incluso Fleming levantaran la cabeza, se afiliarian a la inquisicion, a pesar de los bellos parajes y homenaje al mundo rural. Cantan en el film Aline Charles, Jeanne Voisin, Lise Leplat Prudhomme  Lucile Gaultier.

el insulto

Un film de juicios, en el que el juez a martillazos va dando pie a los dialogos histrionicos, a las intervenciones que denotan un bajo nivel y para compensar, parrafadas de consideraciones juridicas deslumbrantes. Cine procesal que no deja de desear, recordando frases, la muerte y el exterminio a sus vecinos. Sera por los tiempos que corren pero una joven abogada interpreta la defensa y una señora preside el tribunal. Aunque le va bien para mostrar como un pequeño juicio puede fermentar las masas tambien denuncian que la justicia, al menos la mayuscula debe estar por otros temas. En el Beirut de hoy, una discusión y un insulto alcanzarán una dimensión inesperada. La disputa entre un libanés cristiano, y un refugiado palestino, no deberia llegar hasta los tribunales, donde protagonizará un largo y mediático juicio que llevará a intervenir al propio Presidente y enfrentará a nivel nacional a las dos religiones, que sacarán a relucir sus diferencias en las calles. El Libano, acosado por los problemas religiosos e ideologicos, no deberia llegar a los tribunales un a discusion entre dos obreros por unas goteras y menos que casi provoque una guerra civil. Con el país al borde del estallido social, se replantearán su vida y sus prejuicios. Hace unos años, el director Ziad Doueiri (El atentado) en su cuarto film, que huyo a EEUU a los 20 años para estudiar tuvo una acalorada discusión en su Líbano natal con un fontanero, lo que le llevó a, posteriormente, disculparse con él y ayudarle a recuperar su empleo, que había perdido precisamente por este incidente. Con la convicción de que esta historia era buen material para un film, Doueiri la utiliza para componer la trama de un drama judicial que ha sido candidato al Oscar a Mejor película de habla no inglesa.  De este modo, el duelo en los tribunales de sus dos protagonistas sirve para hablar sobre el estado actual de la sociedad libanesa, y de cómo se ha aplicado la política del olvido. La dignidad y el honor, si se han perdido, se pueden recuperar de otras maneras, tan civilizadas y menos costosas. Al frente de este optimista y humano relato se encuentran Adel Karam (¿Y ahora adónde vamos?), Christine Choueiri y Kamel El Basha, a los que acompañan Camille Salameh (Stable Unstable) y la debutante Rita Hayek.

Tomb Raider

Ritmo, accion trepidante, un enemigo no a las puertas sino convincente, pero nada mas. Produccion de lujo como para colgar un avion en una cascada, o organizar carreras de bicicletas en el East londinense. El estres de los actores impide ningun matiz interpretativo y solamente tienen tiempo para mirar la tercera  entrega en la que parece que Lara, se enfrentara a una logia. Y suerte que Lara es espabilada porque toda su familia es un desastre, aunque quiza han fundado las bases  de una  serie comica de superheroes. Con un padre que malbarata los poderes sobrenaturales a los que accede buscando paliar la ausencia  de la madre. Positiva es la incorporacion de Alicia Vikander al personaje. Y el director Roag Uthaug, controladas ya las olas que amenazaban a los fiordos de su Noruega, nos remite al cine de aventuras de finales del siglo pasado con algunos efectos especiales y todo. Entre ellos recibe mas estopa nuestra nueva heroina que la Jolie en sus anteriores metrajes. Flechas y carreras agotadoras, nos acercan esta vez mas a Lara Croft, que es hija de un prestigioso y millonario aventurero que desapareció cuando era niña. Sin intención de aceptar su pérdida ni de encargarse de su imperio empresarial, Lara malvive en Londres como mensajera. Pero algo la impulsa a resolver el misterio de un feretro que ha descubierto su "gafe" progenitor y la lleva hasta su último paradero conocido, una lejana isla en la costa de Japón de la que no se regresa, y donde se oculta una tumba de una mujer nipona, repleta de peligros que pondrán a prueba su inteligencia y espíritu de supervivencia para convertirla en una Tomb Raider. El videojuego creó a una heroína cazatesoros, capaz de rivalizar con el mismísimo Indiana Jones, y no terminaban de hacerle justicia. Como en las videoconsolas de nueva generación, esta intrépida aventurera se renueva para la gran pantalla, más atlética que voluptuosa, en el reinicio de la franquicia dirigida por Uthaug en su primera experiencia en Hollywood. La ganadora del Oscar Alicia Vikander (Jason Bourne) supone una versión más joven de la protagonista en esta historia de iniciacion, donde una desorientada Lara  encontrará su lugar en el mundo y se convertirá en saqueadora de tumbas mientras intenta esclarecer, con inteligencia y resistencia, el misterio de la desaparición de su padre, interpretado por Dominic West Enigmas y trampas que se inspiran en el videojuego superventas de 2013 se convierten en la película en escenas que sitúan al espectador en el centro de toda la acción. Completan el reparto la nominada a un premio de la Academia Kristin Scott Thomas (El instante más oscuro), Daniel Wu (Geostorm) y Walton Goggins (El corredor del laberinto: La cura mortal) como el malo de la función.

The best day of my life

Una mujer ha iniciado un cambio hacia un cuerpo que respete su alma pero todavía teme revelar su verdadero yo. Una activista lesbiana de Uganda, uno de los países más homófobos del mundo. Y una pareja vive en Rusia, donde se castiga cualquier gesto público de homosexualidad. Una actriz transexual que ha perdido el contacto con su familia. Un deportista gay y sordo que sabe lo que es vencer obstáculos. Sus historias se encontrarán en el World Pride 2017 de Madrid. Fernando González Molina (El guardián invisible) escribe y dirige este documental que gira en torno a la celebración de una fiesta que sirve a personas de todo el mundo para expresar con libertad y orgullo su condición sin temor a la represión o el rechazo. En la cinta, el director se centra en seis diferentes puntos de vista de miembros del colectivo LGTB, desde transexuales a lesbianas, pasando por gays, que cuentan sus diferentes experiencias de vida, y cuyos caminos convergen en una cita inolvidable como fue la gran fiesta del Orgullo Gay. Cada relato sirve para mostrar todo lo que todavía queda por andar en algunas partes del mundo en materia de respeto a la diversidad y los derechos, si bien también refleja con un tono optimista la esperanza y la lucha de aquellos que quieren vivir lo que son con alegría y sin esconderse. Abril Zamora, Ruth, Max, Nick, Geena y Timo protagonizan este emocionante viaje cuyo nexo común son los conflictos en torno a la identidad y la orientación sexual y que sirve como homenaje al colectivo LGTB, las personas que lo forman y la propia capital, como una de las ciudades más abiertas y tolerantes del mundo.

100 dias de soledad

José Díaz muestra cómo fue su vida durante el largo período de 100 días que estuvo en soledad en una cabaña del Parque Natural de Redes, en Asturias. Grabándose a sí mismo, enseña cómo sobrevive en medio de la naturaleza y únicamente con los recursos que ésta le proporciona, desconectado de todo: sin electricidad, ni móvil, ni reloj, ni Internet. El protagonista pretende así volver a los orígenes y cuestionar la deshumanización y la vida estresante de los seres humanos en plena era tecnológica.  Díaz es un fotógrafo y naturalista que realizó este proyecto entre los meses de septiembre y diciembre de 2015. Inspirado en el éxito de programas televisivos, decide refugiarse también en la naturaleza, pero sin tener un equipo de profesionales que lo acompañen ni recrear situaciones falsas. En este documental, donde Díaz debuta como director con la ayuda de Gerardo Olivares (El faro de las orcas),  se muestra a un hombre solo, aislado y confinado en el bosque durante cien días. Así, el espectador vive una experiencia real a través de las vivencias del aventurero y puede observar qué recursos utilizó para alimentarse y soportar el frío, como se enfrentó a los problemas de la situación o cómo evitó sufrir alucinaciones o escuchar voces, entre otras dificultades. De este modo, el objetivo final de 100 días de soledad es tomar conciencia del entorno y cuestionar la dependencia que tenemos los humanos de las redes sociales, que alteran nuestras relaciones personales. La película se enmarca también dentro de lo que se conoce como movimiento slow, con el que el individuo busca llevar una vida más plena y desacelerada, sin los ritmos que impone la ciudad, para poder aprovechar y vivir intensamente cada segundo.

Camino a la paz

Francisco Varone estrena su ópera prima un largometraje de ficción. Una road movie protagonizada por el destacado actor de cine Rodrigo de la Serna y el actor y director de teatro, Ernesto “Flaco” Suárez. El eficaz y veterano doblete está acompañado por la actriz Elisa Carricajo, así como por numerosos actores y extras que se van incorporando a medida que avanza la película. La síntesis argumental es que Sebastián (De la Serna) es un joven de unos 40 años recién casado, cuyas pasiones son la banda de rock argentina Vox Dei y su viejo Peugeot 505. Obtiene un empleo como chófer de alquiler y recibe una curiosa propuesta de un cliente. Jalil (Suárez) es un pasajero musulmán que solicita sus servicios de transporte asiduamente y que un día determinado le ofrece una importante suma de dinero para que lo lleve en automóvil desde Buenos Aires hasta La Paz, en Bolivia. Con mucha desgana, acepta hacer ese viaje, planificado con mucha meticulosidad por el anciano. Una vez que comienza el trayecto, casi siempre inicia discusiones con Jalil por temas como que no se permite comer dentro del coche, o el tipo de música que se va escuchando. Mientras que el viejo espera poder llegar a tiempo a La Paz, el viaje se convierte en una especie de éxodo para el joven, ya que parte de un punto de vista algo opuesto, al tiempo que padece una crisis con su pareja por cuestiones económicas. Es un drama con muchas pinceladas de humor, cuyo tema principal es el de la pereza a la hora de concebir el mundo bajo otra perspectiva que no sea la del aprendizaje constante y el intercambio entre creencias y culturas. Para la representación del universo musulmán que envuelve a Jalil, Varone eligió a la que posiblemente sea la secta del Islam más pintoresca y peculiar, el sufismo, capaz de transformar su espiritualidad en algo más místico y transversal a diferencia de ramas religiosas islámicas. Varone demuestra ser en este debut, un director con recursos técnicos y narrativos de cine, aparte del notable impulso que le supuso el haber contado con unos actores como Rodrigo de la Serna. El rodaje de esta road movie se llevó a cabo en las localidades argentinas de Buenos Aires, Pergamino, La Falda, Rosario de la Frontera y La Quiaca; y en las bolivianas de Villazón, Potosí y La Paz.

Un pliege en el tiempo/A wrinkle in time

Sin una trama convincente y con la textura del cine Disney del siglo pasado llega a confundir el objetivo de dos hermanos que buscan a su padre, un cientifico desparecido. Ni que decir tiene que tanto la directora Ava Duvernay, como  los niños Storm Reid y Oprha Winfrey deben  imperiosamente reforzar su identidad y tirar lastre de sus inseguridades Y miedos. Emn el film ya lo hacen pero no sobre nosotros. Por este camino Disney nunca saldra de su castillo encantado y lsas princesas tampoco querran acercarse a las salas donde no se rompe con la sensibilidad de ayer.

Loving Pablo

Cuesta entender la fascinacion que Fernando Leon de Aranoa siente por este Pablo y no el Picaso por ejemplo. Quiza era para darnos a conocer que el mundo de los narcotraficantes, (y el de Stalin esta misma semana) son mucho peores que el que vivimos cotidianamente pero ademas que duran lo que el control superior que lo consiente.Es un poco como las guerras. Te pasas la mañana matando y por la tarde deciden que ya se ha acabado. Se escapa algun tiro mas, pero a casa. Aqui la guerra mas que sucia es entre EEUU y Colombia y el narcotraficante por la distribucion, problema no resuelto todavia. El film a honor y gloria de Pablo Escobar, deja al espectador sin un referente amable a quien agarrarse (aquel inspector de la CIA bueno) Y la pregunta es, como hacen el en film que quien paga los pisos, quien paga la pelicula o a quien beneficia su difusion. O la ceremonia de la confusion que se produce por la interpretacion de Javier Bardem, mas psicotica que la del propio personaje y la babel de dialectos ( el paisa y el rolo)e idiomas, la misma pareja protagonista habla colombianos distintos en los alambicados dialogos. No es la evolucion de un hombre seducido  por  el dinero, ansioso de poder, fascinado por la muerte, sino que ya es un terror, cruel y salvaje desde su origen. Un Bardem engordado notablemente para sugerir todavia mas peso, mas volumen para la opresion y para completar la parte de carne con la  porqueria. Explica la historia, mas bien boutades, anecdotas y curiosidades reunidas Virginia Vallejo, Penelope Cruz, que parece que tendria que tener tambien mas peso, pero queda en una  relacion secundaria, cuenta hechos que ni presencio, femeninamente asquerosa y cinematograficamente insignificante. El narco le hace ver en dos cruentas escenas que de aquel mundo no saldra nunca. Cuando el film esta basado en la novela de la pareja del narco y periodista," Amando Pablo, odiando Pablo", que nos pasea desde el fortin palacio del cacique en la selva hasta los barrios miserables de Medellin y otros carteles de la droga que tambien participan en la guerra. Peter Sarsgaard y Juliet Restrepo tambien estan. Peliculas y series beatifican y engrandecen la figura del violento traficante a lo grande, sembrando la muerte por doquier, mataba al interesado y de paso a toda la familia  y aniquilando a consumidores y camellos, parece que todo ello para ser mas querido, mas respetado por el mundo que manejaba sus millonarios alijos y partidas. Un mundo que como la barriga, pudo deshacerse de la maldita protesis el 1993. Cuando alguien dijo, "esta guerra ha terminado". Vulgar version pues, de una historia de una mujer ,estrella del periodismo a la que compro su cama a cambio de su intimidad.

Historias de una indecisa/L'embarras du choix

De la grandeur del cine frances quedan estas buenas comedias que anuncian la primavera. Un ritmo endiablado, entrada y salidas de escenas constantes, interpretaciones mesuradas, dialogos ingeniosos, intriga hasta el final y una protagonista absoluta que podria ser cualquiera de nosotros, Alexandra Lamy. Eric Lavine es quien domina las tres patas de la comedia francesa, amor, gastronomia y enredo. El unico punto debil del guion es el exceso de escenas publicitarias que nos acercan demasiado a un programa televisivo de cocinas. Las representan tres amigas, rondando la cuarentena, nada conservadoras que comparten modos y formas de seduccion. Una peluquera con familia cerrada con gato, una artista asidua del amor libre y una indecisa recalcitrante, que dudaria hasta de como suicidarse y a la que el guion ofrece la posibilidad de elegir entre dos personales y curiosos amantes accidentales, los correctos Andre Ducruet y Jamie Lember a los que secunda Anna Marivin. 

Winchester: la casa que construyeron los espiritus

Retorcido titulo del tipo llamado sinopsis. Basada en relativos hechos reales, una rica mujer de una saga de industriales fabricantes del famoso rifle Winchester hacia los años 70 del 1800 en pleno Oeste americano, nos cuenta la obsesion de Sarah Winchester, por ir reconstruyendo continuamente su magnifica morada de estilo gotico en San jose California. El film entraria en el genero casas encantadas. Interiores imposibles, magnificas estancias, laberintos impredecibles, acogen las relativamente miedosas apariciones de fantasmas que a lo sumo ponen los ojos en blanco. Parece ser que los fantasmas serian los espiritus de las personas fallecidas bajo las balas del rifle con recarga, aunque nada de los casos verdaderos fueron tan terribles como en el film, donde algunos rozan la risa. Esta puede ser la base de una serie con miles de capitulos. Los hermanos Peter i Michael Spierig no sacan demasiado provecho de sus principales protagonistas, la casa y la omnipresente de Helen Mirren. Hay que referenciar que la dirigen quienes firman en este caso el guión junto a su colaborador Tom Vaughn.

En Winchester, como película, estamos ante una historia real apasionante que si uno investiga por su cuenta puede hasta disfrutar. Conocida también en ciertos ámbitos por su leyenda como "la maldición de la casa Winchester", el texto de la película parte de un caso verídico que es mucho más relevante que lo que se ha visto al final trasladado de ella en la gran pantalla.Simplemente buscando documentación y leyendo sobre esta historia, dan ganas de conocer más sobre Sarah Winchester, heredera directa de la fortuna del creador del famoso rifle. La propia Sarah (Helen Mirren )en uno de los trabajos en los que menos partido se ha sacado de su gran talento) se volvió algo obsesiva y alcanzó una infelicidad y depresión enormes.

Fallecidos su esposo y su hija, la rica viuda no veía horizontes a su vida y gracias a la ayuda de una médium decidió ahuyentar su mala suerte cambiando de residencia, mudándose a San José (California). Allí se le ocurrió construir, hasta el final de sus días, una enorme mansión con 160 habitaciones, pasillos interminables, con zonas y salas sin sentido. Al parecer, dicha casa solo tenía un fin: limpiar y albergar en paz las almas de los espíritus de todos aquellos fallecidos a causa del rifle que su padre había inventado. La historia, así leída y contada es mucho más que atractiva. Apetece conocer más sobre la personalidad de esta mujer, que se sentía desamparada a pesar de tener una fortuna eterna hasta el fin de sus largos días puesto que no murió hasta los 83 años). Clarke es un médico llamado Pryce con traumas interiores y complejos ocultos que divagará dialogando con esta señora. Lo primero es que el personaje no hace aparición física hasta transcurridos 20 minutos; todo lo previo es bastante perezoso y de poco enganche. Una vez la vemos en su especie de trastorno emocional en la casa, con el doctor como vigilante y protagonista con el que vivirá el supuesto sufrimiento el espectador, no termina de conectar. Nada de thriller de calidad. Poco de terror puro. 

Bajo la piel del lobo

Empieza esta pelicula pequeña de Samu Fuentes, como para esperar que todo el mundo este sentado, pero no, es para mostrarnos en unos 20 minutos de silencio total como es la vida en estos paramos salvajes que habitan cuatro cabras y su cuidador. Contempla tambien este paisaje fuera de la civilizacion, las ansias de dinero y una mujer . Un fino personaje, gran deficiencia de maquillaje, sobrevive enfrentando se a los lobos sin un rasguño de experimentado cazador y soltando solo de vez en cuando alguna   frase filosofica tipo "la vida dura no tiene porque ser mala". Mario Casas esta mejor cuando interpreta a Jeremiah Johnson, es un decir, que cuando se tiene que desenvolver con la civilizacion cuando se funde la nieve. no es extraño si contemplamos el infinito numero de hogueras, y hacer negocios con su propio padre. La unica vencedora del match tecnico es la imagen, superlativa frente a los dialogos, que por infimos tienen su que. Algun grupo levantara su voz por el intercambio de una mujer por la pieles que no se podra ni poner. Casi no hablan en el film Ruth Diaz, Quimet Pla Irene Escolar y Josean Bengoetxea.. Ambientada en los años 30, cuenta la historia de Martinón, el último habitante de un pueblo aislado en la montaña. Sólo baja al valle una vez al año, y en una de esas llega a un acuerdo económico con el molinero para casarse con su hija, lo que cambia radicalmente su vida. Para preparar el papel, no sólo tuvo que engordar, también aprendió a poner cepos, a seguir el rastro de animales, a distinguir sus excrementos, ordeñar cabras o tratar pieles. No hay manipulación en el montaje, es él quien lo hace todo en pantalla. "He aprendido a oler mejor, como los lobos", bromea en las entrevistas próximamente se dejará ver como el fotógrafo Francesc Boix, superviviente de un campo de concentración, en El fotógrafo de Mauthausen. Martinón es, en todo caso, lo más alejado a un galán: es bruto, habla poco, come con la boca abierta y prácticamente viola a su mujer en las escenas de sexo.Hay que tener en cuenta el contexto de la película, el mundo rural y los años 30, para comprender a los personajes, aunque en el caso de las mujeres hay dos casos opuestos. Ruth Díaz representa a una mujer sumisa, que acepta lo que el sistema patriarcal le impone, mientras que Irene Escolar se rebela y lucha por su libertad. Una de las cosas más interesantes del rodaje fue trabajar con tan poco texto. Los personajes transmiten todo con sus cuerpos, sus miradas, apoyados en el ambiente, los sonidos, los silencios y la música. El director y guionista Samu Fuentes ha tardado nueve años en poder llevar a buen puerto este su primer largometraje de ficción. La inspiración la encontró paseando un día por el monte en Asturias, cuando un amigo le contó la historia real de Martinón, un pastor que había comprado a su mujer a finales del siglo XIX. A lo largo de estos nueve años, el proyecto ha cambiado mucho. Al principio iba a ser un documental, luego vio el potencial dramático y pasó a ficción, y en el "casting" se barajó a Antonio de la Torre como protagonista, pero al posponerse el rodaje no pudo hacerlo y fue así como surgió la opción de Mario Casas.

La muerte de stalin

Debe ser complicado acercarse artistica y culturalmente a figuras como Stalin. Hitler o Al Capone, ETA o el yidahismo. No son Van Gogh o Chaplin por decir algo. Dicho esto, el humor es una manera de abordarlos. Pero como mas sanguinario es el objeto  del biopic, mas dificel es hacer un "PoloniA". Entonces pasa como en el film de Armando Iannucci, que se roza el esperpento, con salidas de tono incluso para los contrarios o adversarios politicos. Con una satira endeble, el film esta prohibido en Rusia, la situacion no se sostiene y optan por "matarlo" pronto y pueden seguir con la farsa como efectivamente hacen todo su gabinete buscando la sucesion del dictador ya sin la intimidadora presencia de este. En esta carrera, nada ha cambiado en la actualidad. El film nuestra un pueblo escondido por miedo y angustia del mandatario depredador. El escarnio pues preside la reconstruccion  de los hechos acaecidos los dias previos a la muerte natural y posteriores semanas del gabinete. Los poderes miedosos del estilo criminal del lider sovietico, que en su locura final aumento la presion de las purgas con miles de muertos asesinados. Destacan en este guion ciertamente dificil deinterprtar por todo  lo expùesto Steve Buscemi, que sera el futuro Krucheff contra  todo pronostico Olga Kurylenko, Andrea Riseborough, Jason Isaacs, Paddy Considine, Jeffrey Tambor, Michael Palin, Rupert Friend, Simon Russell Beale, Paul Whitehouse y Dermot Crowley.

Kilian Jornet path to Everest

Como encontrar un lenguaje, un estilo literario, una literatura que pueda describir, glosar, cantar demostrar la epica que muestra este documentals del fuera de serie Kilian Jornet. Kilian Jornet estrena su nueva película  “Path to Everest”. Tras el reciente cortometraje “Testing Ourselves”, este nuevo film recoge la doble ascensión al Everest realizada el pasado Mayo del 2017, donde en cuatro días Kilian Jornet alcanzó la cima en el Everest dos veces y sin usar oxígeno artificial. Dos veces por que algunos dudaron de la primera, y como estabamos alli... La película supone tambien el punto final del proyecto Summits of My Life, que desde 2012 hasta 2017 ha llevado a Kilian por varias de las grandes y altas montañas del mundo.

Repasa el largo camino desde que nació el proyecto en 2012 hasta su conclusion con el lanzamiento de este largometraje. Sueños, exitos, sonrisas, accidentes…de todo hubo.

El documental recoge también la trayectoria vital de Kilian Jornet desde su infancia hasta la consecución de su proyecto personal “Summits of My Life”, que le ha llevado durante cinco años a intentar establecer nuevas marcas de velocidad en montañas de todo el mundo. A destacar, para los aficionados, algunas de las imágenes y reflexiones de familia y entrenadores de aquellos primeros años de juventud con su entrada en el mundo de los deportes de montaña.

Summits of My life: Plan original 2012.

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Kilian Jornet escribió cuando era niño una lista de todas las carreras que le gustaría ganar y todas las montañas que soñaba escalar. En mayo de 2017 tachó la última cumbre de la lista en completar un histórico doble ascenso al Everest solo, sin oxígeno y de una sola tirada.

“Path to Everest”, dirigido por Sébastien Montaz-Rosset y Josep Serra, descubre también su cara más íntima con sus miedos, sus contradicciones y sus ilusiones para seguir buscando nuevos retos que le permitan seguir soñando, siempre rodeado de montañas y de aquellos que lo inspiran.

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Kilian Jornet es el protagonista de “Path to Everest” que también cuenta con los testimonios de destacados alpinistas como Reinhold Messner, Jordi Canals, Jordi Tosas o Peter Habeler. Unos se posicionan a favor, otros en contra del valor de las ascensiones realizadas, por cierto.  Figuran tambien personajes clave del entorno de Jornet como Emelie Forsberg, Bruno Brunodo el propio Sébastien Montaz-Rosset. El documental también hace un repaso por la historia de las expediciones que desde principios del siglo XX intentaron conquistar el Everest, y como después de hacer cumbre en el techo del mundo muchos alpinistas se han atrevido a ir desafiando las leyes de la naturaleza para hacer expediciones cada vez más puristas y técnicas. 

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La película desde el primer minuto arranca con fuerza viendo como los grandes también tienen que renunciar y pasan miedo. En el desarrollo de la película distintos personajes que forman parte de la vida de killian nos hablan de su trayectoria desde que era un niño , en este aspecto es muy interesante ya que hay facetas personales suyas poco conocidas sobre todo cuando le llegan los malos momentos personales y asoma esa autodestrucción de la que habla mucho Nuria Burgada , madre de Kilian, si que me gustaría resaltar que demuestra una gran honestidad al aparecer cuatro veces Messner….y en las cuatro critica negativamente a Kilian y aun así aparece en la película. Esto nos demuestra la mente abierta del protagonista, así como que para él las opciones de ascensiones y su forma de hacerlas son personales y todas válidas.

La película habla también de sus peores momentos como cuando en 2011 sucumbió a la presión mediática y tuvo que replantearse su forma de actuar en este mundo, y sobre todo la muerte de Stephane Brosset compañero y amigo en un trágico accidente en el que los dos iban juntos. También hay momentos graciosos como cuando habla de su relación con Emilie, la verdad es que la química entre ambos es evidente y hay un par de pasajes muy graciosos con los que es imposible que no aflore una sonrisa cómplice en el espectador. Kilian , una persona muy introvertida , es capaz ante la cámara cuando va solo de soltarse, hacer bromas y transmitir una alegría que en su grupo de amigos también tiene pero que le cuesta mostrar ante el público…

Puede ocurrir que al ver esta película le devuelva a su infancia cuando el domingo, al caer al tarde por la tarde se reunia la familia para disfrutar con aventuras que nos hacían soñar, donde el miedo y el riesgo. Aqui es muy palpable todo esto, extrapolado a una nueva forma de entender la montaña. Dos meses de entrenamientos, los mas duros de su vida, conectar  todo el equipo de making off, pero quien filma imagenes, un dron, un helicoptero, un principe sherpa que es el Kilian oriental? ¿Es posible escalar una cima de 8.000m en quince días? ¿Qué aclimatación hay que hacer y cómo afecta al cuerpo? Esas preguntas que estaban en la cabeza de los atletas de montaña Kilian Jornet y Emelie Forsberg. Para buscar la respuesta se embarcaron en un proyecto para intentar hacer cima en el Cho Oyu (8.220m) con un nuevo método de aclimatación que puede revolucionar el alpinismo. El resultado de este experimento es “Testing Ourselves”, un documental de diecisiete minutos que hoy se encuentra disponible online en las redes sociales de ambos deportistas. Para intentar describir las imagenes no he encontrado un lenguaje adecuado. Es todo tan impresionante desde el  punto de vista del humano medio que puede parecer sencillo como ir a comprar un refresco. ..Y no. Es lo maximo, lo ultra , lo inalcazable , lo supremo, a donde puede llegar el dominio de la mente y el cuerpo de un ser de carne y huesos.  Subir a pie al Everest, dos veces en 4 dias, anda ya!!!!